1424.- When I Need You - Leo Sayer

Antes de alcanzar la fama como cantante pop Leo Sayer era compositor, junyo a David Courtney escribio en 1973 " Giving It All Away ", el primer sencillo en solitario de Roger Daltrey de The Who, antes de que Sayer publicara alguna canción propia. "Giving It All Away" no llegó a las listas de éxitos de Estados Unidos, pero fue un éxito número 5 en el Reino Unido.  Leo Sayer sabía escribir una canción pop, pero cuando le llevó sus canciones a Richard Perry, el productor que había creado grandes éxitos con artistas como Nilsson y Carly Simon, Perry rechazó todas las maquetas de Sayer, que había hecho algunos éxitos pero que era famoso principalmente en su natal Reino Unido, así que tuvo que hacer lo que tenía que hacer, incluso si eso significaba tragarse su orgullo y tirar a la basura sus propias canciones. Sayer de hecho coescribió su primer éxito número uno, "You Make Me Feel Like Dancing". Esa canción fue básicamente una improvisación de estudio, y claramente le fue bien. Albert Hammond como intérprete sólo tuvo un verdadero éxito, llegó al puesto número 5 con su canción en solitario “ It Never Rains In Southern California ”, Hammond siguió sacando discos en solitario durante años después, y nunca llegó ni cerca del top 10. En 1977, Albert Hammond lanzó un álbum llamado When I Need You . La canción que da título a ese álbum es una balada sobre la vida desdichada de amores de un músico de gira. Hammond extraña a alguien y sabe que ella lo extraña a él. La versión de Hammond de “When I Need You” es una balada suave y melancólica, y nunca la publicó como sencillo.

A Leo Sayer no le entusiasmaba especialmente la idea de cantar un montón de canciones de otras personas, pero le encantaba “When I Need You”. La canción le recordaba a su esposa, en su casa de Inglaterra. La escuchó como una canción soul. Al principio lo intentó, grabándola con el gran teclista de Stax Records, Booker T. Jones. Pero a Sayer no le gustó cómo quedó esa versión. Así que, en su lugar, la grabó con un grupo de músicos de sesión entre los que se encontraban el futuro baterista de Toto, Jeff Porcaro, y el futuro compositor de bandas sonoras para películas, James Newton Howard. Esta version coloca a Sayer en una posición para triunfar en todos los sentidos posibles. Tiene una canción casi inédita de dos compositores que han hecho éxito, un productor con un toque especial y una banda de estudio de primera. Y hay que reconocerle a Sayer que hace todo lo posible por vender “When I Need You”, Sayer busca notas fuertes, las canta con convicción y se esfuerza por transmitir el anhelo agridulce que describe la letra. Sayer no tiene la voz espectacular de baladista de R&B que parece creer que tiene, pero hay algo que decir sobre la confianza que le aporta a la canción. Por más débil que pueda ser su voz, realmente busca esas notas fuertes al final de la canción y suena sincero, también tiene un bonito arreglo clasicista, la producción es elegante y setentera, pero las guitarras que giran lentamente y los pianos brillantes provienen de una era anterior. Incluso el solo de saxo con un suave toque de jazz del músico de los Rolling Stones y prolífico músico de estudio Bobby Keys encaja con el estado de ánimo de la canción. La banda encuentra el momento exacto para dejar de tocar en el coro final. Estamos tratando con profesionales. Pero, aunque todas las personas involucradas hacen su trabajo de manera encomiable, no es una canción especial, es una balada de los años 70 perfectamente aceptable, cálida, reconfortante e inerte. Sayer canta la canción con la suficiente fuerza como para convencerme de que lo dice en serio, pero no de que me importe.

1423.- Steve Miller Band - Fly like a angel

Steve Miller había experimentado con distintos géneros a lo largo de su carrera, pero no fue hasta que recurrió a todas sus influencias pasadas que su sonido se fusionó en algo más grande. Empapada en el blues de sus días en Chicago, Steve Miller Band siempre fue una banda de blues en el fondo que experimentó con la psicodelia hippie. Como pilar de la escena musical de San Francisco a finales de los años sesenta, la banda había alcanzado un éxito temprano tras una actuación impresionante en el legendario Festival Pop de Monterey y llamó la atención de Capitol Records. La banda consiguió un contrato para grabar cinco álbumes en 1967 con un anticipo de 50.000 dólares, el contrato más lucrativo jamás ofrecido a una banda desconocida en ese momento. A partir de entonces, el grupo publicó un álbum al año, pero con resultados mediocres,no fue hasta que la banda decidió alejarse de su estilo de blues psicodélico, reemplazando las melodías blues prolongadas por melodías pop más tradicionales, que se transformaron en una fábrica de éxitos tres años después de The Joker . Después de un descanso prolongado, la banda se reagrupó, cambió su formación y solo quedó Lonnie Turner del álbum anterior, y se pusieron a trabajar en más de dos docenas de temas en San Francisco en 1975. A principios del año siguiente, se dividieron las canciones; la mitad fue para Fly Like An Eagle, mientras que la mayoría de las pistas restantes terminaron en su siguiente álbum, Book of Dreams de 1977, compuesto por una serie aparentemente interminable de sencillos exitosos de diferentes estilos, el álbum es una especie de antología musical, que representa toda la música que Steve Miller había conocido. Desde el blues hasta el hippie-rock, el country y el R&B, casi podría pasar por un álbum de grandes éxitos.

Fly like a angel fue interpretada por primera vez en 1973, mientras la banda actuaba en el Felt Forum de la ciudad de Nueva York junto a The Marshall Tucker Band , Buddy Guy y Junior Wells. La versión de  1973 presenta un ritmo más bluesero y menos inspirado en el funk , con la guitarra tomando las partes del sintetizador (aunque con efectos de retardo similares). La letra es ligeramente diferente, esta versión fue concebida como una declaración política, escrita desde la perspectiva de los nativos americanos y con la justicia social en mente, ya que Miller había visto los efectos de la recesión en las ciudades estadounidenses y lo que indica que el lugar del que el águila quiere volar es una reserva de nativos americanos. En 1976, los arpegios de sintetizador de Miller usando una máquina ARP Odyssey marcan el ambiente para la canción, lenta y conmovedora, la canción presenta musicalmente el riff de guitarra de introducción ligeramente funky de Miller y el órgano Hammond B3 entrecortado de Joachim Young. La voz principal y el gancho de Miller llevan mejor esta canción Top 5 con una sensación vertiginosa que coincide con el título de la canción y los sintetizadores más leves que se repiten para lograr el efecto. Inspirada en el funk, rinde homenaje a " Slippin' into Darkness " de War (1971). El riff de introducción se utilizó por primera vez en una forma ligeramente diferente en la canción de Miller de 1969 "My Dark Hour". ¿Qué representa entonces “Eagle” de Miller? Para muchos sugiere el paracaidismo, una experiencia eufórica con drogas o hasta una proyección astral, ellos nunca lo han aclarado.

1422.- Legalize it - Peter Tosh

Antes de 1976, Winston McIntosh (también conocido como Peter Tosh) no era tan reconocido como lo es hoy. Aunque era una fuerza creativa importante dentro de los grandes del reggae conocidos como The Wailers, Tosh, junto con una variedad de otros artistas llenos de talento, se vieron eclipsados por el líder Bob Marley. Sin embargo, Tosh se las arregló para escribir algunas de las canciones clave del reggae y los riffs de guitarra mientras estuvo con The Wailers. Pero, por supuesto, esos dos factores no le trajeron tanto reconocimiento como se merece, es decir, hasta que finalmente se fue. Finalmente, después de dejar los Wailers, Peter Tosh se embarcaría en una carrera en solitario que le daría mucho reconocimiento como músico radical y líder para muchos. Álbumes como Equal Rights y Mama Africa le ganarían el respeto de los jamaicanos y, en general, de la mayoría. Pero antes de todos estos constantes movimientos radicales, Tosh se había lanzado con un álbum rebelde de lo más ligero, que sorprendentemente sería el clímax de su carrera, en opinión de muchos. Legalize It es, sin duda, lo más cercano a la perfección que un artista podría llegar a conseguir, el disco apenas contiene momentos flojos, lo que hace de Legalize It prácticamente un ejemplo perfecto de un álbum de reggae clásico. Las nueve pistas que componen el álbum son simplemente una combinación de pistas pegadizas y animadas, y una variedad de baladas y melodías más lentas. Aunque cada pista es bastante simple, las voces no contienen el más alto nivel de talento y la escritura no es tan especial como podría llegar a ser, Legalize It es extrañamente brillante y agradable, la peculiaridad y la personalidad de Tosh brillan a través de cada una de las nueve pistas maravillosamente junto con su propio estilo alojado en alguna parte.

El álbum debut de Peter Tosh comienza un poco más débil que las canciones siguientes, pero aún así bastante bien con la canción principal, "Legalize it". Aunque la canción contiene un ritmo maravilloso, la letra es donde la canción se queda corta. Ahora bien, puede que me equivoque, pero siempre me han dicho que la marihuana (la droga de la que se habla en la canción) era legal en Jamaica, la tierra natal de Tosh; lo que hace que el tema de esta canción no tenga sentido, pero probablemente me equivoque. Aparte de la letra dudosa, la canción no incorpora la melodía más atractiva. Simplemente no es el mejor momento. Y aunque puede parecer casi un cliché para algunos en estos días, no es necesario realizar una gran investigación histórica para obtener una idea de cuán valiente, radical y revolucionario fue el movimiento de Tosh al lanzar una melodía así en 1976, Legalize It. ¡Era un himno a la marihuana por excelencia! Puedo decir que es una canción para pedir la legalización del cannabis. Y esta canción fue el primer álbum debut de Peter Tosh después de dejar su grupo, The Wailers. Legalize It se grabó en Treasure Isle y Randy's, Kingston, Jamaica, en 1975. Se lanzó en 1975 también, fue escrita en respuesta a su constante victimización por parte de la policía jamaiquina y como un artículo político que presionaba por la legalización del cannabis, en particular para uso médico. Recuerde: su mensaje estaba dirigido a todo el mundo, no solo a su tierra natal, Jamaica, y puso en juego más que solo su carrera musical. Los audiófilos deben tomar nota: cualquier imperfección en este tama solo le agrega sabor... disfrútenlo, saboréenlo y relájense en un verdadero éxtasis al estilo de una máquina del tiempo. Pulir demasiado esta canción le habría quitado la vida.

Disco de la semana 405: Soul Finger - The Bar-Kays

 

Soul Finger, The Bar-Kays

     En 1967, Stax Records lanzó el álbum debut de The Bar-Kays, Soul Finger. The Bar-Kays fueron el primer grupo realmente joven en grabar para Stax y disfrutar de un cierto grado de éxito a fines de la década de 1960. Este álbum, sin embargo, no solo fue significativo porque fue el trabajo de debut del grupo, sino también principalmente porque The Bar-Kays puede presumir de haber tenido la mejor sección de vientos en toda la historia de Stax. Los principales responsables del sonido instrumental del grupo fueron su sección de vientos, en particular Ben Cauley en la trompeta, y Los Memphis Horns Wayne Jackson en la trompeta y Andrew Love en el saxofón tenor. El sonido de The Bar-Kays era muy innovador y fue alentado por su productor principal, que quería dirigir al grupo hacia un sonido instrumental más moderno. También fue el primer grupo que se negó a tener el sonido típico de Stax Records, insistiendo en un sonido más contemporáneo en su álbum. Interpretaron principalmente composiciones originales, influenciados principalmente por el R&B y la música soul de la época, y en el futuro por los sonidos del jazz contemporáneo, pero sin embargo incluyeron algunas versiones en Soul Finger.

El 10 de julio de 1967 la banda de Funky, soul y r&b debuta con su primer álbum de estudio, Soul Finger. El disco fue grabado en junio de 1967 en los míticos estudios Stax Records de Memphis. La banda había comenzado su andadura como banda de respaldo para los principales artistas del sello Stax, y ese año, 1967, también fue elegida por Otis Redding para que fuera su banda de acompañamiento. La carátula del álbum sugería un sentimiento de fiesta interracial, pues no en vano, no todos sus miembros eran de color, Ronnie Caldwell, que se encargaba del órgano, era el único miembro blanco de la banda.

Unos tres meses antes del lanzamiento el disco, la banda ya había lanzado su primer sencillo, Soul Finger, el cual supuso el primer gran éxito del grupo y que posteriormente fue incluido en su disco debut, dando además el título al mismo. El tema fue grabado durante una sesión de grabación en los estudios del sello Stax el 31 de marzo de 1967, y publicado como single por Stax bajo el sello Volt el 14 de abril de 1967. El tema se convirtió rápidamente en un éxito en Estados Unidos, alcanzando el puesto número 3 en la lista de U.S. Billboard R&B Singles. El éxito de este tema y el que ocupó la cara B, Knucklehead, escrito por los componentes de Booker T. & the MG's Booker T. Jones y Steve Cropper,  fue lo que desencadenó que el grupo grabara posteriormente nueve pistas más y lanzara su primer disco de estudio. Lanzado en 1967, Soul Finger marcó el debut de The Bar-Kays, una banda de soul instrumental y funk asociada con el legendario sello Stax Records. Este álbum no solo destacó por su energía vibrante y arreglos innovadores, sino también por ser un reflejo del espíritu juvenil y la creatividad desenfrenada de una era dorada del soul.

Soul Finger, la canción que da título al disco y que además abre el mismo, fue escrita por el grupo mientras se encontraban ensayando con Norman West para realizar una versión de la canción "But It's Alright" de JJ Jackson. Comienza con la melodía de la popular canción infantil "Mary Had a Little Lamb" para luego pasar al riff principal, acentuado por el sonido de la trompeta. El tema contiene unos coros que fueron realizados por niños. Mientras grababan, había un grupo de niños que se encontraban merodeando en los alrededores del estudio, y les pidieron que gritaran "Soul Finger" a cambio de unas bebidas refrescantes (coca-cola). La idea tanto del titulo como de los gritos de los niños fueron idea de los compositores del sello Stax, Isaac Hayes y David Porter. Knucklehead mantiene la energía con la que ha comenzado el disco. El tema presenta una combinación de jazz fusionado con funk. Todo un ejercicio de habilidad y destreza musical del grupo. With a Child's Heart es una versión de la canción del cantante Stevie Wonder, de su álbum "Up-Tight". Una versión de la canción fue un éxito en las listas de éxitos para Michael Jackson en 1973. The Bar-Kays adoptan un enfoque más melódico y sentimental y los arreglos de viento y teclado añaden un toque nostálgico. Bar-Kay Boogaloo interactúan en un diálogo musical que se siente tanto improvisado como cuidadosamente orquestado, y aunque es una pista ideal para escuchar en momentos más tranquilos, no pierde el espíritu festivo del álbum. Cierra la cara A Theme from Hell's Angels, tema que rompe con los anteriores e imprime un tono más oscuro y misterioso. Magnífico el trabajo del bajo en este tema,  creando una atmósfera que parece sacada de una película de espías. La inclusión de este tema demuestra la capacidad de The Bar-Kays para explorar sonidos y estilos menos convencionales, añadiendo una capa de profundidad al álbum.

Abre la cara B una versión de You Can't Sit Down, grabado originalmente como instrumental en 1959 como "Can't Sit Down " por The Bim Bam Boos en el catálogo número D-500 de Dasher Records. Posteriormente sería grabado por The Dovells, que popularizaron la canción. Las líneas de bajo y la batería crean una base sólida sobre la cual los vientos y guitarras desatan un frenesí instrumental. House Shoes tiene un aire juguetón y desenfadado que la hace destacar. Con un ritmo más ligero, esta pista combina elementos de jazz y soul, y los vientos, como siempre, lideran la carga, pero aquí se sienten menos intensos, permitiendo que otros instrumentos tengan más espacio para brillar. El grupo vuelve a la carga con un tema funky y lleno de actitud, Pearl High, regresando al estilo más bailable que define a la banda. Podemos sentir esta canción como una continuación natural de "Soul Finger". I Want Someone es uno de los momentos introspectivos del disco. un tema lento que baja la intensidad y ofrece una pausa emotiva. Los teclados y los vientos trabajan juntos para crear una atmósfera perfecta, romántica y melancólica. Hole in the Wall combina el soul tradicional con una pizca de blues. La canción tiene un carácter relajado que invita a disfrutarlo con calma. Muy destacable la interacción entre la guitarra y los vientos en este tema. El álbum cierra con Don’t Do That, un tema enérgico que vuelve al estilo funky y festivo con el que empezó, la forma perfecta de cerrar el álbum, dejando al oyente con ganas de más.

Soul Finger fue el álbum debut de The Bar-Kays, lanzado hace ya más de cinco décadas. Este trabajo es una celebración de la creatividad y el talento musical de una banda que, aunque inicialmente estuvo a la sombra de gigantes como Otis Redding o Booker T. & the M.G.’s, dejó una huella imborrable en la música soul y funk. Para quienes busquen un álbum que encapsule la esencia del soul de los 60, Soul Finger es una experiencia imprescindible. Sus arreglos innovadores, la química entre los músicos y la diversidad de estilos hacen de este disco una joya que merece ser redescubierta.

1421 - Thelma Houston - Don't Leave Me This Way

1421 - Thelma Houston - Don't Leave Me This Way

Lanzada en 1976 como parte del álbum Any Way You Like It, "Don't Leave Me This Way" es una de las canciones de Thelma Houston, que no solo consolidó su estatus como una de las grandes voces del soul y disco, sino que también dejó una marca indeleble en la historia de la música dance. Aunque originalmente fue escrita por Kenneth Gamble, Leon Huff y Cary Gilbert para Harold Melvin & The Blue Notes, Thelma Houston transformó el tema en un himno disco vibrante y apasionado que rápidamente alcanzó el número uno en las listas de éxitos en 1977.

Desde los primeros acordes, la canción captura la atención con su energía dinámica. Un bajo pulsante y una percusión contundente crean un ritmo irresistible que invita a bailar. La introducción instrumental se construye lentamente, añadiendo capas de cuerdas exuberantes y un teclado efervescente que anticipan el desgarrador arranque vocal de Thelma Houston. Su interpretación es un despliegue magistral de emotividad y técnica: comienza con un tono íntimo y suplicante que se transforma en un clamor poderoso y apasionado mientras la canción avanza.

La letra de "Don't Leave Me This Way" es una súplica intensa por amor y conexión, con frases como "Don't leave me this way, I can't survive, I can't stay alive without your love" que transmiten una vulnerabilidad desgarradora. Sin embargo, la música —un brillante contraste de optimismo y energía— le da a la canción una dualidad única. Mientras el mensaje implora salvación emocional, el ritmo frenético y contagioso convierte la experiencia en un catalizador de liberación y euforia.

La producción, a cargo de Hal Davis, es un ejemplo perfecto del sonido disco de la época, que combina influencias del soul clásico con arreglos sofisticados y una intensidad emocional que invita tanto al baile como a la reflexión. El éxito de esta versión no solo le valió a Thelma Houston un Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de R&B, sino que también la aseguró como un ícono de la era disco.

Además, "Don't Leave Me This Way" tuvo un impacto cultural que trascendió su tiempo. La canción se convirtió en un himno de la comunidad LGBTQ+, especialmente en la era de la disco, y ha sido versionada y celebrada en múltiples contextos. Su energía catártica sigue siendo tan relevante como en los años 70, evocando una sensación de unidad, fuerza y liberación emocional.

"Don't Leave Me This Way" es más que una canción disco; es una obra maestra que combina emoción pura, técnica vocal y producción impecable, reafirmando el poder transformador de la música.

Daniel 

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The Now Now - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

The Now Now, Gorillaz

     Gorillaz, la banda virtual inglesa que consta de cuatro personajes ficticios: 2-D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hobbs, utiliza el concepto de miembros animados, ya que la música y los videos que crean son generalmente animados. La banda fue creada por Damon Albarn y Jamie Hewlett. El género de su música es generalmente rock alternativo, electrónica y trip hop, aunque su trabajo suele abarcar una amplia variedad de subgéneros dentro de estos géneros. Han obtenido éxito comercial y de crítica, siendo nominados a innumerables premios. En 2018 la banda virtual lanzaba su sexto álbum, The Now Now, con la producción de James Ford. The Now Now presentaba menos colaboraciones que sus álbumes anteriores y orientaba su estilo y su música a un ambiente más melancólico y menos orientado a la fiesta.

Gorillaz es conocido por su estilo futurista y por incorporar con frecuencia su tema de la tecnología y cómo se cruza con la humanidad. Los miembros virtuales de la banda, los trajes llamativos y coloridos, y una amplia variedad de géneros, imágenes, animaciones e interacciones con sus fanáticos brindan a los fanáticos una experiencia profunda e inmersiva con la banda. Además del universo ficticio de Gorillaz, los miembros de la banda han aparecido con frecuencia en varios medios de comunicación para proporcionar entrevistas en el personaje, discutir el tema de su música y creación, y proporcionar a los fanáticos una conexión más personal con los miembros de la banda. Los miembros animados también comparten papeles recurrentes en numerosos videos musicales y otros materiales cinematográficos que la banda ha producido. The Now Now fue lanzado solo 13 meses después de su quinto álbum, Humanz, destacando el enfoque de la banda en ser más sinceros y guiados por la historia en su música. Si bien la crítica, comentaba en general que Humanz fue uno de sus peores proyectos hasta el momento, destacaron en cambio que The Now Now lsupuso un soplo de aire fresco muy necesario.

The Now Now fue grabado en el Studio 13 de Londres, bajo la producción de James Ford, Remi Kabaka y la propia banda virtual, y publicado el 29 de junio de 2018 najo el bajo los sellos Parlophone Records y Warner Bros. Records. La grabación del álbum comenzó a finales de 2017, y según el cocreador de Gorillaz, Damon Albarn, se grabó rápidamente para que la banda tuviera nuevo material para tocar en futuros conciertos. El álbum dio lugar a seis sencillos, incluyendo Humility,  Hollywood y Tranz. El disco debutó en el número cuatro en el Billboard 200 de Estados Unidos y en el número cinco en la lista de álbumes del Reino Unido, recibiendo críticas generalmente positivas de los críticos, que elogiaron el sonido minimalista del álbum y el contenido lírico. Sin embargo, hubo una parte de la crítica que les achacó su percibida falta de ambición y enfoque. Tras el lanzamiento de su álbum  Humanz (2018), el cocreador de Gorillaz, Damon Albarn, había insinuado la posibilidad de que un nuevo álbum de la banda virtual llegara antes de lo esperado, y dijo que disfrutó grabando y debutando nueva música mientras estaba de gira. Comparó la naturaleza espontánea de este proceso con su álbum de 2010 The Fall,  y quería hacer otro disco que se sintiera similar pero más completo en comparación; Dijo: "Si vamos a hacer más con Gorillaz, no queremos esperar siete años porque... Ahora nos estamos llevando un poco". Más tarde confirmó que Gorillaz estaba trabajando en otro álbum que estaba programado para su lanzamiento en 2018.

Las nuevas canciones del álbum se interpretaron durante el Humanz Tour; Gorillaz debutó con Idaho durante un concierto en septiembre de 2017 en Seattle. En marzo de 2018, durante un concierto en Santiago, la banda estrenó Hollywood, que contaba con la participación de Jamie Principle y Snoop Dogg. En este concierto, Albarn declaró que el álbum había sido terminado recientemente y que pronto sería lanzado. En mayo de ese año, se encontraron en el festival de música "All Points East" una serie de carteles que contenían frases como "G es el número mágico" y "Sálvanos de él", así como una URL que apuntaba a un adelanto del álbum que revelaba su título y fecha de lanzamiento.  El sitio web incluía un breve extracto de una nueva canción que más tarde se lanzó como Lake Zurich. El 28 de mayo, el día después de que terminara el festival, Emma de Caunes, la esposa del co-creador de Gorillaz, Jamie Hewlett, confirmó el lanzamiento del álbum a través de Instagram. Según Albarna, el productor James Ford contribuyór ampliamente a la cohesión lírica del álbum, diciendo; "Si este disco tiene más sentido, es totalmente gracias a él, no a mí".

Se redujeron las colaboraciones y se colocó a Albarn, a través de su alter ego 2-D, en el centro del escenario. Con un sonido más minimalista y melancólico, The Now Now explora paisajes electrónicos suaves y reflexivos, mostrando un lado introspectivo de Gorillaz, canalizado a través de sus 11 canciones. Comienza el disco con

Damon Albarn

Humility, un tema alegre y soleado que cuenta con la participación de George Benson. La línea de guitarra funky y el ritmo relajado crean un ambiente veraniego que contrasta con la nostalgia de la letra mientras nos canta el grupo sobre una búsqueda de conexión y paz interior. Estamos ante una introducción perfecta que nos invita a adentrarnos hacia un mundo más personal y menos caótico que Humanz. Tranz sube un poco la intensidad con un beat sintético y un enfoque directo hacia el synth-pop. Este es uno de los temas más dinámicos del álbum, con un ritmo pulsante y líneas vocales que se mezclan con capas de sintetizadores. La canción refleja la alienación y la lucha interna en su letra. Hollywood, fue grabada en colaboración con Snoop Dogg y Jamie Principle, y regresa al estilo de colaboración característico del grupo, pero manteniéndose fiel al estilo minimalista del álbum. Con un ritmo funk-electro y letras que critican la superficialidad de la fama, esta pista es una sátira de la cultura de Hollywood. Kansas es una de las canciones más melancólicas del disco. Con un ritmo lento y un sintetizador que crea una atmósfera etérea, 2-D canta sobre sentirse perdido y añorar un hogar emocional. Sorcererz, con su groove funky y sus texturas electrónicas psicodélicas, invita al oyente a rendirse a la música, con un mensaje enigmático sobre el escapismo.

Continúa el disco con Idaho, canción inspirada por un viaje de Albarn a Idaho, y combina sintetizadores suaves con guitarras atmosféricas. Las letras son introspectivas y personales, y la producción crea una sensación de soledad y calma, añadiendo profundidad emocional al álbum. Lake Zurich es un tema instrumental casi completo con un ritmo funk bailable y elementos electrónicos que recuerdan a la música disco. Es una de las piezas más animadas del álbum, ofreciendo un soplo de aire fresco en medio de tanta introspección. Muy destacables la energía y el groove de este tema. Magic City combina sintetizadores brillantes con un ritmo tranquilo. La voz de 2-D suena vulnerable mientras canta sobre recuerdos y pérdida, creando una atmósfera nostálgica. Fire Flies es un tema lento y sombrío, cargado de sintetizadores oscuros y un ritmo pausado. La letra aborda la desconexión y el desamor, y la interpretación vocal suena conmovedora. La producción es rica en detalles, con texturas que envuelven al oyente en un ambiente hipnótico. One Percent es una de las canciones más minimalistas del álbum, con un ritmo sutil y un enfoque en la voz de 2-D. Las letras, aunque vagas, sugieren una sensación de esperanza en medio de la incertidumbre. Sin embargo, la canción se siente más como un interludio que como una pieza completa, y su falta de desarrollo puede dejar al oyente deseando más. El álbum cierra con Souk Eye, un tema que combina guitarras acústicas con sintetizadores cálidos. 2-D canta sobre una relación complicada, con letras llenas de imágenes poéticas. Estamos ante un emotivo final de un viaje introspectivo, el de este álbum, lleno de altibajos emocionales.

The Now Now supuso un viaje introspectivo dentro del catálogo de Gorillaz. Al reducir las colaboraciones y centrarse más en la voz de 2-D, Damon Albarn ofrecía un trabajo más personal, y aunque algunas canciones pueden parecer menos memorables, Albarn intentaba, en su conjunto, crear una atmósfera única, más introspectiva y personal.

1420 - Steve Miller Band - Serenade

1420 - Steve Miller Band - Serenade

"Serenade" es una de las canciones más destacadas de la banda de rock estadounidense Steve Miller Band, lanzada en su icónico álbum Fly Like an Eagle en 1976. Este álbum es conocido por mezclar elementos de rock, blues, y psicodelia, y "Serenade" no es la excepción, proporcionando una experiencia sonora envolvente y llena de misticismo.

La canción inicia con una introducción que evoca una atmósfera etérea, utilizando sintetizadores y efectos que de inmediato sumergen al oyente en un estado casi de trance. Esto sienta las bases para lo que es, en su núcleo, una especie de invitación a un viaje espiritual o una llamada hacia lo desconocido. La melodía principal, interpretada por la guitarra de Steve Miller, se despliega con suavidad pero con una fuerza subyacente, lo que refuerza la sensación de movimiento continuo a lo largo de la canción.

El enfoque lírico de "Serenade" refleja una búsqueda de iluminación o conocimiento trascendental. La letra habla de "volar a través del cielo", una imagen que parece representar la liberación de las ataduras terrenales y la conexión con algo más grande y misterioso. Miller canta sobre la serenata que el viento le hace a la noche, lo cual puede interpretarse como una metáfora de los mensajes ocultos que el universo nos entrega, si tan solo nos detenemos a escucharlos. Este tema de conexión cósmica es recurrente en el álbum, donde el grupo explora temas similares en otras canciones como "Fly Like an Eagle" o "Space Intro".

La interpretación vocal de Steve Miller en esta pista es suave y calmada, pero lleva consigo una cierta urgencia que se alinea con la temática mística de la canción. No busca imponer un mensaje, sino invitar al oyente a unirse en este viaje onírico. A lo largo de la canción, se percibe un deseo de trascendencia, pero también una sensación de aceptación frente a lo desconocido, lo que le da a la canción una cualidad casi meditativa.

Musicalmente, "Serenade" se beneficia de la producción expansiva y bien cuidada que caracteriza a muchas de las grabaciones de Steve Miller Band en esa época. La mezcla de rock con elementos electrónicos y ambientales hace que la canción se sienta moderna incluso décadas después de su lanzamiento. Las texturas sonoras que crea el uso de sintetizadores y efectos le añaden una dimensión adicional a la pieza, haciendo que suene tanto introspectiva como cósmica.

"Serenade" es una obra que logra capturar la esencia del rock experimental de los años 70 mientras entrega una experiencia profundamente emocional y reflexiva. La combinación de letras sugerentes, una melodía hipnótica y una producción detallada hace de esta canción una pieza destacada en el catálogo de Steve Miller Band, invitando al oyente a explorar lo desconocido a través de su sonido envolvente y su mensaje espiritual.

Daniel 

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Canciones escondidas: Mistakes & Regrets - ...And You Will Know Us by the Trail of Dead. (1999)

 

El dúo conocido como "You Will Know Us by the Trail of Dead" se formó en 1994 y estaba compuesto por los multiinstrumentistas Jason Reece y Conrad Keely, los dos se conocieron mientras vivían en Hawái, donde Reece se había hecho un nombre al ganar el primer premio en un concurso local de baterista. Poco después, Reece y Keely se mudaron al semillero indie de Olympia, Washington, buscando abrirse camino en la música y después de una serie de resultados decepcionantes, la pareja rápidamente se hartó del noroeste estadounidense y optó por mudarse una vez más a Austin, Texas y comenzar a trabajar en su propio proyecto. Con el tiempo, el guitarrista y amigo de la banda, notoriamente experto en negocios, Kevin Allen, fue reclutado, así como el bajista Neil Busch y el "...And" se agregó a su ahora famoso apodo. Así, nació ...And You Will Know Us by the Trail of Dead. El grupo pronto se volvió legendario en todo Austin por sus sets en vivo viriles y anárquicos que tenían una gran tendencia a terminar en un caos total. A principios de 1998, tras el éxito de la edición de un casete en directo en el sello local Garden Hour, ...Trail of Dead publicó su debut homónimo en Trance Syndicate Records con una recepción crítica mixta. Sin embargo, el disco impactó en la escena indie de Austin como una onda expansiva y trajo consigo la canción "Richter Scale Madness", que sigue siendo una de las favoritas de los fans incluso hoy en día. En 1999, tras el colapso de Trance Syndicate, Trail of Dead se trasladó a Merge Records para la grabación de Madonna, que, aunque no supuso un alejamiento total de su anterior trabajo art-rock basado en el noise, silenció muchas dudas sobre la capacidad de la banda para hacer algo más viable comercialmente. Sin embargo, el mayor salto en el éxito de la banda no llegó hasta 2001, cuando fueron fichados por Interscope Records y lanzaron su álbum más aclamado por la crítica y ampliamente aceptado hasta la fecha, Source Tags & Codes, en cambio Worlds Apart fue recibido con mucha controversia por los retrasos, ventas mediocres a pesar de la gran aclamación de la crítica y una reacción negativa de los fanáticos por el cambio drástico de dirección.

Nos detenemos en su segundo álbum, Madonna, un trabajo más pulido que su destacado debut, después de una breve pista de introducción, la banda comienza una serie de cuatro canciones absolutamente impresionantes. "Mistakes and Regrets" comienza con una introducción lenta y pesada en el bajo, que gradualmente introduce instrumentos, incluido el murmullo de Conrad Keely, y luego explota en la canción principal, lo que conduce a una tremenda apertura del álbum. Tambien mencionaremos las 3 sigueintes, la punk "Totally Natural", "Blight Takes All" con la voz áspera de Jason Reece cantando sobre un fondo instrumental épico abierto por una batería impecable y la última pista de esta serie es la lenta y hermosa "Clair De Lune", con un fondo de intrincada ejecución de guitarra y una avalancha de redobles de batería bien ensayados. Es en este punto cuando te das cuenta de que esta es una banda que suena mucho más segura que en su primer disco, sin perder nada de la actitud punk que lo puntuaba. En cambio, está más centrado, con los valores de producción mejorados que realzan las partes instrumentales y las hacen sonar un poco más limpias, lo que lleva a un asalto auditivo agradable. El álbum no alcanza los impecables puntos altos de las primeras cuatro canciones de manera constante después de este punto, pero hay momentos, "Mark David Chapman" es una oda al poder que tiene la música en la vida de las personas, con una comparación con el efecto que tuvieron personas como John Lennon en la vida de las personas en comparación con su asesino Mark David Chapman con un acompañamiento al estilo de Sonic Youth, una banda que claramente ha influenciado a ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead. Madonna es un álbum en el que la banda dejó de lado muchas de las indulgencias que hicieron que partes de su debut fueran bastante aburridas y produjo un esfuerzo más centrado y más duro, que definiría a la banda y los convertiría en una de las bandas más prometedoras y prometedoras de finales de los 90. De entre todas las canciones resaltamos con la que abre el álbum, "Mistakes & Regrets" que establece un estándar bastante alto para el resto del álbum y, de alguna manera, la banda nunca baja el ritmo, pero nunca llega a superar este tema.

1419.- (Don't Fear) The Reaper - Blue Öyster Cult

 

"(Don't Fear) The Reaper" ("No tengas miedo al segador") es el hit más relevante del disco "Agents of Fortune" (1976) de la banda estadounidense Blue Öyster Cult. Escrita y cantada por el guitarrista principal Donald "Buck Dharma" Roeser, y lanzada como single promocional en una versión editada que omitía el lento interludio incluido en la versión original), se convirtió en el mayor éxito de ventas en la carrera de Blue Öyster Cult, alcanzado el puesto nº 12 del Billboard Hot 100 y el nº 7 de las listas de ventas canadienses.

La crítica especializada también valoró "(Don't Fear) The Reaper" como la que probablemente era la gran obra maestra de Blue Öyster Cult hasta ese momento, y con total seguridad al menos una de las mejores canciones de la historia de la banda, destacando especialmente su distintivo riff, su potente ritmo y el impactante solo de guitarra, y el gran contraste de esta sección rítmica con el uso de líneas vocales más suaves que recordaban por momentos a las de los Beach Boys.

La letra de la canción tuvo también un destacable impacto, aunque no fue precisamente el esperado. Lo que para Buck Dharma era simplemente una reflexión sobre el amor eterno, que trasciende incluso a la mera existencia física de dos enamorados, y que debería en ese caso hacer innecesario el miedo a la muerte, se interpretó erróneamente como una referencia al suicidio por culpa del amor, dándole a la canción un aura oscura y terrorífica que no era el propósito para el que había sido escrita. Sabiendo esto, y si estáis enamorados de alguien como nosotros lo estamos de esta canción, haced caso a las sabias enseñanzas de Blue Öyster Cult y "no tengáis miedo del segador".

1418.- Back in the Saddle - Aerosmith

A principios de 1976, Aerosmith estaba en su mejor momento, impulsado por el gran éxito de Toys in the Attic de 1975 y una incansable gira en la que conquistaban a los fans todas las noches. Canalizaron esa arrogancia valiente en el cuarto LP de la banda, Rocks , un asalto riff-rock sórdido y demoledor que se cristalizó en su salva inicial, "Back in the Saddle". CBS Records estaba ansiosa por trabajar en el álbum después de Toys in the Attic, “Back in the Saddle" refleja esa urgencia, remontándose a la canción de Gene Autry de 1939 "Back in the Saddle Again", la canción "nos hizo volver a la escena del rock 'n' roll", dijo el guitarrista Joe Perry en sus memorias de 2014, Rocks. Perry escribió el contundente riff principal de la canción en un bajo Fender VI de seis cuerdas, que se había inspirado a comprar después de ver tocar a Peter Green de Fleetwood Mac unos años antes. "Cuando escribí la música para la canción que abre el álbum Rocks – 'Back in the Saddle' – estaba en mi habitación, boca arriba, drogado por la heroína, tocando mi bajo de seis cuerdas", añadió Perry. "La música salió volando de mí –todas las partes, todos los riffs. Vino en un paquete especial. Yo todavía estaba en la etapa en la que las drogas estaban abriendo las puertas a mi imaginación. Y tuve la suerte de tener una conexión que me llevó a la heroína más cerca de la pureza que jamás había visto".

La letra de "Back in the Saddle" utiliza astutamente imágenes de vaqueros como metáfora de una noche al acecho. Como muchas de las letras de Steven Tyler, adopta un enfoque en primera persona y utiliza imágenes vívidas para atraer al oyente hacia la historia, para realzar la imagen sórdida de vaquero de la canción, Steven Tyler pisoteó un trozo gigante de madera contrachapada con sus botas de vaquero, a la que había pegado panderetas con cinta adhesiva con la ayuda del cantante de los New York Dolls, David Johansen. Juntó dos cocos para imitar el sonido de un caballo al galope y simuló el sonido de un látigo al pasar el cable de un instrumento entre varios micrófonos, pero sólo después de cortarse al intentar usar un látigo de verdad sin éxito. Consiguieron una pistola de petardos para hacer el sonido de disparo. Sumarle a esto los gritos característicos de Tyler, que apenas comenzaban a florecer, y los ritmos a todo vapor de Joey Kramer y Tom Hamilton, y el resultado fue un golpe duro que también reflejó el entusiasmo desenfrenado y el ingenio sonoro de la banda.  Aerosmith lanzó "Back in the Saddle" como el tercer y último sencillo de Rocks el 22 de marzo de 1977. Alcanzó el puesto número 38 en el Billboard Hot 100, más bajo que el sencillo principal de Rocks, "Last Child" (número 21), pero lo suficientemente alto como para mantener a los fanáticos y a la gerencia mientras la banda luchaba por completar Draw the Line de 1977. El sucesor de Rocks marcó el comienzo de una decadencia adicta a las drogas que alcanzó su punto más bajo a principios de los 80 y vio las salidas de Perry y Brad Whitford. Finalmente se reincorporaron en 1984 y Aerosmith comenzó su lento ascenso de regreso a la cima del hard rock. Habían escapado por poco de un mal final, poniendo en marcha los engranajes de la reunión de Aerosmith con el tour perfectamente titulado Back in the Saddle.

Mes Gorillaz, hoy su álbum Humanz (mes Gorillaz)

Mes Gorillaz, hoy su álbum Humanz

#mesGorillaz 

Cuando se habla de Gorillaz, la banda virtual liderada por Damon Albarn y Jamie Hewlett, el estándar está muy alto. Con álbumes como Demon Days y Plastic Beach, la banda no solo conquistó a su público, sino que redefinió los límites de lo que una colaboración artística y musical podía ser. En 2017, después de una pausa de siete años, Gorillaz regresó con Humanz, un álbum que se presentó como una celebración apocalíptica: un soundtrack para la fiesta del fin del mundo.

Con su característico enfoque colaborativo, Humanz reúne a una diversidad de voces e influencias en un viaje musical que mezcla hip hop, R&B, electrónica y pop experimental. Sin embargo, ¿logró estar a la altura de las expectativas? Acompáñanos en esta reseña para explorar los altibajos de este ambicioso proyecto.

El punto de partida para Humanz fue la agitación política y social que marcó el mundo en 2016, particularmente la elección presidencial de Estados Unidos. Damon Albarn pidió a los colaboradores que imaginaran un evento cataclísmico y la música que sonaría en una fiesta organizada durante el caos. Esta idea impregnó todo el álbum, que está diseñado como un collage sonoro de emociones: miedo, esperanza, frustración y euforia.

La temática es profundamente política, pero no de manera directa. En lugar de declaraciones explícitas, Humanz captura el zeitgeist, ese sentimiento colectivo de confusión y desasosiego frente a un mundo cambiante. Este enfoque hace que el álbum sea universal, aunque a veces le falta la contundencia de un mensaje claro.

Musicalmente, Humanz es un torbellino de estilos. Albarn se asoció con The Twilite Tone y Remi Kabaka Jr. para crear un sonido que rompe con los paisajes más melódicos de álbumes anteriores y se adentra en un territorio más abrasivo y digital. El resultado es una producción frenética, llena de sintetizadores pesados, beats electrónicos y una atmósfera de constante movimiento.

Sin embargo, este enfoque también es su mayor debilidad. La cohesión, un sello distintivo de álbumes como Plastic Beach, a menudo brilla por su ausencia. Aunque la energía es innegable, Humanz puede sentirse más como una lista de reproducción que como un álbum conceptual cohesivo.

Uno de los aspectos más notables de Humanz es su impresionante lista de colaboradores, que incluye a artistas como Vince Staples, Grace Jones, Mavis Staples, Pusha T, Jehnny Beth, Kali Uchis y muchos más. Estas voces traen frescura y diversidad al álbum, pero también contribuyen al problema de cohesión.

"Ascension" (con Vince Staples) abre el álbum con fuerza, combinando un beat vibrante con la energía cruda de Staples. Su letra plantea un grito desesperado en medio del caos, estableciendo el tono para lo que sigue.

"Strobelite" (con Peven Everett) cambia el ritmo con un groove funky que recuerda a las pistas de baile de los años 80. Es una de las canciones más accesibles y optimistas del álbum.

"Saturnz Barz" (con Popcaan) mezcla dancehall y electrónica en un track hipnótico y oscuro que captura perfectamente la esencia experimental de Gorillaz.

"Let Me Out" (con Mavis Staples y Pusha T) es uno de los puntos más altos del álbum. La desgarradora interpretación de Staples se combina con las reflexivas rimas de Pusha T para crear una pieza que encapsula la ansiedad y la esperanza en tiempos turbulentos.

A pesar de estos momentos destacados, no todas las colaboraciones funcionan tan bien. Algunas voces parecen desconectadas del contexto general del álbum, lo que contribuye a la sensación de que Humanz es más una colección de singles que una obra unificada.

En términos líricos, Humanz adopta un enfoque más abstracto que directo. Damon Albarn cede gran parte del protagonismo vocal a los colaboradores, lo que resulta en una perspectiva caleidoscópica sobre el apocalipsis moderno. Este enfoque funciona bien en canciones como "Andromeda", donde la melancolía se mezcla con la nostalgia, o en "Busted and Blue", uno de los pocos momentos en los que Albarn toma el control total.

Sin embargo, esta dispersión de voces también significa que el mensaje del álbum puede ser difícil de descifrar. Mientras que algunos temas son claros, como la ansiedad política y social, otros se pierden en metáforas vagas y producciones densas.

Cuando Humanz salió al mercado, recibió críticas mayormente positivas, pero no estuvo exento de controversia. Medios como The Guardian y Rolling Stone elogiaron la ambición del proyecto y su capacidad para capturar el espíritu de la época, mientras que otros, como Pitchfork, criticaron la falta de cohesión y la saturación de colaboraciones.

Entre los fans, la recepción fue igualmente polarizada. Muchos extrañaron el enfoque más melódico y emocional de trabajos anteriores, mientras que otros apreciaron la audacia de Albarn al explorar nuevos territorios sonoros.

El título del álbum, Humanz, sugiere que el enfoque está en la experiencia humana. A lo largo de las canciones, se exploran temas como la alienación, la incertidumbre y la resistencia. Sin embargo, el mensaje no es del todo pesimista; también hay momentos de esperanza y celebración. En este sentido, Humanz puede interpretarse como un reflejo de nuestra época: caótico, contradictorio, pero lleno de vida.

Humanz es, en muchos sentidos, el álbum más divisivo de Gorillaz. Por un lado, su energía, experimentación y enfoque colaborativo son un testimonio del espíritu innovador de la banda. Por otro, la falta de cohesión y el enfoque disperso pueden dificultar la conexión emocional con el oyente.

No es un álbum perfecto, ni pretende serlo. Es un retrato sonoro de una época caótica, lleno de momentos brillantes y otros más confusos. Para algunos, esto será suficiente; para otros, se quedará corto en comparación con las obras maestras anteriores de Gorillaz.

En última instancia, Humanz debe apreciarse como lo que es: un experimento audaz que captura un momento único en el tiempo. Es un recordatorio de que incluso en medio del caos, la música tiene el poder de unirnos, hacernos reflexionar y, tal vez, ayudarnos a encontrar algo de humanidad en el proceso.

Con Humanz, Gorillaz demostró que no tiene miedo de reinventarse, incluso si eso significa correr riesgos. Puede que no sea el álbum más querido de su discografía, pero sin duda es uno de los más intrigantes. ¿Es el álbum perfecto para una fiesta en el fin del mundo? Probablemente no, pero eso no lo hace menos fascinante.

Daniel 

Instagram storyboy 

1417.- Hey Negrita - The Rolling Stones

En 1975 Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman y Charlie Watts regresaron a Munich, Alemania, para grabar las canciones que formarían la base del álbum Black and Blue. Los Rolling Stones se habían reducido a un cuarteto con la deserción de Mick Taylor, varios guitarristas ocuparían su lugar en este álbum y, finalmente, el amigo de Keith, Ron Wood, se convertiría en su reemplazo permanente. Black and Blue sería el comienzo de la adaptación de los Rolling Stones a los estilos musicales de la época, en este álbum los encontramos girando hacia el rock clásico de los años 70. ¿Es un gran álbum? La respuesta es no. ¿Es este un mal álbum? Nuevamente, la respuesta es no. Es un álbum que no contiene cortes realmente débiles o fuertes y, en muchos sentidos, merece ser pasado por alto y olvidado en su catálogo, pero no deja de ser un disco de The Rolling Stones.

Uno de esos temas que sin ser una joya destaca es Hey negrita, que tiene un gran riff de guitarra y una letra que la sitúan junto a canciones como "Bitch" y "Brown Sugar", aunque en este tema encontramos estilos musicales latino, reggae y funk ya que Mick Jagger había estado pasando mucho tiempo en la ciudad de Nueva York y absorbiendo nuevos elementos de la música de baile, concretamente se intereso por los ritmos latinos. "Negrita", era el apodo que había acuñado para su esposa de entonces, Bianca, la canción, sin embargo, es innegablemente sexy, y Jagger está jugando con los enfoques estereotípicos de América Central y del Sur sobre la batalla de los sexos: "Solo un momentito, no tan rápido/Necesito dinero para mi dulce trasero/Digo, 'Escucha, soy un hombre pobre, mi salario es bajo/Aquí tienes un último dólar y luego nos vamos'/'¿Un último dólar?'/Ella dice 'Tengo mi orgullo/Te voy a cortar las pelotas, muchacho/Te voy a broncear el pellejo'". Aunque en su mayor parte, la letra está destinada a trasceder por encima de la música no quedado mas que como una excusa para lanzar algunas frases en español que suenen frescas. Una de las partes mas interesantes es la de Billy Preston que toca una parte de piano con un sonido afrocubano muy percusivo sobre el riff de "Hey Negrita", interpretada y aparentemente escrita por Ron Wood, el guitarrista de los Faces que estaba haciendo una audición informal para el puesto vacante de segundo guitarrista en los Stones. La canción también está gobernada por la percusión latina de Ollie Brown, un músico que luego haría una gira con la banda. Jagger nuevamente elige no eludir la polemica, provocada previamente en otras canciones de Sticky Fingers y que siguieron alimentando con este tema, ya que promocionaban Black and Blue con vallas publicitarias con la imagen sadomasoquista de una mujer atada a una silla con hematomas en todo el cuerpo. Black and Blue fue un disco con problemas sintomáticos de la banda en general a mediados de los 70. Jagger lo calificó de "malestar general", señalando que consumían demasiadas drogas, se dejaban llevar por su propia popularidad y no prestaban tanta atención a la música como deberían haber hecho. De hecho, canciones como "Hey Negrita" suenan más como melodías glorificadas que como canciones bien elaboradas. Black and Blue pasaría cuatro semanas en la cima de las listas estadounidenses y vendería rápidamente un millón de copias. Los Stones, sin embargo, vivían de éxitos pasados ya que el álbum tenía poco enfoque y, en su mayor parte, incluso menos pasión. Pasarían dos años antes de que The Rolling Stones lanzaran otro álbum de estudio.

1416.- Asturias - Victor Manuel

No hay fiesta de prao en Asturias en la que, llegado un momento de la noche, cuando la euforia alcanza su máxima plenitud, no brote de la muchedumbre un griterío de júbilo en cuanto la orquesta entona los primeros compases: “Asturias, si yo pudiera…”. Y el espíritu de camaradería y paisanaje, el canto torpe y desafinado, el abrazo efusivo a los amigos y vecinos, no decae hasta la última estrofa, esa en la que se dice de Asturias que está “sola en mitad de la Tierra” y que es “hija de mi misma madre”.

En 1976 publica dos discos, el primero es un directo grabado en el Teatro Monumental de Madrid, donde registra por vez primera Planta 14 o Asturias, el segundo, de marcado contenido político y titulado Canto para todos, ofrece una cara con temas como Camaradas, Al compañero Orlando Martínez o Socialismo en libertad y la otra cara con temas cantados en bable, como Danza del cuélebre, Xiringüelu o Yeren dos güajes. “Asturias”, que ejerce en la práctica de himno no oficial de la región y aunque todo el mundo se sabe la letra, muchos menos conocen cuál es el origen de este poema que un salmantino escribió durante la caída del frente republicano de Asturias en 1937. En sus versos el poeta rememora, oscilando entre la épica y la amargura, los sucesos de octubre del 34 y la posterior represión del movimiento revolucionario. Garfias, como buen marxista que era, sabía muy bien aquello de que la Historia se repite dos veces—primero como tragedia y luego como farsa—, y su poema sobre Asturias es en cierto modo una lamentación ante una nueva derrota, y esta definitiva, tres años más tarde: “Dos veces, dos, has tenido ocasión para jugarte la vida en una partida, y las dos te la jugaste”. Durante sus casi dos décadas de estancia en México, donde murió, Garfias ofreció numerosos recitales en centros asturianos y en el restaurante El Hórreo. “Asturias” era una de los poemas indispensables en estos actos de nostalgia y confraternización para los asturianos de la diáspora. Podemos a imaginar a Indalecio Prieto entre el público, quizás incómodo con los versos que celebraban la épica de la revolución, rumiando su arrepentimiento mientras a sus paisanos se les saltaban las lágrimas. Fue en ese mismo restaurante asturiano de D.F donde Víctor Manuel escuchó el poema por primera vez. Era 1970, Garfias llevaba ya unos años muerto, y el mierense cruzaba el chaco por primera vez y se encontró este texto que le llevaría a realizar una de las mejores canciones de su repertorio y de la tierra que nombra.

Aunque ya era canción, todavía iba a tardar más de una década en llegar a los oídos de sus destinatarios. No fue hasta cinco años más tarde, en 1976, cuando Víctor Manuel incluyó “Asturias” en un disco grabado en directo. Un disco, según sus palabras, “muy de barricada, con pocos medios”. Antes había sido imposible hacerlo, debido a la censura franquista, que quería suprimir de la canción el verso de los “millones de puños rotos”: “No lo toleraban. Eran inconmovibles, no se conmovían”. La única opción fue grabarlo en directo, y ya en 1978, con la dictadura en retirada, pudo grabar la canción en estudio e incluirla en el vinilo “Canto para todos”. Sin embargo, la versión que acabaría llegando a las masas y popularizando fue una grabada en Londres y publicada en “El Cobarde”, un disco de 1983. Casi 50 años después sigue cerrando todas las romerías de Asturias, y no parece que vaya a jubilarse pronto.

Disco de la semana 404: Talking Timbuktu - Ali Farka Touré With Ry Cooder

 

En la actualidad, el género del blues del desierto cuenta con uno de los movimientos musicales más excitantes del mundo. Las bandas y músicos que forman parte de este género provienen de una zona que se extiende por África occidental, desde Mali hasta Libia, y que reúne a personas de varios grupos étnicos. Artistas como Tinariwen , Terakaft, Boubakar Traore, Tamikrest, Bombino, Habib Koite, Vieux Farka Toure, Amadou y Miriam, por nombrar solo algunos, pueden verse y escucharse de gira por el mundo, actuando en prestigiosos festivales de música del mundo y produciendo grabaciones brillantes y populares. El sonido que forma la base de su música, aparte del sonido dominante de las guitarras, comparte el mismo anhelo y ritmo que el blues americano, y las sonoridades de las cuerdas resuenan de una manera que ya se ha escuchado en antiguas grabaciones de blues. La popularidad de este movimiento y de esta música se puede atribuir fácilmente a la música del gran artista maliense Ali Farka Toure , una figura musical imponente y un icono cultural. Fue él quien, sin ayuda de nadie, introdujo al mundo esta música y las culturas que la sustentan. La música de Toure fue el mejor ejemplo de blues del desierto que no se preocupaba por las fronteras. Durante años, antes de que el mundo conociera su música en los años 80, fusionó los sonidos y los ritmos de su Mali natal con los sonidos del blues, lo que inevitablemente provocó comparaciones con otro gran artista, la leyenda del blues John Lee Hooker. En ese momento, su música se estaba difundiendo ampliamente por toda África, cuando los casetes eran el medio elegido para el desierto y se usaban como principales canales de distribución tanto como hoy en día se usan las tarjetas de memoria de los teléfonos móviles en África occidental para distribuir música.

Ry Cooder se embarcó en este ambicioso e interesante proyecto, un viaje inverso hacia los orígenes del blues y otros sonidos de raíz, Cooder tuvo que cruzar el océano Atlántico ya que las células madre del blues no están en ninguna parte sino en África, en las orillas del río Níger, en Mali, y sin duda, uno de sus mayores, más bien el mayor representante es, fue, será por siempre Ali Farka Touré, y ves esa cooperación y no puedes mas que salivar y pensar en las maravillas que podían salir de allí, y así fue. Touré despliega sus habilidades de forma mágica, como la voz de generaciones de malienses pertenecientes a tan noble raza, y nos somete a una sesión de hipnosis en la que polirritmos, arabescos de cuerdas y su voz telúrica envían su mensaje claro y devastador. Un mensaje que, a la vez es, el misterio de un lenguaje que no conozco, y la repetición paciente y minuciosa lo convierten en una avalancha que inunda mis neuronas mientras no entiendo de qué se trata. ¡Así es África! Normalmente, es el artista menos conocido el que se beneficia de cualquier colaboración. En este caso, Touré se beneficia de la apertura del acceso al mundo occidental, pero Cooder se adelanta en esta relación porque este disco aumentó su halo de autenticidad, su prestigio, hasta niveles que antes no podía imaginar, supo traernos y captar la grandeza de un artista superlativo que no podia existir en el mundo civilizado. Por el bien de la integridad y la sabiduría, decir que está al mismo nivel que Robert Johnson, Charley Patton o John Lee Hooker es decir muy poco, quizás este no sea su mejor álbum, pero sí el más importante y es por eso que necesita una escucha por todo amante de la música y el blues.

Vamos a dejar una cosa clara desde el primer momento, este es un álbum de Ali Farka Toure con sus canciones y su música, Ry Cooder es un productor sumamente simpático, un acompañante sumamente simpático, modesto y alentador que no es poco. Toure toca con su equipo, son su gente, con los que graba este disco, mientras que la guitarra de Cooder es la típica de Cooder, controlada y flexible, es como un hábil conversador que nunca domina la conversación, pero siempre puede hacer un comentario inteligente y siempre anima a los demás a hacer sus contribuciones, y sin embargo, a pesar de mi admiración y respeto, no estoy seguro de si destacaría entre una multitud, lo que si tengo claro que no es el rey en la tabla de ajedrez. Como siempre, las canciones de Toure están estructuradas por ritmos suaves y melodías sensuales, pero mientras que en sus otras grabaciones la dureza de su voz y el golpe percusivo de su guitarra creaban una perturbación de la tranquilidad, una sensación de drama, en Talking Timbuktu todo es mucho light, hay menos sensación de drama. No hay duda de que Cooder, en lo que se refiere a la técnica, es un guitarrista mucho mejor que Touré, y su guitarra ondula sobre los ritmos y a través de ellos con una gracia sensual (y su forma de tocar es comparable a la de Barthelemy Attisso con la Orchestra Baobab), pero le falta la fuerza de la forma de tocar de Touré. Pero acepto que esto es una cuestión de gusto personal, hay ventajas y desventajas.  

En estas 11 pistas, hay una especie de interacción y comunicación entre estos dos artistas que es poco común en cualquier tipo de música, hay un serio respeto mutuo en funcionamiento en este encuentro histórico evidente desde el principio con el "Bondo" de apertura. Las melodías de la canción se arremolinan con emoción reforzada por voces de llamada y respuesta que, en conjunto, evocan mucho: los arroyos del río Níger, la inmensidad de un cielo desértico y la fuerza de un viento desértico. Además de la guitarra eléctrica, Toure toca el banjo aquí y, curiosamente, Cooder toca y lo complementa con un Cümbüş, una variante turca sin trastes del banjo (la palabra Cümbüş también es sinónimo de caos) en esta hermosa apertura. "Soukora", demuestra lo bueno que es Toure para equilibrar las sensaciones y el ritmo. Presenta una línea muy simple pero muy efectiva y memorable que va directo al corazón, como dijimos el papel de Cooder en este disco está más en la línea de fortalecer la visión de Toure (ya que Toure es el autor de todos los temas menos uno) y mejorar la música añadiendo sutilmente su impronta en lugar de imponerse en el centro de atención. "Gomni" se basa en capas de percusión delicada y se puede escuchar la guitarra de Cooder añadiendo más capas con su slide indeleble. Es una pista modal típica y con sus adornos, crea un espectro sutil pero más amplio de colores y texturas. "Sega" es un instrumental corto con el n'jarka con sonido de violín tomando la delantera. "Lasidan" es la pista más juguetona aquí, el ritmo es rápido-lento con percusión que se superpone gradualmente con palmas, congas y calabaza. "Amandrai" y "Au Du" son los lugares donde el Delta y el blues del desierto realmente se encuentran. Estas son canciones de blues largas, de ritmo lento y espontáneas donde Cooder y Toure intercambian riffs. Ambas pistas muestran la aguda sensibilidad melódica de la pareja.

Lo que es evidente en este disco, en primer lugar, es la alegría de tocar y la alegría de interactuar musicalmente. Por otro lado, por su génesis y estado de ánimo, es el sonido de un viaje emprendido. Este viaje lleva la cabeza desde los lugares rurales de Mali hasta los bares del Delta y viceversa. La mayoría de las veces, las canciones tienen esa sensación improvisada de una conversación y una sensación de que se capturó un momento que tenemos la suerte de tener. Los regalos de Mali al mundo de la música son pródigos y legendarios, y este disco es el que abrió las puertas al mundo a sus vastas riquezas. Estamos ante una grabación que define el género y que no solo recibió un premio Grammy, sino que durante mucho tiempo fue el disco de música del mundo más vendido de todos los tiempos. También se erige como uno de los documentos más importantes de la música africana moderna. Hay magia en los sonidos del desierto y Talking Timbuktu simplemente captura esa magia con una gracia asombrosa.

1415.- Tonight's the Night - Rod Stewart

 

"Tonight's the Night (Gonna Be Alright)", incluida en el disco "A Night on the Town" (1976),  es una de las canciones más famosas de Rod Stewart, y un tema que no estuvo exento de cierta polémica por su contenido sexual, especialmente en la frase: "Vamos, ángel, mi corazón está en llamas, no niegues el deseo de tu hombre, serías muy tonta si detuvieras esta marea, despliega tus alas y déjame entrar", censurada por algunas emisoras de radio. La canción fue prohibida por la BBC e incluso generó una protesta pública del célebre reverendo Jesse Jackson por su letra y los más que sugerentes susurros femeninos, a cargo de Britt Ekland, novia de Stewart en ese momento, que también aportó una parte vocal recitada en francés.

Rod Stewart se inspiró para la composición en el éxito del grupo America "Today's the Day". Al escucharla un día que Dan Peek (America) y Rod Stewart estaban tocando juntos en el estudio, Peek tocó la canción que había compuesto y Stewart comentó que le acababa de dar una idea para una canción nueva. Stewart se basó en esa idea y cambió el día por la noche, un momento mucho más interesante para ciertas cosas.

"Tonight's the Night" se convirtió en un gran éxito comercial en la carrera de Rod Stewart, pues con ella alcanzó por segunda vez el top del Billboard Hot 100 estadounidense, manteniéndose en lo más alto durante ocho semanas consecutivas, un récord personal que no volvió a repetir con ninguna otra de sus canciones. La canción fue también nº 1 en Canadá, y llegó al tercer puesto en Australia y a la quinta posición en las litas del Reino Unido. No sabemos si finalmente aquella noche fue "su noche", pero definitivamente "Tonight's the Night" si que fue "su canción" con mayúsculas, un éxito tan polémico como impresionante.

1414.- The First Cut is the Deepest - Rod Stewart

 

"The First Cut Is the Deepest" ("El primer corte es el más profundo") es una canción original de Cat Stevens, que la escribió y grabó en 1967, aunque su versión no saldría publicada hasta el mes de diciembre de ese año en el disco "New Masters" (1967), mientras que una versión grabada por P. P. Arnold salió a la venta en abril de 1967. No sería esa la única versión grabada de este popular tema, que fue un gran éxito de ventas en la voz de hasta seis artistas diferentes (Arnold y Stevens en 1967, Keith Hampshire en 1973, Rod Stewart en 1976, Papa Dee en 1995 y Sheryl Crow en 2003).

La versión de Rod Stewart de "The First Cut Is the Deepest" se grabó en los estudios Muscle Shoals Sound de Sheffield, Alabama (Estados Unidos), y fue publicada como single promocional del disco "A Night on the Town" (1976). La canción fue un éxito inmediato, manteniéndose en el puesto nº 1 del UK Singles Chart durante cuatro semanas, y alcanzando el puesto nº 21 del Billboard Hot 100 estadounidense.

La letra de "The First Cut Is the Deepest" describe las dudas del protagonista sobre si será capaz de volver a enamorarse, después de haber perdido su primer amor, teniendo en cuenta que "El primer corte es el más profundo", refiriéndose metafóricamente a la herida que la primera decepción amorosa deja para siempre en el corazón. Rod Stewart respetó la mayor parte de la letra, pero eliminó la frase final del estribillo del original de Cat Stevens ("Pero cuando se trata de ser amada, ella es la primera").