1032 - The Stooges - Gimme danger

1032 - The Stooges - Gimme danger

"Gimme Danger" es una destacada composición de la banda The Stooges. Esta pista, incluida en su álbum "Raw Power" de 1973, resalta por su intensidad y carácter distintivo.

La canción se inicia con un memorable riff de guitarra que establece su atmósfera característica. La voz única de Iggy Pop, llena de pasión y rebeldía, toma el centro del escenario mientras canta sobre el deseo y el peligro, creando una sensación de urgencia y anhelo palpable.

La instrumentación de "Gimme Danger" es cruda y poderosa, con riffs de guitarra contundentes y una sólida sección rítmica proporcionada por los hermanos Asheton. La combinación de estos elementos da como resultado una canción que se mantiene vigente a lo largo del tiempo y sigue siendo una pieza fundamental en la historia del rock.

"Gimme Danger" es una canción que destaca por su autenticidad y su capacidad para transmitir emociones crudas. Su poderosa mezcla de letras apasionadas y música enérgica la convierte en una obra que ha dejado una huella duradera en el panorama musical.

Daniel 

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0713.- Loose - The Stooges

El segundo disco de The Stooges tenía joyas de la talla de "Down on the street", "Dirt", "TV Eye" o "Loose", la canción que los miembros de la banda preferían como single de lanzamiento y como primera canción del disco, pero fue finalmente "Down on the street" la que se llevó el gato al agua.

Poco importaba esto en el fondo, porque en un disco tan arriesgado y experimental como "Fun House", ninguna canción queda ensombrecida por el resto, y el conjunto es una obra a la vez exquisita y cruda de rock y punk iniciático, en el que la dureza de las guitarras de canciones como "Loose" contrasta con el toque de jazz experimental del saxofón de Steve Mackay que salpica algunos temas, junto con la colaboración ocasional a los teclados del productor Don Gallucci, miembro por entonces de The Kingsmen.

Gallucci consiguió reproducir en el estudio el potente sonido primario y caótico de la banda en directo, y le añadió las dosis justas de "avant-garde rock" y psicodelia, a través de las sobregrabaciones de teclado y saxofón, consiguiendo con temas como "Loose" que el álbum, en un principio ignorado por el público, se convirtiera con el tiempo en lo que, para muchos, es una de las cimas del hard rock experimental. Dicen que ningún otro disco suena tan profundo, ni tan vivo, y a la vez tan áspero y rudo como "Fun house".

0712 -. Dirt - The Stooges

 

Dirt, The Stooges

     Fun House es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense The Stooges, formado Iggy Pop, Ron Asheton, Dave Alexander y Scott Asheton. El disco fue grabado entre el 11 y el 25 de mayo de 1970 en los Elektra Sound Recorders estudios de Los Angeles bajo la producción de Don Gallucci, y publicado el 7 de julio de 1970 por el sello discográfio Elektra Records. El disco es considerado como la piedra angular del llamado proto-punk (como se conocía a ese grupo de bandas innovadoras e inclasificables que surgieron a partir de la primera mitad de la década de los 60 y que fueron precursores del punk), y fundamental para el desarrollo del punk rock.

Inicialmente Fun House no tuvo mucho éxito comercial, pero con el tiempo se ha convertido como un disco indispensable, siendo citado como uno de los discos favoritos y más influyentes para artistas como Joey Ramone, Mar E. smith, jack White, Nick Cave, Buzz Osborne o Steve Albini entre otros muchos.

Fun House se mueve entre la impovisación y el hard rock o el punk jazz, y tiene un sonido más apocalíptico y abrasivo que su disco debut. Y una buena muestra de ello es Dirt, la pieza más sorprendente del disco, y que cierra además la primera cara de ese apocalíptico disco. Dirt es un tema que te va envolviendo y abrasando poco a poco hasta que la inflamación recorre todo tu cuerpo, no te deja indiferente. El tema es una especie de hardcore blues, y es que una de las grandes influencias de Iggy Pop fue el gran bluesman Howlin' Wolf, algo que estuvo muy presente durante las sesiones de grabación de Fun House, y sobre todo en Dirt. Los acordes de blues no salen de la guitarra, nacen del bajo de Dave Alexander, quien por momentos convierte los acordes de blues en funk, dotando de un electrizante y vigoroso sonido a esta especie de oscuro y abrasivo blues.

0711.- Down on the street - The Stooges

"Down on the street" ("Abajo en la calle") es la canción con la que arranca el excelso "Fun House" (1970), el segundo disco de The Stooges. Aunque inicialmente no tuvo éxito, "Fun House" acabaría convirtiéndose en una obra de culto, al igual que ocurriría con 1969, el disco de debut de The Stooges y de su carismático frontman Iggy Pop. Ambos discos son documentos imprescindibles de lo que se conoce como proto-punk, el embrión (con varios años de adelanto) de lo que después se conocería como música punk.

Don Gallucci, por entonces responsable de los teclados en The Kingsmen, fue el encargado de la producción de "Fun House", en un claro intento de encontrar una fórmula más efectiva, tras la escasa repercusión de "1969".Gallucci había visto a la banda actuar en directo, y creía que la energía de la banda en los conciertos no había quedado plasmada en el sonido de estudio de aquel primer álbum. 

Para la grabación, se reservaron varias sesiones en los estudios Elektra Sound de Los Angeles, del 11 al 25 de Mayo de 1970, y las canciones se grabaron en directo y en varias tomas, para seleccionar después las que formarían parte del álbum. Para que el resultado fuera lo más crudo y parecido al directo, Gallucci y The Stooges sacaron todo lo que no fuera necesario, desnudando el estudio para que la grabación tuviera la resonancia de una actuación en vivo, y colocándose todos como si estuvieran tocando realmente en un escenario "Abajo, en la calle", con la batería detrás, el micrófono de Iggy en el centro y los amplificadores para el bajo y la guitarra a los lados.

A decisión del sello Elektra, "Down on the street" fue el primer single promocional del disco y la primera canción que suena en el álbum, en contra del criterio inicial de The Stooges, que querían abrir el fuego con la no menos intensa "Loose". La versión en single era diferente a la que daba comienzo al álbum, con la inclusión de un órgano al más puro estilo de The Doors, sobregrabado por el propio Gallucci, y tuvo mejor recorrido comercial que el disco. Muchos años después, Rage Against the Machine la versionaron en su disco de covers "Renegades" (2000), poniendo de nuevo en el mapa esta canción de los Stooges, unos auténticos "renegados" que nos enseñaron como crear, a base de improvisación y al máximo volumen, auténticos himnos punk.

0602.- I wanna be your dog - The Stooges

En origen, el primer álbum de los Stooges se basaba en tan solo cinco canciones, basadas en el material sin pulir con el que conformaban sus primeras actuaciones en directo, en las que desarrollaban las canciones durante un par de minutos, para lanzarse después a largas y salvajes improvisaciones con las que los temas podían prolongarse hasta los diez minutos. En ese grupo de canciones, junto a temas tan conocidos como No Fun, 1969, We will fall y Ann, estaba I Wanna Be Your Dog.

Según declaraciones de Iggy Pop, Elektra Records no estaba por la labor de editar un álbum de cinco temas en los que la mayor parte fueran largas y caóticas improvisaciones, y eso hizo que el grupo tuviera que trabajar en más material para completar el disco, y que nos privaran de lo que habría sido una versión más extensa de I Wanna Be Your Dog. ¿Habría sido mejor en un formato más libre y extendido? No lo sabemos, pero es probable que no, teniendo en cuenta que la versión concisa es un efectivo latigazo de primitivo heavy metal y punk rock, una píldora concentrada en tres minutos y basada en la repetición de un riff de solo tres acordes, que descarrila y explota en los oídos con un efecto tan poderoso como inmediato.

Junto a la distorsionada guitarra heavy en la que se basa la canción, en I wanna be your dog la tensión rítmica del tema se sostiene a través de la repetición de una sola nota de piano, interpretado por el productor John Cale de Velvet Underground, grupo que en aquel momento se encontraba en primera línea de la corriente de sonido experimental y de vanguardia de finales de los sesenta. Pero lejos de estancarse en el marco del sonido de los 60's, los ecos de I wanna be your dog han perdurado en el tiempo. Valgan como ejemplo, entre otros muchos reconocimiento, la inclusión en la lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone, y por la revista Q como la número 13 de "Las 100 mejores canciones de guitarra".

0601.- No Fun – The Stooges

 

Uno de los grandes misterios de la era del rock clásico es por qué The Stooges no vendía LP a montones. Firmado con Elektra Records, que había comercializado con éxito millones de copias de los discos de Doors, la portada de The Stooges incluso emula la del debut de los Doors, así como la de Out of Our Heads de los Rolling Stones. La similitud resultó mucho más que una imitación ya que el cantante principal Iggy Pop se inspiró tanto en Jim Morrison como en Mick Jagger. De todas las bandas blancas que surgieron de Michigan, los Stooges fueron los más audaces y posiblemente el grupo con más probabilidades de lograr el éxito masivo. Al final, varios factores jugaron en su contra. Su cruda presencia en el escenario abrumó a la mayoría de los fanáticos del rock cuando la década de 1960 se convirtió en la de 1970. No estaba más preparado para ver a Iggy Pop cortarse con un cristal en una actuación pública.

 

El sonido del LP es todo lo que desearía que fueran los discos de rock moderno, nos invade su sensación ruidosa y sucia, ahora probablemente tendría una vida muy efímera, afortunadamente, el grupo se adelantó a su tiempo en casi todos los sentidos, incluso al evitar las técnicas de edición destructivas. Sí, el álbum es ruidoso, pero conserva un atractivo chasquido dinámico, nada se pierde en la mezcla, y cada instrumento y voz mantiene el cuerpo y la textura y uno de los ejemplos es No fun, la voz impersonal, casi te está regañando de Iggy Pop a duras penas puede distinguirse de todo el ruido que alrededor tiene sobre todo de guitarra que por momentos te puede hacer enloquecer, aspera y por momento agria unida a que la banda se alarga a tres acordes hacen de la monotonía una virtud. El amplificador de Ron Asheton suena como si tuviera un altavoz quemado. Asheton es la estrella aquí: encima de su implacable guitarra rítmica, sobregraba un solo que es ambicioso y sorprendentemente primitivo a la vez, de lo mejor que he escuchado en su carrera aquí más y es que quizás hace de su habilidad instrumental comparativamente limitada es una virtud. Seis años más tarde, cuando un grupo británico llamado Sex Pistols comenzó a hacer una versión de la canción, ni siquiera fue capaz de acercarse a ella.

 

0600 - 1969 - The Stooges

0600 - 1969 - The Stooges 

The Stooges es el álbum debut de la banda estadounidense The Stooges, lanzado en agosto de 1969 por Elektra Records.

El álbum alcanzó la posición número 106 en las listas musicales de Billboard y es considerado uno de los mejores álbumes de proto-punk, con un fuerte impacto, además, en el hard Rock. 

El álbum abre con "1969".  Que tiene un ritmo acelerado liderado por la guitarra de Asheton, que sugiere que escucharemos un tipo de música, pero es una pista falsa. Unos segundos después del comienzo de la canción, la banda cambia de ritmo, produciendo una melodía simple e hipnótica que tiene influencias de Bo Diddley.  

Es casi como si la banda escuchara a Bo Diddley con algo de su blues, los instrumentos de Asheton se aproximan a esas texturas. Ron Asheton se suelta con un trabajo de guitarra distorsionado, y la sección rítmica suena como si estuviera manteniendo las cosas simples para poder mantenerse juntas. En cambio Iggy se burla de una manera familiar para los fanáticos de los Rolling Stones, y esas burlas parecen ser más naturales para él que para Mick Jagger.

El álbum alcanzó el puesto 106 en las listas de álbumes de EE. UU., y su siguiente álbum, Fun House, muy diferente pero igualmente intransigente, no logró ubicarse en las listas de EE. UU. en absoluto. Pero el tiempo pronto demostró que The Stooges y 1969 son un álbum y una canción importante y que influiría en gran medida en el movimiento punk que se avecinaba.

El álbum se posicionó en el número 185 de la lista Los mejores 500 álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, conservando la posición en la reedición de 2012.

La misma revista ubicó a 1969 en el número 35 de su lista Las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos.

Daniel 

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Canciones que nos emocionan: Rebel Yell, Billy Idol

Billy Idol

     Billy Idol es una artista al que decubrí hace ya mucho, a mediados de los años 80, y lo primero que me llamó la atención de él es esa imagen de chico malote que proyectaba, pero tras esa fachada se esconde un gran artista.

     William Michael Albert Broad nace en noviembre de 1955 en Reino Unido, pero poco después de su nacimiento su familia se traslada a Long Island, Nueva york (Estados Unidos) en busca del sueño americano, aunque cuatro años después regresarían a Reino Unido, viviendo en varios sitios hasta acabar recalando en Sussex.

Siendo joven ingresa en la Universidad de Sussex, pero sólo está un año, pues se une a una banda formada por fans de los Sex Pistols llamada Bromley Contingent. Aquella experiencia le animó a crear su propia banda en 1976, llamada Chelsea, aquello dura poco tiempo, pero de allí sale ya con una cosa clara, que quiere ser artista y su nombre artístico: Billy Idol. A finales de 1976 crea su siguiente banda de punk, Generation X, grupo que llega a grabar 4 discos de estudio, (envuelto en polémicas y acciones legales contra su manager durante el tercer disco), pero como el grupo no acaba de tirunfar, deciden separarse y romper la formación en 1981 después de la publicación de su cuarto y último trabajo.

     Billy Idol decide trasladarse a vivir a Nueva York e intentar hacer hueco en el mundo musical allí, y empieza a trabajar con el guitarrista Steve Stevens (famoso es su solo de guitarra del tema Bad de Michael Jackson). Con Stevens graba en 1982 su primer álbum en solitario llamado Billy Idol, un disco con el que se aleja del punk y se introduce sonidos como el hard rock y el sonido new wave (sonido que aglutina varios estilos pop/rock con miras y vínculos al punk). Pronto se convierte en un éxito y empieza a llamar la atención.

     Sería con sun segundo álbum, Rebel Yell, publicado en 1984, con el que consigue por fín éxito en las listas de ventas y el ansiado estrellato en Estados Unidos.

Dentro de este disco se encuentra el primer tema que escuche de Billy, un temazo que tiene algo especial para mí, Rebel Yell, el tema que da título a éste, su segundo álbum. El tema se le ocurrió a Billy durante un evento al que asistió donde había numerosas celebridades del mundo de la música. En un momento dado, durante el evento Billy observó cómo Mick Jagger, Keith Richards y Ron Wood, integrantes de los Rolling Stones, bebían whisky de una botella donde la etiqueta ponía "Rebel Yell", esto le dió la idea para el título del tema. 

Last night a little dancer came dancin' to my door

Last night a little angel Came pumpin cross my floor

She said "Come on baby I got a license for love

And if it expires pray help from above"

In the midnight hour she cried more, more, more

With a rebel yell she cried more, more, more

In the midnight hour babe more, more, more

With a rebel yell more, more, more

More, more, more

She don't like slavery, she won't sit and beg

But when I'm tired and lonely she sees me to bed

What set you free and brought you to be me babe

What set you free I need you hear by me

Because

In the midnight hour she cried more, more, more

With a rebel yell she cried more, more, more

In the midnight hour babe more, more, more

With a rebel yell more, more, more

He lives in his own heaven

Collects it to go from the seven eleven

Well he's out all night to collect a fare

Just so long, just so long it don't mess up his hair

I walked the ward with you, babe

A thousand miles with you

I dried your tears of pain, babe

A million times for you

I'd sell my soul for you babe

For money to burn with you

I'd give you all, and have none, babe

Just, just, justa, justa to have you here by me

Because

In the midnight hour she cried more, more, more

With a rebel yell she cried more, more, more

In the midnight hour babe more, more, more

With a rebel yell she cried more, more, more

More, more, more

Oh yeah little baby

She want more

More, more, more, more, more

Oh yeah little baby

She want more

More, more, more, more

     El tema habla de una apasionada aventura con una mujer que quiere  "más más más", de ahí el estribillo. Billy escribió el tema junto a su guitarrista Steve Stevens al cuál se le ocurrió que podía meter algunos efectos únicos para su guitarra, para ello se le ocurrió que para recrear el efecto de pistola de rayos podía usar un procesador de retardo digital, pero más tarde descubrió que podía recrear el sonido de dicha pistola de rayos más fielmente usando una pistola de rayos de juguete, la cuál ajustó y sujeto a sus pastillas, con lo cuál podía generar infinidad de sonidos extraños. De hecho la guitarra de Stevens con su original invención fue bautizada Ray Gun, todo un espectáculo en los conciertos en vivo de Billy Idol.

Canciones que nos emocionan: Rose Tattoo, Dropkick Murphys

Signed and Sealed in Blood - Dropkick Murphys

     En esta ocasión para hablar de otra de esas canciones que nos emocionan y nos ponen los pelos de punta cruzamos el charco y nos detenemos en Nueva York, allí se fundó Dropkick Murphys en 1996, banda que combina varios tipos de sonido como punk rock, folk, folk rock, rock o hardcore. Los integrantes del grupo proceden de los barrios de trabajadores inmigrantes irlandeses de Boston, y tienen variadas influencias como The Pogues, The Clash o AC/DC, lo que da una idea de su variedad de sonido.

Sobre el origen del nombre según uno de los integrantes de la banda, Dropkick viene de un centro de rehabilitación de alcohólicos y Murphy era la persona que se encargaba de ir rescatándolos de las calles.

     En el año 2011 el grupo saca a la luz su séptimo álbum de estudio llamado Going Out In Style, y durante la gira de dicho álbum el grupo va componiendo material para su siguiente disco, que vería la luz en el año 2013 y se llamaría Signed and Sealed in Blood, donde aparece el tema en el que nos vamos a detener hoy, Rose Tattoo, si bien este tema ya lo tocaron durante esa gira mientras se encontraban en tierras europeas.

The pictures tell the story

This life had many shades

I'd wake up every morning and before I'd start each day

I'd take a drag from last nights cigarette

That smoldered in it's tray

Down a little something and then be on my way

I traveled far and wide

And laid this head in many ports

I was guided by a compass

I saw beauty to the north

I drew the tales of many lives

And wore the faces of my own

I had these memories all around me

So I wouldn't be alone

Some may be from showing up

Others are from growing up

Sometimes I was so messed up and didn't have a clue

I ain't winning no one over

I wear it just for you

I've got your name written here

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here

In a rose tattoo

This ones for the mighty sea

Mischief, gold and piracy

This ones for the man that raised me

Taught me sacrifice and bravery

This ones for our favorite game

Black and gold, we wave the flag

This ones for my family name

With pride I wear it to the grave

Some may be from showing up

Others are from growing up

Sometimes I was so messed up and didn't have a clue

I ain't winning no one over

I wear it just for you

I've got your name written here

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here,

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here

In a rose tattoo

This one means the most to me

Stays here for eternity

A ship that always stays the course

An anchor for my every choice

A rose that shines down from above

I signed and sealed these words in blood

I heard them once, sung in a song

It played again and we sang along

You'll always be there with me

Even if you're gone

You'll always have my love

Our memory will live on

Some may be from showing up

Others are from growing up

Sometimes I was so messed up and didn't have a clue

I ain't winning no one over

I wear it just for you

I've got your name written here

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here,

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

With pride I'll wear it to the grave for you

In a rose tattoo

In a rose tattoo

I've got your name written here,

In a rose tattoo

In a rose tattoo

In a rose tattoo

Signed and sealed in blood I would die for you

        Rose Tattoo es un tema de corte folk rock, y al comenzar a sonar me parece estar en la típica taberna irlandesa delante de una buena pinta. La letra está inspirada en los tatuajes que tiene por todo su cuerpo el bajista del grupo Ken Casey, tatuajes en los cuales cada uno tiene su propio significado, fechas, horarios, cosas que son importantes para él, familia, personas que desgraciadamente ya no están con él, cosas que según el han sido importantes en su vida y que ha querido documentar a través de los tatuajes. Y entre todos esos tatuajes, en uno de sus brazos se encuentra el tatuaje de una rosa, la rosa a la que se refire la canción, un tatuaje que Casey se hizo en honor a su abuelo, pues fue el que se ocupó de él y le crió después de la muerte de su padre, y del cuál aprendió muchísimo y le enseñó la mayoría de las cosas que le hacen ser quien es ahora. Cuando está bajo de ánimo Casey que mira el tatuaje y su estado de ánimo cambia automáticamente pues recuerda a su abuelo y lo fuerte que era.

     Rose Tattoo se volvió a grabar en abril del año 2013 con motivo del atentado de la maratón de Boston en honor a las víctimas para el Boston Charity EP, esta vez en la grabación aparecen las voces de diversos invitados entre los que se encuentra la voz de Bruce Springsteen, esto hizo que esta versión alcanzara el puesto número 25 en el Billboard Hot Rock Songs chart de Estados Unidos.
      
     Rose Tattoo, un tema que rezuma el sonido de los origenes del grupo y que nos cuenta una historia real a través de un simple tatuaje, una gran historia para un tema todo inspiración.

Canciones que nos emocionan: "Candy" Iggy Pop

"Es una tarde lluviosa de 1990, el apogeo de la gran ciudad ha durado 20 años. Candy, eras tan linda". Son los primeros versos de "Candy" de Iggy Pop, su primera "gran canción pop" en palabras del propio Iggy, y el primer gran éxito de masas en su carrera en solitario.

Pero el gran mérito de la canción es que no se trata simplemente de un dúo al uso, en el que cada una de las partes que hace uno u otro cantante podrían ser intercambiables, sino que Pop cuenta la historia desde la perspectiva del hombre, y la letra cantada por Kate Pierson (B'52s) es la perspectiva de la mujer sobre la misma situación.

La canción comienza con la voz de Iggy como narrador que describe y echa de menos a un amor perdido del pasado, "la bella chica del norte que le quemó el corazón como una antorcha centelleante". Iggy nos da entonces su particular visión de la añoranza: "Tenía un sueño que nadie más podría ver, me dabas tu amor gratis". Esto alimenta una de las teorías sobre la temática de la canción, Iggy podría estar cantándole a una prostituta llamada Candy, temática que podría haber repetido recientemente con "Gardenia".


Cuando el turno le llega a la chica, Kate responde reconociendo que "me dolió mucho cuando me dejaste, estoy contenta de que te hayas ido... pero te extraño"


El tiempo que han pasado separados le pesa a ella tanto como a el: "He tenido un agujero en mi corazón durante demasiado tiempo, he aprendido a disimularlo y simplemente sonreir. Ahí fuera en las calles los hombres son todos iguales, necesito un amor, no más juegos".



La combinación de las perspectivas de dos personas que nunca debieron separarse hace que la canción se convierta en un himno de amor, en lugar de una canción de temática aparentemente más sórdida.


La otra teoría, apoyada por un Iggy que podría haber jugado al despiste, se basa en sus propias declaraciones, en las que defendió que su inspiración fue su relación con una antigua novia de la adolescencia llamada Betsy.

Seamos sinceros. Preferimos a Candy y la idea de que encontrara por fin el amor tras una mala vida, a la cándida Betsy como mero recuerdo del amor adolescente. Candy, Candy, Candy no podemos dejarte marchar, toda nuestra vida nos estuviste cautivando, y te hemos querido tanto. La vida es una locura...

Canciones que no soporto: Should I Stay or Should I Go, The Clash

The Clash



     "Should I Stay or Should I Go" vió la luz en el quinto álbum de estudio editado por la banda "The Clash" titulado "Combat Rock" en 1982.

    

    "The Clash", banda británica de Punk, da sus primeros pasos en 1976 de la mano de Joe Strummer (Voz), Mick Jones (Guitarra), Paul Simonon (Bajo), Keith Levene (Guitarra) y Terry Chimes (Batería). En 1977 lanzan su primer disco titulado "The Clash", con el que obtienen bastante éxito en su tierra natal, convirtiéndose más tarde en el disco más importado en la historia de Estados Unidos.

Poco después Terry, el batería abandona la banda por diferencias con la banda y fichan a Topper Headon, que si al principio tiene algunas dudas, decide apostar por el proyecto y se convierte en miembro permanente del grupo.

     Con su tercer disco "London Calling", publicado en 1979 ,dieron el espaldarazo definitivo y empezaron a gestar su leyenda, con un disco doble, impensable por aquellos tiempos en una banda punk, pues se consideraba que los discos dobles solo tenían cabida en bandas de Rock Progresivo y poco más. Disco por cierto absolutamente recomendable.

     The Clash, además se caracterizaron por ser un grupo de música punk poco convencional, pues además de su sonido punk, también utilizaron otros como el Reggae, el rock o el jazz entre otros. Lo que da una idea de que no eran un grupo más con la simpleza musical de la mayoría de grupos punk de la época.

     En 1982 editan su quinto trabajo de estudio, "Combat Rock", y haciendo gala de su polivalencia, incluyen varios estilos musicales además del punk. Con este disco alcanzan el puesto nº 2 en las listas de éxitos de Reino Unido, y el nº 7 en las listas de Estados Unidos.

Entre sus temas, se encuentra "Should I Stay or Should I Go", que se convertiría rápidamente en nº 1 en las listas británicas, convirtiéndose también en uno de sus temas más reconocidos. Este tema también ha sido versionado multitud de ocasiones por artistas tan variopintos como Ice Cube, Nirvana, L.A. Guns, Living Colour o Kylie Minogue, por nombrar solo algunos.

     Pues bien, como he comentado ya en post anteriores en esta sección, el que no me acabe de entrar el tema no es ni mucho menos por cuestiones de la calidad del mismo, pues siendo uno de los temas referentes de la banda, por algo será. El problema sigue siendo mi cerebro, que por alguna extraña razón lo rechaza constantemente................

El disco de la semana 80: Blink 182 - Enema of the State

Enema of the State (1999) es el cuarto álbum de la banda de pop-punk Blink 182. El disco tiene un sonido más limpio y comercial que sus anteriores álbumes, como consecuencia del positivo trabajo con el productor Jerry Finn, el productor del aclamado Dookie de Green Day, con el que lograron un sonido más cercano al pop que les acabó dando las reseñas positivas y el éxito comercial que se les habían negado en anteriores publicaciones, llegando a vender hasta la fecha la nada despreciable cifra de 15 millones de discos en todo el mundo. Esto fue, en gran parte, gracias a canciones como All the small things, el sencillo de más éxito en la carrera del grupo, pero también por temas como What's my age again o Adam's Song, que se convirtieron inmediatamente en himnos reconocibles de la banda.

Como todo disco mítico que se precie, se benefició de la polémica de su icónica portada, en la que aparecía la actriz porno Janine Lindemulder, vestida con un uniforme de enfermera, y poniéndose un guante de látex en alusión directa al "Enema" del título del disco, que es además un juego de palabras entre el "Enemigo del Estado" y el "Enema del Estado". La portada jugaba con los tres colores básicos de la bandera de Estados Unidos, pero la polémica vino por la cofia de enfermera con el símbolo de la Cruz Roja. La famosa organización sanitaria pidió que fuera retirada de la portada, razón por la que en las siguientes ediciones el símbolo de la cruz roja fue borrado de la cofia de Janine. Así que, si tienes el disco y en la portada aparece la cruz, estás ante una de las primeras edición del mismo.

Tanto el folleto interior, con imágenes de los miembros del grupo a punto de ser examinados por Janine Lindemulder, como los vídeos musicales de What's My Age Again? y Man Overboard en los que también aparecía la polémica enfermera, siguieron la misma estética de la portada. Los vídeos lograron una amplia difusión en la MTV, y el poder de las canciones hizo el resto para lanzar el disco a lo más alto de las listas de ventas.

Para la grabación, MCA les dio el mayor presupuesto del que habían disponido hasta entonces, y con las ganas de facturar un gran disco y probar cosas nuevas, pasaron en el estudio mucho más tiempo que en discos anteriores. El proceso de grabación se desarrolló durante cuatro meses y en diferentes estudios, en los que Jerry Finn les inculcó una dinámica más dura de trabajo que incluía la realización de muchas mas tomas, hasta llegar a la grabación deseada. Además de los exitosos singles mencionados, salieron de estas sesiones pegadizos temas como Dumpweed o Aliens Exist, ejemplos de la efectividad de la producción y la calidad del sonido. El proceso completo terminó en febrero de 1999 con la grabación de la canción The Party Song, último tema que grabaron para el disco, y momento en el que los miembros de Blink 182 tuvieron por fin en sus manos el que, posiblemente, sea el mejor disco de su carrera, una colección de efectivos temas punk-pop sin complicaciones, música para divertirse, hacer el gamberro y pasarlo bien.