El disco de la semana 200: Avalanch.- El Ángel Caído

 

El Ángel Caído,  Avalanch

     Asturias, año 1993, el joven guitarrista Alberto Rionda junto con el bajista Francisco Fidalgo y el vocalista Víctor García deciden formar una banda a la que se unen el baterista Alberto Ardines y Juan Lozano, pues en esos momentos estos dos últimos también están reclutando gente para su formación. Escogen como nombre del grupo Avalanch, un nombre que ya habían usado Ardines y Lozano para grabar junto con otros dos músicos un único álbum llamado Ready To The Glory. 

Son los comienzos de la banda, unos comienzos donde la formación va sufriendo cambios hasta llegar a 1997, cuando lanzan su primer álbum de estudio, La llama Eterna. Por entonces la banda está conformada por Juan Lozano (voz), Alberto Rionda (guitarra), Roberto García (guitarra), Fran fidalgo (bajo) y Alberto Ardines (batería). El disco es lanzado bajo el sello discográfico Búnker Estudios, y se edita también una edición en inglés (Eternal Flame). El estilo está orientado hacia el power metal, con unas letras que tratan sobre temas épicos y mitológicos. El grupo se embarca en una gira para promocionar el disco, pero mediada la gira, la banda decide prescindir del vocalista Juan Lozano y contactan con Víctor García que se une a ellos. 

Dos años después, en 1999, el grupo publica su segundo álbum de estudio, Llanto de un Héroe. El disco es publicado bajo la discográfica Mercury Records, y sigue en la línea del disco anterior, explorando el power metal, pero además lo combinan con toques de música clásica. Un disco donde vuelven a tratar temas épicos y medievales, donde el Cid Campeador, Don Pelayo o el inquisidor Tomás de Torquemada están presentes, teniendo también espacio para las leyendas asturianas. El grupo incluso hace un tema en honor a Jacques-Yves Cousteau. El grupo gracias a este trabajo se va asentando en el panorama nacional y se embarca en una gira por toda España. 

El grupo, que está de dulce, vuelve a meterse en el estudio y bajo la discográfica Xana Records publica en 2001 su tercer trabajo de estudio, El Ángel Caído, el disco recomendado para la ocasión por 7dias7notas. La banda está conformada en este momento por Víctor García (voz), Alberto Rionda (guitarra), Roberto García (guitarra), Francisco Fidalgo (bajo), Alberto Ardines (batería) e Iván Blanco (tecaldos). Concebido por Alberto Rionda, se convertirá a la larga en el disco más exitoso y vendido del grupo, donde el sonido del grupo sigue en la línea de los dos trabajos anteriores, el power metal, y la temática del disco gira en torno a temas bíblicos. 

La portada del disco es obra del dibujante Luis Royo, quien es conocido por sus ilustraciones erótico-fantásticas, y el álbum aunque no es un disco temático en sí, narra la historia de los orígenes del Ángel Caído y las consecuencias de sus actos en el planeta Tierra y de cómo esto afectó en la vida del hombre. El disco cuenta con la colaboración del vocalista de Saratoga y Stravaganzza Leo Jiménez en el segundo acto del tema Las Ruinas del Edén, y de la vocalista asturiana Tina Gutiérrez. 

El disco comienza con un tema instrumental, Hacia la Luz, que no llega a los dos minutos y que sirve de introducción para Tierra de Nadie, donde el grupo se lanza a todo trapo como un tren sin frenos que ya no parará hasta el final, y donde nos narran la ignorancia, y el racismo que sufren los inmigrantes. Turno para el tema que da título al disco, El Ángel Caído, con un comienzo con arreglos orquestales y unos riffs muy pesados pero más pausados. En cuanto a la temática abordan el rechazo a Dios y el dolor que provoca hasta en los ángeles condenados a la eternidad. Xana, una de las joyas del disco y que mantuvieron durante mucho tiempo en su repertorio en directo. Un guiño a Asturias, pues así son conocidas las ninfas de agua en la mitología asturiana. Un tema donde el amor y la muerte están presentes. La Buena Nueva es una bella introducción de poco más de medio minuto, el preámbulo de Levántante y Anda, con un comienzo muy agresivo, es uno de los temas más cañeros del disco, una llamada a levantarse contra los estamentos del poder eclesiástico. Alma en Pena, tema con un toque melancólico y nostálgico con unos coros femeninos buenísimos, y donde se hacen eco de los dolores y quebraderos que traen las mentiras. Corazón Negro, otro de los temas más potentes y agresivos del disco, con unos riffs de guitarra a una velocidad vertiginosa. En Delirios de Grandeza nos narran una leyenda que cuenta cuales son los verdaderos orígenes del amor. Antojo de Dios es una balada con una atmósfera triste y nostálgica brillantemente conseguida para hablarnos del dolor. Muy buenas las melodías y el sólo de guitarra de Víctor. El Séptimo Día, épica melodía con el piano y los teclados que no llega al minuto y que en realidad es la introducción para Las Ruinas del Edén, un tema con un aire muy apocalíptico dividido en tres partes donde se desarrolla un encuentro entre Dios y el hombre. Despues de discutir y lanzarse airadas protestas y reproches durante los tres actos que dura esta autentica joya, deciden separar sus caminos. Muy acertada la colaboración de Leo Jiménez en el segundo acto poniendo voz al hombre. El disco finaliza con Santa Bárbara, tema dedicado precisamente a la misma, que es la patrona de los mineros. Un brillante tema instrumental interpretado por Alberto Rionda, el broche perfecto para cerrar el disco.

Después de este álbum, y con la llegada del vocalista Ramón Lage sustituyendo a Victor García el grupo se orienta hacia un sonido más heavy metal y más progresivo, lo que convierte a El Ángel Caído en la obra culmen de su primera trilogía de discos y en disco imprescindible en la carrera de Avalanch y del heavy metal español.

El disco de la semana 197: Los Suaves - Ese día piensa en mí

Ese día piensa en mí 

 

     Para hablar de Los Suaves tenemos que remontarnos a la década de los 60, donde tres hermanos procedentes de Ourense, Yosi, Charli y Javier inician cada uno su camino para labrarse un futuro, pero el destino es caprichoso y hará que los tres se junten para crear una de las mejores bandas de rock que ha dado nuestro país. 

Los tres se crían bajo la tutela de su padre Manuel, quien regenta un comercio de tejidos, y Luisa, que ejerce de maestra en un pueblo. Yosi, el mayor de ellos desde siempre se mostró como el mas rebelde de los hermanos, decide que no quiere seguir estudiando y se deja el pelo largo, y tras andar aquí y allá se prepara y consigue aprobar unas oposiciones a Subinspector de Policía Nacional. Es conocido su interés por la musica y la lectura, y también empieza a tocar la guitarra y la armónica. En su primer destino, Barcelona, mantiene una relación con una chica californiana, con la que viaja durante un par de veranos a Estados Unidos, lo que le permite vivir de cerca la cultura y la música americana. Por otro lado Charli decide dejar los estudios para trabajar en el comercio familiar y empieza a tocar la guitarra, para más tarde comenzar a realizar colaboraciones en Radio Ourense, y posteriormente en Radio Cadena, radio que luego es absorbida por Radio Nacional y pasa a llamarse Radio 4. Llega el año 1980 y Javier que acaba de terminar sus estudios universitarios regresa a Ourense, donde se reencuentra con Charli que vive allí, y con Yosi que se ha trasladado también Ourense. Charli consigue una casa en una aldea abandonada donde los tres se juntan y pueden ensayar sin ningún tipo sde problema.

A los tres hermanos se une Ángel Ruiz Cabezas, y ya como cuarteto realizan su debut en abril de 1981 en una discoteca de Ourense llamada Long Play. El grupo va fogueandose concierto tras concierto y el 13 de noviembre de 1981 les llega su gran oportunidad, telonear a Los Ramones, una oportunidad que Yosi (vocalista), Charli (bajista), Javier (batería)  y Ángel (guitarrista) no desprovechan. El grupo además adquiere la idea de utilizar el logo del famoso gato al ver el logo del águila de Los Ramones. 

La banda crece y a ella se une otro baterista, Carlos Costoya y el guitarrista Montxo Costoya, quedando el grupo compuesto por seis componentes, dos de ellos baterías. Con esta formación publican su primer disco en 1982, Esta vida me va a matar. En 1984 el grupo ha sufrido cambios y esta formado por Yosi (voz), Charli (bajo), Pepe Losada (guitarra), Hermes Alogo (guitarra) y Tino Canolas (batería), y publica su segundo disco de estudio, Frankestein, un disco que pasa absolutamente inadvertido, lo que provoca otra vez cambios en un grupo que corre peligro de desaparecer. El grupo sigue apretando los dientes y decide seguir tirando para adelante, y así Yosi (voz y armónica), Charli (bajo), Montxo Costoya (guitarra) y Hermes Alogo (guitarra) graban en 1988 en  los estudios Eolo de Gijón el que supondrá el tercer disco de la banda, Ese día piensa en mí, el disco recomendado para la ocasión para la aventura de 7dias7notas.

Para la grabación del disco cuentan con la colaboración del baterista Alejandro Cano, ya que en ese momento no tienen uno, y con la colaboración del guitarista Alberto Cereijo en el tema  No puedo dejar el Rock. Este disco marcará un antes y un después en la banda, pues les catapulta al éxito que tan esquivo les ha estado siendo. El grupo pone de manifiesto con este álbum que es capaz de moverse entre el rock duro y el rock urbano como pez en el agua y mezclar ambas vertientes con una facilidad y una calidad asombrosa. La música y las letras son obra de Yosi que se destapa como un gran letrista, no en vano es apodado "El Poeta", pues sus composiciones tratan temas como los problemas del día a día, el amor, la muerte, las mujeres, la noche ó el fracaso, y además con el tiempo va evolucionando y dotando a estas de una gran profundidad. 

Abre la traca de este discazo ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!, temazo dedicado a la figura del gran Phil lynott, que habia fallecido en 1986, y es que Los Suaves siempre se han declarado fieles admiradores de Thin Lizzy y la obra de Phil Lynott. Tema donde Yosi nos regala un sentido y maravilloso homenaje y donde las guitarras de Montxo y Hermes con sus riffs nos recuerdan a los irlandeses. No nos hemos repuesto del gran comienzo y le llega el turno a otro de sus grandes temas de siempre, Dolores se llamaba Lola, míticos esos riffs salvajes de guitarra y mitica la historia de Lola, quien lo ha tenido todo y al final acaba sin nada, canción que forma parte por derecho propio de nuestra historia de la música. Sólo pienso en dormir, donde nos demuestran que también saben hacer temas de corte festivo y con aires humorísticos. Nena, te voy a dejar, turno para la balada del disco donde Hermes y Montxo realizan un gean trabajo con las guitarras y Yosi nos muestra su lado más poético y sentimental, otro temazo. No puedo dejar el Rock, otro himno de la banda donde Yosi lanza una oda a nuestra gran pasión, la música. Es además el tema más cañero del disco, pues cuenta además con la colaboración de Alberto Cereijo, quien contribuye con su guitarra al endurecimiento del sonido del grupo. Ese día piensa en mí, tema que da título al álbum, rock básico, directo y al grano, junto con el tema anterior otro de los temas más duros del disco y donde más se acercan al Heavy metal. Buen suceso, tema donde se notan las influencias de la NWOBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico) y que irán explotando con mas asiduidad en discos poateriores. Río y no sé por qué, tema donde hacen un guiño y explotan con mucho acierto el rock urbano. Y cierra el disco Camino de una dirección, que supone la guinda del pastel, un acelerado rock & roll con la banda desatada y Yosi dándolo todo a los mandos vocales. 

Ese día piensa en mí es un disco imprescindible en la historia del rock español y que supuso además el despegue y reconocimento de una banda que trabajó y ha trabajado muy duro para ganarse un hueco por derecho propio en el Olimpo del Rock español. 

"Siempre Suave"

El disco de la semana 188: Jorge Salán - Graffire

Graffire

     Para la semana 188 de la aventura de 7dias7notas decidimos apostar por producto nacional, concretamente por uno de los mejores guitarristas de nuestro país, Jorge Salán, y su disco Graffire (2016), grabado junto con The Majestic Jaywalkers. Jorge se ha forjado durante su carrera una excelente reputación dentro del hard rock y heavy metal y en 2015 decide dar un giro a su sonido introduciéndose y explorando dentro del blues rock con su disco Madrid/Texas. Con su disco Graffire Jorge mantiene esa línea continuista dentro del blues rock, dando cabida también a sonidos como el jazz o el rock.

Jorge Salán nace en Madrid en 1982, y pronto se interesa por la guitarra comenzando a estudiar solfeo y guitarra clásica a los 8 años de edad. Contando 15 años de edad graba su primera maqueta Alien Guitar y forma su primera banda llamada Fahrenheit, con la que se mueve dentro de la escena madrileña, pero el proyecto dura poco.
Su dedicación y talento hacen que contando con 17 años reciba una beca de la prestigiosa universidad Berklee College Of Music (Boston), la universidad privada de música más grande del mundo. Los alumnos de esta universidad han ganado 294 premios Grammy y 95 premios Grammy Latinos. En la prueba de acceso a la prestigiosa universidad Jorge presenta el tema compuesto por él Running Free, tema que supone además su segunda maqueta y empieza a sonar por todo el territorio nacional.

Después de pasar un año estudiando en Berklee regresa a España y consigue firmar un contrato discográfico con el sello Dro East West, el cual pertene a la todopoderosa Warner Bros. Bajo este sello discográfico publica en 2002, contando sólo 19 años de edad, su primer álbum de estudio, The Utopian Sea Of Clouds. Con este primer disco recibe excelentes críticas de la prensa especializada, también una gran aceptación del público y realiza su primera gira por todo el país.

En 2003 jorge colabora en el disco Gaia de Mago de Oz, concretamente en el tema La Venganza De Gaia. A partir de aquí empieza a colaborar asiduamente con la banda hasta que en 2004 es fichado como miembro de la misma como tercer guitarrista. Jorge permanece en la banda hasta el año 2008 alternando su trabajo en la banda con la publicación de 2 discos más en solitario, From Now On (2004) y Chronicles Of An Evolution (2007).

Jorge ya en solitario, alterna innumerables colaboraciones con renombrados artistas entre los que se encuentran Dee Snider (Twisted Sister), Jeff Scott Soto, Joe Lynn Turner, Miguel Ríos, Bob Daisley, Eric Martin (Mr.Big), Carlos Tarque, Robin Beck, Fiona Flanagan, Sherpa, Javier Vargas, Obús y Asafalto entre otros, con la publicación de sus trabajos Subsuelo (2009), Estatuas En La Calle (2010), Sexto Asfalto (2011), Directo A San Javier (2012) y No Looking Back (2014). A finales de 2014 ficha por el sello discográfico Rock Estatal Records y junto con The Majestic Jaywalkers inicia lo que el llama un proyecto de vuelta a las raíces, introduciéndose en el blues rock y publicando Madrid/Texas (2015). En 2016 continúa explorando el género blues rock sigue con el proyecto The Majestic Jaywalkers y  publica Graffire, el álbum recomendado para la ocasión por 7dias7notas, álbum donde además se acerca a sonidos como el jazz ó el rock.

El disco comienza con un potente blues lleno de fuerza, Born Under A Bad Sign, tema compuesto para la ocasión y cantado por el gran Jeff Spinoza, del magnífico grupo Red House. Le llega el turno a Victim Of Desire, tema que comienza con una apertura de piano que nos traslada a un Saloon Bar cualquiera, la sección de viento, el hammond y la armónica están magníficas y dotan al tema de un ambiente festivo y los riffs y sólos de Jorge dotan al tema de la garra necesaria para hacer de éste un buen tema. Nos encontramos ahora con la primera versión del álbum, Take Me To The River, tema compuesto por Al Green en 1974 y publicado ese mismo años en su disco Al Green Explores Your Mind. Tema donde Jorge es capaz de captar ese soul sureño que tan bien sabía hacer Al Green. Le llega el turno al único tema compuesto e interpretado en castellano, Para Paco de Lucía, tema escrito y compuesto por Jorge. Como el mismo dice quería rendir un humilde tributo al mejor guitarrista de todos los tiempos, un tema del que se siente especialmente orgulloso pues le hizo gran ilusión que el tema le gustara mucho a la familia del maestro Paco de Lucía. Ojo a la mezcla de la guitarra eléctrica con la guitarra española, magnífica.

Llegamos a uno de los temas más cañeros del disco, On My Own, música compuesta por Jorge y la letra por su amigo Jeff Scott Soto, el que fuera vocalista de Journey ó yngwie Malmsteem y que ahora tiene su propia banda en solitario y de la cual Jorge es el guitarrista. Tema con unos potentes riffs y donde las guitarras distorsionadas harán las delicias de nuestro oídos acercándonos por momentos a ese sonido de los años 70. One More Empty Feeling, tema interpretado por su amigo y genial cantante y bluesman irlandés afincado en Madrid Garret Wall. Jorge se atreve hasta con una versión de Rory Gallagher, concretamente They Don't Make Them Like You Animore, compuesto por el genio irlandés y publicado en 1973 en su disco Tattoo. En este tema Jorge con su guitarra y acompañado del piano hace un guiño y se adentra en el jazz. Rory es mucho Rory pero Jorge no desmerece y hace una buena versión del tema. Turno para No Turning Back, otro de los temas más cañeros del disco con unos más que contundentes riffs de guitarra y donde la sección de viento va creciendo durante todo el tema hasta llegar al magnífico sólo de saxofón que contiene el tema. Sin duda unos de los mejores temas del álbum. El disco se despide con otra magnífica versión, en esta ocasión del tema Leave My Girl Alone, blues compuesto por Buddy Guy y publicado por primera vez bajo el sello discográfico Chess Records en 1967.

Joaquín Sabina - Esta Boca Es Mía (Mes Joaquín Sabina)

Esta boca es mía

     1989 fue un año muy importante para Joaquín Sabina, ese año junto a su inseparable amigo y guitarrista Pancho Varona funda la empresa Ripio, una empresa editorial que entre otras cosas se dedica a registrar todos los temas compuestos por el genio de Úbeda. Nos adentramos en la década de los 90 y los discos y las giras se suceden, la fama y el el éxito crecen y elevan a la élite del panorama musical español al artista. Así llegarán Mentiras Piadosas (1990), Física y Química (1992) ó Esta Boca es Mía (1994), disco al que vamos a dedicar esta reseña.

En 1994 y bajo el sello discográfico BMG / Ariola se publica el noveno álbum de estudio de Joaquín Sabina, Esta Boca Es Mía. Un disco producido por Pancho Varona y Antonio García de Diego y que cuenta con la colaboración de artistas de la talla de Álvaro Urquijo, Javier Ruibal, Pablo Milanés o Rosendo entre otros. Es un disco que tiene además la particularidad de ser uno de los discos más variados en cuanto a géneros musicales, pues se atreve con el rock, la salsa, el bolero, la música de cantautor, la rumba o el pop entre otros También cuenta con la colaboración en los coros de la excelente compositora y cantante de jazz y música latinoamericana Olga Román.

Empieza el disco mostrándonos el estilo de cantautor tan particular al que Sabina nos tiene acostumbrados con Esta Noche Contigo. Inmediatamente después llega un de los temas que se han convertido en una de los grandes éxitos del maestro, Por el Bulevar de los Sueños Rotos, un tema homenaje a la gran artista mexicana Chavela Vargas  y que contiene además referencias a más artistas mexicanos que fueron contracorriente y rompieron los moldes preestablecidos por entonces. El tema fue compuesto por Joaquín Sabina y Álvaro Urquijo. Turno para la desenfadada y traviesa Incluso en Estos Tiempos, tema  que dará paso al Sabina más melancólico en Siete Crisantemos, donde durante algo más de cinco minutos conseguirá que nos contagiemos y nos pongamos melancólicos con él, "siete versos tristes para una canción". En Besos Con Sal es capaz de jugar con maestría con los ritmos latinos con una percusión muy buena y mezclarlo con unos arreglos se saxofón sobresalientes. Le llega el turno a otro de los momentos álgidos del disco, Ruido, compuesta por Sabina y Pedro Guerra. Pedro Guerra había dado la letra de la canción a Pancho Varona para que le pusiera música, y Sabina al oírla le gustó tanto que le dió una vueltas al texto pero manteniendo la idea original.

Nos adentramos en la segunda parte del disco con El Blues de lo que Pasa en Mi Escalera, un tema alegre y desenfadado y que cuenta con la colaboración de otro maestro, Rosendo Mercado, donde nos relata Sabina que en la vida hay ricos, hay pobres, los hay con mucha suerte y los hay con menos suerte, pero el sigue siendo el mismo, el mismo que es capaz de encandilarnos con  un bolero o con su lado más canalla con un rock. Como un Explorador, tema acústico donde de nuevo por encima de todo vuelven a destacar esas grandes letras a las que nos tiene acostumbrados, "De par en par he abierto los balcones, he sacudido el polvo a todos los rincones de mi alma...". En Mujeres Fatal cataloga los distintos tipos de mujeres que existen según la visión del propio  artista, "...Hay mujeres que bailan desnudas en cárceles de oro / Hay mujeres que buscan deseo y encuentran piedad...". A ritmo de Rhythm and Blues se pone filosófico y compartirá esos momentos con los oyentes con el tema Ganas de..., "Cada mañana salto de la cama pisando arenas movedizas / Cuesta vivir cuando lo que se ama se llena de ceniza...". En La Casa por la Ventana retoma los ritmos cubanos con la colaboración de Pablo Milanés y nos regala una gran canción protesta y crítica sobre la situación de los inmigrantes en España. En Más de Cien Mentiras nos hablará de realidades y placeres de la vida cotidiana. Y cierra el disco con otro de los grandes temas del álbum y que además da título al mismo, Esta Boca Es Mía, una balada donde Sabina es capaz de envolver la letra en esa atmósfera en la que se siente tan cómodo y nos regala una letra muy íntima donde nos pone de manifiesto la dureza de la vida cotidiana y nos habla de una sociedad poco comprometida con ciertos aspectos del ser humano. Una delicia de tema que sirve para poner el broche de oro a otro gran trabajo del maestro de Úbeda.

Contraportada Esta Boca Es Mía

Joaquín Sabina - Ni tan joven ni tan viejo (Mes Joaquín Sabina)

Ni tan joven ni tan viejo #mesJoaquinSabina

Si me hubiese imaginado un disco tributo a Sabina, me lo habría imaginado así, donde 38 artistas tocarán algunas de las canciones más emblemáticas de Sabina.

Y no solo estos artistas interpretaran cada uno de las canciones de Sabina, sino que dejaran un sello particular en cada una de ellas, dando la sensación que estamos escuchando una nueva versión de una canción que todos ya conocemos, será acaso eso de "ni tan joven ni tan viejo", el nombre con el cual han bautizado a este álbum tributo a Sabina, un juego de palabras que invita a re descubrir 25 canciones memorables del autor.

Es solo comenzar y escuchar "Ruido" una versión interpretada por "Fito y Fitipaldis" y Coque Malla, sabes que perfectamente Fito podría haberla cantado en cualquiera de sus recitales, y que Coque Malla ha estado ahí con el siempre, al igual que un Alejandro Sanz, irreconocible por la puesta intima que le da a "Contigo", y que decir de un Bumbury en "Donde habita el olvido" con una interpretación solemne sin desperdicios.

Me olvidaba de "Con la frente marchita", será que Amaral y Manolo Garcia, me llevan a cada uno de los mismo lugares que Sabina sabe llevarte en sus canciones, lo tenemos a Leiva detras de "el caso de la rubia platino", interpretando un rock and roll.

Pero debo decir que "19 días y 500 noches después" de Travis Birds y Benjamin Prado, es un sello particular de una historia contada, también el grupo Estopo interpretando "Pacto entre caballeros" otro rock and roll que se las trae, y hablando de traer "Princesa" nos trae a unos Rodriguez que se unen para cantarla, Andrés Calamaro, Ariel Rot y Germán Vilella.

Hemos dicho 38 artistas, y no he llevado ningún orden, solo a medida que recuerdo las canciones del disco me vuelvo a entusiasmar, con lo que han logrado estos artistas, obviamente no podía faltar su compañero y amigo Joan Manuel Serrat, en un duo con Rozalén interpretando "A la orilla de la chimenea"

Ya lo he dicho un disco que vale la pena escuchar, una y otra vez, como un juego de las 7 diferencias, y luego te invito a escuchar las versiones interpretadas por Sabina, solo por el placer de descubrir ese toque particular que ha puesto cada artista. Para el final "Y nos dieron las diez" donde se unen todas las voces para interpretar esta canción.

Siempre es un placer escuchar las canciones de Sabina, y esperamos que se encuentre bien, que ya este recuperado de su caída, que lo estamos esperando con ansias que vuelva a los escenarios.

Lista de canciones "Ni tan joven ni tan viejo" Disco Tributo Sabina

CD1

1. Ruido (Fito y Fitipaldis / Coque Malla)

2. Contigo (Alejandro Sanz)

3. Con la frente marchita (Amaral / Manolo García)

4. Donde habita el olvido (Bunbury)

5. El caso de la rubia platino (Leiva)

6. Peces de ciudad (Pablo Alborán / Pablo López)

7. Calle Melancolía (Robe)

8. La canción más hermosa del mundo (Manuel Carrasco)

9. 19 días y 500 noches después (Travis Birds /Benjamin Prado)

10. Cerrado por derribo (Niño de Elche/ Guitarricadelafuente)

11. Y sin embargo (Dani Martín / Zahara)

12. A la orilla de la chimenea (Joan Manuel Serrat / Rozalén)

CD2

1. Princesa (Los Rodríguez)

2. Yo también sé jugarme la boca (Vanesa Martín)

3. Amor se llama el juego (Melendi)

4. Quién me ha robado el mes de abril (Pablo López)

5. Pacto entre caballeros (Estopa)

6. A mis cuarenta y diez (M Clan / Alejo Stivel)

7. Eclipse de mar (Ismael Serrano / Funambulista)

8. Nos sobran los motivos (Marwan / Kany García)

9. Lo niego todo (Mikel Erentxun / Rufus T. Firefly)

10. Pongamos que hablo de Madrid (Rubén Pozo / Lichis)

11. Ganas de... (Macaco / Carlos Sadness)

12. Una canción para la Magdalena (Andres Suárez / Elvira Sastre)

13. Y nos dieron las diez (Varios)

Artistas:

Serrat, Rufus T. Firefly, Amaral, Leiva, Rozalén, Ismael Serrano, Fito y Fitipaldis, Coque Malla, Alejandro Sanz, Manolo García, Bunbury, Pablo Alborán, Pablo López, Robe, Manuel Carrasco, Travis Birds, Benjamín Prado, Niño de Elche, Guitarricadelafuente, Dani Martín, Zahara, Vanesa Martín, Melendi, Estopa, M Clan, Alejo Stivel, Funambulista, Marwan, Kany García, Mikel Erentxun, Rubén Pozo, Lichis, Macaco, Carlos Sadness, Mara Barros, Andrés Suárez y Elvira Sastre y a Los Rodríguez, reunidos para la ocasión.

Daniel 
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Joaquín Sabina - Física y Química (Mes Joaquín Sabina)

El álbum comienza con uno de los clásicos de Joaquin Sabina, una canción que todos hemos cantado alguna vez, un tema canalla. “Y nos dieron las diez” a ritmo de vals/ranchera Sabina nos mete de lleno en una de sus historias de amor furtivo, de amor sin condiciones. Como curiosidad es la canción melliza de Ojos de gata de Los Secretos, de hecho, cuentan que la canción surgió de un encuentro fortuito de los dos cantantes, Sabina le enseño a Urquijo en lo que estaba trabajando y al leer aquella estrofa decidieron los dos tomar la historia y dejarla llevar cada uno por su lado. El titulo también sirvió para el tributo que el rock español le dio como homenaje haciendo versiones de sus canciones, no cabe duda que estamos ante uno de los hitos de la carrera de Joaquin Sabina y el tema más escuchado del autor en Spotify… casi nada. Después de este subidón no va a dejar de contarnos historias canallas, de limite, y en esta ocasión “Conductores Suicidas” tiene dedicatoria, ya que la canción está escrita para uno de sus compañeros de aventuras y desventuras nocturnas, en el gran Manolo Tena, uno de los artistas que iniciaron la movida en Madrid, con el que tuvo sus más o menos y sus desavenencias, solo hay que fijarse en la brillante letra que nos vuelve a regalar…

“no es asunto tuyo -me dirás- y punto”

pero reconoce que es crudo aceptar

que no hay ser humano que le eche una mano

a quien no se quiere dejar ayudar,

y búscate la vida, en dirección prohibida,

pero no impedirás que levante mi vaso

a tu mala salud y te invite a brindar,

muerta la amistad sabe igual que el fracaso

y a los dos nos gusta el verbo fracasar,

así que tu ni caso,

por no agobiarte paso

de hacerte la cuenta de las papelinas,

de que no te fíe ni rafa el del pub,

de que vendas chapas en ciertas esquinas,

de que te conozcan en cada hospital.

¿cómo te has dejado

llevar a un callejón sin salida,

el mejor dotado

de los conductores suicidas?

Sigue la cosa de homenajes y con “Yo quiero ser una chica Almodovar” obviamente pone su ojo en el cineasta más internacional, Pedro Almodovar, o más que en él, en todo lo que le rodea, a ese estilo tan particular, aunque más que homenaje es un relato del ego de esas que llegan a ser famosas por participar en una película con el director manchego, aunque dentro de tanta puñalada, está muy divertido la forma que una tras otra va mencionando las películas del director, todo encajado en una música de vodevil, mitad circense, mitad musical y es que pudo contar con Luis Eduardo Aute para la música, y eso es un plus. Como curiosidad está bien, pero ha estado mucho más afortunado en otras ocasiones en canciones de este tipo. Está claro, soy la parte moña del blog, pero es que esta “A la orilla de la chimenea” puede poner moña a cualquiera, es una preciosa canción de total servidumbre al amor, a esa persona que nos hace feliz, con una letra totalmente afortunada, llena de poesía, me pone muy melancólico, te va metiendo frase a frase un cuchillo en el corazón y pasamos por mil estados.… Resignación: “Puedo ponerme triste y decir que me basta con ser tu enemigo, tu todo, tu esclavo, tu fiebre tu dueño” …. Consuelo: “O tal vez esa sombra que se tumba a tu lado en la alfombra, a la orilla de la chimenea a esperar que suba la marea” …. Orgullo: “Puedo ponerme digno y decir toma mi dirección, cuando te hartes de amores baratos, de un rato me llamas” ….  Entrega: “Y si quieres también puedo ser tu trapecio y tu red, tu adiós y tu ven, tu manta y tu frío, tu resaca, tu lunes, tu hastío”. Es una puta obra maestra….

“Todos menos tu” musicalmente es quizás una de las más flojitas del álbum, pero el plato fuerte se lo guarda en la letra donde nos ofrece una de sus letanías de personajes y situaciones tan típicamente Sabina con el trasfondo del Madrid que tanto ha vivido él. Y es asi como llegamos a otro punto álgido del disco con “La del pirata cojo”, escrita junto a Pancho Varona, divertida, curiosa y con un ritmo brutal… y como no la letra de nuevo, empezando por ese estribillo que todos hemos cantado alguna vez, pero además el juego dialectico se complica porque empieza a relacionar profesiones con ciudades y no te dejas de preguntar dónde termina el ingenio de este crack… 43 vidas en poco más de 4 minutos y muchas de ellas totalmente tentadoras, soñar es gratis y que mejor que dejarnos llevar por el camino del poeta de Ubeda y transformarnos en todas esas vidas, para terminar en la que todos hemos querido vivir de pequeños, que no es otra que ..”La del pirata cojo con pata de palo, con parche en el ojo, con cara de malo, el viejo truhan, capitán de un barco que tuviera por bandera un par de tibias y una calavera… “Y cómo va lanzado se mete a hacer una especie de jazz blusero con “La canción de la noche perdidas”, y es que con ese título no había mejor estilo musical que acompañarla, y del envite sale bastante decente, con un estilo musical muy digno y con una canción de tristeza que te empapa como una lluvia fina y prolongada, donde nos cuenta una de sus aventuras nocturnas fatales de las que tanto alardea y suponemos, casi aseguramos, ha vivido. “Los cuentos que yo cuentos” es para mí otra de las flojitas, aunque ese ritmo festivalero y de verbena le hace un favor, otra canción de amor y de desamor, de condiciones y de libertad absoluta. También tenemos aquí a Pancho Varona poniendo su granito de arena musicalmente de forma totalmente reconocible.

Vamos terminando el disco y creo que lo vamos a disfrutar mucho, empezando cor este “Peor para el sol” otro baladon de Sabina que te pone los pelos de escarpias desde el minuto 1… “Que adelantas sabiendo mi nombre, cada noche tengo uno distinto..” eso es una presentación y lo demás tonterías, en su sitio siempre, para esta aventurilla, de nuevo nocturna, y de nuevo con una mujer fatal a la que no tenemos acceso y de nuevo nos convertimos en un Don Juan en busca de su presa… ¿Qué adelantas sabiendo mi nombre?, Cada noche tengo uno distinto, Y siguiendo la voz del instinto, me lanzo a buscar…” y encuentras a una Doña Juana, que tiene los mismos objetivos que tu, la diversión es para todo, pero has bajado la guardia y has quedado retratado, enamorado, solo y abandonado…. Que malvada circunstancias... que infidelidad cínica y que trampa para ratones más deliciosa, en una canción en tono de dialogo totalmente redonda. “Pastillas para soñar” cierra el álbum, y aquí voy a presumir de patria chica porque se hace acompañar de la Banda Sinfónica de Getafe y una oda a la buena vida al exceso y a disfrutar los placeres que nos ofrece la mala vida, una canción, vamos a llamarlo así… divertida, solo hay que detenerse en muchas de las frases de la canción…. Y ojito ¿a ver si sabéis quien andaba por esa canción? Nuestro Argentino más poeta y más chiflado, Andres Calamaro, echa una mano en el tema.

“Si quieres ser matusalén

Vigila tu colesterol

Si tu película es vivir cien años,

No lo hagas nunca sin condón

Es peligroso que tu piel desnuda

Roce otra piel sin esterilizar,

Que no se infiltre el virus de la duda

En tu cama matrimonial

Y si en tus noches falta sal,

Para eso está el televisor

Si lo que quieres es cumplir cien años

No vivas como vivo yo”

P.D.- Había comentado que cerrábamos con Pastillas para soñar, pero si tuvimos la ocasión de comprar el cassette o el cd, nos encontrábamos un bonus track, de título “Amor se llama el juego” y desde luego de una categoría sublime, es un temazo donde la melancolía nos puede atrapar y no soltarnos

Joaquín Sabina y Viceversa - En Directo (Mes Joaquin Sabina)

Sabina y Viceversa

     Mes de julio dedicado a Joaquín Sabina, y para la ocasión me ha tocado reseñar su directo Joaquín Sabina y Viceversa en Directo, disco grabado en riguroso directo donde Sabina nos muestra como muy bien decía en el artículo de presentación Nevermind su lado más canalla.

Tuve la suerte de crecer junto a unos amigos (entre los que también se encontraban Chema y Nevermind, mis compañeros de Blog) donde era habitual el mercadeo y tráfico de vinilos y cassettes entre nosotros de cualquier tipo de música que cayera en nuestras manos (por entonces todavía no existía el formato CD). Siempre andábamos liados con ése grupo o aquél artista que alguno había descubierto, inmediatamente los demás sentíamos la necesidad de hincarle el diente y escucharlo. Así es como durante mi infancia y adolescencia junto a mis amigos fueron pasando innumerables cassettes y discos de infinidad de artistas, luego llegarían los CD's. Uno de aquellos artistas que cayó por aquella época en mis manos fue precisamente Sabina y su directo con Viceversa.

La primera vez que tuve contacto con Sabina fue gracias a mi amigo Littbarski, sí, ese al que ya dedicamos una reseña en 7dias7notas donde Nevermind relataba la anécdota que pasó junto a él y otro amigo en un concierto de Guns & Roses. Debería rondar yo los quince años de edad, y por entonces a Littbarski le teníamos como una clara referencia musical, pues en su casa también se respiraba música. Una casa donde aquí el escribe descubrió de su mano artistas tan variopintos como como Javier Krahe, Luis Eduardo Aute, Alberto Fernández, la maravillosa Mandrágora, Gwendal, Lavanda por citar sólo algunos. Solíamos hacer reuniones en casa de Littbarski para escuchar la música que en ocasiones llevábamos alguno y la música que él tenía allí en casa. En una de esas ocasiones nos habló de Joaquín Sabina, un artista al que yo por entonces conocía sólo de oídas, y acto seguido sacó con la ilusión de un niño con zapatos nuevos uno de sus discos, concretamente un directo, Joaquín Sabina y Viceversa en Directo. Esa fue la primera vez que escuché un disco de Sabina.

Después de su exilio en Londres, Sabina regresa a España en 1977, y un año después debuta con su primer álbum de estudio, Inventario, un disco con claros tintes de cantautor. En 1979 comienza a cantar junto con Javier Krahe y Alberto Pérez en el madrileño sótano del café de La mandrágora. Pero Joaquín no quiere encasillarse y que le cataloguen dentro del clásico perfil del cantautor y reniega de éste, ya que según sus propias palabras le hacía sentir como "si le hubieran puesto un ladrillo en la cabeza" y tampoco se considera poeta pues "es un traje que le queda demasiado ancho".

Luego llegaría en 1980 Malas Compañías, donde podemos comprobar que empieza a abrazar otros géneros además del de cantautor como el rock latino, el folk ó el pop. En 1981 se publica La mandrágora, álbum en directo con la intención de recoger el espíritu de aquellas actuaciones en el local madrileño. Habría que esperar hasta el año 1984 para disfrutar de Ruleta Rusa; en este disco Sabina empieza a experimentar con sonidos más roqueros, y empieza a colaborar en algunos temas con la banda de rock Viceversa. Ese mismo año, 1984, graba junto con Gloria Van Aerssen de Vainica Doble el famoso tema Con las Manos en la Masa, sintonía del programa homónimo dedicado al mundo de la cocina.

En 1985 Sabina abandona su actual compañía discográfica, CBS, y ficha por el sello Ariola, consiguiendo tener libertad artística a la hora de componer y trabajar. Comienza a trabajar asiduamente con la banda Viceversa, y con ellos graba su disco Juez y Parte, álbum que sigue en la línea de su anterior disco, abrazando el pop y el rock, y cobran más protagonismo los teclados y la caja de ritmos. Después de cuatro discos de estudio ha llegado la hora de publicar su primer álbum en directo en solitario, pues ya había publicado junto a Javier Krahe y Alberto Pérez La mandrágora. En 1986 se publica Joaquín Sabina Y Viceversa en Directo, disco grabado en directo en el teatro Salamanca de Madrid de los conciertos que da allí los días 14 y 15 de febrero de 1986.

Es Joaquín Sabina y Viceversa en Directo un álbum doble donde Sabina sigue abrazando su lado más canalla con esos sonidos roqueros de sus dos anteriores discos, aunque también dedica espacio a su lado de cantautor de sus primeros tiempos. Sabina nos invita a sentarnos en Ocupen su Localidad y nos da pistas de por dónde va transcurrir la actuación. Nos hablará de las penurias de la juventud en Cuando Era Más Joven, y seguirá con la temática de los errores de juventud en Princesa. En Hay Mujeres cuenta con la colaboración del cantautor catalán Ricardo solfa (Jaume Sisa) para contarnos la visión que tiene de los distintos tipos de mujer que existen. Nos deja su lado más roquero con Zumo de Neón. También nos muestra su lado crítico hacia aquellos críticos, representantes y artistas que no se lo pusieron nada fácil cuando empezaba en Joven Aprendiz de Pintor. En Cómo decirte, cómo Contarte se nos pone filosófico, y en Trato De Impaciencia nº 11 nos relata una cita en la tiene un escarceo amoroso  que no llega a consumarse. Nos relata la historia de un joven delincuente de la época en Qué Demasiao, y cierra la primera parte con Juana la Loca, el relato de un hombre casado con mujer e hijos que tiene encuentros clandestinos amorosos con otros hombres, y cansado de fingir decide salir del armario.

Abre la segunda parte del directo con uno de sus grandes clásicos, Calle Melancolía, tema donde se respira la soledad y el desamor. Estamos en unos de los puntos álgidos del disco pues después le llega el turno a Pongamos Que Hablo de Joaquín, interpretado por su amigo Luis Eduardo Aute y donde nos da una visión muy particular de su amigo Sabina. En Caballo de Cartón nos cuenta la vida de una mujer que ahogada en la rutina y la monotonía, rompe ésta por las noches con su vida noctámbula. Ahora el que se sube al escenario es su amigo Javier Krahe para interpretar Cuervo Ingenuo acompañado en los coros del propio Sabina, un tema que es toda una crítica a la gestión del por entonces presidente del gobierno a Felipe González, por el ingreso de España en la OTAN y otras cuestiones. El tema fue objeto de polémica y fue hasta censurado impidiendo su emisión durante el concierto de Sabina que retransmitió Televisión Española. En Whisky Sin Soda se pone en la piel de un mujeriego cuyo único objetivo en la vida es disfrutar del día a día; tema que es contrarrestado por su antagónico Rebajas de Enero, toda una oda al amor y la responsabilidad. Turno para Javier Gurruchaga que se sube al escenario para interpretar Adiós, Adiós, tema compuesto por el mismo y por Sabina. Vamos intuyendo el final del álbum pero Sabina Pisa el Acelerador junto con Gurruchaga todavía en el escenario. Y llegamos a uno de sus temas míticos y que fuera grabado antes también por Antonio Flores, Pongamos que Hablo de Madrid, tema dedicado a la ciudad desde una perspectiva sórdida y gris. Nos vamos acercando al final con Eh, Sabina, donde nos relata los vicios de los que ha hecho gala hasta que su cuerpo dijo basta. Y llega la hora de la Despedida con este tema donde Sabina precisamente hace eso, despedirse del presente habiéndo dejado un gran sabor de boca y haciendo que al que aquí escribe le haya sabido a poco pues llegados a este punto se encuentra totalmente entregado y quiere más...

Joaquín Sabina - Mentiras Piadosas (Mes Joaquín Sabina)

No es una mentira piadosa decir que este álbum de Sabina es un disco de transición, ni tampoco aclarar que en este caso el adjetivo de "transición" no quiere decir que no sea un disco bueno, y es una verdad como un templo que, desde luego, lo es. La transición era hacia la madurez de sus discos desde Física y Química hacia adelante. ¿Y significa eso que los discos anteriores a este Mentiras piadosas no fueran maduros? Mire usted, pues tampoco. Pero tras unos primeros discos de cantautor ortodoxo (Inventario, Malas Compañías), el jienense se había lanzado a la Ruleta Rusa de producir discos más eléctricos y desenfadados, en los que fue perfeccionando cada vez más tanto el sonido como las letras, y que acababa de llegar a un momento álgido con El hombre del traje gris. El siguiente paso era hacia la madurez y la unidad de sonido, y Mentiras Piadosas fue ese momento de transición.

Para componer los temas del álbum, Joaquín Sabina se llevó a Pancho Varona a Buenos Aires para trabajar mano a mano. El resultado no fue muy productivo, ya que en lugar de trabajar en canciones, se pasaron dos semanas de fiesta, y sólo compusieron Eclipse de Mar, el tema que abre el disco con una brillante reflexión sobre la diferencia entre las noticias que salen en los medios y los temas más terrenales que preocupan realmente a una persona cualquiera y a título individual. Una única canción, pero el viaje finalmente no fue en balde, porque ya en Madrid, recordando todas las experiencias vividas, Sabina compuso Con la frente marchita, una canción que le catapultaría más allá del charco y le daría dimensión internacional a su carrera.

En Madrid el método cambió ligeramente. Joaquín Sabina estaba inspirado y escribiendo canciones a gran velocidad, y Pancho Varona se las llevaba escritas en papeles para trabajar con la guitarra. Canciones como Y si amanece por fin, que insiste en la temática de otras canciones anteriores como "Quédate a dormir" con el apoyo de imaginativas frases y referencias cinematográficas ("Y yo no soy Mickey Rourke, ni tu Kim Bassinger, ni tengo nueve semanas y media") nacieron en cualquier papel que estuviera a mano, desde un folio a una servilleta.

Con un buen puñado de canciones escritas, llegó el momento de entrar al estudio de grabación, y dada la conocida nocturnidad del cantante, se dio la curiosa circunstancia de que hubo otro disco de otro gran artista grabándose en la misma sala. Mientras Joaquín Sabina grababa sus mentiras por la noche, Joan Manuel Serrat se encargaba de su Material Sensible por las mañanas. Así que ahí tenéis un ejemplo de dos discos "hermanados" en espacio y tiempo. Y del hermanamiento entre las dos figuras tampoco hay ninguna duda, después de todas sus colaboraciones durante los últimos años.

El siguiente vaivén llegó de la mano de la discográfica, que quiso enrolar en el barco a Jay Burnett, un ingeniero estadounidense que había trabajado con Jeff Beck. Ni Sabina ni el resto del grupo llegaron a conectar con él, hasta el punto de aprovechar un fin de semana en el que se fue a Londres para grabar sin él el tema Mentiras piadosas, que daría título al álbum, y de acabar sustituyéndole por Luis Fernández Soria que remezcló todo el disco en Madrid.  Las grabaciones se dilataron demasiado en el tiempo, y la discográfica llegó a pararlas para no incurrir en más gastos. A ellos les hubiera gustado seguir creando y perfeccionando, pero afortunadamente habían reunido suficiente material para poder mentir piadosamente durante un disco entero.

Quizá esa precipitación en el cierre sea lo que le deja ese poso de transición, de mezcla de temas bien trabajados y con un sonido muy unitario, con la inclusión de otros temas que recuerdan más al sonido de El hombre del traje gris (Muro de Berlín) o que suponen homenajes musicalmente prescindibles a Cristina Onassis (Pobre Cristina) o El Dioni (Con un par), meras bromas musicales en un disco que en el tramo final nos ofrece, además de las grandes canciones ya mencionadas, temas de elaborada y profunda letra (Corre, dijo la tortuga) o de puro desamor sabinero (Medias negras).

La edición en CD añadía tres temas más. Una divertida declaración de intenciones sabineras en Ataque de tos, el sonido de bohemia y cabaret de Ponme un trago más, y una joya mayúscula llamada A tí que te lo haces. Diría que no me importa que no la incluyera en la versión en vinilo, como cierre perfecto a un gran disco, pero sería otra más de las mentiras piadosas de este cuento.

El disco de la semana 171: Antonio Vega - No me ire mañana

Es sin duda alguna uno de los mitos de la música en España, uno de los que iniciaron la movida madrileña y la explosión de diferentes sonidos que a primeros de los años 80 tiño nuestro país. Me estoy refiriendo a Antonio Vega, cuyos comienzos musicales se produjeron de la mano de Nacha Pop, donde además de componer diferentes canciones tocaba la guitarra y compartía junto a Nacho Garcia Vega la voz. Nacha pop durante los años 80 llenaron de música el panorama nacional y fue considerado uno de los mejores y más reconocidos grupos en España, si bien el ambiente en el grupo estaba enrarecido y decidieron disolverse e iniciar carreras por separado, Nacho Garcia Vega junto a Carlos Brooking crean un grupo llamado Rico, Antonio Vega decide continuar su camino en solitario, sin que nadie le imponga la dirección de sus pasos, encaminados a un lugar donde su creatividad no tenga ningún muro que la detenga. Y asi durante 18 años y cinco albums estremeció los corazones de muchos admiradores, vivió a su manera, sin ninguna regla que un tercero le impusiera y se fue despacio, en silencio, cuando todos en el horizonte teníamos cuál era su destino, nos estrujo el corazón como él solo sabía hacer y aquel 20 de abril de 2009 una lagrima de dolor pero a la vez de satisfacción por lo que nos había entregado rodo por nuestra mejillas, con la satisfacción de haber disfrutado de un artista como pocos quedaban o vendrán y con el buen gusto que él también disfruto a su manera……

En 1991 publica su primer álbum en solitario del que vamos a hablar, con el título de “No me iré mañana”, comienza su camino, un álbum a la vez pop y con muchos rasgos de la canción de autor y sentimental de la que alardea Antonio Vega. El disco comienza con “Háblame los ojos” y esa guitarra que se va rasgando esta presentación se mueve claramente en un ambiente pop, pero donde también podemos descubrir, esa poesía, esa trascendencia que empezaba a repartir hacia todos los lados…

Quiero decirte,

quiero decirte que mi adiós

quiero decirte que mi adiós no fue, huir del follón.

Quiero que entiendas,

quiero que entiendas que ha de haber

quiero que entiendas que ha de haber un par para ser dos...

y jugar...

Y no le tengo miedo al tiempo que se va, no

yo sé que se parecen sueño y realidad, lo podría jurar.

“Esperando nada” es un absoluto pelotazo, muy cercano al rock and roll y con un estribillo que te permite una queja al viento a viva voz….. reflejo de una inspiración, el camino tortuoso para poder encontrar y mirar a las musas cara a cara, todo aquel artista en busca de su tesoro se ha visto en la misma situación que el protagonista de esta canción. En el tema también podemos disfrutar de una guitarra maravillosa. “Lo mejor de nuestra vida” es otro pelotazo, otro himno, una cancion maravillosa que te da un puñetazo en el estómago, la historia de una ruptura, el dolor, el alivio, el arrepentimiento y la añoranza y de nuevo siempre mas cerca del rock and roll que del pop que nos tenia acostumbrados… y pónganse en pie, el nivel estaba siendo altisimo pero llega el momento de la cancion de autor y esta pequeña joya titulada “Tesoros”, se abre paso la delicadeza y la guitarra en acústica acompaña la voz en una letania dolorosa hasta que la musicalidad hace presencia en el estribillo mientras la voz trata de arrinconarla porque el dolor está por encima de todo… y es que fue la primera canción que compuso después de la disolución de Nacha Pop

“…Suena un despertador

Y él da la vida sin ser Dios por una antigua vocación,

Qué haría mi animal si comprendiera que es genial

No dejaría de pensar, no.

Cuál sería el menor,

Cuál de mis tesoros el mayor,

Me inclino por dudar

De los adjetivos la verdad…”

Con “Síguelo” encontramos una rara avis en el disco y en la carrera de Antonio Vega, me parece un tema muy cercano al british pop de los años 80, un intento de explorar nuevas sensaciones y ritmos, aun lo exótico de lo que pueda parecer en voz del Madrileño, queda una cosita muy apañada…  “La ultima montaña” es también extraña, una mezcla metafórica que no queda mal, pero se queda bastante lejos de lo que hasta ahora nos había ofrecido, una canción totalmente popera pero con esa guitarra tronando. Retoma la senda de la gloria con ese clásico titulado “Se dejaba llevar” y es que vuelve a su intimidad, a su canción de autor, donde se sabe manejar a la perfección y con el que consigue tocar la fibra del oyente, que delicadeza disfrutamos en este tema… “…Se dejaba llevar, se dejaba llevar por ti. No esperaba jamás, y no espera si no es por ti. Nunca le oyes hablar, sólo habla contigo y nadie más. Nada puedes sufrir, que él no sepa solucionar… “si esto no es amor incondicional yo me he perdido. Disfrútenlo con los ojos cerrados. Con “Guitarras” vuelve el rock and roll, y la guitarra de nuevo se hace con él, no solo en el título, no solo en el homenaje que le hace a todo aquel que ha tratado de hacer música de disfrutar con la música

“Yo era uno más que un día aprendió de otro más,

encontré un grosor de púa y un sonido fiel,

luego es tener uno mismo una forma muy propia de hacer, tocar, sonar.

¡Oigo guitarras, quiero guitarras, suenan guitarras, oigo guitarras!

Continua el álbum con otro pelotazo este “Mis dos amigos”, una canción dedicada a su hermano un claro homenaje a lo que significa para el autor su hermano y su pareja, y un estribillo demoledor… que dice "Me gusta verlos cuando está detrás el sol, me corta la respiración, su fuerza es la del halcón, laten sus cuerpos con el mismo corazón". Que bellísimo homenaje para un hermano, un amigo. Termina el álbum con el tema que da título al disco, “No me ire mañana” otro tema lleno de metáfora y pop, dulce colofón para una obra maestra.

Coque Malla y The Satellites: Un homenaje a Lou Reed - Transformer (Mes Coque Malla)

     "Hola, buenas noches, el 8 de diciembre de 1972 Lou Reed publicó su segundo álbum en solitario", Con estas palabras iniciaba The Satellites su particular homenaje a la figura del artista, un disco grabado en vivo en vivo en la sala El Sol y que Coque organizó en honor a la figura del artista, que había fallecido recientemente, concretamente el 27 de octubre de 2013. The Satellites no era ni más ni menos que Coque Malla rodeado de su banda habitual, Gabriel Marijuán (percusión), Marc Hernández (bajo y contrabajo), Claudio de Casas (guitarra) y David Lads (teclados).

     Aquella noche Coque también contó con la colaboración de amigos como Luis Martín (Los Ronaldos), Miren Iza (Elektrobikinis, Tulsa), la cantante Alondra Bentley. David Herrington (trompeta y tuba)  ó su hermano Miguel Malla (clarinete y saxo)

     Coque y The Satellites se arrancaban con Vicious, el majestuoso tema que Lou compuso a partir de una sugerencia de Andy Warhol, quien por entonces era el manager de Velvet Underground. continuaban con Andy's Chest, tema inspirado en el intento de asesinato que sufrió Andy Warhol por parte de la escritora feminista radical Valerie Solanas. Ya advertía Coque que ante semejante obra maestra, lo mejor que podía hacer es ser lo más fiel posible a la obra del artista, pues intentar ser creativo ante semejante obra era harto complicado.

     Después de habernos enganchado con los dos primeros temas, le llega el turno a Perfect Day, un tema donde el maestro nos recordaba lo bonito que puede resulta disfrutar de las cosas sencillas.
Hangin' Round, el momento ideal para mover las caderas después del tema lento anterior. Y llegamos, para mí, a uno de los momentos cumbre del disco, la maravillosa Walk On The Wild Side, donde Lou nos hablaba del otro Nueva York, del que casi nadie habla. Ese Nueva York al que los travestis se dirigían en busca de algo de fortuna, y acababan ejerciendo la prostitución, un paseo por el lado salvaje de la ciudad.

     Make Up, tema donde nos regala un dúo magnífico lleno de sensibilidad junto con Miren Iza, la cantante de Elektrobikinis y Tulsa.
Después le lega el turno a Satellite Of Love, precisamente el tema en el que Coque se inspira para poner el nombre del grupo, The Satellites, que ha escogido para la ocasión y su tributo a Lou Reed. Un tema que Lou ya había compuesto en su etapa en la Velvet Underground y de la que existe una grabación anterior a Transformer con la Velvet, aunque la letra entre la primera versión y la de Tranformer no es igual y sería variada para a grabación en el disco Transformer.

     A Satellite Of Love le siguen el marchoso rock Wagon Wheel, y New York Telephone Conversation, donde durante casi dos minutos Coque con la colaboración de la magnífica Alondra Bentley nos reproducen precisamente eso, una llamada telefónica.
Se acerca el final, y son los acordes de I'm So Free los que suenan, donde nos cuenta que es hijo de la naturaleza, es único y por tanto libre. No queremos que acabe este particular homenaje, pero como todo lo bueno llega a su fín, y lo hace con el último tema, Good Night Ladies, donde da las buenas noches a las señoras, y a los señores que le han acompañado en tan noble homenaje a la figura de Lou Reed y su obra maestra Transformer.

     Comentaba Coque Malla, que si bien haber grabado rarezas como el homenaje a Rubén Blades le había supuesto un auténtico reto, hacer el homenaje en vivo del enorme disco de Tranformer de Lou Reed le suponía un reto aún mayor, pues fue más exigente aún por el tema añadido del idioma. Al ser una actuación en vivo Coque no quería cometer ningún error con el tema del idioma y que todo saliera perfecto. Tranquilo coque porque tus Satellites y tú estuvisteis a la altura.