Hay mucho rock'n roll - Platero Y Tú #MesPlateroyTú

 

Hay mucho rock'n roll, Platero Y Tú

     El 27 de octubre de 2001 Platero y Tú cerraban en la sala La Riviera de Madrid la gira '01, sería la última de la banda. Al año siguiente Fito ofrecía un entrevista ante la prensa donde confirmaba que abandonaba Platero y Tú. A raíz de ahí se disolvía oficialmente la banda. A partir de ese momento Fito continúa grabando con su grupo Fito y Fitipaldis, Uoho pasa a formar parte como miembro permanente de Extremoduro, alternandolo con su faceta como productor para muchos otros artistas, y Mongol y Maguila forman La Gripe. Como despedida, Platero y Tú nos iban a regalar un primer volumen recopilatorio, Hay mucho Rock'n roll, editado en 2002, al que le seguiría un segundo volumen en 2005, con el que se daban por finalizadas las andanzas de uno de los mejores grupos de rock que ha dado el país.

Hay mucho Rock'n roll es una serie de recopilaciones de Platero y Tú, donde buena parte de los temas que la componen están regrabados total o parcialmente y remasterizados. Está formado por dos volúmenes, el primero editado en 2002, el cual además incluía un DVD con los nueve videoclips grabados por el grupo. En 2005 se editaría un segundo volumen, con otro DVD que incluía la grabación del directo ofrecido por la banda en 1997 en la mítica sala Canciller de Madrid. A la vez que este segundo volumen se publicaron dos ediciones alternativas, una de ellas en caja de coleccionistas que contenía ambos volúmenes, y otra resumiendo los temas más conocidos de ambos discos en uno sólo.

Ambos volúmenes contaron con la producción de iñaki Antón "Uoho", que además de ser un gran guitarrista es también un excelente productor, y fueron publicados por el sello discográfico DRO. La mayoría de los temas fueron mejorados a base de pequeños retoques, y el resultado es que hay temas que suenan mucho mejor que las grabaciones originales, como es el caso de Mari Magdalenas o Tras la Barra por ejemplo. Únicamente tres canciones de ambos volúmenes no fueron retocadas, Por Mí, Cigarrito y Somos los Platero, pero fueron remasterizadas. y voy a acabar borracho y Ramón se volvieron a grabar por completo.

Hay mucho Rock'n roll suponía el broche de oro, la despedida perfecta para un grupo que dejaba un importante vacío dentro del panorama rockero nacional. Es cierto que estos dos volúmenes no ofrecían nada nuevo, eran básicamente sus temas de siempre, sus grandes éxitos donde no faltaba ninguno, pero mejorados y con una producción sobresaliente. Un regalo a la altura para todos aquellos fans que habíamos crecido con Platero y Tu. Una despedida a lo grande para un grupo que bien lo merecía. 

VOLÚMEN 1(2002)

1. Voy a acabar borracho
   
2. Bobo
3. Esa chica tan cara
4. Mari Magdalenas
5. El roce de tu cuerpo
6. Tras la barra
7. Por mí
8. Esta noche yo haría
9. Me dan miedo las noches
10. Ramón
11. Rompe los cristales
12. Somos los Platero
13. Hay poco Rock'n Roll
14. Sin solución
15. Cantalojas
16. Si tú te vas
17. Cigarrito

DVD (videoclips)

1. No me quieres saludar
2. Si tú te vas
3. Rompe los cristales
4. Esta noche yo haría 
5. Hay poco Rock'n Roll
6. Juliette
7. Alucinante
8. Al cantar
9. Naufragio

VOLUMEN 2 (2005)

1. Tiemblan los corazones
   
   
   
2. Ya no existe la vida
3. ¿Cómo has perdido tú?
4. Un abecedario sin letras
5. Alucinante
6. Si la tocas otra vez
7. Bebiendo del mismo vaso
8. ¿No hierve tu sangre?
9. Juliette
10. La noche
11. Mire hacia mí
12. Entre dos mares
13. La maté porque era mía 
14. Al Cantar
15. Contaminamos
16. No me quieres saludar
17. Maldita mujer
18. Imanol

DVD (Directo sala Canciller, Madrid, 1997)

1. Somos los Platero
2. No hierve tu sangre
3. La maté porque era mia
4. Mendrugos 
5. Alucinante
6. Desertor
7. Voy a acabar borracho
8. Tras la barra
9. Rock'n'Roll
10. Al cantar

0636 - Down on the Corner - Creedence Clearwater Revival

0636 - Down on the Corner - Creedence Clearwater Revival

Down on the Corner es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival.

La canción narra la historia de la banda ficticia Willy and the Poor Boys, y cómo tocan en las esquinas de las calles para animar a la gente y pedir cinco centavos.

La canción hace referencia a una armónica, una tabla de lavar, un mirlitón, una guitarra Kalamazoo y un bajo de tripa. En una aparición en 1969 en el programa de televisión The Music Scene, la banda interpretó la canción disfrazada de "Willy and the Poor Boys". Stu Cook tocó un bajo, Doug Clifford la tabla de lavar y Tom Fogerty el Kalamazoo, que imitaba la apariencia de la banda tal como aparecen en la portada del álbum.

Billboard describió el sencillo con "un ritmo contagioso de calipso"

Esta canción apareció en su cuarto álbum de estudio, Willy and the Poor Boys (1969). La canción alcanzó el puesto número 3 en el Billboard Hot 100 el 20 de diciembre de 1969. La otra cara, "Fortunate Son", alcanzó el número 14 en las listas de Estados Unidos el 22 de noviembre de 1969, una semana antes de que Billboard cambiara su metodología en doble. golpes laterales

Daniel 

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0635.- Ramble On - Led Zeppelin

 

Ramble On, Led Zeppelin II

      Led Zeppelin II, el disco que consagrará definitivamente a Led Zeppelin, fue grabado en diversas localidades del Reino Unido y de Estados Unidos entre enero y agosto de 1969. El disco fue producido enteramente por Jimmy Page y fue publicado el 22 de octubre de 1969 por el sello discográfico Atlantic Records. Fue el primer álbum de la banda en utilizar las técnicas del ingeniero de sonido y productor Eddie Kramer que en este disco trabajó como ingeniero de sonido y mezclador.

En este segundo álbum se produce una notable mejoría en la producción, se mejoran y perfeccionan los temas acústicos, se siguen utilizando sonidos blues y folk, y el sonido de la guitarra suena mucho más grave, lo que convertirá a este disco en uno de los más pesados de la banda. El disco alcanza un más que notable éxito, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, y consiguiendo desbancar de esa posición nada menos que al Abbey Road de The Beatles, el cual llevaba acomodado en esa posición nada menos que once semanas.

El álbum fue concebido durante un periodo muy agitado de la banda, pues durante ese año realizaron cuatro giras por Europa y tres por el continente americano. Esto hizo que cada canción fuera grabada, mezclada y producida en un sitio diferente. Robert Plant afirmaba al respecto que esa etapa fue una locura: "Estábamos escrbiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York". Las sesiones de grabación se repartieron entre los estudios Olympic y Morgan de Londres, Inglaterra, los estudios A&M, Quantum, Sunset y Mystic de Los Ángeles, California, los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, los estudios A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair de Nueva York y en un estudio de Vancouver. 

Incluido en este disco se encuentra Ramble On, acreditada a Page y Plant, las letras fueron escritas por este último, quien se inspiró en la obra de J. R. R. Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. Las referencias son al personaje de este libro Frodo Bolsom, cuando va a las profundidades más oscuras de Mordor y se encuentra con Gollum. Robert Plant admitiría más tarde que en cierto modo se entia un poco avrgonzado por las referencias a Tolkien en este tema, ya que no tenía mucho sentido encontrarse una bella doncella en Mordor y Gollum no querría tener nada que ver con ella, pues su única preocupación era el precioso anillo.

0634 - Thank You - Led Zeppelin

0634 - Thank You - Led Zeppelin 

Thank You es el cuarto tema del disco Led Zeppelin II del grupo Led Zeppelin, escrito por Robert Plant y Jimmy Page y editado en el año 1969.

Es una balada lenta que marcó una implicación más profunda de Robert Plant en la composición de canciones, siendo ésta la primera canción cuya letra fue escrita íntegramente por él, si bien las primeras líneas guardan cierta semejanza con "If 6 was 9", de Jimi Hendrix. Robert Robert Plant se la dedicó a su esposa.

Destaca la delicadeza del órgano tocado por John Paul Jones.

 Thank You fue una canción especialmente popular en conciertos en vivo, y tuvo cierto espacio al trabajo de Jones en teclado. Un ejemplo de ello se hace presente en las Led Zeppelin BBC Sessions, que captura una versión tocada en el Paris Theatre, en Londres en 1971.

 En 1992, Robert Plant cantó una parte de Thank You antes de combinarla con Crazy Little Thing Called Love de Queen, en el Concierto en Tributo a Freddie Mercury.

Jimmy Page y Robert Plant revivieron la canción en 1994 en su gira No Quarted Unledded. En ella interpretaron versiones más suaves de sus shows de 1995 a 1998.

Tori Amos ha interpretado, cantado y grabado, esta canción al piano. Y también el grupo inglés Duran Duran también realizó una versión de este tema.

Daniel 

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0633.- What Is And What Should Never Be - Led Zeppelin

Lanzado en octubre de 1969, Led Zeppelin II encabezó la lista de álbumes a ambos lados del Atlántico, en ambos casos reemplazando el álbum The Beatles Abbey Road, recibió numerosos premios y reconocimientos, incluido uno por la portada diseñada por David Juniper. Inicialmente era una fotografía de la división Jasta 11 de la Fuerza Aérea Alemana que estaba dirigida por el Barón Rojo. Sin embargo, Juniper superpuso la cara de los miembros de la banda, el gerente Peter Grant y el gerente de gira Richard Cole en los cuerpos. ¡También puso el rostro de la actriz Glynis Johns como una obra de teatro sobre el nombre del ingeniero Glyn Johns!

What Is and What Should Never Be es el tema que sigue a continuación después del trallazo de apertura Whole Lotta Love, escrita por Plant, es una canción muy dinámica que alterna versos silenciosos con un coro muy explosivo mientras Plant canta sobre llevar a una hermosa doncella al castillo, aunque más tarde confesaría que la canción trata sobre una relación que tuvo con la hermana pequeña de su esposa. En cuanto a la producción se hace un uso liberal del estéreo mientras las guitarras van y vienen entre canales, y las voces se escalonaron durante la parte de los gritos de Robert Plant.

Brillantemente episódico y extrañamente (para Led Zeppelin , al menos) psicodélico, delinea las dos caras de este grupo como pocas otras pistas individuales: un momento folk y reflexivo, todo está expresado en esta rareza trippy del momento. Claramente asombrado por la tecnología de grabación recién descubierta de la época, Robert Plant incursiona con voces desfasadas, mientras que la guitarra de Jimmy Page se mueve de un lado a otro todo el espectro estéreo. Aún así, eso no quita nada del tema oscuramente intrigante y bastante incestuoso que recorre la canción, comenzando con un breve coqueteo susurrante antes de que Plant simplemente estalle, luego, así como así, Page los lleva de regreso a un ambiente contemplativo. Lo maravilloso en ese momento, es la delicadeza y la reserva emocional que utiliza John Bonham . 

Correos - Platero y Tú #MesPlateroyTú

Correos - Platero y Tú artista del mes #MesPlateroyTu 

Vamos con un álbum de la banda bilbaína Platero y Tú, que para mí ha escrito una de las páginas más memorables en la historia del rock vasco y español, alcanzado tres discos de oro y un legado que perdurará por siempre. 

Como su álbum Correos, publicado en octubre de 2000, que supuso el capítulo final de esa gran trayectoria de Platero y Tú.

“Dos y dos son cuatro, y cuatro los Platero” dice la canción Cigarrito, la canción que abría el álbum Correos, el último álbum de la banda, y tan esperado por sus seguidores tras casi tres años sin nuevos lanzamientos. 

Esos cuatro de los que hablaba Cigarrito no podían ser otros que la voz de Adolfo Cabrales (Fito), la guitarra de Iñaki Antón, con Juantxu Olano al bajo y Jesús García con la batería. 

Se trataba del octavo trabajo del grupo en apenas diez años. 

Este álbum con su portada emulando a un paquete de envío y con los cuatro integrantes de la banda como sello, Correos no fue distinto a sus otros álbumes, después de su lanzamiento en el mes de octubre del año 2000, la acogida de sus fans, cada vez más numerosos, llevó a Platero y Tú con su álbum Correos a ser  Disco de Oro de la mano de canciones que se convirtieron en éxitos como Cigarrito, Entre dos mares (que  Fito con los Fitipaldis, la incluiría en su álbum “Fitografía") y Humo de mis pies. Este álbum fue grabado en el estudio La Casa de Iñaki que era propiedad del guitarrista de la banda, contaba entre sus canciones con la colaboración de músicos de la talla de Robe Iniesta de Extremoduro o José Alberto Batiz. 

Si bien es cierto que el disco mantiene la línea rockera que definía al grupo, tuvo algunos detractores que no reconocían en este álbum a los Platero y Tú de principios de los noventa, especialmente en los versos de canciones como Caminar cuesta arriba o Qué demonios!, más introspectivos y, quizá, algo menos provocadores. 

La gira de presentación de Correos, que terminaría siendo la última, ya que Fito anunciara que abandonaba el grupo para continuar su carrera en solitario y le siguiera Iñaki Antón para ingresar por completo en Extremoduro donde ya había trabajado de forma esporádica durante los últimos años. 

Sería, por tanto, la última gira de Platero y Tú y para la posteridad sólo quedaría su legado y varios recopilatorios. Platero y Tú, de las calles de Bilbao a iconos del rock. 

Platero y Tú han marcado a fuego ese rock español que ya hemos mencionado por ello se merecían estar entres las banda del mes #MesPlateroyTu. 

Daniel 

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0632.- Whole lotta love - Led Zeppelin

Whole Lotta Love es la canción con la que arranca Led Zeppelin II (1969), el segundo álbum de Led Zeppelin, y uno de los singles de la banda en ese año en los Estados Unidos (en aquella época, el grupo no publicaba singles en el Reino Unido), con Living Loving Maid (She's Just a Woman) en la cara B. Es una explosiva mezcla de rock y blues eléctrico, con una gran interpretación vocal por parte de Robert Plant y, sobre todo, un riff de Jimmy Page para la historia.

Mucho se ha hablado de las licencias que los grupos de la época, y en especial Led Zeppelin, se tomaban a la hora de tomar ideas de viejos temas de blues para la creación de las suyas propias. En el caso de Whole Lotta Love, hay partes de la letra que están sacadas de la canción de Willie Dixon "You Need Love", grabada por Muddy Waters siete años atrás. Small Faces la grabaron también como versión en 1966, con el nombre de You Need Loving, y en 1969 llegó el turno de los Zeppelin, que no acreditaron a Dixon en la canción, y en un juicio celebrado por los derechos en 1985 tuvieron que reconocer su autoría parcial en el tema y compensarle con un pago por los beneficios obtenidos por la canción.

Mas allá de los conflictos por la mayor o menor inspiración en el tema de Dixon,  lo que es innegable es que estamos ante una de las mejores canciones de la banda, la número 75 entre las mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, y el mejor riff de guitarra de todos los tiempos para los oyentes de la BBC Radio 2 en 2014. El riff fue lo primero que compusieron para la canción, a partir de una grabación de treinta segundos que Page mostró al grupo en el verano de 1968, a partir de la cual fueron construyendo el resto de esta monumental canción.

Solange - A Seat at the Table. Píldora #4

Es posible que la reconozcas por sus carreras temporales con Destiny's Child, o por cualquiera de sus 3 álbumes anteriores, que abarcan fechas de lanzamiento entre 2002 y 2012. Lo más probable es que, si no conoces a Solange, conozcas al menos a su hermana superestrella, Beyonce. Pero Solange había dejado en claro en sus primeros pasos que no era solo una copia de su hermana, su estilo musical, su imagen y energía reflejaban a una artista que todavía intentaba encontrar una voz y buscaba algo más grande. El atractivo de A Seat at the Table esta en su radicalidad, muestra cómo Solange se desarrolló como persona y se enorgullecía de cada aspecto, no solo tiene una carga política, también es increíblemente personal para ella y su familia, con sus padres apareciendo y compartiendo sus experiencias y aprendizajes de las injusticias raciales, un disco con más de 21 pistas y menos de una hora de duración, logra esto al colocar una breve pista de interludio entre casi todas las canciones. Estos interludios contienen mensajes importantes de personas cercanas a Solange, incluidos sus propios padres.

"Don't Wish Me Well", es un frenesí de sintetizadores en cámara lenta, la música retrocede y permite a Solange llevar a cabo su mejor interpretación vocal en un disco lleno de ellos, el efecto emocional combinado, culmina en un baño de lamentos ininteligiblemente hermosos. Todo este álbum es delicadeza, musica tierna y elegante de R&B muy bien producido lleno de alma y calidez sincera puesta en él, pero al mismo tiempo tiene mucho que decir, ya que sirve como una pieza de denuncia racial muy interesante. Cranes in the sky, es una sus mejores canciones, letra potente, tan suave pero confiada en su ejecución con tantos pequeños detalles que sobresalen en la parte instrumental... Me encanta lo sincera y personal que percibimos en esta canción, sin ninguna grandiosidad innecesaria.

A Seat at the Table es impresionante, una declaración temáticamente unificada y musicalmente aventurera sobre el dolor y la alegría de la feminidad negra y Solange se retrata a sí misma como una mujer que realmente se ha convertido en sí misma.

0631-. Sugar Mama - Taste

Sugar Mama, Taste

     En 1966 un jovencísimo rory Gallagher crea el power trío The Taste, que después de algún que otro cambio terminará desembocando en Taste, formado por él a la guitarra y voz, Richard "Charlie" McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Con este magnífico power trío, y a pesar de su corta vida, acabará marcando una época, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, donde comparte cartel gente de la talla de Jimi Hendrix, Leonard Cohen, The Who, Emerson, Lake & Palmer, The Moody Blues o Sly Stone ente otros. En 1969 Taste debuta con su primer álbum de estudio, Taste.

El disco, una combinación de blues con potente blues rock que por momentos puede llegar a sonar a hard rock, es grabado durante el mes de agosto de 1968 en los De Lane studios de Londres bajo la producción de Tony Colton y publicado el 1 de abril de 1969 por la discográfica Polydor para el mercado europeo y Atco para el mercado estadounidense.

Incluído en este álbum se encuentra Sugar Mama, un tema estándar tradicional de blues que cuenta con los arreglos de Rory Gallagher. Si bien es difícil saber quien es el autor original de Sugar Mama, sus orígenes se remontan al artista de blues y country Yank Rachell, quien grabó el 6 de febrero de 1934 el tema Sugar Farm Blues. Tampa Red grabaría posteriormente también en 1934 dos versiones de Sugar Mama Blues en 1934, poco después de la grabación de Rachell.  Luego llegaría Sonny Boy Williamson I, a quien se asocia y se suele acreditar la autoría del tema Sugar Mama, la cual grabó en 1937. Sonny Boy fue uno de los primeros colaboradores de Yank Rachell. Más tarde llegarían innumerables versiones, John Lee Hooker, BB King, Led Zeppelin, Howlin' Wolf, Fleetwood Mac y Otis Spann son algunos de los artistas, como Taste, que realizaron versiones de este genial blues tradicional.

El disco de la semana 294: Blackout - Scorpions

 

Blackout, Sorpions

     A finales de 1981 y depués de cerrar dicha gira exitosa, Scorpions decide regresar a Alemania para preparar y grabar el que sería su octavo álbum de estudio Blackout. El grupo se mete en los Dierks Studios de colonia (Alemania) propiedad de Dieter Dierks que además sería el productor del disco.

Durante la grabación del disco sucedió un hecho que puso en peligro la grabación el disco e incluso la continuidad del grupo. El vocalista Klaus Meine empezó a tener problemas en su voz que le impedían mantener su registro y mantener tonos altos, llegando incluso momentos en los que no podía ni pronunciar palabra. Klaus preocupado por los problemas de su voz decidió acudir a un médico, el cuál tras valorarle le dijo que no tenía solución y que lo mejor que podía hacer era cambiar de profesión. Klaus hundido y frustrado por el diagnostico decide reunir a la banda y les plantea la posibilidad de renunciar al grupo para que buscasen otro vocalista. Sobre éste hecho Rudolf Schenker siempre afirmó que nunca se les pasó por la cabeza reemplazar a Klaus y que esperarían el tiempo que hiciera falta para que éste se recuperara, no importaba si el disco se retrasaba o incluso si la banda se tenía que separar, pues tenían muy claro que Scorpions sólo seguirían con Klaus Meine como vocalista, al que consideraban una pieza fundamental del grupo.

Animado por el apoyo de sus compañeros Klaus decide buscar una segunda opinión médica, y para ello acaba viajando a Austria y se pone en manos de un doctor que estaba especializado en tratar a varios cantantes de ópera. Después de dos cirugías vocales y un riguroso y metódico entrenamiento pudo volver a trabajar con sus compañeros, consiguiendo además después del tratamiento tener una voz mucho más cristalina y un rango vocal mucho más amplio.

Así nace Blackout, el octavo disco de estudio y uno de los mejores trabajos del grupo germano. El disco es grabado en los Dierks Studios de Colonia durante el año 1981, bajo la producción del mismo Dieter Dierks, y publicado el 29 de marzo de 1982 por el sello discográfico Harvest/EMI y unos días más tarde por el sello Mercury Records únicamente para el mercado norteamericano. La portada del disco fue obra del artista austriaco Gottfried Helnwein, y se trata de un autorretrato de él mismo, donde se le ve utilizando una bandana en su cabeza y tenedores en ambos ojos. El álbum tuvo un gran éxito nada mas ser lanzado en Europa, y en Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista Billboard 200.

Un disco redondo de los alemanes en el que podemos disfrutar de temas como el cañero Dynamite, el trallazo inicial de Blackout, uno de los temas buque insignia de la banda y que fue compuesto por el grupo tras una fiesta en la que estuvieron con los guitarristas KK Downing y Glenn Tripton de Judas Priest y los chicos de Deff leppard y en el que tras la misma Schenker sufrió un apagón (blackout en inglés) al no recordar nada a partir de cierto momento de la noche; la gran Can't Live Withoutn You con una apertura y un riff de guitarra es brutal, tema dedicado a los fans. La letras fueron escritas por Klaus Meine y la música fue obra de Rudolf Schenker, un tema que trata sobre las bandas de rock y sobre que no pueden vivir sin sus fans; o la clásica No One Like You, otro de los grandes iconos y éxitos de la banda que logró alcanzar el puesto número 1 en la famosa lista Mainstream de Estados Unidos. Curiosamente el tema originalmente fue compuesto primero en alemán y modificado y traducido posteriormente al inglés. Al igual que el tema anterior, obra de Meine y Schenker, y la temática trata sobre un hombre que perdió a su amor y como trata de recuperarla. 

Blackout forma ya parte de los grandes clásicos del heavy metal, un disco que hay que escuchar al menos una vez en la vida.

0630.- Peaches in Regalia - Frank Zappa

Peaches en Regalia es un corte instrumental del disco Hot Rats (1969) de Frank Zappa. A diferencia de otros temas instrumentales del disco, que se basaban principalmente en la improvisación con la guitarra, es una pieza estructurada de piano, sintetizadores y batería que podría catalogarse como una obertura clásica, pero con el toque paródico de su genial autor.

Es una de las canciones más recordadas de Zappa, y una de las pocas que, de vez en cuando, siguen sonando en las emisoras de radio estadounidenses, por tener un sonido más asequible y menos enrevesado que el de otras obras del líder de The Mothers of Invention. Parte de la culpa de ese sonido más abierto y directo la tiene que, para la ocasión, Zappa pudiera contar con una grabadora multipistas, que le permitió estructurar y cuidar las diferentes partes y arreglos de la canción, durante varias tomas a lo largo de dos sesiones de grabación.​

0629 - Willie the Pimp - Frank Zappa

0629 - Willie the Pimp - Frank Zappa

Willie the Pimp es una canción del álbum Hot Rats de Frank Zappa del año 1969. 

Cuenta con una voz idiosincrásica de Captain Beefheart y uno de los solos de guitarra clásicos de Zappa. Es la única pista que no es instrumental en el álbum, aunque la pista presenta un largo solo de guitarra. 

La canción apareció como instrumental en Fillmore East de Zappa en junio de 1971, originalmente dividida como la última pista en la cara uno (2'50") y continuó en la primera pista en la cara dos (1:54) del LP. Otro instrumental breve.  

La versión apareció en You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 4 como una transición de 2'06" entre "My Guitar Wants To Kill Your Mama" y "Montana".

El título del álbum Hot Rats proviene de una letra de Willie the Pimp. El origen de la canción se explicó en una conversación que Zappa grabó en 1969. La grabación de esta entrevista se publicó más tarde como "La historia de Willie the Pimp" en el álbum Mystery Disc de Zappa.

La canción ocupó el puesto 75 en la lista de "Las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos" de Rolling Stone.

Daniel 

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7 - Platero y tú #MesPlateroyTú

 

Con su séptimo disco, "7" (1997) se nota un cambio profundo en las canciones de Platero, ahora más maduras tanto musicalmente como en sus letras, y alejándose un poco del rock de los inicios, lo que fue criticado por algunos de sus fans. Vuelve a participar Robe, ésta vez en el tema "Si miro a las nubes", y de nuevo consiguen el disco de oro. 7 marca un punto de inflexión en la historia del grupo y sus componentes se embarcan en otros proyectos: Fito graba su primer disco con Fito & Fitipaldis y Uoho empieza a colaborar más activamente con Extremoduro.

La cuestión es que estamos en 1997 y Platero viene de estar en la cresta de la ola, su doble directo "A Pelo" (DRO, 1996) había pegado fuerte en las listas, y gracias a la amistad y al apoyo de Robe Iniesta y sus Extremoduro que justo en el 96 habían hecho estallar la bomba con su "Agila" (DRO, 1996), dándole a una generación de jóvenes un espejo en el que mirarse, un vehículo en el que expresarse y un repertorio que tararear de memoria. La gente pedía otro disco, disco que llegó en el 97 y al ser el séptimo de la banda lo titularon simplemente "7" (DRO, 1997). Los Platero estaban como nunca, o al menos eso pensaba el personal. Pues fíjense por dónde pero no; o mejor dicho sí, estaban como nunca habían estado, el grupo da muestras de cansancio, de no tener la frescura que tenían antes. «7» me parece un bune álbum sin mas, sólo una de las nueve canciones que contiene no me convence,

  Mujer, tremendo tema delicado y perfectamente realizado, quizás pueda parecer una canción sesentera de nuestra patria, pero le dan el toque Platero y queda brutal. El resto están bien, pero…... La que lo abre era una especie de toque de atención a los seguidores de PLATERO de toda la vida, el sintetizador que arranca Por mí era algo insólito en el sonido de la banda formada por Jesús, Juantxu, «Uoho» y Fito. Pero es que 7 tiene una producción excelente, se grabó hace tres lustros y a día de hoy sigue siendo un gustazo escucharlo en un bar o en casa con auriculares. Rock’n’roll es pura adrenalina y Mendrugos una vacilada muy bailable. Pero si destaca dentro del bien sin más y lo que da valor a este disco, eran los estupendos temas tranquilitos. Si miro a las nubes es pegadiza y en ella, además, el Robe de los Extremoduro canta mejor que nunca; Qué larga es la noche es deliciosamente delicada; Al cantar se presenta como una joyita, tremendamente influida por el “Let it be” de The Beatles (quizás me he pasado, pero ¿porque no?), una balada, pero al estilo Platero, con cambio de ritmo y haciéndose grande a mitad de canción de esas canciones que te transmiten buen rollo desde la primera vez que las escuchas. Por si fuera poco, dos piezas redondearían el conjunto mandando un mensaje claro: hay miles de motivos para seguir luchando por el rocanrol, miles de motivos para intentar ser feliz y mirar hacia delante. Os hablo de Magia y, por supuesto, Alucinante.

El objetivo principal de la música (creo) es lograr que nos sintamos bien. Además, con el paso del tiempo ésta se encarga de acompañar a nuestros recuerdos. «7» no sólo sigue haciéndolo sono que continúa trayendo a mi memoria (a mi corazón) imágenes de un gran verano de mi vida, y eso es un plus. Muchos se llevaron una decepción con este disco, y aunque como hemos dicho la producción es buena y las composiciones y la interpretación también, no parecen auténticas y si algo han tenido Platero y los ha hecho grandes ha sido su autenticidad y su capacidad de ser fieles consigo mismos. Las noticias de que Fito estaba planteándose grabar un proyecto en solitario y que Uoho estaba muy pendiente de Extremoduro, grabando con ellos, saliendo de gira (casi parecía más pendiente de los extremeños que de su propia banda), no ayudaron a que el público recibiera bien el disco. Tampoco se le puede culpar al respetable de este hecho: no está a la altura de los anteriores.

0628.- In the court of the Crimson King - King Crimson

In the court of the Crimson King, de King Crimson, la formación del guitarrista Robert Fripp, que junto a Greg Lake, Michael Giles, Ian Mcdonald y Peter Sinfield nos regaló la primera gran obra del rock progresivo, es un gran viaje a través de evocadoras letras y brillantes pasajes musicales, que culmina en la canción que le da título, un derroche de imaginación e imágenes oníricas, y un exuberante cuento musical sobre la imaginaria "corte del Rey Carmesí".

La canción, la quinta y última del disco, es un idílico vehículo en el que tienen cabida orquestas, bufones, marionetas, flautistas púrpuras y suaves coros interpretando canciones de cuna, una pieza épica y solemne con la que termina un disco enorme. Lección magistral y vehículo experimental a partes iguales, se convirtió de inmediato en el tema más reconocido, y reconocible, de la banda de Robert Fripp. Revestido de grandilocuentes coros, y de densas y evocadoras florituras de mellotrón y flauta, es el final majestuoso que habría encandilado al más exigente de los reyes. El Rey Carmesí.

Grandes éxitos y tropiezos - Red Hot Chili Peppers

Red Hot Chili Peppers

     Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Red Hot Chilli Peppers:

Estás tardando en comprarlo: 

Blood Sugar Sex Magic (1991), si no el mejor, sin duda uno de sus mejores trabajos. El grupo quería grabar un álbum diferente, algo que se saliera de lo convencional, y para ello decidieron encerrarse en una mansión en la que vivió un tiempo el mago Harry Houdini y acordaron que no saldrían hasta que el disco estuviera terminado. En este disco se atreven a ir más allá y aparte de los ritmos punk, rock o funk que estaban acostumbrados a tocar, deciden meter también riffs más duros, coqueteando también con el Heavy metal. Un disco que no deja indiferente pues la tematica que emplearon en los temas fueron el sexo, las drogas, la muerte o la lujuria. El disco les catapultó al super estrellato mundial, vendiendo sólo en Estados Unidos más de 7 millones de copias. El disco fue editado por la discográfica Warner Bros, y para tal aventura contaron con el productor Rick Rubin, el cual había trabajado entre otros para Beastie Boys, un tipo de mente abierta, algo que iba a necesitar para trabajar con Kiedis, Flea y compañía. Mother's Milk (1989) es otro disco que no puedes dejar de llevarte. Era su cuarto álbum de estudio, y tiene el honor de ser el primero en conseguir el primer disco de oro para el grupo. Casi un año antes del lanzamiento de este disco, el guitarrista Hillel Slovak fallecía por sobredosis, lo que causó que el batería Jack Irons abandonase el grupo. John Frusciante y Chad Smith llegaban para suplirlos. La llegada de Frusciante se nota de inmediato, pues alterará en gran medida el sonido de la banda, poniendo más énfasis en sonidos melódicos. Un disco muy funk, pero con poderosos toques metaleros. También te recomendamos Californication (1999). Es cierto que es un disco bastante controvertido entre los fans de la banda, pues hay a quienes le resultan un gran disco y hay a quienes le parece insufrible. A nosotros nos parece un gran trabajo. Un disco que volvía a poner a California en el mapa del rock. Un disco que contiene temazos como Around the World, Otherside, Californication o Scar Tissue.

Si te queda pasta, llévate también:

One Hot Minute (1995), disco que fue grabado con Dave Navarro, el antiguo guitarrista de Jane's Addiction. Con la presencia de Dave Navarro el grupo recuperó ese estilo arrollador de sus comienzos. La presencia del guitarrista altera el sonido del grupo en un disco que contiene menos temas sexuales que en albumes anteriores y explora asuntos más oscuros como las drogas, la depresión, la angustia o el dolor. By the Way (2002) suponía un disco diferente a sus anteriores trabajos. Este disco es un acercamiento más sincero y reflexivo por parte de Anthony Kiedis en las letras, y se caracteriza por unas melodías menos animadas a las que nos tienen acostumbrados, dando un cambio de dirección en la grabación. Un trabjo muy interesante.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Si te has quedado sin dinero, o simplemente quieres ir poco a poco y tomártelo con calma, deja para el final I'm With You (2011). Este disco, el décimo de la banda, era el primero del guitarrista Josh Klinghoffer, que sustituía a John Frusciante. Se nota demasiado la marcha de John Frusciante, y el grupo se muestra por momentos perdido. El estilo y el sonido que John Frusciante había aportado al grupo eran algo único, además de la gran química que había entre Kiedis y Frusciante en la parte compositora. Los resultados ya no serían lo mismo sin Frusciante. The Red Hot Chili Peppers (1984), el album debut del grupo. La grabción del disco no fue fácil, pues se produjeron constantes desacuerdos entre la banda y el productor del álbum, el guitarrista de Gang of Four, Andy Gill. Gill quería llevar  la banda a un lado más pop. Al final el disco fue lanzado con el título The Red Hot Chili Peppers, algo con lo que también estuvo el grupo en desacuerdo, pues querían llamarlo True Men Don't Kill Coyotes. Entusiasmo y ganas no les faltan, pero los problemas y desacuerdos en la producción se notan, aunque es cierto que por momentos nos muestran pequeños destellos de la gran banda en que se iban a convertir.

Si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro Top 5 de Red Hot Chili Peppers:

1.- Can't Stop

2.- Give It Away

3.- Under The Bridge

4.- Dani California

5.- Otherside

 

 

0627 - Epitaph - "March for No Reason" and "Tomorrow and Tomorrow" - King Crimson

0627 - Epitaph - "March for No Reason" and "Tomorrow and Tomorrow" - King Crimson 

Epitaph es la tercera pista del álbum de 1969 de la banda británica de rock progresivo King Crimson, In the Court of the Crimson King. Fue escrito por Robert Fripp, Ian McDonald, Greg Lake y Michael Giles con letra escrita por Peter Sinfield.

La canción se destaca por su uso intensivo del Mellotron. Al igual que con la primera pista del álbum, "21st Century Schizoid Man", la letra de la canción tiene un sentimiento claramente distópico y se presenta como una protesta a la Guerra Fría.

El título de la canción se utilizó como nombre de un álbum en vivo de grabaciones realizadas por el King Crimson original, Epitaph.

Emerson, Lake & Palmer incorporarían más tarde un extracto de esta canción después de la parte "Battlefield" de la versión en vivo de su canción "Tarkus", del álbum Tarkus, como se documenta en el álbum en vivo Welcome Back My Friends to the Show That Never. Finaliza... Damas y caballeros.

Stripes del álbum Hell's Winter de Cage muestra una parte media de la canción a lo largo de su duración.

Epitaph Records también tomó su nombre de la canción.

Daniel 

Instagram storyboy 

A pelo - Platero y tú #MesPlateroyTú

El significado de la expresión "A pelo" proviene de la equitación, de una forma de montar a caballo sin silla, como lo hacían los indios americanos en las viejas películas del salvaje oeste. El título del primer disco en vivo de Platero y Tú tiene, por tanto, una connotación de música directa y salvaje, sin grandes complementos, asumiendo riesgos y cabalgando en libertad.

Publicado en 1996 en el sello discográfico DRO, el disco no corresponde con una sola noche de concierto de la banda, sino que es una acertada mezcla de las grabaciones de varios conciertos entre noviembre de 1995 y febrero de 1996. Aunque en un primer momento se llegó a editar como doble CD, en 1997 la discográfica optó por la publicación de una versión de un solo disco para venderlo al precio más asequible de lo que entonces se conocía como "serie media". En una u otra versión, la fuerza del directo de Platero y Tú queda más que patente, pero para esta reseña nos quedamos con la versión de disco doble, porque si podemos elegir, de Platero y Tú siempre querremos más canciones.

El primer disco comienza con una serie de cinco canciones grabadas en el Kafe Antzokia de Bilbao. Arrancan con A un tipo listo, para lanzarse después al clásico Un ABC sin letras, y tras interpretar unas correctas Ramón y Bobo nos regalan el primero de los grandes momentos del disco en Tras la barra. La segunda parte del disco son los cuatro temas grabados en el Coliseum de La Coruña, una sucesión de grandes temas que comienza con Por fín y que va subiendo en intensidad con las imprescindibles Voy a acabar borracho, Juliette y Esa chica tan cara. Palabras mayores, pero todavía suben un peldaño más con la revisión en directo de esa obra maestra que es Me dan miedo las noches, único tema extraído de un concierto en la Sala Arzobispo de Barcelona. La traca final la ponen las actuaciones extraídas de un concierto en la madrileña Sala Canciller, del que escogieron las interpretaciones de Ya no existe la vida, Mira hacia mi y el imprescindible homenaje al High Voltage de ACDC en Hay poco Rock & Roll, y una versión de más de diez minutos de Si tú te vas grabada en el Kafe Antzokia de Bilbao.

Solo el primer cd ya compondría un exultante disco en directo digno de mención, pero es que el segundo disco arranca con la misma fuerza, y en el mismo lugar. El Kafe Antzokia de Bilbao vuelve a ser el testigo de la interpretación de temas como la desenfadada Mari Madalenas, la excelsa El roce de tu cuerpo y la intensa Desertor. Del concierto de la Coruña están aquí incluidas Marabao y Tenemos que entrar, y una nueva interpretación de Bobo como único tema de la Sala Canciller de Madrid. La inclusión de menos temas en este segundo disco, repitiendo algún tema e incluyendo un tema inédito de estudio como último corte del disco (Muero por vivir) hizo que quedara como una especie de "disco de extras" y que en conjunto no tuviera la entidad del primer disco, cuando podían haber construido un doble disco en directo épico y sin fisuras.

Ese es, quizá, el único pero de este disco, el imaginarnos lo que hubiera sido si al segundo disco se le hubiera dado el mismo tratamiento que al primero, no repitiendo canciones e incluyendo algunas otras canciones más potentes, o incluso alguna otra versión en directo de otros grupos de rock, que habrían funcionado igualmente bien como curiosidades de un directo que roza el sobresaliente. Se publicó además un single del tema Voy a acabar borracho, que incluía además El roce de tu cuerpo, y la Cadena 100 editó un maxi promocional llamado Cantalojas, que incluía versiones en directo de la propia Cantalojas, más los temas Sin solución, Si tú te vas, y Muero por vivir, todas ellas grabadas en un concierto especial para la emisora. Por tanto, material había para habernos dejado cabalgar A pelo por la pradera más tiempo, a lomos de un caballo que podría haberse desbocado aún mas de lo que ya de por sí lo hizo.

0626.- I talk to the Wind - King Crimson

 

Además es el álbum considerado como el album fundador del Rock Progresivo, puesto que empujaba los limites del rock hacia el jazz y la música clásica, es también considerado como el mejor album de rock progresivo que jamas se haya publicado, incluso Pete Townshend, el líder del grupo The Who, decía a propósito del album que era un obra de arte, si bien hubo otros álbumes anteriores como ‘Sgt. Peppers’ o el ‘Days Of Future Passed’ de Moody Blues que pueden reclamar haber dado el primer paso en el rock progresivo, en ‘In the Court of the Crimson King’ se aunaron por primera vez una gran destreza técnica con música experimental, grandes letras y un sentido conceptual, todo en una misma grabación. Ademas para la historia a quedado su famosa caratula que fue creada por Barry Godber, un joven de 23 años adepto a las computadoras que comenzaban a aparecer en los 60s, este joven murió de un ataque cardiaco un año después. En la caratula se muestra un visage, con los ojos muy abiertos temeroso y gritando, algo así como un esquizofrénico y que en caratula interior la misma figura sonríe, convirtiéndose en una de las carátulas más emblemáticas caratulas de la historia del rock, emulando al prisma de The Dark Side of the Moon de Pink Floyd o del album Blanco de los Beatles.

 

"I Talk to the Wind" tiene un fuerte contraste entre una canción suave y dulce, que podría asimilarse al folk rock, por el uso de la flauta de Ian McDonald. "He estado aquí y he estado allí, y también en el medio", contesta el hombre esquizoide, dejando que el viento se lleve sus palabras, reflejando la diferencia entre la locura de la ciudad de metal y la ansiada tranquilidad del campo, la bella melodía de flauta nos transmite poco a poco la tristeza que siente el personaje, al descubrir que "el viento no puede oír", lo cual le sume en la confusión... Esta letra puede corresponder claramenente a la época donde fue publicado, teniendo en cuenta el discurso de los jóvenes hippies de ese tiempo, contra la sociedad de consumo y represora, etc. « you don't possess me », « can't instruct me » (« Yo no les pertenezco, », « no podrán educarme » frases que se repiten en el tema y que explican en algo ese discurso. Pero igualmente queda la frustración y la desilusión en el coro, pero con el mensaje esperanzador que llagara a alguien y no solo se quedara en el viento. Es sin duda la voz lastimera de Ian McDonald quien le da esa notoriedad al tema, sin olvidar a los otros integrantes legendarios de King Crimsom, Robert Fripp en guitarra, Greg Lake quien formará mas tarde The Trilogy Emerson, Lake and Palmer en el bajo, Michael Giles en batería y Peter Sinfield conocido English poeta , autor y co fundador del grupo.

0625-. 21st Century Schizoid Man - King Crimson

 

21st Century Schizoid Man

     En 1969 la banda de rock sinfónico y progresivo King Crimson debuta con su primer álbum de estudio, In the Court of the King Crimson. Este disco debut, considerado como uno de los primeros álbumes de rock progresivo además de convertirse en uno de los grandes referentes del género, fue grabado entre junio y agosto de 1969 en los estudios Wessex de Londres bajo la producción del mismo grupo. El disco fue publicado el 10 de octubre de 1969 bajo las discográficas Island, Atlantic y E.G.,

Incluido en este genial disco se encuentra 21st Century Schizoid Man, canción acreditada a toda la banda y que es una clara crítica a la Guerra de Vietnam, haciendo referencia a los muertos por napalm en dicha guerra y a la barbarie que allí se gestó. Robert Fripp, Michael Giles, Greg Lake e Ian McDonald, con voces distorsionadas y unos poderosos riffs de guitarra, nos dibujan una ciudad distópica y deshumanizada, un lugar contaminado y enfermo en el que la paranoia espera al otro lado de la puerta. El hombre esquizoide del siglo XXI es una "semilla de muerte" plantada por "la codicia del hombre ciego". Cansado de ver sangrar a los niños, morir de hambre a los poetas y de no tener "nada de lo que realmente necesita", decide escapar lejos de la locura de la ciudad y buscar una vida relajada en el campo, alejado de tanta locura, un lugar donde poder sentir el silencio y hablar tranquilamente con el viento.

Antes de una presentación en vivo de la canción, concretamente el 14 de septiembre de 1969, Robert Fripp afirmó que la canción estaba dedicada a una personalidad política estadounidense a quien todos conocían ya amaban mucho. dicha personalidad era Spiro Agnew. Agnew fue el trigésimo noveno vicepresidente de Estados Unidos, sirviendo bajo el presidente Richard Nixon. También fue el primer gobernador greco-estadounidense en la historia de Estados Unidos. Después de un extenso ensayo, la banda grabó la pista básica en una sola toma con todos los miembros tocando juntos al mismo tiempo. Greg Lake, que tocaba el bajo en esta formación, se encargó de agregar la voces la voces. Aunque el riff distintivo de la canción fue una ocurrencia de Greg Lake e Ian McDonald, la canción fue atribuida a todo el grupo.

Weezer - Weezer (Blue álbum) Píldora #3

El álbum Weezer (Blue album), se encuentra entre los mejores discos de debut de todos los tiempos, con el legendario Ric Ocasek a la cabeza como productor, Blue Album es una amalgama perfecta de power pop crujiente y letras azucaradas pero entrañables. Este debut se enmarca en una época en la que el rock alternativo estadounidense era dominado por el grunge, a pesar de que el lo-fi, el pop punk y otros estilos intentaron emerger contrastados con el indie de otras latitudes más enfocado al pop. Weezer no hizo nada innovador musicalmente, pero lo que hizo, lo hizo tan bien que no queremos otra cosa que lo que nos dan, sencillamente esto es pop-rock del más alto nivel, que suena como una versión actualizada del pop de los 60 y el álbum brilla líricamente.Al igual que en la década de 1960, la década de los 90 también fue una época de cambios culturales y cambios musicales, y gran parte de las influencias musicales populares giraron en torno a un sentimiento similar de angustia, rebelión y agravios con el mundo en el que vivían. The Blue Album es un lugar para que estudiantes universitarios, estudiantes de secundaria y fanáticos afines se reúnan y disfruten de un disco que parece haber sido escrito solo para ellos, que resume muchas de las emociones y experiencias angustiosas que conforman sus vidas. La angustia, la energía, la emoción, la identificación y la pasión son palabras que vienen a la mente cuando se piensa en el Blue album, 41 minutos y diez pistas únicas en un proyecto que se quedado en la memoria la primera vez que lo escuchas.

No One Else es una de las canciones más básicas y descarnadas del Blue Album, una canción satírica que se cuenta desde el punto de vista de un personaje demasiado celoso y protector con su novia. "Undone, the Sweater Song" es el sencillo principal de este álbum, me parece una canción agridulce de ruptura sobre el impacto emocional cuando tu novia te deja, algunas personas llaman a esta canción "divertida", yo pienso que es más bien agridulce. "Say It Ain't So" es una pieza lenta pero rockera sobre el padre alcohólico de Rivers, mientras que "In the Garage" trata sobre cómo Rivers se esconde con sus recuerdos geek en el único lugar donde puede ser él mismo. Buddy Holly no necesita presentación, la canción más popular de Weezer, retrata un amor de pareja y lo perfectos que se ven uno para el otro, al igual que Buddy Holly y Mary Tyler Moore, no importa lo que la gente diga de ellos, saben que se pertenecen el uno al otro.

En definitiva, la química entre Rivers Cuomo y Brian Bell es lo que hace que las guitarras de este álbum suenen tan masivas, con fenomenales riffs de bajo de Matt Sharp y una batería sólida cortesía de Patrick Wilson hacen un conjunto imprescindible en la música.

0624-. Light Flight - Pentangle

 

Light Flight, Pentangle

     Pentangle fue una banda de folk rock británica cuyo primer periodo de actividad abarcó la década de lo 60 y principios de los 70. La agrupación original estaba compuesta por Jacqui McShee (voz), John Renbourn (guitarra), Bert Jansch (guitarra), Danny Thompson (contrabajo) y Terry Cox (batería). El nombre del grupo, Pentangle, fue elegido porque representaba a los cinco miembros de la banda.

El 26 de octubre de 1969 se publica el tercer álbum de estudio de la banda, titulado Basket of Light. El disco es grabado en los IBC Studios de Londres bajo la producción del productor, compositor y arreglista estadounidense Shel Tamy, y publicado por el sello discográfico Transatlantic.

Basket of Light, donde todos los instrumentos tocados fueron acústicos, supuso el gran éxito comercial del grupo y llegó a ocupar el puesto número 5 en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, siendo incluido además en los libros "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" y "1000 grabaciones para escuchar antes de morir". Incluido en el álbum se encuentra Light Flight, tema que llego a alcanzar el puesto número 43 en las listas de sencillos del Reino Unido, y que alcanzó gran popularidad al ser usado como tema musical de una serie detelevisión titulada Take Three Girls, la primera serie dramática emitida por la BBC en color.