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miércoles, 28 de febrero de 2024

Bob Dylan - Time Out of Mind (Mes Bob Dylan)

 

Time Out of Mind de Bob Dylan es fácilmente el mayor logro de Bob Dylan desde su apogeo en los años 60, se prodria decir que es que es el primer gran álbum de rock de una estrella envejecida que aborda honestamente el envejecimiento y la mortalidad ya que la música rock es un juego de jóvenes, siempre lo ha sido. Si miramos a rockeros glam envejecidos como Motley Crue o Poison, todavía mantienen una imagen de juventud, aunque claramente ya no lo son. Time Out of Mind de Dylan es un álbum es el álbum que muestra cierto hastió del mundo, y no posee la teatralidad del material post- Rain Dogs de Tom Waits o el sentimentalismo doméstico que se encuentra en gran parte de The Blue Mask de Lou Reed. Para ayudar a realizar esta grabación está el productor Daniel Lanois, quien produce su mejor trabajo hasta el momento (incluso mejor que en Wrecking Ball de Emmylou Harris). Transforma la voz devastada por el tiempo de Dylan en un instrumento poderoso, hay veces que Dylan suena como un hombre moribundo y en otras como un hombre en medio de un amor, y en su forma más perversa, como un demonio intrigante. La banda de acompañamiento de Dylan es sólida y logran lo imposible: hacen que Dylan suene realmente sexy (¿No me creen? Escuche "'Til I Fell in Love With You" o "Cold Irons Bound"). El giro de Dylan hacia el blues tiene sentido y proporciona el telón de fondo musical perfecto para este conjunto de canciones, que alternativamente se centran en los corazones rotos de los años cincuenta ("Love Sick", "Million Miles", "Make You Feel My Love"), la mortalidad ("Not Dark Yet") y la pérdida de la juventud ("Highlands"). Estas canciones están llenas de angustia y júbilo, como deberían hacerlo todos los grandes blues.

Time out of Mind - Bob Dylan

Love Sick, camina arrastrando los pies por calles vacías bajo la lluvia, una maraña de guitarras deformadas, órganos embrujados y baterías débiles que enmarcan acertadamente su estado de ánimo sombrío, Dylan está cabreado con el mundo, juzga a las personas que sonríen y critica su ilusión de felicidad. “Estoy harto del amor/Ojalá nunca te hubiera conocido”, dice tranquilamente en el coro final, dirigiendo su ira no a nadie en particular sino a la idea de la conexión humana en general. “Estoy harto del amor/Estoy tratando de olvidarte”. Los primeros cinco minutos de “Love Sick”, suenan tan sobrenaturalmente geniales que la canción quedó inmortalizada en un anuncio de Victoria's Secret, pero son puramente una pose. Después de que Dylan repasa ese último estribillo, se derrumba en la confesión que marca el tono de la mayor parte de Time Out of Mind: "Simplemente no sé qué hacer/Daría cualquier cosa por estar contigo", canta, con su voz ahora entrecortada, la banda se aleja y deja que la melodía baile al aire libre, como si ellos también estuvieran sorprendidos por la repentina franqueza de su maestro. Este es el momento en el que llegamos al corazón de Time Out of Mind, donde Dylan se arrastra dentro de su propia depresión. Dirt Road Blues, convierte la visión de un arco iris en un ejemplo de dolor. En otros lugares, las fiestas le dan dolores de cabeza. Alternativamente está frío y arruinado, acalorado y sin rumbo. “Es muy triste ver cómo la belleza decae”, una letanía ventilada de agravios en la que pierde casi todo lo que considera sagrado. “Es aún más triste sentir que el corazón se aleja”. Por extraño que parezca, Trying to Get to Heaven ha resultado inspirador durante mucho tiempo, dado el arco posterior de la carrera de Dylan: “Cuando piensas que lo has perdido todo/Descubres que siempre puedes perder un poco más”, medio gruñe hacia el final, alcanzando el apogeo de su tristeza. Pero Time Out of Mind ganó tres premios Grammy e impulsó la verdadera segunda venida de Dylan: una serie de álbumes hiperestilizados y de producción propia que convirtieron su amor por el blues, los estándares y la literatura en un estilo americano impresionista e intrincado. En tus momentos más sombríos, recuerda cuán cercano a la muerte suena aquí Dylan y exactamente cuánta vida le quedaba en realidad. 

Time out of Mind - Bob Dylan
En medio del triste y majestuoso vals de Standing in the Doorway, dice su mejor mentira: “Estaría loco si te aceptara de regreso”, canta, mientras las guitarras slide se curvan debajo de él como confusos signos de interrogación. "Iría en contra de todas las reglas". Esto es lo que se supone que debe decir, por supuesto, para salvar las apariencias cuando todo el álbum trata sobre cómo no recuperarla será su ruina. ¿Quién no ha estado aquí antes, completamente abatido, pero tratando de fingir que tienes la ventaja en algún enfrentamiento romántico?. Para aquellos que “no entienden el blues”, Million Miles es una de esas canciones que no tiene ningún sentido. Así que recurren a comentarios cínicos con la esperanza de parecer inteligentes, mientras que en general, de hecho, en relación con esta canción en particular y el blues en general, se hacen ver como imbéciles. Para aquellos que “no entienden el blues”, Million Miles es una de esas canciones que no tiene ningún sentido. Así que recurren a comentarios cínicos con la esperanza de parecer inteligentes, mientras que en general, de hecho, en relación con esta canción en particular y el blues en general, se hacen ver como imbéciles. En Trying To Get To Heaven llega un momento de ajuste de cuentas, cuando Dylan reconoce que las puertas del cielo no son una política de puertas abiertas: se deben cumplir condiciones para poder entrar, y él está luchando para evitar que la tristeza se convierta en una amargura que traería muerte espiritual. En 1965, Dylan era un símbolo de fuerza y ​​modernidad cuando arremetió con arrogancia contra todos y contra todo en “Like A Rolling Stone”; su voz cortó hasta los huesos mientras se burlaba y se burlaba de aquellos que comenzaban a cosechar lo que habían cosido, escupiendo alegremente las palabras inmortales: "Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder". Ahora, es una historia drásticamente diferente: con una voz dolorosamente cansada del mundo, canta: "Cuando piensas que lo has perdido todo, descubres que siempre puedes perder un poco más". 'Til I Fell in Love With You presenta el propio relato del narrador sobre su estado físico y mental tras su pérdida. Su agitación interior se hace evidente al dirigirse a veces a su amante y otras veces a sí mismo. Describe sus sentimientos, emite juicios sobre lo que le ha sucedido y sus causas, hace observaciones sobre su entorno y sus supuestas expectativas para el futuro. Sin embargo, no se puede confiar en mucho de lo que dice. Es contradictorio, exagera el efecto de sus problemas, es inconsistente y se entrega al autoengaño. Él también es falso y en todo momento parece culpar a su amante por el estado en el que se encuentra. En ninguna parte es autocrítico sobre el trato que le da a ella o sobre su falta crónica de acción. Sucumbe a la oscuridad en Not Dark Yet, tan alejada que ya no puede recordar la luz: “Cada nervio de mi cuerpo está desnudo y entumecido/Ni siquiera puedo recordar porque qué vine aquí para alejarme. .” De hecho, el corazón de Time Out Of Mind es el corazón de la oscuridad misma, una vez que se rechaza la fe, la amargura se convierte en odio, y en Cold Irons Bound, Dylan está totalmente impulsado por esa fuerza destructiva. “Una mirada a ti y estoy fuera de control/Como si el universo me hubiera tragado por completo”, canta mientras la banda toca un ritmo que recuerda a “Midnight Rambler” de los Stones, y es todo lo que puede hacer para contenerse. volando en ira.

Time out of Mind - Bob Dylan

Todas las imágenes románticas de la canción sobre cálidos abrazos, lágrimas secas y autosacrificio son puramente hipotéticas, cosas que él “podría” hacer si el sujeto simplemente se sometiera ya a sus insinuaciones. En las cinco etapas del duelo, esto es negociación, y aquí es un asunto particularmente desagradable. "Sé que aún no has tomado una decisión, pero nunca te haría mal", suplica, y el rastro de culpa en su voz desaparece tan rápido como apareció. Deja clara su exigencia. "Lo supe desde el momento en que nos conocimos/No tengo ninguna duda de a dónde perteneces". En contexto, Make You Feel My Love no es una chuchería romántica; es una amenaza férrea en un guante de terciopelo, un último intento de forzar el amor del oyente a cualquier precio. Los fieles de Dylan odiaron “Make You Feel My Love” desde el principio. Ian Bell, el fallecido periodista británico y exhaustivo analista de Dylan, bromeó diciendo que la canción “debería haber sido enviada instantáneamente, gratis, a Billy Joel, Garth Brooks y el resto de los baladistas que se llevarían las cosas insípidas a sus corazones sentimentales. Sin embargo, es una canción que vale la pena reconsiderar, no en la traducción sensiblera de Joel o incluso en la austera de Adele, sino en su configuración original. Esas famosas versiones suenan alternativamente triunfantes o quejumbrosas, lo suficientemente adecuadas para un sencillo independiente. Pero incluso cuando Dylan toca el tierno piano sobre un órgano con cubierta tipo almohada, suena absolutamente destrozado y las grietas de su voz se ensanchan hasta convertirse en abismos. De vez en cuando hay un susurro de percusión y un distante lamido de guitarra acústica, pero en su mayor parte él mismo tiene que luchar contra estos sentimientos. Este es el verdadero pozo de su desesperación, oculto para leerlo como un romance para salvar las apariencias. Es una pieza esencial de esta imagen, un último intento de recuperar la cordura por parte de alguien que ha perdido el control. En Can't Wait, suena casi patético, con la voz quebrada mientras canta: "Pensé que de alguna manera me libraría de este destino". Un corazón roto gravita hacia la amargura cuando se rechaza el amor, porque temporalmente alivia el dolor. Si se le permite persistir, la amargura se convierte en odio. A lo largo de Time Out Of Mind, Dylan nos ofrece una mirada de cerca de lo que puede suceder cuando la línea entre el amor y el odio comienza a desdibujarse, advirtiéndonos que la línea es más delgada de lo que nos gustaría reconocer. Finalmente, en el final épico de 16 minutos, Highlands, la luz de la redención comienza a brillar, Dylan se da cuenta de que ha tocado fondo por completo, que no hay otro lugar al que volver excepto a un lugar más elevado. Todavía es un desastre emocional, pero ahora canta sobre "un viento que susurra", cuando antes "El viento de Chicago me hizo trizas". Finalmente encontró refugio de la tormenta; acepta su destino y concluye: "Aún no ha llegado a ese punto, pero sí en su mente, y eso es suficiente por ahora".

Time out of Mind - Bob Dylan

Lo que hace que Time Out of Mind sea aún más impresionante es lo inesperado que fue cuando llegó por primera vez a las tiendas de discos en 1997. Dylan realmente no había tenido un período creativo productivamente desde mediados de la década de 1970, cuando lanzó la doble amenaza de Blood on the track o Desire. Si fracasó en la década de 1970, en la década de 1980 se mostró positivamente burlón y lanzó trabajos muy lejos de lo que había sido él (aparte de temas ocasionalmente brillantes como "Every Grain of Sand", "Angelina" o "Blind Willie McTell"). Se mostró prometedor con Oh Mercy de 1989 , pero realmente no pudo mantener su impulso (aunque lanzó dos excelentes álbumes de versiones de blues y folk a principios de la década de 1990 que pasaron desapercibidos en ese momento). Los signos de un resurgimiento aparecieron en un lugar curioso: su actuación en el MTV Unplugged de 1995 . Con nuevos arreglos extraños y un entusiasmo renovado, parecía que Dylan podría encaminarse hacia un renacimiento tardío de su carrera.

domingo, 25 de febrero de 2024

Bob Dylan - Desire (Mes Bob Dylan)

Desire, Bob Dylan




     Desire es el decimoséptimo álbum de estudio de Bob Dylan. Fue grabado entre julio y octubre de 1975 en los Studio E y los Columbia Recording Studios de Nueva York, bajo la producción de Don DeVito, y publicado el 5 de enero de 1976 por el sello discográfico Columbia Records. Este trabajo requirió de un gran esfuerzo colaborativo, pues incluyó el mismo personal que participó en la gira de Dylan "Rolling Thunder Revue", entre otoño de 1975 y la primavera de 1976. Además, dos de sus canciones generaron cierta controversia, Joey, vista como una alegoría del gangster Crazy Joe, y Hurricane, que narra la acusación de homicidio contra el boxeador Rubin Carter, a quien Dylan defendió en esta canción.

El disco fue bien recibido por la críticia musical, llegando a alcanzar el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200 durante cinco semanas, convirtiéndose además en uno de los álbumes más exitosos en ventas de Dylan. La revista Rolling Stone llegó a situar a Desire en el puesto 174 de la lista de los "500 mejores .álbumes de todos los tiempos".

Desire fue concebido entre dos etapas de la gira de Dylan Rolling Thuner Revue. Corría el año 1975, y el artista tenía ya una amplia experiencia en tocar con otras bandas, pero estos grupos se reunieron con otros. En el caso de The Hawks, posteriormente conocidos como The Band, el grupo había tocado durante varios años antes de conocer a Dylan. La idea de Dylan de formar su popia banda, más tarde conocida como The Rolling Thunder Revue, surgió cuando vio a Patti Smith y a su grupo tocando en el local The Other End el 26 de junio de 1975. Por aquella época Smith aún no había grabado todavía un disco, pero estaba atrayendo la atención de la prensa y de la industria musical. Dylan quedó impresionado por la química entre Smith y la banda, y de ahí su idea de estar con una única banda. Durante las dos semanas siguientes Dylan pasó varias noches en el Greenwich Village de Nueva York y en The Other End, y sería en éste último donde se reunió con Rob Stoner y conoció a Bob Neuwirth. Stoner se uniría más tarde a su banda The Rolling Avenue, y Dylan conoció a los restantes miembros a través de Neuwirth.

Desire llegó en un momento crucial en la carrera de Dylan. Después del éxito de su álbum anterior, Blood on the Tracks, había una gran expectativa sobre su próximo lanzamiento. Dylan se asoció con el letrista teatral Jacques Levy, lo que contribuyó significativamente al enfoque narrativo y cinematográfico del disco. Esta inusual colaboración llevó a la creación de canciones que sonaban como historias épicas en lugar de simples canciones. A través de una mezcla de folk-rock y blues, las letras de Desire son complejas y evocadoras, tejiendo historias de amor, pérdida, aventura o justicia social entre otras. Desde la narrativa misteriosa de Isis hasta la oda apasionada al boxeador Rubin Carter, el álbum está repleto de personajes vividos en situaciones inolvidables. Dylan explota uno de sus grandes fuertes, la habilidad para contar historias y transportar al oyente a mundos alternativo llenos de pasión, emoción y drama.



Entramos en materia, y la primera canción que abre el disco es una maravilla, Hurricane. Dylan escribió la canción sobre el boxeador Rubin Carter, acusado injustamente de un triple homicidio. El título proviene del apodo del boxeador, y Dylan se inspiró para escribirla tras leer la autobiografía del propio Rubin Carter, "The Sixteenth Round" que este le había enviado por su "compromiso en la lucha por los Derechos Civiles de los Afroamericanos". La canción no fue sencilla de escribir, pues según Jacques Levy, Dylan, que ya había compuesto canciones con temática similar, no daba con la tecla y no era capaz de plasmar en la canción todos los sentimientos que le generaba Rubin Carter. La canción se convirtió en una de las pocas canciones protesta de Dylan durante la década de los 70, y en uno de los sencillos de mayor éxito durante ese periodo al alcanzar el puesto 31 en la lista Billboard estadounidense. La canción también generó ciertas controversias, por lo que Dylan tuvo que regrabar la canción y se recortaron algunas partes que podían resultar ofensivas. Isis relata la historia de un hombre que contrae matrimonio con una enigmática mujer llamada Isis. La parte principal de la historia está relatada por el esposo y trata sobre su separación de ella. La canción fue escrita durante un periodo en el que Dylan se separó y volvió a juntarse con su por entonces mujer. Mozambique es otra canción que generó algo de controversia, aunque esta vez sin ninguna intención. Mozambique, país de la parte sureste de África, se independizó de Portugal en junio de 1975 después de más de 10 años de lucha. Esto sucedió algo antes del lanzamiento de Desire, y Mozambique había pasado a ser una República Popular comunista. A pesar de que la letra no contiene nada sobre el citado país, muchas personas intepretaron la canción como una declaración de apoyo a los victoriosos "rebeldes comunistas". Sin embargo la canción era sencillamente una visión idílica de la vida en la playa con parejas bailando mejilla con mejilla, haciendo alusión a la magia en una tierra mágica. One More Cup of Coffe es una canción donde Dylan trata una experiencia personal que tuvo cuando se encontraba en Francia, donde asistió a una celebración gitana. Cuando llegó la hora de irse y abandonar dicha celebración, le preguntaron que quería cuando se marchase, el dijo que únicamente quería una taza de café para el camino, así que le prepararon una taza de café, la metieron en una bolsa y se la entregaron para el viaje. Cierra la cara A Oh, Sister, una canción que puede parecer simple, pero cuanto más la escuchas más compleja parece ser. En esta canción Dylan acusa a una mujer a la que llama su hermana de ser muy fría con él.

Comienza la cara B con Joey, una canción de 11 minutos que trata sobre el gángster Joey Gallo, apodado "Crazy Joe", quien fue asesinado a tiros por un rival en un restaurante de la ciudad de Nueva York. No estuvo exenta de polémica, ya que hay quien pensó que glorificaba las acciones violentas de Gallo y se tomaba libertades fuera de la realidad. Dylan respondió a las críticas en una entrevista n 2009: "Jaques Levy escribió las palabras, tenía una mente muy teatral y escribió muchas obras de teatro. Así que la canción podría haber sido un teatro de la mente. Solo la canté. Algunos dicen que Davy Crockett se toma muchas libertades con la verdad y Billy the kid también... ¿Alguna vez has escuchado eso?". Romance In Durango tiene una narrativa surrealista que evoca imágenes de aventura y romance en el contexto de Durango, México. La canción describe un escenario lleno de personajes coloridos y situaciones dramáticas. La historia sigue a un hombre y una  mujer en un viaje a través del paisaje mexicano, enfrentando peligros y desafíos mientras buscan una vida mejor. También ha sido interpretada como la hisotria de un fugitivo y su amante en una travesía por el desierto de Durango. La canción, que describe la tensión y pasión entre los dos amantes, está impregnada de un sentido de misterio y romance. Nos vamos acercando al final con Black Diamond Bay, basada en la novela Victoria de Joseph Conrad, publicada en 1915. Conrad fue un novelista polaco que adoptó el inglés como lengua literaria, y está considerado precisamente como uno de los más grandes novelistas de la literatura inglesa. Sara es la canción que se encarga de cerrar la cara B, y por tanto este indispensable álbum. Esta canción fue una de las muestras más públicas de afecto de Dylan por su entonces esposa, Sara, con quien se casó en 1965. En el momento de escribirla, la pareja se encontraba al borde del divorcio, y este fue el intento de Dylan de reconciliarse con su "radiante joya mítica esposa". A pesar de los intentos por salvar la relación, Dylan y Sara finalmente se divorciarían un año después, en 1977.

Desire es más que un simple álbum de música, es una obra maestra narrativa que es capaz de condensar la genialidad artística y la visión única de uno de los más grandes cantautores de todos los tiempos. Con su mezcla única de grandes letras y melodías cautivadoras, este disco sigue siendo una joya atemporal.

miércoles, 21 de febrero de 2024

Bob Dylan - Blood on the tracks (Mes Bob Dylan)



Me gusta comparar Blood on the Tracks (1975), el décimo quinto disco de estudio de Bob Dylan, con Nebraska (1982) de Bruce Springsteen, y no solo por el evidente toque acústico de ambos discos, sino porque ambos surgieron de bocetos de canciones construidas con extrema sencillez e intimismo. En el caso de Nebraska, los intentos posteriores de complejizar y electrificar aquellas canciones fueron infructuosos, y demostraron que el poder de aquellos temas radicaba en su sencillez, perdiendo gran parte de su fuerza al interpretarlas con una banda completa. Curiosamente, en el caso de Blood on the Tracks ocurrió lo contrario, y fue la falta de confianza de última hora en las posibilidades de aquella colección de canciones sencillas y acústicas grabadas en el estudio A&R de Nueva York la que provocó que la mitad de ellas fueran finalmente regrabadas en el estudio Sound 80 de Minneapolis, privándome de más motivos para sostener la teoría de la similitud con el futuro Nebraska.

Dylan mostró las canciones a amigos músicos como David Crosby, Graham Nash o Stephen Stills, que quedaron preocupados porque aquellas canciones estaban construidas en el mismo tono y afinación, basadas en el estilo que el músico irlandés de folk Paul Brady le había enseñado. Dylan planeó acto seguido grabar Blood on the Tracks con el acompañamiento de una banda eléctrica, y llamó a Mike Bloomfield para que se encargara de la guitarra principal como ya lo había hecho en Highway 61 Revisited (1965), pero como le ocurriera después también a Bruce Springsteen con los temas de Nebraska, los dos músicos encontraron frustrantes los acercamientos eléctricos a las canciones, y finalmente Dylan despidió a la banda de sesión, arregló las canciones desde un enfoque minimalista y acústico, y con Tony Brown al bajo, Buddy Cage en la steel guitar y Paul Griffin a los teclados completó la grabación del disco en Nueva York. El resultado le pareció a su hermano David Zimmerman un disco de difícil venta por su sonido "demasiado descarnado", y convenció a Dylan para que regrabara algunas de las canciones con una banda, privándonos de lo que hubiera sido un Nebraska en toda regla, y terminando de dar forma a Blood on the Tracks tal y como lo conocemos.

El disco comienza con "Tangled Up in Blue", la primera de las canciones regrabadas en Minneapolis, y en mi opinión en la que más se nota ese cambio de estilo. Es lo suficientemente luminosa como para funcionar como ninguna otra como sencillo, y a tal efecto fue la elegida como single de lanzamiento, pero es como una isla que no termina de encajar con la atmósfera relajada y el sonido más unitario del resto del álbum, de los que es mucho más representativa, y no menos brillante, "Simple Twist of Fate" una joya acústica del lote de temas grabados en New York que está entre los mejores temas del disco. Aunque también regrabada en Minneapolis, "You're a Big Girl Now" no desentona con el conjunto,  manteniendo el tono suave y melancólico y mimetizándose a la perfección con los mejores temas del disco.

No quiero que parezca que, por definición, las primeras grabaciones fueran mejores que las nuevas, y de hecho a un tema con una letra tan airada y de tanto resquemor como la de "Idiot Wind" seguramente le vino mejor tener una banda de apoyo detrás, dándole aún más fuerza al ácido mensaje de la canción, pero al mismo tiempo debo también decir que canciones tan desnudas y sinceras como "You're Gonna Make Me Lonesome When You Go" con su guitarra acústica y su característica armónica, o "Meet me in the morning" con su aire de blues ligero e inocente, ambas del lote de New York, son las que me hacen volver a la escucha de este disco una y otra vez.

"Lily, Rosemary and the Jack of Hearts" es la canción más extensa del disco, rozando los 9 minutos de duración, y aunque la sensación es que se acaba haciendo un poco larga, es otra de las canciones que se beneficia del toque de country afable y acelerado que le da la banda de apoyo. También resultó finalmente un acierto la regrabación de un tema como "If You See Her, Say Hello", para mí la mejor de las grabaciones de Minneapolis, aunque no llegue al nivel de las dos canciones de Nueva York con las que cierra el disco, porque "Shelter from the Storm" es la auténtica obra maestra del álbum, y la sencillez y honestidad acústicas de "Buckets of Rain" son totalmente arrebatadoras.

En conjunto, Blood on the Tracks es un disco aparentemente muy marcado por la situación sentimental y las experiencias personales de Dylan en aquel momento. Tras finalizar la gira de 1974 junto a The Band, Dylan había empezado una relación sentimental con Ellen Bernstein, una empleada de Columbia Records, y aquello fue el comienzo de las tensiones que desembocaron en el final de su matrimonio con su mujer Sara, pero el siempre esquivo Dylan negó que las letras de las canciones del disco tuvieran más tintes autobiográficos que las de cualquier otro disco suyo. Sea cual fuere el origen de los introspectivos y taciturnos temas de Blood on the Tracks, lo que si reconoció Dylan es que aquel álbum era algo muy diferente a todo lo que había hecho antes, una colección de canciones de amor tan desnudas de artificio como llenas de emoción, urgencia y sentimiento. Quizá por eso, y aunque sus idas y venidas en el estudio estuvieran motivadas por el temor a que no fuera un éxito, cuando por fin lo fue y empezaron a llegarle comentarios positivos sobre lo mucho que estaba gustando, Dylan reconoció que le estaba costando lidiar con aquella contradicción: "Es duro para mí acostumbrarme a eso, a que la gente esté disfrutando de ese tipo de dolor..."

No tuvo más remedio que acostumbrarse a ese "simple giro del destino", porque este disco sigue siendo considerado como uno de los mejores discos de su carrera. En su momento llegó al primer puesto del Billboard 200 estadounidense, y a día de hoy sigue siendo uno de sus discos de más éxito, con más de dos millones de copias vendidas en todo el mundo, incluyendo las que compraran los amables ciudadanos del estado de Nebraska, en Estados Unidos, un dato sin duda irrelevante con el que, ¿por qué no?, poner fin a la reseña de Blood on the Tracks.

domingo, 18 de febrero de 2024

Bob Dylan - Highway 61 Revisited (Mes Bob Dylan)



El sexto álbum de estudio de Bob Dylan supuso la culminación definitiva de su proceso de transformación de cantautor acústico a músico de blues rock y country rock eléctrico, y la culminación de un viaje y un cambio tan drástico solo podía hacerse atravesando la "Highway 61", la autopista que comunicaba la ciudad en que nació (Duluth, Minnesota) con las ciudades del sur de Estados Unidos en las que habían surgido las raíces de la música blues rock a la que estaba dirigiendo su carrera (St. Louis, Memphis, New Orleans y el Delta del Blues en el Mississippi).

Publicado el 30 de agosto de 1965 con la discográfica Columbia Records, en "Highway 61 revisited" Dylan dio un paso más allá en la transformación que ya había comenzado con Bringing It All Back Home (1965), un disco de clara transición en el que una de las caras seguía siendo acústica, mientras en la otra ya lanzaba su entonces revolucionaria y polémica transformación eléctrica. Tras ese adelanto, "Highway 61 revisited" fue la culminación de ese cambio, con una banda completa de reputados instrumentistas de blues rock acompañándole en todos los temas del disco, a excepción de la majestuosa balada de 11 minutos "Desolation Row", que a pesar de ser también grabada en una versión eléctrica en una toma previa, termino siendo el gran guiño acústico a su pasado reciente, y una obra maestra con la que cerró un disco monumental. Pero ese es el final de esta historia, y antes tenemos que contar el principio, y hablar de la canción con la que empezó todo, y gracias a la cuál Dylan acabó grabando este disco.

Hablamos ni más ni menos que de "Like a Rolling Stone", un tema con el que podríamos arriesgarnos a decir que es el mejor de toda la carrera de Dylan, pero como "Para gustos están los colores" y son tantas y tan buenas las canciones que el trovador de Minnesotta ha grabado y publicado a lo largo de su extensa carrera, nos cubriremos diciendo que es una de sus "Top 5". El origen de la canción se remonta a Mayo del 65, justo después de que Dylan regresara exhausto y desencantado de una gira por Inglaterra. Estaba cansado de las viejas canciones, y se estaba incluso planteando dejar de cantar. De vuelta en casa, se desahogó escribiendo unas veinte páginas de versos a las que se refirió como "una larga pieza de vómito", de la que después logró cribar una estructura básica de cuatro versos y un estribillo, en lo que sería el germen de "Like a Rolling Stone", una nueva canción que le rescató del desencanto y le despertó de nuevo la motivación para grabar un nuevo disco.

Las sesiones de grabación de "Highway 61 Revisited" en el Studio A de Columbia Records en Manhattan se realizaron en dos partes bien diferenciadas, y la primera de ellas comenzó el 15 de Junio de 1965, en la que entre otras canciones se produjo precisamente la grabación del single "Like a Rolling Stone", entre el 15 y el 16 de junio, con Tom Wilson en la producción, Bobby Gregg a la batería, Joe Macho Jr al bajo, Paul Griffin en el piano, Frank Owens a la guitarra de acompañamiento y Michael Bloomfield de la Paul Butterfield Blues Band en la guitarra principal. El segundo día, Wilson invitó a un joven Al Kooper como observador de la sesión, pero al escuchar lo que se estaba cociendo con "Like a Rolling Stone", Kooper sintió el impulso de formar parte de aquello, y en un despiste del productor y los músicos se sentó frente a un órgano eléctrico y participó en una toma improvisando un gospeliano y a la vez garajero riff de órgano que acabó siendo un elemento clave de la canción.

Tras este momento mágico, que es sin duda una de las grandes anécdotas de la historia de la música, las sesiones de "Highway 61 Revisited" se interrumpieron y Bob Dylan se centró en escribir el resto de canciones, y en preparar su controvertida actuación en el Festival Folk de Newport, en el que fue abucheado por un público que vivió su transformación eléctrica como una traición. En ese clima de acritud y controversia, Dylan volvió al estudio de grabación, aún más convencido de que "Highway 61 Revisited" sería un gran golpe eléctrico sobre la mesa. Entre el 29 de Julio y el 4 de Agosto de 1965, con el nuevo productor Bob Johnston a los mandos y el único cambio de Harvey Brooks por Joe Macho Jr. al bajo, con la banda al completo (con Al Kooper ya como miembro de pleno derecho) registró el resto de canciones que formaron parte de un disco para la historia, alabado por la perfecta conjunción entre la poesía y la actitud de denuncia política de las letras y los ritmos de raíces blues rock del Mississippi y las ciudades que atravesaba la Highway 61.

En esta segunda ronda de la grabación, con Al Kooper a la guitarra eléctrica y Harvey Brooks al bajo, Dylan intentó la ya mencionada versión eléctrica de "Desolation Row", que finalmente fue descartada en beneficio de la versión acústica, pero que comparte con ésta última la ausencia de batería. Curiosamente, en la primera versión la decisión no fue artística, y se debió simplemente a que la grabación se produjo a última hora del día y el batería Bobby Gregg ya se había marchado a casa. Días despues, en la sesión final del 4 de Agosto, y aprovechando que el músico de Nashville Charlie McCoy estaba de visita en New York, le invitaron a tocar la guitarra acústica en la sesión definitiva de "Desolation Row", la segunda de las grandes joyas del disco.

El trío de ases se completa con "Ballad of a thin man", excelsa pieza marcada por el ritmo del piano de Dylan y el aderezo de los riffs de órgano de Al Kooper, que nuevamente dejó una impronta relevante en una de las mejores canciones protesta del de Minnesota. Tras este podio, el resto de temas de "Highway 61 Revisited", con la excepción de "From a Buick 6" que sin ser mala nos resulta la menos llamativa del disco, son también grandes canciones que merecen una mención aparte, como en el caso del derroche de blues de pantano y carretera de "Tombstone Blues", con la guitarra de Michael Bloomfield llevando el peso, y una posible interpretación oculta de la letra como una crítica a la guerra de Vietnam, con el "Rey de los Filisteos" (el presidente Lyndon B. Johnson) "enviando a sus esclavos a la jungla". "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" es también uno de nuestros temas favoritos, un tema que en su origen era un blues eléctrico y acelerado, pero que durante un descanso de la banda Dylan convirtió en un tema más calmando y con una base de piano blues.

El nivel no baja tampoco en temas como "Queen Jane Approximately", que abre la cara B con un agradable piano y la casi siempre imprescindible armónica de Dylan, y una letra con la que se ha especulado que pudiera estar dirigida a Joan Baez y al movimiento folk que Dylan estaba dejando atrás, o en la canción que da título al álbum, un "boogie blues" con referencias que pueden ser a la vez bíblicas y personales ("Abraham" era el nombre del padre de Dylan) y que tiene como temática central la icónica autopista y las historias de la gente que viaja por ella. Mucho más al sur, en Juárez, Méjico, tiene lugar la historia de "Just Like Tom Thumb's Blues", un tema blues sobre un antihéroe que vive rodeado de corrupción, alcohol, drogas y prostitutas, y que termina decidiendo dejar el país vecino y regresar a Nueva York.

"Highway 61 Revisited" alcanzó el tercer puesto del US Billboard Top LPs chart y el cuarto en el UK Albums Chart, y fue incluida Robert Dimery en su libro sobre los "1001 discos que hay que escuchar antes de morir" (2010). En este caso, no solo aconsejamos seguir a rajatabla la acertada recomendación de Dimery, sino que añadimos que para una experiencia completa habría que hacerlo al volante de un Buick, conduciendo sin rumbo por la Highway 61, para comprobar "qué se siente estando a tu aire, sin dirección estable, como un completo desconocido, como un Rolling Stone".

miércoles, 14 de febrero de 2024

Bob Dylan - Blonde on Blonde (Mes Bob Dylan)

 

Blonde on Blonde, Bob Dylan


     Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del cantautor estadounidense Bob Dylan. Estamos ante un álbum doble, grabado entre el 25 de enero y el 10 de marzo de 1966 en los Columbia Studios de Nueva York y los Columbia Studios de Nashville, bajo la producción de Bob Johnston, y publicado el 20 de junio de 1966 por el sello discográfico Columbia Records. Las sesiones de grabación no fueron fáciles, pues realmente comenzaron en octubre de 1965 con numerosos músicos de acompañamiento, incluidos los de la banda de acompañamiento de Dylan, The Hawks, y se extendieron hasta enero de 1966.

Blonde on Blonde está considerado como el cierre de la trilogía de álbumes de rock que Dylan grabó entre 1965 y 1966, iniciada con Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited. También está considerado como uno de los mejores álbumes, no solo de Dylan, también de todos los tiempos. El cantante y compositor consiguió combinar la experiencia de los músicos de sesión de Nashville y su banda de acompañamiento con una gran sensibilidad literaria. También fue uno de los primeros álbumes dobles de la música rock. El disco consiguió alcanzar el puesto número nueve en la lista estadounidense Billboard Top LP, y el puesto número tres en el Reino unido.

Después del lanzamiento de Highway 61 Revisited en agosto de 1965, Dylan se propuso contratar una banda de gira. Después de dar muchas vueltas, contrató a un grupo que actuaba como Levon and the Hawks, formado por Levom Helm de Arkansas, y cuatro músicos canadienses: Robbie Robertson, Rick Danko, Richard Manuel y Garth Hudson. El cantante comenzó los ensayos con los Hawks, pero no acabó muy contento con las sesiones de grabación con ellos, tenía cierta desilusión por usarlos en el estudio. Al conocer del descontento del progreso de las grabaciones, el productor Bob Johnston sugirió trasladar las sesiones a Nashville. Johnston vivía allí y tenía una amplia experiencia trabajando con músico de sesión de Nashville. A Albert Grossman, el mánager de Dylan, no le gustó la idea, pero a pesar de su oposición Dylan aceptó la sugerencia de Johnston y se trasladó a Nashville, para grabar en el A Studio de Columbia que había en Nashville, en febrero de 1966. Así se gesto uno de los álbumes más influyentes del artista. 



Entramos en materia y nos encontramos abriendo el doble álbum y la cara 1, Rainy Day Women, que tiene unos elaborados juegos de palabras sobre drogarse que se combinan con una sensación de persecución paranoica; le sigue Pledging My Time, influenciada por el blues de Chicago, continuando con el tono sombrío del álbum. Para escribirla, el artista se basó en varias canciones tradicionales, incluida la grabación de Elmore James "It Hurts Me Too"; Visions of Johanna está considerada por muchos críticos como una de las obras maestras de Dylan. La canción fue una de las más difíciles de grabar, Dylan guió a los músicos de acompañamiento a través de 14 tomas, tratando de enseñarles como quería que se tocara. La canción buscaba transmitir cómo el artista se esforzaba por alcanzar una visión esquiva de la perfección; One of Us Must Know (Sooner of Later) es la canción que cierra la cara A, un sencillo relato sobre una relación que se acaba. Al analizar lo que salió mal, el narrador adopta una actitud de defensiva en una conversación unilateral con su ex amante. La canción fue lanzada como primer sencillo del álbum el 14 de febrero, el mismo día que Dylan comenzó a grabar en Nashville. No llegó a aparecer en las listas estadounidenses, pero si llegó a conseguir el puesto 33 en el Reino Unido. 

La cara 2 comienza con I Want You, una canción con un numeroso elenco de personajes, un enterrador culpable, un organillero solitario, padres y madres llorosos, salvadores dormidos, la dama de picas y el niño bailarín con su traje chino. La canción, durante su hermosa melodía nos describe numerosos fracasos de sus personajes; Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again evolucionó a través de una página escrita en parte mecanografiada y en parte manuscrita. La canción fue evolucionando a través de varias revisiones musicales; Leopard-Skin Pill-Box Hat es toda una sátira del materialismo y la moda realizada con un sonido al estilo del blues de Chicago. El narrador observa a su ex amante en diversas situaciones usando su "nuevo sombrero tipo pastillero de piel de leopardo", en un momento viendo como se cita con su médico, y más tarde viéndola hacer el amor con su nuevo novio porque "se olvidó de cerrar la puerta del garaje". Al final de la canción el narrador afirma que su novio realmente la ama por su sombrero; Just Like a Woman es la canción que se encarga de cerrar la cara B. Supuestamente, Dylan se inspiró en la chica pin-up de Warhol, Edie Sedgick, quien aparece en las fotografías de portada del álbum, y que murió de una sobredosis de drogas en 1971. También se especula que podría tratarse de su relación con la cantante de folck Joan Baez



La cara 3 abre con Most LikelyYou Go Your Way and I'll Go Mine, canción a modo de blues que trata sobre la separación de dos amantes. El protagonista se ha cansado de cargar con su amante y pretende dejarla; Temporary Like Achilles es otro blues lento que destaca por la oscuridad que brinda el sonido del piano acompañado de la armónica de Dylan. El protagonista de la canción ha sido rechazado por su amante, quien ha comenzado otra relación con otra persona. A este nuevo novio el protagonista le llama Aquiles, su rival, del que considera que pronto será descartado por su ex amante; Absolutely Sweet Marie es un blues shuffle acelerado, al más puro estilo de Memphis, que contiene a través de una serie de metáforas sexuales, una de las lecciones de vida de Dylan más repetidas, "para vivir fuera de la ley debes ser honesto"; 4th Time Around es una respuesta a una canción de los Beatles. Cuando los Beatles publicaron su sexto álbum de estudio, Rubber Soul en 1965, a Dylan le llamó la atención la canción Norwegian Wood, donde John Lennon disfrazó el relato de una aventura ilícita con un lenguaje críptico al estilo de Bob Dylan. El artista escribió una respuesta a ese tema con esta canción copiando la melodía y la estructura circular, pero llevando la letra hacia una dirección más oscura todavía; Obviously 5 Believers es la canción que cierra la cara 3. Una canción de amor impulsada por la guitarra de Robertson, la armónica de Charlie McCoy y la batería de Ken Buttrey

La cara 4 está ocupada únicamente por una canción, Sad Eyed Lady of the Lowlands, que trata precisamente de Sara Lownds, quien era la esposa de Dylan en ese momento. La mayor parte de la canción fue escrita en un lapso de ocho horas en el estudio de Nashville mientras que los músicos esperaban a que Dylan terminara. Cuando Dylan llamó a finalmente a los miembros de la banda para grabar la canción eran ya las 4 de la mañana. Como era típico del artista, apenas les contó nada sobre la canción, simplemente les hizo tocar. Estos se sorprendieron bastante cuando vieron que la canción continuaba hasta los 11 minutos casi, y más se sorprendieron cuando constataron que Dylan acabó contento con la primera toma de la grabación. La canción ocupó toda la cara del disco a pesar de durar apenas 11 minutos.

Blonde on Blonde está considerado como la última entrega de la trilogía de albumes de rock de mediados de la década de los 60 de Bob Dylan. Si Highway 61 Revisited era un disco de garage rock, este álbum invirtió ese sonido, mezclando blues, country, rock y folk en un sonido salvaje, vertiginoso y denso. Fue capaz de dirigir a su bnda de gira, The Hawks, junto con músicos de sesión de Nashville para regalarnos un brillante conjunto de canciones que nos ofrecen brillantes juegos de palabras  surrealistas e ingeniosos. Doce años después de su lanzamiento, Dylan llegó a afirmar sobre este brillante álbum: "Lo más cerca que estuve del sonido que escucho en mi mente fue en bandas individuales en el álbum Blonde on Blonde. Es ese sonido fino y salvaje, es metálico y brillante, con lo que sea que eso evoque". Estamos ante la culminación del periodo del rock & roll eléctrico de Dylan, nunca volvería a lanzar un disco de estudio con tanta fuerza y con imágenes tan extrañas.

domingo, 11 de febrero de 2024

Bob Dylan - Bringing It All Back Home (Mes Bob Dylan)


Bringing It All Back Home: Una Travesía Transformadora en la Música y la Poesía de Bob Dylan #MesBobDylan

Bringing It All Back Home, el quinto álbum de estudio del inigualable Bob Dylan, se presenta como un testimonio vibrante de la evolución artística y lírica de uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Lanzado por Columbia Records en marzo de 1965, este álbum no solo marcó una revolución en el estilo musical de Bob Dylan, sino que también consolidó su posición como un visionario musical y poético.

La travesía musical emprendida en Bringing It All Back Home representa una transformación radical en el sonido característico de Bob Dylan. La decisión de adentrarse en el rock, un género en pleno auge en esa época, rompió con las expectativas establecidas por sus álbumes folk anteriores. "Subterranean Homesick Blues" y "Maggie's Farm", dos pistas que encabezan el álbum, marcan la entrada de Bob Dylan en el territorio eléctrico del rock, dejando atrás las raíces acústicas del folk que lo habían definido previamente.

Bajo la guía del productor Tom Wilson, Bob Dylan experimentó con la sobregrabación, una técnica que consistía en superponer elementos eléctricos sobre grabaciones acústicas existentes. Este enfoque creativo resultó en un sonido distintivo y vanguardista que resonó en la escena musical de la década de 1960. La fusión de lo eléctrico y lo acústico en Bringing It All Back Home se convirtió en un hito, allanando el camino para futuros experimentos en el ámbito de la música popular.

El contexto de la grabación, en gran parte realizado en los Columbia Recording Studios de Nueva York en apenas tres días, subraya la intensidad y la urgencia creativa de Bob Dylan. Su tiempo en Woodstock durante el verano de 1964 jugó un papel fundamental en la gestación de este álbum. En este pequeño pueblo cerca de Nueva York, Bob Dylan se sumió en la escritura y experimentación, alimentando su musa creativa. La influencia de Albert Grossman, su representante, y la cercanía de Joan Baez contribuyeron a la atmósfera efervescente de creatividad que envolvía a Bob Dylan.

Es interesante notar que durante su estancia en Woodstock, Bob Dylan ya había compuesto algunas de las canciones que luego aparecerían en Bringing It All Back Home. "Mr. Tambourine Man", que ya estaba lista en febrero de 1964 pero se había omitido en Another Side of Bob Dylan, y "Gates of Eden", inicialmente destinada a otro proyecto, son dos ejemplos destacados. Estas composiciones, junto con nuevas adiciones como "If You Gotta Go, Go Now" e "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)", revelan la diversidad y la profundidad del repertorio lírico de Dylan en este período.

El cambio lírico en Bringing It All Back Home es tan pronunciado como su cambio musical. Bob Dylan abandonó en gran medida las canciones de protesta que lo caracterizaron anteriormente, optando por letras surrealistas y abstractas. Su pluma se volvió más estilizada, y sus letras comenzaron a adoptar un enfoque más introspectivo y poético. Este cambio no solo marcó una evolución en su estilo de escritura, sino que también influyó en la dirección de la música popular de la época.

El encuentro de Bob Dylan con The Beatles en agosto de 1964 en Nueva York también dejó una marca indeleble en la dirección musical tanto de Bob Dylan como de los propios Beatles. La reunión catalizó un cambio en los métodos compositivos del grupo, especialmente en el caso de John Lennon. Esta interacción entre dos fuerzas creativas icónicas de la época generó una dinámica fructífera y estableció una "dimensión personal a la rivalidad muy real" entre ellos, según el biógrafo Clinton Heylin.

La grabación de Bringing It All Back Home se dividió en tres sesiones, siendo la primera el 13 de enero de 1965, donde Bob Dylan, solo con su guitarra o piano, grabó varias canciones y bosquejos que, aunque no fueron utilizados para el álbum, encontraron su camino en lanzamientos posteriores. La segunda sesión, al día siguiente, vio a Bob Dylan acompañado por músicos como Al Gorgoni y Kenny Rankin, y se centró en la grabación de canciones que había intentado previamente. La tercera sesión, el 15 de enero, contó con la colaboración de músicos del día anterior y produjo tomas maestras de canciones que finalmente se incluyeron en el álbum.

Entre las canciones descartadas se encuentran gemas como "If You Gotta Go, Go Now", lanzada como sencillo en Europa, y "I'll Keep It With Mine", que apareció en el recopilatorio Biograph en 1985. La lista de descartes también incluye "Farewell Angelina", que fue cedida a Joan Baez, y "You Don't Have to Do That", una breve composición que Dylan abandonó durante las sesiones.

La recepción crítica de Bringing It All Back Home fue extraordinariamente positiva. A pesar de la transición entre el folk y el rock, el álbum fue aclamado por su innovación y creatividad. La crítica retrospectiva en The Rolling Stone Album Guide lo describió como un álbum donde "Bob Dylan mezcló la medicación para inventar toda una nueva generación de rock and roll". Stephen Thomas Erlewine de Allmusic lo calificó como "un álbum verdaderamente notable", destacando su "desbordante imaginación y habilidad".

En retrospectiva, Bringing It All Back Home se ha consolidado como uno de los álbumes más influyentes de la década de 1960. En 2003, la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto 31 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Dave Marsh elogió la capacidad de Bob Dylan para fusionar ritmos y tradiciones, definiéndolo como el creador de un "nuevo tiempo de rock and roll". Clinton Heylin enfatizó su impacto al afirmar que el álbum fue "posiblemente el más influyente de su era", influyendo en casi todos los aspectos de la canción popular contemporánea.

En términos comerciales, Bringing It All Back Home fue un éxito tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. Alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos en el Reino Unido y el sexto lugar en el Billboard 200 en Estados Unidos, siendo certificado como disco de platino por la RIAA. Los sencillos extraídos del álbum, "Subterranean Homesick Blues" y "Maggie's Farm", también obtuvieron un notable éxito, consolidando aún más la posición de Bob Dylan en el panorama musical.

La portada del álbum, fotografiada por Daniel Kramer, se erige como una obra de arte que captura la esencia de Bringing It All Back HomeBob Dylan, sentado con su gato "Rolling Stone", rodeado de vinilos, revistas y objetos diversos, personifica la amalgama de influencias que alimentaron su creatividad. Detrás de la aparente calma de la fotografía se encuentran capas de significado, desde la revista Time con Lyndon B. Johnson en la portada hasta los gemelos regalados por Joan Baez.

En conclusión, Bringing It All Back Home no solo es un álbum en la trayectoria de Bob Dylan, sino una obra maestra que ha resistido la prueba del tiempo. Su capacidad para fusionar géneros, explorar nuevas fronteras líricas y reflejar la tumultuosa transformación cultural de la década de 1960 establece este álbum como un hito en la historia de la música popular. Bob Dylan no solo trajo de vuelta a casa su música, sino que también dejó una huella imborrable en la evolución del rock y la canción popular. Bringing It All Back Home es, y seguirá siendo, un faro de creatividad e innovación en la vasta y rica travesía musical de Bob Dylan.

Daniel
Instagram: storyboy

sábado, 10 de febrero de 2024

Bob Dylan - The Times They Are a-Changin (Mes Bob Dylan)


The Times They Are a-Changin: Un Punto de Inflexión en la Carrera de Bob Dylan #MesBodDylan

The Times They Are a-Changin es un álbum fundamental en la discografía de Bob Dylan, marcando un quiebre con sus trabajos anteriores al presentar exclusivamente composiciones originales. Lanzado el 10 de febrero de 1964, a través de Columbia Records, el álbum es una colección de baladas intensas que abordan temas sociales como el racismo, la pobreza y los vientos de cambio que barrían la década de 1960.

La canción principal, posiblemente una de las más icónicas de Bob Dylan, captura la esencia de las convulsiones sociales y políticas de la época. Sin embargo, el tono general del álbum generó reacciones mixtas entre críticos y fanáticos, ya que algunos extrañaban el humor y la diversidad musical de los esfuerzos anteriores de Bob Dylan. A pesar de esto, el álbum alcanzó el puesto 20 en la lista estadounidense y eventualmente obtuvo el estatus de álbum de oro, reflejando su impacto duradero.

Las sesiones de grabación para el álbum abarcaron varios meses, comenzando en agosto de 1963. El intento deliberado de Bob Dylan de crear un himno de cambio es evidente en "The Times They Are a-Changin'", inspirado en baladas irlandesas y escocesas. El álbum también incluye narrativas conmovedoras como "Ballad of Hollis Brown", un relato trágico, y "With God on Our Side", una pieza políticamente cargada.

Un tema destacado, "North Country Blues", muestra la habilidad de Bob Dylan para adoptar diferentes perspectivas, narrando la historia de una mujer afectada por la externalización de empleos mineros. El álbum profundiza en varios temas, incluidos derechos civiles, justicia social y reflexiones personales.

La canción de cierre, "Restless Farewell", con raíces en una canción folklórica irlandesa-escocesa, sirve como una conclusión conmovedora. Las letras de Bob Dylan, influenciadas por falsas acusaciones sobre su origen, transmiten una determinación de permanecer fiel a sí mismo.

Las tomas descartadas de las sesiones revelan el excedente de material, con canciones como "Lay Down Your Weary Tune" y "Percy's Song" que muestran la evolución de la composición de Bob Dylan. El legado del álbum es evidente en su impacto perdurable en artistas posteriores y su reconocimiento como un momento significativo en la evolución artística de Bob Dylan.

The Times They Are a-Changin' refleja la transición de Bob Dylan de un cantante de protesta a un compositor más introspectivo y diverso. Su impacto en la cultura popular es evidente en su uso en publicidad y sus referencias en biografías, enfatizando su relevancia duradera.

La obra se distingue al ser el primer álbum de Bob Dylan en presentar solo composiciones originales, marcando un hito en su carrera. Después de dos álbumes que combinaban material original y versiones, este trabajo se destaca por la autenticidad de las letras y la música. Aunque algunos críticos y fanáticos no quedaron tan impresionados en comparación con sus trabajos anteriores, la posición en las listas y el eventual estatus de oro en EE. UU., así como el cuarto puesto en el Reino Unido en 1965, demuestran su impacto y éxito comercial.

Las sesiones de grabación comenzaron el 6 de agosto de 1963, en el Studio A de Columbia en Nueva York, con Tom Wilson como productor. Bob Dylan, en ese momento, ya era una figura cultural influyente y popular. La primera sesión produjo ocho canciones, pero solo una, "North Country Blues", se consideró utilizable y se apartó como la toma maestra. Otra toma maestra de "Seven Curses" se grabó pero se dejó fuera del álbum final. La segunda sesión, al día siguiente, dio lugar a tomas maestras de "Ballad of Hollis Brown", "With God on Our Side", "Only a Pawn in Their Game" y "Boots of Spanish Leather".

Una tercera sesión en Studio A el 12 de agosto no produjo material utilizable. Sin embargo, algunas de las grabaciones de esa sesión vieron la luz más tarde, como "Paths of Victory", "Moonshine Blues" y "Only a Hobo". Las sesiones no se reanudaron hasta más de dos meses después, durante los cuales Bob Dylan realizó una breve gira con Joan Baez. A su regreso al estudio el 23 de octubre, tenía seis nuevas composiciones listas. Se grabaron tomas maestras de "The Lonesome Death of Hattie Carroll" y "When the Ship Comes In" en esa sesión.

Otra sesión al día siguiente, el 24 de octubre, produjo tomas maestras de "The Times They Are a-Changin'" y "One Too Many Mornings". Una toma maestra de "Lay Down Your Weary Tune" también se grabó pero se dejó fuera del álbum final. La última sesión, el 31 de octubre, se centró en una sola canción, "Restless Farewell", que cerró el álbum.

El álbum se abre con el título principal, "The Times They Are a-Changin'", una de las canciones más famosas de Dylan. El amigo de Bob Dylan, Tony Glover, recuerda visitar el apartamento de Bob Dylan en septiembre de 1963 y ver manuscritos de canciones y poemas en una mesa. Aunque aún no se había grabado "The Times They Are a-Changin'", Glover vio su manuscrito temprano. Después de leer las palabras "come senators, congressmen, please heed the call", Glover supuestamente le preguntó a Bob Dylan: "¿Qué es esto, hombre?", a lo que Bob Dylan respondió: "Bueno, ya sabes, parece ser lo que a la gente le gusta escuchar".

Bob Dylan recordó escribir la canción como un intento deliberado de crear un himno de cambio para el momento. En 1985, le dijo a Cameron Crowe: "Esto fue definitivamente una canción con un propósito. Fue influenciada, por supuesto, por las baladas irlandesas y escocesas... 'Come All Ye Bold Highway Men', 'Come All Ye Tender Hearted Maidens'. Quería escribir una canción grande, con versos cortos y concisos que se acumularan de manera hipnótica. El movimiento por los derechos civiles y el movimiento de música folklórica estaban bastante cerca por un tiempo y estaban aliados en ese momento".

Las líneas climáticas del último verso: "The order is rapidly fadin'/ And the first one now/ Will later be last/ For the times they are a-changin'" tienen un tono bíblico, y varios críticos las han conectado con líneas en el Evangelio de Marcos, 10:31, "Pero muchos que son los primeros serán los últimos, y los últimos serán los primeros".

A pesar de ser percibida como una canción protesta consciente, a menudo se ve como un reflejo de la brecha generacional y de la división política que marcó la cultura estadounidense en la década de 1960. Sin embargo, Bob Dylan disputó esta interpretación en 1964, diciendo: "Esas fueron las únicas palabras que pude encontrar para separar la vitalidad de la muerte. No tenía nada que ver con la edad". Un año después, Bob Dylan diría: "Realmente no puedo decir que los adultos no entiendan a los jóvenes más de lo que puedes decir que los peces grandes no entienden a los peces pequeños. No quise decir 'The Times They Are a-Changin'' como una declaración... Es un sentimiento".

"Ballad of Hollis Brown" fue grabada originalmente para el álbum anterior de Bob Dylan, The Freewheelin' Bob Dylan, pero esa versión fue rechazada y la canción se volvió a grabar para The Times They Are a-Changin'. Describida por Clinton Heylin como una "'trágica historia de independencia y libre albedrío' extraída del idioma folklórico", es una historia rural gótica sombría de un padre que mata a su familia hambrienta ("Hay siete personas muertas en una granja de Dakota del Sur").

"With God on Our Side" se interpretó por primera vez en el Town Hall de Nueva York el 12 de abril de 1963 (también fue la primera aparición de Bob Dylan en ese lugar). Aunque Bob Dylan afirma que es una composición original, la melodía de "With God on Our Side" se asemeja sorprendentemente a "The Patriot Game", cuyas letras fueron escritas por Dominic Behan y la melodía tomada de la tradicional canción folklórica irlandesa, "The Merry Month of May". Behan llamó a Dylan un plagiario y un ladrón, en un intento de provocar a Dylan a una demanda; Dylan no respondió. "The Patriot Game" fue presentada a Dylan originalmente por el cantante folklórico escocés Nigel Denver. El compositor escocés Jim McLean recuerda que Dylan le preguntó a finales de 1962: "'¿Qué significa, 'Patriot Game'?'... Le expliqué, probablemente le di una conferencia, sobre el Dr. Johnson, que es uno de los escritores favoritos de Dominic, y de ahí Dominic recogió la frase: 'El patriotismo es el último refugio de un bribón'". El crítico musical Tim Riley escribe: "'With God on Our Side' logra expresar astucia política mezclada con ingenuidad generacional", ya que "dibuja la línea para aquellos nacidos mucho después de la Primera Guerra Mundial que encuentran sus problemas borrosos ('las razones para luchar/nunca las entendí') y que ven el perdón de los alemanes de la Segunda Guerra Mundial como una farsa".

Bob Dylan sigue "With God on Our Side" con una balada suave y discreta: "One Too Many Mornings". "Es el sonido de alguien demasiado enamorado para albergar arrepentimientos, que ha crecido demasiado independiente para considerar una reunión", escribe Riley. Una de las canciones más celebradas de The Times They Are a-Changin'Bob Dylan la reinterpretaría dramáticamente en su legendaria gira de conciertos de 1966 para una banda totalmente eléctrica.

"North Country Blues" cuenta la historia de la decisión de una compañía minera de externalizar sus operaciones a países donde los costos laborales son más bajos que en los EE. UU. ("Es mucho más barato en los pueblos de América del Sur/Donde los mineros trabajan casi por nada"). La canción marca la primera vez que Dylan escribió una narrativa desde el punto de vista de una mujer: la ex esposa de un minero cuyo trabajo ha desaparecido. Muchos críticos han descrito esta canción como el retrato de Bob Dylan de su ciudad natal, Hibbing, Minnesota.

Bob Dylan interpretó por primera vez "Only a Pawn in Their Game" en un mitin de registro de votantes en Greenwood, Mississippi. La canción se refiere al asesinato de Medgar Evers, líder de la NAACP en Misisipi. La activista de derechos civiles Bernice Johnson le diría más tarde al crítico Robert Shelton que "'Pawn' fue la primera canción que mostró que el blanco pobre también fue víctima de la discriminación como el negro pobre. La gente de Greenwood no sabía que Pete Seeger, Theodore Bikel y Bob Dylan eran personas reales hasta que llegaron allí. La gente creía que eran fábulas para asustar niños. Creían que las canciones eran mitos".

La penúltima canción del álbum, "Boots of Spanish Leather", es otra balada acústica suave y melódica que presenta a Bob Dylan en la encrucijada de su relación amorosa. Al igual que "One Too Many Mornings", la canción refleja la habilidad de Bob Dylan para expresar la complejidad de las relaciones humanas con una economía de palabras.

"The Times They Are a-Changin'" se cierra con "Restless Farewell", que presenta un tono más esperanzador y reflexivo. Inspirada en una melodía irlandesa-escocesa, la canción sirve como una conclusión adecuada para un álbum que marcó un punto de inflexión en la carrera de Bob Dylan.

A pesar de la controversia inicial y las críticas mixtas, The Times They Are a-Changin' ha resistido la prueba del tiempo y sigue siendo una obra esencial en la evolución artística de Bob Dylan. Su impacto en la música y la cultura popular es innegable, y la canción principal ha perdurado como un himno intemporal de cambio y resistencia. Con este álbum, Bob Dylan demostró su capacidad para capturar la esencia de una época tumultuosa y reflejarla a través de su singular voz y poesía.

Daniel
Instagram: storyboy

domingo, 4 de febrero de 2024

Bob Dylan - The Freewheelin' Bob Dylan (Mes Bob Dylan)

 




'¿Cuántos mares debe navegar la paloma blanca antes de poder volar? ¿Duerme en la arena? Dylan canta una de las canciones más famosas que existen: Blowing in the Wind, la canción que abre su segundo álbum, que siguió a la colección de versiones principalmente de 1962 (titulada inventivamente Bob Dylan), y consolidó su lugar como el principal trovador político del folk. No es ningún secreto que Dylan es de mis artistas favorito, lo cual se debe en parte al hecho de que creo que es el mejor letrista que existe, nadie se acerca, tal vez Cohen si me siento generoso. Ahora, digo esto basándome principalmente en su contenido lírico de años posteriores, cuando cantaba la mejor poesía abstracta, evocando infinitas imágenes fabulosas, a menudo locas, mientras su banda producía el tipo de sonido enérgico, impactante y, sin embargo, alegre que nadie ha logrado. imitar particularmente bien desde entonces. Pero esto fue antes de eso, fue entonces cuando Bob tocaba una guitarra acústica y se hizo famoso por lo que llamaba canciones de "señalación con el dedo", comentando los acontecimientos del día (prácticamente todos los cuales siguen siendo relevantes hoy en día) con una aguda habilidad lírica más allá de su edad. Se trata esencialmente de una mezcla de canciones contra la guerra y canciones de amor. Ahora, sé que hay mucha gente que dice "Dylan no puede cantar" y "todas sus canciones son interpretadas mejor por otras personas", etc., obviamente, no estoy de acuerdo, la producción de Dylan de los años 60 tiene algunas de las mejores interpretaciones vocales que jamás hayamos escuchado o que probablemente volveremos a escuchar. Es el único artista que se me ocurre donde cada palabra se siente importante, y eso se debe en parte a cómo las letras siempre me enganchan, pero también a cómo las expresa, no con el interés de crear una melodía bonita, sino con el interés de de penetrar tu cerebro, algo que logra hacer mejor que nadie, o que probablemente jamás logrará. Al menos para mi.


 

The Freewheelin' Bob Dylan abre con uno de sus clásicos más intemporales y reconocibles la pista: Blowin' in the Wind, incluso si normalmente no te gusta la música te llegara este tema que consiste únicamente en alguien tocando una guitarra acústica y cantando con ella (y ocasionalmente una armónica), la melodía es brillante, no es una cancion terriblemente complicada, pero es audaz y memorable. La letra es tan memorable como la melodía. Blowin' in the wind sigue una estructura de versos basados en preguntas retóricas sobre la paz y la guerra, y la libertad y su ausencia, que en el estribillo reciben una respuesta misteriosa y ambigua: "La respuesta, amigo mío, está soplando en el viento", que podría interpretarse como que la respuesta es tan intangible como la brisa, o tal vez tan simple y cercana como el viento que agita los cabellos de un autoestopista, empeñado en encontrar respuestas a los enigmas de la vida, mientras sigue su camino hacia alguna parte. Le sigue Girl from the North Country, en este tema Dylan canta sobre un amor perdido que era de North Country. Sobre la persona a la que el artista se refiere en el tema hay quien defiende que se refiere y es un homenaje a Echo Helstrom, una antigua novia que tenia antes de marcharse de Minnesota a Nueva York, o incluso a Bonnie Beecher, otra novia que tuvo en aquella etapa en Minnesota. También hay otra teoría que defiende que el tema se refiere a Suze Rotolo, artista estadounidense y novia por entonces de Dylan, a la que conoció en Nueva York. Dylan fue de Inglaterra a Italia para buscar a Suze, quien por entonces era su novia, pero ella y sin saberlo el cantante regresó a Estados Unidos al mismo tiempo que él llegaba a Italia. Fue en aquel momento cuando Dylan terminó esta maravillosa canción sobre el amor perdido, convencido por el aparente final de su relación con Suze. Sea cual esa lo cierto que la letra es una barbaridad ( “Bueno, si estás viajando a la feria del norte / donde el viento golpea fuerte en la frontera / recuérdame a quien vive allí / ella una vez fue un verdadero amor mío / Bueno, si vas cuando caen los copos de nieve / donde los ríos se congelan y termina el verano / por favor mira si lleva un abrigo tan abrigado / para protegerla de los aullidos del viento” ). 

Masters of War es un ejemplo magistral del Dylan Politico, una canción tan cortante que es difícil imaginar a uno de los 'Masters of War' al que se refiere escuchándola y no sintiéndose bastante avergonzado. Bob repite la misma melodía una y otra vez y los acordes también son dolorosamente simples. Pero no importa, lo importante aquí son las palabras y la entrega y su alegato antibelicista donde refleja el inconformismo y la preocupación de los jóvenes estadounidenses de la época por el desarme nuclear. Dylan criticaba a los líderes políticos de su pais, donde señalaba amargamente con el dedo a los "maestros" ocultos que fabricaban guerras para obtener ganacias y beneficios. Según Dylan, no era una canción contra la guerra, más bien era una crítica de a quien iba dirigida la guerra y el por qué dicha guerra se había convertido en un acto inútil en vez de en un eficaz medio de defensa. También afirmaba que hasta ese momento, nunca había escrito algo así, no cantaba canciones donde la gente falleciera, pero no pudo evitar hacerlo con ésta. Y vamos con A Hard Rain's a-Gonna Fall elegir nuestra canción favorita de este álbum es difícil, lo primero de lo que quiero hablar es de la melodía, si crees que Dylan escribe malas melodías (¡¡qué vergüenza!!!), escucha esta canción como un brillante ejemplo de lo excelentes que son sus melodías, es una de esas canciones que me ponen en trance inmediato. Dylan compuso "Hard Rain is A-Gonna Fall" a partir de una balada folclórica británica, "Lord Randall", Child Ballad No. 12, de finales del siglo XIX, en la que una madre cuestiona repetidamente a su hijo, comenzando con "¿Dónde has estado?" como la balada revela más tarde que el hijo ha sido envenenado y muere. “A Hard Rain's a-Gonna Fall” de Dylan abarca un amplio mensaje con temas e imágenes relevantes a la injusticia, el sufrimiento, la contaminación y la guerra, una canción muy adecuada para su época y más allá, aunque el autor ha comentado en alguna ocasión que no tenemos que tratar de buscar una representación única en su mensaje, simplemente es solo una lluvia fuerte, no lluvia nuclear o lluvia ácida o algo por el estilo, solo una lluvia fuerte. La lluvia tiene imágenes tan poderosas en culturas de todo el mundo (no es sorprendente, por supuesto) y, a menudo, connota limpieza y restauración en un aspecto y angustia y separación en otro. De vez en cuando puede representar a ambos, como en esta canción. El narrador no está derrotado por su experiencia, en realidad está fortalecido por ella para pararse en el océano, reflexionar desde las montañas y cantar su canción con confianza. Hizo el viaje, vio y asumió el coste, y salió más fuerte. La lluvia le da nueva vida. Pero la lluvia también marca el final de su inocencia, el límite entre la niñez y la edad adulta, y el muro entre los que han visto la guerra y los que no. La lluvia lava el pasado y permite que crezca el futuro. La lluvia es también las lágrimas de todos los que perdieron o sufrieron en la guerra, y el resto de sus vidas; es un mundo de llanto y el narrador sabe que las lágrimas son buenas.


Estas 4 canciones son las 4 patas sobre las que se asienta el disco, las 4 obras maestras que todo amante de la música debe conocer y disfrutar una y otra vez, pero no solo 4 canciones tiene el álbum y aunque sea brevemente comentaremos el resto, Down the Highway es más una canción de blues antigua que una canción folk endurecida, adoro la forma en que la canta... La única forma adecuada de cantar una vieja canción de blues es si eres un viejo malhumorado, puede que Dylan tuviera poco más de 20 años en ese momento, ¡pero ciertamente no lo parecía!. Con Bob Dylan's Blues vuelve a las melodías populares, pero esta melodía suena como muchas otras canciones populares anteriores. ... Por supuesto, Dylan probablemente lo sabía perfectamente bien, lo cual es evidente en la forma juguetona, casi desenfadada, en que canta la letra. No se tomó esta demasiado en serio y supongo que no es una de las canciones más importantes de este álbum. Don't Think Twice, It's All Right fue la primera de las muchas grandes canciones sobre relaciones de Dylan, basada en una brillante subestimación y un puro ingenio. Una de las primeras canciones en las que Bob parecía estar usando las emociones que estaba experimentando personalmente como inspiración, sin embargo, está demasiado bien escrita y es universal para leerla como un relato específico de su vida personal. Observe cómo la progresión seleccionada con los dedos imita la letra: ni exagerada, ni suplicante, ni abiertamente insultante, se limita a exponer los hechos con una melancolía suave, casi imperceptible, decepcionado más por el tiempo perdido que por cualquier otra cosa. 

Bob Dylan's Dream es una reflexión sobre la pérdida de una amistad, parece presagiar su separación del círculo folk de Greenwich Village que hasta entonces lo había nutrido. Bob claramente desafió las expectativas de esa comunidad. Cuando el periódico Broadside de octubre de 1962 instó a los compositores a documentar la terrible experiencia de James Meredith, Dylan escribió Oxford Town, que no proporciona una narrativa, no menciona a Meredith ni a la escuela por su nombre, se basa en gran medida en la subestimación y se pregunta en voz alta por qué alguien iría a La ciudad de Oxford. En comparación con "A Ballad Of Oxford, Mississippi" de Phil Ochs, una canción folklórica mucho más convencional, la canción de Dylan nunca condena explícitamente los acontecimientos de Oxford, sino que permite al oyente tomar sus propias decisiones. Además de eso, la animada melodía y el acompañamiento de guitarra crean una discontinuidad cuando se combinan con la letra y el tema. Talkin' World War III Blues, detesto decir esto, pero la razón principal por la que me gusta esto es porque me parece muy divertido que Dylan intente, en broma, sonar como un hombre de 80 años. Hace un excelente trabajo sonando como un hombre de 60 años con su voz habitual, no canta, sino que habla con estilo, una canción es muy entretenida. Corrina, Corrina podría ser la primera aparición de 'Judas' Dylan, sin duda, en un vano intento de barrer el mundo con su música, The Bob se vuelve extravagantemente decadente... al utilizar una batería en esta canción. El tema suena entre el country y el blues. En Honey, Just Allow Me One More Chance escuchamos a Dylan dando algunos gritos y 'woohoos' es probablemente una de las piezas más olvidables y “desechables” del álbum, pero aún así me gusta. Al menos demuestra que hay mucha diversidad en este álbum... entiéndase en el contexto de un discp de un cantante con sólo una guitarra acústica, una armónica y una voz. I Shall Be Free termina con una nota muy humorística, no es tan conmovedora como una canción como “A Hard Rain's A-Gonna Fall”, pero eso no significa que no pueda tomarse esto en serio. Después de todo, la risa es buena para el alma