Joaquín Sabina - Esta Boca Es Mía (Mes Joaquín Sabina)

Esta boca es mía

     1989 fue un año muy importante para Joaquín Sabina, ese año junto a su inseparable amigo y guitarrista Pancho Varona funda la empresa Ripio, una empresa editorial que entre otras cosas se dedica a registrar todos los temas compuestos por el genio de Úbeda. Nos adentramos en la década de los 90 y los discos y las giras se suceden, la fama y el el éxito crecen y elevan a la élite del panorama musical español al artista. Así llegarán Mentiras Piadosas (1990), Física y Química (1992) ó Esta Boca es Mía (1994), disco al que vamos a dedicar esta reseña.

En 1994 y bajo el sello discográfico BMG / Ariola se publica el noveno álbum de estudio de Joaquín Sabina, Esta Boca Es Mía. Un disco producido por Pancho Varona y Antonio García de Diego y que cuenta con la colaboración de artistas de la talla de Álvaro Urquijo, Javier Ruibal, Pablo Milanés o Rosendo entre otros. Es un disco que tiene además la particularidad de ser uno de los discos más variados en cuanto a géneros musicales, pues se atreve con el rock, la salsa, el bolero, la música de cantautor, la rumba o el pop entre otros También cuenta con la colaboración en los coros de la excelente compositora y cantante de jazz y música latinoamericana Olga Román.

Empieza el disco mostrándonos el estilo de cantautor tan particular al que Sabina nos tiene acostumbrados con Esta Noche Contigo. Inmediatamente después llega un de los temas que se han convertido en una de los grandes éxitos del maestro, Por el Bulevar de los Sueños Rotos, un tema homenaje a la gran artista mexicana Chavela Vargas  y que contiene además referencias a más artistas mexicanos que fueron contracorriente y rompieron los moldes preestablecidos por entonces. El tema fue compuesto por Joaquín Sabina y Álvaro Urquijo. Turno para la desenfadada y traviesa Incluso en Estos Tiempos, tema  que dará paso al Sabina más melancólico en Siete Crisantemos, donde durante algo más de cinco minutos conseguirá que nos contagiemos y nos pongamos melancólicos con él, "siete versos tristes para una canción". En Besos Con Sal es capaz de jugar con maestría con los ritmos latinos con una percusión muy buena y mezclarlo con unos arreglos se saxofón sobresalientes. Le llega el turno a otro de los momentos álgidos del disco, Ruido, compuesta por Sabina y Pedro Guerra. Pedro Guerra había dado la letra de la canción a Pancho Varona para que le pusiera música, y Sabina al oírla le gustó tanto que le dió una vueltas al texto pero manteniendo la idea original.

Nos adentramos en la segunda parte del disco con El Blues de lo que Pasa en Mi Escalera, un tema alegre y desenfadado y que cuenta con la colaboración de otro maestro, Rosendo Mercado, donde nos relata Sabina que en la vida hay ricos, hay pobres, los hay con mucha suerte y los hay con menos suerte, pero el sigue siendo el mismo, el mismo que es capaz de encandilarnos con  un bolero o con su lado más canalla con un rock. Como un Explorador, tema acústico donde de nuevo por encima de todo vuelven a destacar esas grandes letras a las que nos tiene acostumbrados, "De par en par he abierto los balcones, he sacudido el polvo a todos los rincones de mi alma...". En Mujeres Fatal cataloga los distintos tipos de mujeres que existen según la visión del propio  artista, "...Hay mujeres que bailan desnudas en cárceles de oro / Hay mujeres que buscan deseo y encuentran piedad...". A ritmo de Rhythm and Blues se pone filosófico y compartirá esos momentos con los oyentes con el tema Ganas de..., "Cada mañana salto de la cama pisando arenas movedizas / Cuesta vivir cuando lo que se ama se llena de ceniza...". En La Casa por la Ventana retoma los ritmos cubanos con la colaboración de Pablo Milanés y nos regala una gran canción protesta y crítica sobre la situación de los inmigrantes en España. En Más de Cien Mentiras nos hablará de realidades y placeres de la vida cotidiana. Y cierra el disco con otro de los grandes temas del álbum y que además da título al mismo, Esta Boca Es Mía, una balada donde Sabina es capaz de envolver la letra en esa atmósfera en la que se siente tan cómodo y nos regala una letra muy íntima donde nos pone de manifiesto la dureza de la vida cotidiana y nos habla de una sociedad poco comprometida con ciertos aspectos del ser humano. Una delicia de tema que sirve para poner el broche de oro a otro gran trabajo del maestro de Úbeda.

Contraportada Esta Boca Es Mía

Joaquín Sabina - Ni tan joven ni tan viejo (Mes Joaquín Sabina)

Ni tan joven ni tan viejo #mesJoaquinSabina

Si me hubiese imaginado un disco tributo a Sabina, me lo habría imaginado así, donde 38 artistas tocarán algunas de las canciones más emblemáticas de Sabina.

Y no solo estos artistas interpretaran cada uno de las canciones de Sabina, sino que dejaran un sello particular en cada una de ellas, dando la sensación que estamos escuchando una nueva versión de una canción que todos ya conocemos, será acaso eso de "ni tan joven ni tan viejo", el nombre con el cual han bautizado a este álbum tributo a Sabina, un juego de palabras que invita a re descubrir 25 canciones memorables del autor.

Es solo comenzar y escuchar "Ruido" una versión interpretada por "Fito y Fitipaldis" y Coque Malla, sabes que perfectamente Fito podría haberla cantado en cualquiera de sus recitales, y que Coque Malla ha estado ahí con el siempre, al igual que un Alejandro Sanz, irreconocible por la puesta intima que le da a "Contigo", y que decir de un Bumbury en "Donde habita el olvido" con una interpretación solemne sin desperdicios.

Me olvidaba de "Con la frente marchita", será que Amaral y Manolo Garcia, me llevan a cada uno de los mismo lugares que Sabina sabe llevarte en sus canciones, lo tenemos a Leiva detras de "el caso de la rubia platino", interpretando un rock and roll.

Pero debo decir que "19 días y 500 noches después" de Travis Birds y Benjamin Prado, es un sello particular de una historia contada, también el grupo Estopo interpretando "Pacto entre caballeros" otro rock and roll que se las trae, y hablando de traer "Princesa" nos trae a unos Rodriguez que se unen para cantarla, Andrés Calamaro, Ariel Rot y Germán Vilella.

Hemos dicho 38 artistas, y no he llevado ningún orden, solo a medida que recuerdo las canciones del disco me vuelvo a entusiasmar, con lo que han logrado estos artistas, obviamente no podía faltar su compañero y amigo Joan Manuel Serrat, en un duo con Rozalén interpretando "A la orilla de la chimenea"

Ya lo he dicho un disco que vale la pena escuchar, una y otra vez, como un juego de las 7 diferencias, y luego te invito a escuchar las versiones interpretadas por Sabina, solo por el placer de descubrir ese toque particular que ha puesto cada artista. Para el final "Y nos dieron las diez" donde se unen todas las voces para interpretar esta canción.

Siempre es un placer escuchar las canciones de Sabina, y esperamos que se encuentre bien, que ya este recuperado de su caída, que lo estamos esperando con ansias que vuelva a los escenarios.

Lista de canciones "Ni tan joven ni tan viejo" Disco Tributo Sabina

CD1

1. Ruido (Fito y Fitipaldis / Coque Malla)

2. Contigo (Alejandro Sanz)

3. Con la frente marchita (Amaral / Manolo García)

4. Donde habita el olvido (Bunbury)

5. El caso de la rubia platino (Leiva)

6. Peces de ciudad (Pablo Alborán / Pablo López)

7. Calle Melancolía (Robe)

8. La canción más hermosa del mundo (Manuel Carrasco)

9. 19 días y 500 noches después (Travis Birds /Benjamin Prado)

10. Cerrado por derribo (Niño de Elche/ Guitarricadelafuente)

11. Y sin embargo (Dani Martín / Zahara)

12. A la orilla de la chimenea (Joan Manuel Serrat / Rozalén)

CD2

1. Princesa (Los Rodríguez)

2. Yo también sé jugarme la boca (Vanesa Martín)

3. Amor se llama el juego (Melendi)

4. Quién me ha robado el mes de abril (Pablo López)

5. Pacto entre caballeros (Estopa)

6. A mis cuarenta y diez (M Clan / Alejo Stivel)

7. Eclipse de mar (Ismael Serrano / Funambulista)

8. Nos sobran los motivos (Marwan / Kany García)

9. Lo niego todo (Mikel Erentxun / Rufus T. Firefly)

10. Pongamos que hablo de Madrid (Rubén Pozo / Lichis)

11. Ganas de... (Macaco / Carlos Sadness)

12. Una canción para la Magdalena (Andres Suárez / Elvira Sastre)

13. Y nos dieron las diez (Varios)

Artistas:

Serrat, Rufus T. Firefly, Amaral, Leiva, Rozalén, Ismael Serrano, Fito y Fitipaldis, Coque Malla, Alejandro Sanz, Manolo García, Bunbury, Pablo Alborán, Pablo López, Robe, Manuel Carrasco, Travis Birds, Benjamín Prado, Niño de Elche, Guitarricadelafuente, Dani Martín, Zahara, Vanesa Martín, Melendi, Estopa, M Clan, Alejo Stivel, Funambulista, Marwan, Kany García, Mikel Erentxun, Rubén Pozo, Lichis, Macaco, Carlos Sadness, Mara Barros, Andrés Suárez y Elvira Sastre y a Los Rodríguez, reunidos para la ocasión.

Daniel 
Instagram Storyboy

Joaquín Sabina - Física y Química (Mes Joaquín Sabina)

El álbum comienza con uno de los clásicos de Joaquin Sabina, una canción que todos hemos cantado alguna vez, un tema canalla. “Y nos dieron las diez” a ritmo de vals/ranchera Sabina nos mete de lleno en una de sus historias de amor furtivo, de amor sin condiciones. Como curiosidad es la canción melliza de Ojos de gata de Los Secretos, de hecho, cuentan que la canción surgió de un encuentro fortuito de los dos cantantes, Sabina le enseño a Urquijo en lo que estaba trabajando y al leer aquella estrofa decidieron los dos tomar la historia y dejarla llevar cada uno por su lado. El titulo también sirvió para el tributo que el rock español le dio como homenaje haciendo versiones de sus canciones, no cabe duda que estamos ante uno de los hitos de la carrera de Joaquin Sabina y el tema más escuchado del autor en Spotify… casi nada. Después de este subidón no va a dejar de contarnos historias canallas, de limite, y en esta ocasión “Conductores Suicidas” tiene dedicatoria, ya que la canción está escrita para uno de sus compañeros de aventuras y desventuras nocturnas, en el gran Manolo Tena, uno de los artistas que iniciaron la movida en Madrid, con el que tuvo sus más o menos y sus desavenencias, solo hay que fijarse en la brillante letra que nos vuelve a regalar…

“no es asunto tuyo -me dirás- y punto”

pero reconoce que es crudo aceptar

que no hay ser humano que le eche una mano

a quien no se quiere dejar ayudar,

y búscate la vida, en dirección prohibida,

pero no impedirás que levante mi vaso

a tu mala salud y te invite a brindar,

muerta la amistad sabe igual que el fracaso

y a los dos nos gusta el verbo fracasar,

así que tu ni caso,

por no agobiarte paso

de hacerte la cuenta de las papelinas,

de que no te fíe ni rafa el del pub,

de que vendas chapas en ciertas esquinas,

de que te conozcan en cada hospital.

¿cómo te has dejado

llevar a un callejón sin salida,

el mejor dotado

de los conductores suicidas?

Sigue la cosa de homenajes y con “Yo quiero ser una chica Almodovar” obviamente pone su ojo en el cineasta más internacional, Pedro Almodovar, o más que en él, en todo lo que le rodea, a ese estilo tan particular, aunque más que homenaje es un relato del ego de esas que llegan a ser famosas por participar en una película con el director manchego, aunque dentro de tanta puñalada, está muy divertido la forma que una tras otra va mencionando las películas del director, todo encajado en una música de vodevil, mitad circense, mitad musical y es que pudo contar con Luis Eduardo Aute para la música, y eso es un plus. Como curiosidad está bien, pero ha estado mucho más afortunado en otras ocasiones en canciones de este tipo. Está claro, soy la parte moña del blog, pero es que esta “A la orilla de la chimenea” puede poner moña a cualquiera, es una preciosa canción de total servidumbre al amor, a esa persona que nos hace feliz, con una letra totalmente afortunada, llena de poesía, me pone muy melancólico, te va metiendo frase a frase un cuchillo en el corazón y pasamos por mil estados.… Resignación: “Puedo ponerme triste y decir que me basta con ser tu enemigo, tu todo, tu esclavo, tu fiebre tu dueño” …. Consuelo: “O tal vez esa sombra que se tumba a tu lado en la alfombra, a la orilla de la chimenea a esperar que suba la marea” …. Orgullo: “Puedo ponerme digno y decir toma mi dirección, cuando te hartes de amores baratos, de un rato me llamas” ….  Entrega: “Y si quieres también puedo ser tu trapecio y tu red, tu adiós y tu ven, tu manta y tu frío, tu resaca, tu lunes, tu hastío”. Es una puta obra maestra….

“Todos menos tu” musicalmente es quizás una de las más flojitas del álbum, pero el plato fuerte se lo guarda en la letra donde nos ofrece una de sus letanías de personajes y situaciones tan típicamente Sabina con el trasfondo del Madrid que tanto ha vivido él. Y es asi como llegamos a otro punto álgido del disco con “La del pirata cojo”, escrita junto a Pancho Varona, divertida, curiosa y con un ritmo brutal… y como no la letra de nuevo, empezando por ese estribillo que todos hemos cantado alguna vez, pero además el juego dialectico se complica porque empieza a relacionar profesiones con ciudades y no te dejas de preguntar dónde termina el ingenio de este crack… 43 vidas en poco más de 4 minutos y muchas de ellas totalmente tentadoras, soñar es gratis y que mejor que dejarnos llevar por el camino del poeta de Ubeda y transformarnos en todas esas vidas, para terminar en la que todos hemos querido vivir de pequeños, que no es otra que ..”La del pirata cojo con pata de palo, con parche en el ojo, con cara de malo, el viejo truhan, capitán de un barco que tuviera por bandera un par de tibias y una calavera… “Y cómo va lanzado se mete a hacer una especie de jazz blusero con “La canción de la noche perdidas”, y es que con ese título no había mejor estilo musical que acompañarla, y del envite sale bastante decente, con un estilo musical muy digno y con una canción de tristeza que te empapa como una lluvia fina y prolongada, donde nos cuenta una de sus aventuras nocturnas fatales de las que tanto alardea y suponemos, casi aseguramos, ha vivido. “Los cuentos que yo cuentos” es para mí otra de las flojitas, aunque ese ritmo festivalero y de verbena le hace un favor, otra canción de amor y de desamor, de condiciones y de libertad absoluta. También tenemos aquí a Pancho Varona poniendo su granito de arena musicalmente de forma totalmente reconocible.

Vamos terminando el disco y creo que lo vamos a disfrutar mucho, empezando cor este “Peor para el sol” otro baladon de Sabina que te pone los pelos de escarpias desde el minuto 1… “Que adelantas sabiendo mi nombre, cada noche tengo uno distinto..” eso es una presentación y lo demás tonterías, en su sitio siempre, para esta aventurilla, de nuevo nocturna, y de nuevo con una mujer fatal a la que no tenemos acceso y de nuevo nos convertimos en un Don Juan en busca de su presa… ¿Qué adelantas sabiendo mi nombre?, Cada noche tengo uno distinto, Y siguiendo la voz del instinto, me lanzo a buscar…” y encuentras a una Doña Juana, que tiene los mismos objetivos que tu, la diversión es para todo, pero has bajado la guardia y has quedado retratado, enamorado, solo y abandonado…. Que malvada circunstancias... que infidelidad cínica y que trampa para ratones más deliciosa, en una canción en tono de dialogo totalmente redonda. “Pastillas para soñar” cierra el álbum, y aquí voy a presumir de patria chica porque se hace acompañar de la Banda Sinfónica de Getafe y una oda a la buena vida al exceso y a disfrutar los placeres que nos ofrece la mala vida, una canción, vamos a llamarlo así… divertida, solo hay que detenerse en muchas de las frases de la canción…. Y ojito ¿a ver si sabéis quien andaba por esa canción? Nuestro Argentino más poeta y más chiflado, Andres Calamaro, echa una mano en el tema.

“Si quieres ser matusalén

Vigila tu colesterol

Si tu película es vivir cien años,

No lo hagas nunca sin condón

Es peligroso que tu piel desnuda

Roce otra piel sin esterilizar,

Que no se infiltre el virus de la duda

En tu cama matrimonial

Y si en tus noches falta sal,

Para eso está el televisor

Si lo que quieres es cumplir cien años

No vivas como vivo yo”

P.D.- Había comentado que cerrábamos con Pastillas para soñar, pero si tuvimos la ocasión de comprar el cassette o el cd, nos encontrábamos un bonus track, de título “Amor se llama el juego” y desde luego de una categoría sublime, es un temazo donde la melancolía nos puede atrapar y no soltarnos

Joaquín Sabina y Viceversa - En Directo (Mes Joaquin Sabina)

Sabina y Viceversa

     Mes de julio dedicado a Joaquín Sabina, y para la ocasión me ha tocado reseñar su directo Joaquín Sabina y Viceversa en Directo, disco grabado en riguroso directo donde Sabina nos muestra como muy bien decía en el artículo de presentación Nevermind su lado más canalla.

Tuve la suerte de crecer junto a unos amigos (entre los que también se encontraban Chema y Nevermind, mis compañeros de Blog) donde era habitual el mercadeo y tráfico de vinilos y cassettes entre nosotros de cualquier tipo de música que cayera en nuestras manos (por entonces todavía no existía el formato CD). Siempre andábamos liados con ése grupo o aquél artista que alguno había descubierto, inmediatamente los demás sentíamos la necesidad de hincarle el diente y escucharlo. Así es como durante mi infancia y adolescencia junto a mis amigos fueron pasando innumerables cassettes y discos de infinidad de artistas, luego llegarían los CD's. Uno de aquellos artistas que cayó por aquella época en mis manos fue precisamente Sabina y su directo con Viceversa.

La primera vez que tuve contacto con Sabina fue gracias a mi amigo Littbarski, sí, ese al que ya dedicamos una reseña en 7dias7notas donde Nevermind relataba la anécdota que pasó junto a él y otro amigo en un concierto de Guns & Roses. Debería rondar yo los quince años de edad, y por entonces a Littbarski le teníamos como una clara referencia musical, pues en su casa también se respiraba música. Una casa donde aquí el escribe descubrió de su mano artistas tan variopintos como como Javier Krahe, Luis Eduardo Aute, Alberto Fernández, la maravillosa Mandrágora, Gwendal, Lavanda por citar sólo algunos. Solíamos hacer reuniones en casa de Littbarski para escuchar la música que en ocasiones llevábamos alguno y la música que él tenía allí en casa. En una de esas ocasiones nos habló de Joaquín Sabina, un artista al que yo por entonces conocía sólo de oídas, y acto seguido sacó con la ilusión de un niño con zapatos nuevos uno de sus discos, concretamente un directo, Joaquín Sabina y Viceversa en Directo. Esa fue la primera vez que escuché un disco de Sabina.

Después de su exilio en Londres, Sabina regresa a España en 1977, y un año después debuta con su primer álbum de estudio, Inventario, un disco con claros tintes de cantautor. En 1979 comienza a cantar junto con Javier Krahe y Alberto Pérez en el madrileño sótano del café de La mandrágora. Pero Joaquín no quiere encasillarse y que le cataloguen dentro del clásico perfil del cantautor y reniega de éste, ya que según sus propias palabras le hacía sentir como "si le hubieran puesto un ladrillo en la cabeza" y tampoco se considera poeta pues "es un traje que le queda demasiado ancho".

Luego llegaría en 1980 Malas Compañías, donde podemos comprobar que empieza a abrazar otros géneros además del de cantautor como el rock latino, el folk ó el pop. En 1981 se publica La mandrágora, álbum en directo con la intención de recoger el espíritu de aquellas actuaciones en el local madrileño. Habría que esperar hasta el año 1984 para disfrutar de Ruleta Rusa; en este disco Sabina empieza a experimentar con sonidos más roqueros, y empieza a colaborar en algunos temas con la banda de rock Viceversa. Ese mismo año, 1984, graba junto con Gloria Van Aerssen de Vainica Doble el famoso tema Con las Manos en la Masa, sintonía del programa homónimo dedicado al mundo de la cocina.

En 1985 Sabina abandona su actual compañía discográfica, CBS, y ficha por el sello Ariola, consiguiendo tener libertad artística a la hora de componer y trabajar. Comienza a trabajar asiduamente con la banda Viceversa, y con ellos graba su disco Juez y Parte, álbum que sigue en la línea de su anterior disco, abrazando el pop y el rock, y cobran más protagonismo los teclados y la caja de ritmos. Después de cuatro discos de estudio ha llegado la hora de publicar su primer álbum en directo en solitario, pues ya había publicado junto a Javier Krahe y Alberto Pérez La mandrágora. En 1986 se publica Joaquín Sabina Y Viceversa en Directo, disco grabado en directo en el teatro Salamanca de Madrid de los conciertos que da allí los días 14 y 15 de febrero de 1986.

Es Joaquín Sabina y Viceversa en Directo un álbum doble donde Sabina sigue abrazando su lado más canalla con esos sonidos roqueros de sus dos anteriores discos, aunque también dedica espacio a su lado de cantautor de sus primeros tiempos. Sabina nos invita a sentarnos en Ocupen su Localidad y nos da pistas de por dónde va transcurrir la actuación. Nos hablará de las penurias de la juventud en Cuando Era Más Joven, y seguirá con la temática de los errores de juventud en Princesa. En Hay Mujeres cuenta con la colaboración del cantautor catalán Ricardo solfa (Jaume Sisa) para contarnos la visión que tiene de los distintos tipos de mujer que existen. Nos deja su lado más roquero con Zumo de Neón. También nos muestra su lado crítico hacia aquellos críticos, representantes y artistas que no se lo pusieron nada fácil cuando empezaba en Joven Aprendiz de Pintor. En Cómo decirte, cómo Contarte se nos pone filosófico, y en Trato De Impaciencia nº 11 nos relata una cita en la tiene un escarceo amoroso  que no llega a consumarse. Nos relata la historia de un joven delincuente de la época en Qué Demasiao, y cierra la primera parte con Juana la Loca, el relato de un hombre casado con mujer e hijos que tiene encuentros clandestinos amorosos con otros hombres, y cansado de fingir decide salir del armario.

Abre la segunda parte del directo con uno de sus grandes clásicos, Calle Melancolía, tema donde se respira la soledad y el desamor. Estamos en unos de los puntos álgidos del disco pues después le llega el turno a Pongamos Que Hablo de Joaquín, interpretado por su amigo Luis Eduardo Aute y donde nos da una visión muy particular de su amigo Sabina. En Caballo de Cartón nos cuenta la vida de una mujer que ahogada en la rutina y la monotonía, rompe ésta por las noches con su vida noctámbula. Ahora el que se sube al escenario es su amigo Javier Krahe para interpretar Cuervo Ingenuo acompañado en los coros del propio Sabina, un tema que es toda una crítica a la gestión del por entonces presidente del gobierno a Felipe González, por el ingreso de España en la OTAN y otras cuestiones. El tema fue objeto de polémica y fue hasta censurado impidiendo su emisión durante el concierto de Sabina que retransmitió Televisión Española. En Whisky Sin Soda se pone en la piel de un mujeriego cuyo único objetivo en la vida es disfrutar del día a día; tema que es contrarrestado por su antagónico Rebajas de Enero, toda una oda al amor y la responsabilidad. Turno para Javier Gurruchaga que se sube al escenario para interpretar Adiós, Adiós, tema compuesto por el mismo y por Sabina. Vamos intuyendo el final del álbum pero Sabina Pisa el Acelerador junto con Gurruchaga todavía en el escenario. Y llegamos a uno de sus temas míticos y que fuera grabado antes también por Antonio Flores, Pongamos que Hablo de Madrid, tema dedicado a la ciudad desde una perspectiva sórdida y gris. Nos vamos acercando al final con Eh, Sabina, donde nos relata los vicios de los que ha hecho gala hasta que su cuerpo dijo basta. Y llega la hora de la Despedida con este tema donde Sabina precisamente hace eso, despedirse del presente habiéndo dejado un gran sabor de boca y haciendo que al que aquí escribe le haya sabido a poco pues llegados a este punto se encuentra totalmente entregado y quiere más...

Joaquín Sabina - Mentiras Piadosas (Mes Joaquín Sabina)

No es una mentira piadosa decir que este álbum de Sabina es un disco de transición, ni tampoco aclarar que en este caso el adjetivo de "transición" no quiere decir que no sea un disco bueno, y es una verdad como un templo que, desde luego, lo es. La transición era hacia la madurez de sus discos desde Física y Química hacia adelante. ¿Y significa eso que los discos anteriores a este Mentiras piadosas no fueran maduros? Mire usted, pues tampoco. Pero tras unos primeros discos de cantautor ortodoxo (Inventario, Malas Compañías), el jienense se había lanzado a la Ruleta Rusa de producir discos más eléctricos y desenfadados, en los que fue perfeccionando cada vez más tanto el sonido como las letras, y que acababa de llegar a un momento álgido con El hombre del traje gris. El siguiente paso era hacia la madurez y la unidad de sonido, y Mentiras Piadosas fue ese momento de transición.

Para componer los temas del álbum, Joaquín Sabina se llevó a Pancho Varona a Buenos Aires para trabajar mano a mano. El resultado no fue muy productivo, ya que en lugar de trabajar en canciones, se pasaron dos semanas de fiesta, y sólo compusieron Eclipse de Mar, el tema que abre el disco con una brillante reflexión sobre la diferencia entre las noticias que salen en los medios y los temas más terrenales que preocupan realmente a una persona cualquiera y a título individual. Una única canción, pero el viaje finalmente no fue en balde, porque ya en Madrid, recordando todas las experiencias vividas, Sabina compuso Con la frente marchita, una canción que le catapultaría más allá del charco y le daría dimensión internacional a su carrera.

En Madrid el método cambió ligeramente. Joaquín Sabina estaba inspirado y escribiendo canciones a gran velocidad, y Pancho Varona se las llevaba escritas en papeles para trabajar con la guitarra. Canciones como Y si amanece por fin, que insiste en la temática de otras canciones anteriores como "Quédate a dormir" con el apoyo de imaginativas frases y referencias cinematográficas ("Y yo no soy Mickey Rourke, ni tu Kim Bassinger, ni tengo nueve semanas y media") nacieron en cualquier papel que estuviera a mano, desde un folio a una servilleta.

Con un buen puñado de canciones escritas, llegó el momento de entrar al estudio de grabación, y dada la conocida nocturnidad del cantante, se dio la curiosa circunstancia de que hubo otro disco de otro gran artista grabándose en la misma sala. Mientras Joaquín Sabina grababa sus mentiras por la noche, Joan Manuel Serrat se encargaba de su Material Sensible por las mañanas. Así que ahí tenéis un ejemplo de dos discos "hermanados" en espacio y tiempo. Y del hermanamiento entre las dos figuras tampoco hay ninguna duda, después de todas sus colaboraciones durante los últimos años.

El siguiente vaivén llegó de la mano de la discográfica, que quiso enrolar en el barco a Jay Burnett, un ingeniero estadounidense que había trabajado con Jeff Beck. Ni Sabina ni el resto del grupo llegaron a conectar con él, hasta el punto de aprovechar un fin de semana en el que se fue a Londres para grabar sin él el tema Mentiras piadosas, que daría título al álbum, y de acabar sustituyéndole por Luis Fernández Soria que remezcló todo el disco en Madrid.  Las grabaciones se dilataron demasiado en el tiempo, y la discográfica llegó a pararlas para no incurrir en más gastos. A ellos les hubiera gustado seguir creando y perfeccionando, pero afortunadamente habían reunido suficiente material para poder mentir piadosamente durante un disco entero.

Quizá esa precipitación en el cierre sea lo que le deja ese poso de transición, de mezcla de temas bien trabajados y con un sonido muy unitario, con la inclusión de otros temas que recuerdan más al sonido de El hombre del traje gris (Muro de Berlín) o que suponen homenajes musicalmente prescindibles a Cristina Onassis (Pobre Cristina) o El Dioni (Con un par), meras bromas musicales en un disco que en el tramo final nos ofrece, además de las grandes canciones ya mencionadas, temas de elaborada y profunda letra (Corre, dijo la tortuga) o de puro desamor sabinero (Medias negras).

La edición en CD añadía tres temas más. Una divertida declaración de intenciones sabineras en Ataque de tos, el sonido de bohemia y cabaret de Ponme un trago más, y una joya mayúscula llamada A tí que te lo haces. Diría que no me importa que no la incluyera en la versión en vinilo, como cierre perfecto a un gran disco, pero sería otra más de las mentiras piadosas de este cuento.

La musica en historias: Laura Nyro, aquella desconocida

Poneros en situación y pensar en una cantante de los años 60 que haya sido referencia para cantantes como Alice Cooper, Elton John o Elvis Costello, Jackson Browne o Joni Mitchell, una cantante que ha cedido canciones para Peter, Paul and Matry o Fifth Dimension, una cantante que se encargaba de todo, letra y música, con una voz tan singular, creativa y vocal, un alma brillante que había absorbido el rico espectro de la música estadounidense: gospel, jazz, musicales, doo-wop, soul, grupo de chicas, rock 'n' roll y muchas veces indagando en el folklore americano y las historias de la ciudad donde residía, que llamaba la atención por su timidez y su personalidad reservada, y que destacaba por vestirse principalmente de negro, alguien que escribió su primera canción a la edad de ocho años y en su adolescencia se deleitaba cantando en fiestas o estaciones de metro o simplemente uniéndose a grupos cerca de su casa en el Bronx, alguien que con 19 años se lanzó al vacío y publica su primer álbum con un estilo musical para adultos que engloba todo lo que antes hemos mencionado… pues esa mujer, seguramente sea una gran desconocida para la mayoría del público en este 2020, confieso que también lo era para mí, hasta que en el ejercicio de escuchar los 4000 discos propuestos #Los4000de7D7N llega a mis manos sin saber lo que aquel rostro joven y con poco aspecto de estrella de la música toca en mi puerta y es sonar las primeras notas de “Luckie” y fruncir el ceño y pensar… ¿pero que demonios?

Y es que el torrente de voz acompañado con el que abre el disco me traslada a Broadway, me traslada a Nueva York, a los musicales de Hollywood, y me mete un ritmo en el cuerpo que me quedo mirando al infinito diciendo…. Joder dame más… ¿Quién es este prodigio? ¿Qué ha sido de ella? Y te pones a buscar como un loco en nuestro querido Google, muchas veces hablando con mi hija de 14 años le cuento que cuando yo tenía su edad teníamos que esperar a que la casualidad en forma de televisión u ondas de radio nos diera información de algo que nos había llegado vete a saber cómo, y ahí estábamos muchas veces con mi compañero Nevermind, quitando el candado al teléfono fijo y diciendo… figura que esta tarde hay un especial de The Doors en tal emisora, pero no nos desviemos, una vez realizada mis indagaciones descubres que no es nada, que no es nadie, que ha quedado sepultada por una multitud de compositores, cantantes y músicos posiblemente peores que ella y que tuvieron ese puntito de suerte o esa patada en el culo que les alzaron al éxito, mientras ella seguía pateando los escenarios, regalando canciones y disfrutando de lo que hacía sin más pretensiones que el disfrute personal…. Y fue así como un carpintero le voló el corazón y abandono el epicentro de Nueva York y se mudó a una zona rural de Massachusetts y anunció su retiro de la industria de la música. Pero el corazón le falló y a los dos años abandonada de amor regresó a su ciudad e intento seguir la senda que hasta ese momento le había alegrado la vida y aunque publico otros tres albums nunca fue capaz ni quiso darle la promoción que su calidad musical merecía, no grabó videos, no hizo giras de promoción simplemente lo hacía por su propia satisfacción, y por todos aquellos que de alguna manera daban con su voz y es que esta rara avis no estaba dispuesta a convertir su carrera en la de aquella estrella prodigiosa de la música que se aleja cada vez más de la vida normal, elige un mundo de áticos y clubes privados, para respirar un aire más enrarecido. Ella eligió una vida que recordaba sus años más jóvenes, cuando le encantaba cantar en las esquinas y esta es una cualidad que recorre su carrera, desde su debut hasta su trabajo final, canciones que, a pesar de la distancia del cantante, te encajan perfectamente como amante de la música. A finales de 1996, le diagnosticaron cáncer de ovario y moría un 8 de abril de 1997 a la edad de 49 años debido a un cáncer de ovario, la misma enfermedad que años atrás se llevó a su madre con la misma edad…. Es el momento de que disfruten de ella, dedicarle al menos 10 minutos que no se arrepentirán y puestos a elegir vayan directos al álbum “Eli and the thirteen confesión”… disfrutaran de Laura Nyro.

1967 – More Than a New Discovery

1968 – Eli and the Thirteenth Confession

1969 – New York Tendaberry

1970 – Christmas and the Beads of Sweat March 2008

1971 – Gonna Take a Miracle (with Labelle)

1976 – Smile

1978 – Nested

1984 – Mother's Spiritual

1993 – Walk the Dog and Light the Light

La música en historias: El Mes Joaquin Sabina

 

Llega Julio, y sus calores, y tras correr hacia las colinas con los magistrales Iron Maiden, ahora nos iremos por los cerros de Úbeda para homenajear a uno de los más grandes letristas que ha dado el panorama patrio. Llega el #MesJoaquinSabina, y hablar de este artista es hablar de más de cuatro décadas derrochando lírica y ojo clínico en ponerle banda sonora a la evolución social, cultural y musical desde la España de la transición hasta el momento actual.

Recuerdo una frase que me dijo mi madre, cuando le pregunté por qué estaba tan enganchada a "Cuéntame". Más o menos lo que dijo fue: "Es como ver tu vida contada en televisión, son los setenta y los ochenta que nosotros hemos vivido". Al escuchar aquello, entendí que a ella y a mi padre les gustara aquella serie, pero también entendí que mi "Cuéntame" particular iba por otros derroteros. Descubrí que las malas compañías de los caballeros y las princesas de barrio, los Tolitos, las Barbies Superstar y las fulanitas de tal eran imágenes más auténticas e interesantes que las aventuras de los Alcántara, que ofrecían una recreación del mundo en la que el desolado paisaje de antenas y de cables tornaba en algo demasiado colorista y artificial, dónde nunca vi a Eva tomando el sol como Dios la trajo al mundo, ni al Jero decir "Qué demasiao" al encontrarse con la muerte en una esquina.

Hoy, más que nunca, la muerte sigue pasando en ambulancias blancas y, literalmente, nos robaron el mes de Abril, así que combatiremos el calor de julio con agüita del mar andaluz, y también del Río de la Plata. Decía la canción del Rey León que "hay un amigo en tí", y no voy a entrar a valorarlo, pero sí que creo que la música de Sabina es tan universal que "hay un Sabina para cada uno de nosotros". Por poner un ejemplo cercano, dentro del equipo de 7días7notas, a Jorky le encajaría el Sabina más rockanrollero y canalla, ese que, como ya hiciera Bob Dylan en su momento, no consintió en quedarse encorsetado en el perfil clásico de cantautor de transición, atado a la soledad de una guitarra acústica y un mensaje melancólico y de velada denuncia. Pero existe también, y cohabita en perfecta armonía, un Sabina culto y poeta, el Sabina de José María Hernández, cómo también existe el flaco cosmopolita, enamorado de otros ritmos y otras ciudades, como el Buenos Aires querido de Storyboy.

Y en mi caso, bebo un poco de todas esas fuentes, a la hora de degustar la música del gran Joaquín Sabina. Y coincido mucho con una frase suya, en la que dijo que "yo los discos no los termino, a mí me los quitan de las manos". Salvando las abismales diferencias, para mí es inevitable no pensar en ese único paralelismo entre su obra y mis artículos para 7días7notas, a los que seguiría dando vueltas "sine díe" para cambiar una última frase, o añadir un detalle de última hora. Pero ya está, es 1 de Julio y me lo quitan de las manos, tiene que comenzar este sincero homenaje de 30 días y otras tantas noches a nuestro querido Joaquín, y lo hace con este artículo y con una frase de Javier Gurruchaga al público de ese gran concierto que quedó grabado para la posteridad en el disco "Joaquín Sabina y Viceversa":

"¡¡¡Sabina, Ladies and Gentlemen, Sabina!!!"

Canciones que nos emocionan: Fast Car, Tracy Chapman

Fast Car, Tracy Chapman

     11 de junio de 1988, estadio de Wembley, Londres (Reino Unido), concierto tributo celebrando el 70 cumpleaños de Nelson Mandela. Una joven de 24 que en abril de ese año había publicado bajo el sello discográfico Elektra Records su primer álbum de estudio formaba parte del amplio elenco de artistas que ese día iban a actuar, tales como Sting, George Michael, Eurythmics, Al Green, Joe Cocker, Wet Wet Wet, Bryan Adams, Bee Gees, UB40, Sly, Peter Gabriel, Stevie Wonder ó Whitney Houston entre otros muchos.

Llegado el turno, Tracy acompañada de su guitarra interpretó tres temas de su repertorio, Why?, Behinf The Wall y Talkin' Bout A Revolution, todos pertenecientes a su primer álbum y que había publicado apenas un par de meses antes. Después de su actuación Tracy pensó que ya podía relajarse y disfrutar del resto del concierto, un concierto al que todavía le quedaba mucha tela por delante. Sin embargo entrada la noche y avanzado el concierto Tracy no se esperaba que debido a un retraso con la preparación de la actuación de Stevie Wonder iba a ser llamada ella y subida de nuevo al escenario para cubrir aquella pequeña demora. Y allí ataviada de nuevo con su guitarra acústica interpretó Fast Car, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan.

Rápidamente aquél tema se convirtió en un rotundo éxito y catapultó la carrera de la genial artista, alcanzando con este tema el puesto número 6 en la famosa lista americana Billboard Hot 100. La revista Rolling Stone en 2010 situaría este tema en el puesto número 167 de de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. El álbum debut de Tracy, tiulado Tracy Chapman consiguió varios discos de platino a ambos lados del Altántico y fue premiado con tres premios Grammy. Tracy se convertiría en uno de los artistas más destacados de las giras de Amnistía Internacional en pro de los Derechos Humanos.

Fast Car se encuentra incluido en el álbum debut de la artista estadounidense, publicado el 5 de abril de 1988, y aunque pueda parecer que el tema habla de coches, en realidad trata de una relación que no funciona pues ha comenzado desde el lugar equivocado, a la vez que nos relata la la historia de una mujer trabajadora que intenta escapar de la pobreza con su música.

You got a fast car

I want a ticket to anywhere

Maybe we make a deal

Maybe together we can get somewhere

Anyplace is better

Starting from zero got nothing to lose

Maybe we'll make something

Me, myself I got nothing to prove

You got a fast car

I got a plan to get us out of here

I been working at the convenience store

Managed to save just a little bit of money

Won't have to drive too far

Just 'cross the border and into the city

You and I can both get jobs

And finally see what it means to be living

You see my old man's got a problem

He live with the bottle that's the way it is

He says his body's too old for working

His body's too young to look like his

My mama went off and left him

She wanted more from life than he could give

I said somebody's got to take care of him

So I quit school and that's what I did

You got a fast car

Is it fast enough so we can fly away

We gotta make a decision

Leave tonight or live and die this way

So remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk

City lights lay out before us

And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder

I had a feeling that I belonged

I had a feeling I could be someone, be someone, be someone

You got a fast car

We go cruising to entertain ourselves

You still ain't got a job

I work in a market as a checkout girl

I know things will get better

You'll find work and I'll get promoted

We'll move out of the shelter

Buy a bigger house and live in the suburbs

I remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk

City lights lay out before us

And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder

I had a feeling that I belonged

I had a feeling I could be someone, be someone, be someone

You got a fast car

I got a job that pays all our bills

You stay out drinking late at the bar

See more of your friends than you do of your kids

I'd always hoped for better

Thought maybe together you and me would find it

I got no plans I ain't going nowhere

So take your fast car and keep on driving

I remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk

City lights lay out before us

And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder

I had a feeling that I belonged

I had a feeling I could be someone, be someone, be someone

You got a fast car

But is it fast enough so you can fly away

You gotta make a decision

Leave tonight or live and die this way

El disco de la semana 171: Antonio Vega - No me ire mañana

Es sin duda alguna uno de los mitos de la música en España, uno de los que iniciaron la movida madrileña y la explosión de diferentes sonidos que a primeros de los años 80 tiño nuestro país. Me estoy refiriendo a Antonio Vega, cuyos comienzos musicales se produjeron de la mano de Nacha Pop, donde además de componer diferentes canciones tocaba la guitarra y compartía junto a Nacho Garcia Vega la voz. Nacha pop durante los años 80 llenaron de música el panorama nacional y fue considerado uno de los mejores y más reconocidos grupos en España, si bien el ambiente en el grupo estaba enrarecido y decidieron disolverse e iniciar carreras por separado, Nacho Garcia Vega junto a Carlos Brooking crean un grupo llamado Rico, Antonio Vega decide continuar su camino en solitario, sin que nadie le imponga la dirección de sus pasos, encaminados a un lugar donde su creatividad no tenga ningún muro que la detenga. Y asi durante 18 años y cinco albums estremeció los corazones de muchos admiradores, vivió a su manera, sin ninguna regla que un tercero le impusiera y se fue despacio, en silencio, cuando todos en el horizonte teníamos cuál era su destino, nos estrujo el corazón como él solo sabía hacer y aquel 20 de abril de 2009 una lagrima de dolor pero a la vez de satisfacción por lo que nos había entregado rodo por nuestra mejillas, con la satisfacción de haber disfrutado de un artista como pocos quedaban o vendrán y con el buen gusto que él también disfruto a su manera……

En 1991 publica su primer álbum en solitario del que vamos a hablar, con el título de “No me iré mañana”, comienza su camino, un álbum a la vez pop y con muchos rasgos de la canción de autor y sentimental de la que alardea Antonio Vega. El disco comienza con “Háblame los ojos” y esa guitarra que se va rasgando esta presentación se mueve claramente en un ambiente pop, pero donde también podemos descubrir, esa poesía, esa trascendencia que empezaba a repartir hacia todos los lados…

Quiero decirte,

quiero decirte que mi adiós

quiero decirte que mi adiós no fue, huir del follón.

Quiero que entiendas,

quiero que entiendas que ha de haber

quiero que entiendas que ha de haber un par para ser dos...

y jugar...

Y no le tengo miedo al tiempo que se va, no

yo sé que se parecen sueño y realidad, lo podría jurar.

“Esperando nada” es un absoluto pelotazo, muy cercano al rock and roll y con un estribillo que te permite una queja al viento a viva voz….. reflejo de una inspiración, el camino tortuoso para poder encontrar y mirar a las musas cara a cara, todo aquel artista en busca de su tesoro se ha visto en la misma situación que el protagonista de esta canción. En el tema también podemos disfrutar de una guitarra maravillosa. “Lo mejor de nuestra vida” es otro pelotazo, otro himno, una cancion maravillosa que te da un puñetazo en el estómago, la historia de una ruptura, el dolor, el alivio, el arrepentimiento y la añoranza y de nuevo siempre mas cerca del rock and roll que del pop que nos tenia acostumbrados… y pónganse en pie, el nivel estaba siendo altisimo pero llega el momento de la cancion de autor y esta pequeña joya titulada “Tesoros”, se abre paso la delicadeza y la guitarra en acústica acompaña la voz en una letania dolorosa hasta que la musicalidad hace presencia en el estribillo mientras la voz trata de arrinconarla porque el dolor está por encima de todo… y es que fue la primera canción que compuso después de la disolución de Nacha Pop

“…Suena un despertador

Y él da la vida sin ser Dios por una antigua vocación,

Qué haría mi animal si comprendiera que es genial

No dejaría de pensar, no.

Cuál sería el menor,

Cuál de mis tesoros el mayor,

Me inclino por dudar

De los adjetivos la verdad…”

Con “Síguelo” encontramos una rara avis en el disco y en la carrera de Antonio Vega, me parece un tema muy cercano al british pop de los años 80, un intento de explorar nuevas sensaciones y ritmos, aun lo exótico de lo que pueda parecer en voz del Madrileño, queda una cosita muy apañada…  “La ultima montaña” es también extraña, una mezcla metafórica que no queda mal, pero se queda bastante lejos de lo que hasta ahora nos había ofrecido, una canción totalmente popera pero con esa guitarra tronando. Retoma la senda de la gloria con ese clásico titulado “Se dejaba llevar” y es que vuelve a su intimidad, a su canción de autor, donde se sabe manejar a la perfección y con el que consigue tocar la fibra del oyente, que delicadeza disfrutamos en este tema… “…Se dejaba llevar, se dejaba llevar por ti. No esperaba jamás, y no espera si no es por ti. Nunca le oyes hablar, sólo habla contigo y nadie más. Nada puedes sufrir, que él no sepa solucionar… “si esto no es amor incondicional yo me he perdido. Disfrútenlo con los ojos cerrados. Con “Guitarras” vuelve el rock and roll, y la guitarra de nuevo se hace con él, no solo en el título, no solo en el homenaje que le hace a todo aquel que ha tratado de hacer música de disfrutar con la música

“Yo era uno más que un día aprendió de otro más,

encontré un grosor de púa y un sonido fiel,

luego es tener uno mismo una forma muy propia de hacer, tocar, sonar.

¡Oigo guitarras, quiero guitarras, suenan guitarras, oigo guitarras!

Continua el álbum con otro pelotazo este “Mis dos amigos”, una canción dedicada a su hermano un claro homenaje a lo que significa para el autor su hermano y su pareja, y un estribillo demoledor… que dice "Me gusta verlos cuando está detrás el sol, me corta la respiración, su fuerza es la del halcón, laten sus cuerpos con el mismo corazón". Que bellísimo homenaje para un hermano, un amigo. Termina el álbum con el tema que da título al disco, “No me ire mañana” otro tema lleno de metáfora y pop, dulce colofón para una obra maestra.

El disco de la semana 164: Leonard Cohen - I´m your man

Leonard Cohen pasándose al Synth pop??? Habíamos visto cambios radicales, como el de Bob Dylan cuando se volvió a eléctrico, pero ¿este salto? bueno no exageremos, es cierto que tiene algún toque de este estilo, que muchas veces se apoya en este instrumento para las canciones, pero joder, la cosa le salió redonda, sobre todo en dos aspectos, el primero y más importante es que le salió un álbum de una calidad magnifica, y el segundo que acerco al gran público a su música, era yo un adolescente cuando en la televisión nos bombardeaban con el video de “First we take Manhattan” y ese sonido tan peculiar, que años más tarde cuando trate de indagar en la discografía de Cohen descubrí que no era nada parecido a los recuerdos que tenía yo con 15 años de aquel tema. Y es que ese nuevo estilo le venía ni que, pintado a la voz fuerte, que expulsa mientras canta, se tornaba más oscura y ronca en contraposición con los sonidos brillantes y casi chillones de muchos de sus temas. Y es que Cohen se había estancado, su popularidad había decrecido y la venta y la repercusión de sus álbumes no era la de los años 70 y este movimiento de genialidad le trajo de nuevo a lo más alto de su carrera. Pero curiosidades y mercado aparte el álbum es una maravilla, disfrutar de él con la mente abierta a lo que había sido y sin los prejuicios de cantautor aburrido y triste te dará una dimensión de lo que tenemos en nuestras manos.

El álbum se inicia con “First we take Manhattan” que fue el single promocional del mismo, la canción es original de Leonard Cohen pero la habíamos podido escuchar anteriormente en la voz de Jennifer Warnes en un álbum tributo a Leonard Cohen, es esta versión le acompaña en la voz. En la canción Cohen se introduce en la mente de un terrorista intentando mostrar con la letra lo incongruente que son las posturas extremas en cada aspecto de la vida y los caminos tan estúpidos por los que nos pueden llevar, una denuncia en toda regla. En el video, rodado en blanco y negro sobre una playa, podemos ver a Stevie Ray Vaughan tocando su desgastada guitarra "Número uno" (con su distintivo logotipo "SRV") en el Puente de Brooklyn. "Ain't No Cure for Love" es una canción de amor, una canción con la poesía de Cohen de lo que significa estar enfermo de amor, es una canción dolorosa como muchas de este estilo, pero también de aceptación del trance, con unos muy buenos coros. “Everybody knows” está escrita junto a Sharon Robinson, una de las más fieles colaboradoras del artista, escrita como un mantra, con sus sombrías proclamas sobre la crisis del SIDA y la injusticia racial, fue exactamente arrojar a la cara lo que supuso la década de Reagan, raspando el sórdido vientre de la ostentación y el glamour de los 80. Es un tema áspero aunque se haya recubierto de soniquetes a lo largo de todo el tema, la letra es muy cruda, fue utilizada como el tema de apertura para la película La liga de la justicia.

“Everybody knows that you love me baby

Everybody knows that you really do

Everybody knows that you've been faithful

Ah give or take a night or two

Everybody knows you've been discreet

But there were so many people you just had to meet

Without your clothes

And everybody knows”

Leonard Cohen escribió "I'm Your Man" para Dominique Issermann, su novia fotógrafa francesa, oculta un grito desesperado de amor y atención, sin importar las circunstancias. Es triste y es gracioso. Son las patéticas garras de un hombre más allá de la dignidad. Y le da esa exquisita lectura cargada de ironía del último caballero canadiense que promete humillarse solo por una bocanada de carne nueva, promete apoyar a su amada sin importar en qué, ya que solo está desesperado por alimentarse de su cuerpo…. "Si quieres un amante / haré cualquier cosa que me pidas / Y si quieres otro tipo de amor / Usaré una máscara para ti 7 Si quieres un médico / examinaré cada centímetro de ti / La bestia no se irá a dormir / Aullaría ante tu belleza / Como un perro en celo” .

El siguiente corte es “Take this waltz” un poema de Federico Garcia Lorca, del que el cantante era un profundo admirador, de hecho una de sus hijas se llama Lorca, es un Vals que el autor recita con una profunda admiración y un gran sentimiento en cada verso, personalmente opino que es una de las cumbres del disco y de su discografía, será un defecto profesional por mi admiración y amor al poeta Granadino, pero en serio, es un temazo , el tema apareció por primera vez en el álbum colectivo Poetas en Nueva York (1986), que homenajeaba a Federico en el 50 aniversario de su asesinato, que tuvo lugar a comienzos de la Guerra Civil Española. En 1988, Cohen la recupero para este álbum, añadiéndole el violín de Raffi Hakopian y la voz de Jennifer Warner. El vídeo original se rodó en Granada (España), aunque, por alguna extraña razón que no alcanzo a comprender, las autoridades le negaron al artista canadiense la posibilidad de filmar en la Alhambra, como era su pretensión. Hubo de conformarse con los alrededores. No obstante, sí vemos a Leonard Cohen en la casa de Federico García Lorca, en Fuente Vaqueros. 

Con “Jazz Police” da otra vuelta de tuerca, estamos ante una cancion muy loca, ritmos de discotecas, ritmos de jazz, en un batiburrillo que al final queda muy curioso, sorprendió y decepcionó, incluso molestó, a algunos de sus seguidores. Es muy diferente de su estilo musical normal aun así consiguió que estuviera en boca de todos. “I can´t forget” es una canción más del estilo, no se priva de los sonidos de los sintetizadores, pero es la vuelta a la melodía, a los coros, a Cohen, tampoco es la más redonda de su carrera. Cierra el álbum “Tower of song” otro experimento, grabado con poco más que un sintetizador de juguete, pero es una canción con gran carga de profundidad, casi una biografía y un homenaje, una carta de amor de Cohen a su oficio, donde equipara perseguir el don de la poesía a estar atrapado en una penitenciaría de pesadilla. Este, dice, es el precio que paga por la creatividad, y es un lugar sombrío para vivir; Pasaron años atrapados en un bloque de viviendas decrépito, mirando alrededor de un piso costroso donde los vecinos ruidosos lo han mantenido despierto mientras el estruendoso estruendo de Hank Williams "tosiendo toda la noche cien pisos más arriba" resuena a través de las tablas del piso.