El disco de la semana 160: Kiss - Sonic Boom

Sonic Boom, Kiss

     "Si le gustas a alguien, van a comprar lo que vendes, lo necesiten o no"- The Demon.

     "El rock trata de encontrarse a sí mismo. No tienes por qué tocar un instrumento muy bien. Puedes dejarte llevar y estar tocando en una banda de rock" - The Demon.

     "Lo mejor del rock & Roll es que te das cuenta de que la parte superior de la montaña es lo suficientemente grande para más de una banda". - The Starchild.

     "Vivo a 5 minutos de el Demonio y desde mi casa puedo ver su ego" - The Starchild.

     "La gente, ya sabes, nos aman o nos odian, no hay termino medio" - Space Ace.

     "Creo qie el dinero, el poder y la fama cambian mucho a las personas" - The Catman.

The Demon & The Starchild

     Las frases con las que abro este artículo son frases que no dejan indiferente a nadie. Estas son sólo un estracto de la infinidad de frases que nos han dejado The Demon, The Starchild, Space Ace y The Catman. Pero ¿quienes son en realidad estos personajes? Si amigos, The Demon es Gene Simmons, The Starchild es Paul Stanley, Space Ace es Ace Frehley y The Catman es peter Criss, o lo que es lo mismo los miembros originales y fundadores de como ellos mismos dicen y autoproclaman, la mejor banda de rock del planeta, Kiss. La verdad es que estos chicos ya se lo dicen todo ellos mismos, teniéndolos a ellos ¿Quién necesita abuela?.

     Han pasado ya más de 45 años del anuncio que   Peter Criss pusiera en un periódico buscando banda y Simmons y Stanley lo leyeran y acabaran fichándolo, ó de que se presentara a una audición para guitarristas Ace Frehley calzando en un pie una zapatilla de color naranja y en el otro pie una zapatilla de color roja. También han pasado más de cuatro décadas de que el grupo se presentara a una audición para el sello discográfico Epic Records, y este sello descartara su fichaje al considerar que no pegaba para esta discográfica ni la música ni la imagen del grupo. En la actualidad Kiss durante su extensa carrera han vendido más de 75 millones de copias en todo el mundo, 25 millones sólo en Estados unidos, resumidos en unos 20 álbumes de estudio, 6 álbume en directo, 14 álbumes recopilatorios, 63 singles ó sencillos, 43 videos musicales y 7 bandas sonoras de películas.

 

     Durante estos más de 45 años, por la banda han pasado varios músicos que ya no están , Peter Criss (batería y voz) y Ace Freheley (guitarra solista y voz), estos dos fundadores de la formación, Eric Carr (batería y voz), Vinnie Vincent (guitarra solista y voz), Mark St. John (guitarra solista) y Bruce Kulick (guitarra solista y voz). La formación actualmente está compuesta por los fundadores Gene simmons alias The Demon (bajo y voz) y Paul Stanley alias The Starchild (guitarra y voz) y Tommy Thayer alias Space Ace (guitarra y voz) y Eric Singer alias The Catman (batería y voz).

     Once años después de publicar por entonces el que era su último trabajo, el grupo publica en 2009 Sonic Boom, el disco recomendado para la semana 160 de la aventura de 7dias7notas. Un álbum que tanto Stanley cómo Simmons se encargaron de promulgar a los cuatro vientos que el disco era el mejor trabajo del grupo desde los años 70, un disco que fue grabado en analógico para recuperar cierta esencia de aquellos años. Si es como ellos dicen el mejor trabajo del grupo desde hace mucho tiempo, eso dejo que lo valoréis vosotros mismos.

     Abre el disco Modern Day Delilah, potente pieza de rock compuesta por Stanley. fue el primer sencillo, y por tanto el primer tema nuevo del grupo en sonar en las radios depués de once años. Al parecer, el tema está basado en el personaje bíblico de Dalila, la filistea que se enamoró perdidamente del israelita Sansón, aunque a la postre acabó traicionándolo. La Dalila de este tema también es una mujer fatal.

     Russian Roulette, compuesta por Simmons, donde el mismo lleva la voz cantante. Sigue la línea del tema anterior con unos coros más que destacables.

     Never Enough, compuesta por Simmons, Stanley y Thayer, este tema sí nos hace recordar a los Kiss de los años 70. Logran dotar al tema de ese toque setentero del que tanto presumieron en la promoción del disco.

     Yes I Know (Nobody's Perfect), comopuesta por Simmons y Stanley. si la anterior nos recordaba a los 70, este tema se acerca todavía más a ese toque setentero del grupo. Hubo gente que afirmó que este tema era muy parecido a Nothin' But a Good  Time del grupo Poison, publicado en 1988. Sacad conclusiones vosotros mismos.

     Stand, compuesta por Stanley, tema cantado a dúo entre Simmons y Stanley. Al parecer este tema fue compuesto como una oda a la amistad, a la amistad de Stanley y Simmons que se ha mantenido durante más de cuatro décadas sobreviviendo a todo tipo obstaculos e imprevistos.

     Hot And Cold, compuesta por Simmons, donde vuelve a asumir el mando vocal mientras nos habla de sexo como en los temas que componía antaño, en la década de los 70.

     All For The Glory, compuesta por Stanley. LLegamos al que es para mí el mejor tema del álbum, un tema al puro estilo hard rock, con mucha fuerza. En este tema, que curiosamente está cantado por el batería Eric singer, la banda en conjunto hace un trabajo impecable, muy destacable el sólo de guitarra que se marca aquí Thayer.

The Demon, Space Ace & The Starchild

     Danger Us, compuesta por Stanley. Tema donde vuelven a la fórmula de toques de rock de los años 70.

     I'm An Animal, compuesta por Simmons. Es el mismo Simmons el que nos cuenta que no es un ser humano normal, es algo más extraordinario. Al escuchar este tema, con ese sonido oscuro y pesado es inevitable no acordarse de Black Sabbath.

     When Lighthning Strikes, comopuesta por Stanley, Simmons y Thayer. Si Stanley, Simmons y Singer han tenido su momento de lucimiento vocal, para Tahyer no iba a ser menos, pues es el encargado de interpretar vocalmente este tema, y la verdad es que no está nada mal, defendiendo el tema muy dignamente.

     Say Yeah, compuesta por Stanley, Simmons, Thayer y Singer. Es el único tema compuesto por los cuatro componentes y el elegido para cerrar el álbum.

     Sonic Boom no es quizás el super álbum que estuvieron anunciando a bombo y platillo durante la promoción Stanley y Simmons, pero no hay duda de que es un buen trabajo donde fueron capaces de dotar al disco de la modernidad necesaria y combinarlo con ese toque y aroma de sonido que la banda hacía en los años 70 y que tan buen resultado les ha dado.

Kiss

Historia del rock and roll: 27.- Wilson Pickett

Pickett nació el 18 de marzo de 1941 en Prattville, Alabama, y ​​cantó en coros de iglesias bautistas. Era el cuarto de once hijos y tuvo una mala relación con su madre ya que según declaraciones del propio cantante solía ​​golpearle con cualquier cosa. Pickett finalmente se fue a vivir con su padre en Detroit en 1955.

El estilo de Pickett se desarrolló en la iglesia y en las calles de Detroit, en 1955, Pickett se unió a The Violinaires, un grupo de gospel. El grupo consiguió una gira junto a otros grupos de góspel por todo el país, hasta que, en 1959, se unió al grupo The Falcons con los que grabó la canción "Let Me Be Your Boy" con The Primettes como cantantes de acompañamiento.

Los Falcons fueron un grupo vocal que llevó el gospel a un contexto popular, allanando así el camino para la música soul. El grupo contó con miembros notables que se convirtieron en grandes artistas solistas; Cuando Pickett se unió al grupo, Eddie Floyd y Sir Mack Rice eran miembros. El mayor éxito de Pickett con los Falcons fue "I Found a Love", coescrito por Pickett y con su voz principal. Si bien solo fue un éxito menor para los Falcons, allanó el camino para que Pickett se embarcara en una carrera en solitario.

Poco después de grabar "I Found a Love", Pickett publicó sus primeras canciones en solitario, entre las que destaca "I'm Gonna Cry", "If You Need Me", que Pickett utilizo para enviar a Jerry Wexler, productor de Atlantic Records. Wexler le ofreció la canción a Solomon Burke, la estrella más grande de Atlantic en ese momento, creando su versión que se convirtió en uno de sus mayores exitos. Pickett quedó devastado cuando descubrió que Atlantic había regalado su canción.

El primer éxito significativo de Pickett como artista en solitario se produjo con "It's Too Late", que también sirvió de título para el álbum debut de Pickett, donde mostraba un sonido crudo que vaticinaba las actuaciones del cantante durante la próxima década. La carrera en Atlantic Records de Pickett comenzó con el sencillo "I'm Gonna Cry". Buscando aumentar las posibilidades de Pickett, Atlantic lo emparejó con el productor discográfico Bert Berns y los compositores establecidos Barry Mann y Cynthia Weil, pero el verdadero asalto se produjo en el estudio de Stax Records en Memphis, Tennessee, donde grabó su tercer sencillo, "In the Midnight Hour". Esta canción fue el primer gran éxito de Pickett, y se vendieron más de un millón de copias. Pickett grabó tres sesiones en Stax entre mayo y octubre de 1965 a las que se unió el tecladista Isaac Hayes, además de "In the Midnight Hour", grabó los singles "Don't Fight It", "634-5789 (Soulsville, EE. UU) "Ninety-Nine and a Half (Won't Do)" Para sus próximas grabaciones, Pickett no regresó a Stax, ya que el propietario del sello, Jim Stewart, había decidido en diciembre de 1965 prohibir las producciones externas. Wexler llevó a Pickett a Fame Studios, un estudio también asociado estrechamente con Atlantic Records, donde grabó algunos de sus mayores éxitos allí, incluido "Land of 1,000 Dances". Otros grandes éxitos de esta época en la carrera de Pickett fueron versiones: "Mustang Sally" de Mack Rice y "Funky Broadway" de Dyke & the Blazers,

A finales de 1967, Pickett comenzó a grabar en American Studios en Memphis de donde salió "I'm in Love", "Jealous Love", "I'll Come a Long Way", o "I Found a True". A finales de 1969 Pickett grabó en Criteria Studios en Miami las versiones de "You Keep Me Hangin 'On" de Supremes y "Sugar Sugar" de The Archies, y la composición original "She Said Yes".

Pickett, después de publicar el single "Funk Factory" dejó Atlantic, su último sencillo fue una versión de "Mama Told Me Not to Come" de Randy Newman, fichando por RCA donde continuó grabando con éxito con temas como "Mr. Magic Man", "Take a Closer Look at the Woman You're With" o "Soft Soul Boogie Woogie". Sin embargo, no consiguió éxitos con regularidad y en 1975, RCA dejó ir a Pickett que creó el sello Wicked aunque no tuvo una larga duración, allí fue donde lanzó el LP, Chocolate Mountain. Pickett continuó grabando esporádicamente con varios sellos durante las siguientes décadas (incluido Motown), pero no tuvo éxito que tenía antes. Su última grabación se publicó en 1999, aunque permaneció bastante activo realizando giras hasta que enfermó en 2004 y tuvo que cancelar todos sus conciertos. Finalmente, el 19 de enero de 2006 falleció de un ataque al corazón.

Resultados canciones favoritas extranjeras de 1969

Para muchos entendidos el gran despegue del rock se dio en el año 1969, las bandas se multiplicaban a uno y otro lado del océano Atlántico y los niveles de calidad que alcanzaban difícilmente se alcanzaría, la mezcla de viejas bandas y nuevas ofrecían un panorama al aficionado a la música grandiosa, además hay que sumar que en el verano de este año se realizo en Nueva York, El Festival de música y arte de Woodstock que ha pasado a la historia como uno de los grandes acontecimientos musicales. Por estas razones decidimos iniciar nuestro periplo en las votaciones a vuestra canción favorita extranjera en este año. Los resultados a continuación:

10.- The Rolling Stones - Gimme Shelter: Cuatro temas nos vamos a encontrar de los chicos de Mick Jagger en este año, si bien, ninguna de ellas llegó al top3 da una clara muestra de lo importante que han sido la banda de Londres, en este año llego a la banda Mick Taylor después de la expulsión de Brian Jones. Este año tuvo lugar la publicación del álbum Let it Bleed y la canción que abría el disco es este “Gimme Shelter”, la canción trata sobre los disturbios políticos y sociales que durante aquel año se produjeron, la canción está escrita por Keith Richards y está considerada la mejor canción compuesta por Richards, en declaración posteriores sobre el proceso de creación de la misma simplemente dijo "Tienes suerte a veces, fue un día de mierda, había una tormenta increíble sobre Londres. Así que me puse en ese modo, mirando a todas estas personas ... corriendo como al infierno. No tenía nada mejor que hacer".

9.- Creedence Clearwater Revival - Proud Mary: En este puesto nos encontramos con la banda de California que durante 7 años cosechaban éxito tras éxito, la canción lanzada es Proud Mary, que la encontramos en su segundo álbum titulado “Bayou Country”, disco que supuso el lanzamiento absoluto de la Creedence. No es quizás la mejor canción de la banda pero si es una de las más versionadas y conocidas.

8.- The Rolling Stones - You Can't Always Get What You Want. Otra del álbum Let it Bleed que se suma al top, la letra trata sobre lo difícil que es conseguir la felicidad, ya que es condición humana querer más cuanto más tienes. La canción cuenta con un coro de niños de Londres, posteriormente a la publicación y al ver de que trataba la canción, las autoridades del coro trataron de eliminar la parte en el que el coro tenía presencia. La canción está escrita a dúo entre Mick Jagger y Keith Richards.

7.- The Rolling Stones - Honky Tonk Women. Tiene esta canción la particularidad de que se editó solamente en single, y únicamente encontramos una versión de estilo country en el álbum Let it Bleed con el titulo Country Honk. El sencillo fue lanzado un día después de la muerte de Brian Jones, es la primera aparición que tuvo su sustituto, Mick Taylor. Encontramos un cencerro durante toda la canción y la canción fue escrita durante una estancia en un rancho donde Jagger y Richards se imaginaban su vida siendo Cowboys.

6.- The Beatles - Come together. La primera de las dos presencias de The Beatles en este año es la primera canción que suena en el disco “Abbey Road”, cantada por John Lennon es una canción curiosa una mezcla entre blues y psicodelia, un tema dedicado a Timothy Leary, el gurú del LSD, para que sonara en su campaña electoral para convertirse en gobernador de California. La canción está llena de frases sin sentido, dolor de cabeza eterno para los que quieren sacar segundas lecturas, lo que si consiguió fue cubrirse de polémica, con la BBC, con Coca-Cola, con las autoridades por la exaltación de la cocaína, he incluso una demanda por parte de Chuck Berry por considerarlas un plagio, lo cierto que ha sobrevivido como una de las grandes canciones de la última etapa de The Beatles.

5.- The Rolling Stones - Sympathy for the Devil: El ultimo de los temas que encontraremos de Los Rolling es quizás uno de los temas mas famosos del grupo, escrita por Mick Jagger, la letra fue inspirada tras leer el libro El maestro y Margarita, de Mikhail Bulgakov, que la cantante británica Marianne Faithfull, novia de Mick Jagger en ese momento, le hizo llegar. Faithfull provenía de un entorno de clase alta y expuso a Jagger a muchas ideas que cambiaron su forma de entender la vida. También es esta canción la que oscurece un poco la imagen del grupo, dejaba de ser un grupo “blanco” como hasta entonces habían sido y pasaban a convertirse en niños que atemorizaban a la juventud. Algunos de los eventos históricos mencionados en esta canción son la crucifixión de Cristo, la Revolución Rusa, la Segunda Guerra Mundial y los asesinatos de Kennedy. Robert Kennedy fue asesinado el 5 de junio de 1968, después de que Mick Jagger comenzó a escribir la canción. Su letra original era "¿Quién mató a Kennedy?" refiriéndose al asesinato de John F. Kennedy en 1963, pero lo cambió a "¿quién mató a los Kennedy?". Años después la canción formo parte de la película Entrevista con el vampiro versionada por el grupo del momento, Guns and Roses.

4.- The Beatles - Something. Cerca del Top ha quedado una de las pocas canciones compuestas por George Harrison y la única que fue lanzada como single. La canción parecía estar inspirado en la esposa de Harrison, Pattie, pero el mismo George afirmó que no tenía a nadie en mente cuando lo escribió, en eso momentos estaba realmente interesado en sus estudios sobre la conciencia de Krishna y su intención original era la devoción al Señor Krishna. Pero fuese como fuese y a pesar de que la propia Pattie años después dejo ver en una entrevista que Harrison le había comentado que la canción está inspirada en ella, lo cierto que es quizás una de las más bellas canciones de amor, al punto de que el gran Frank Sinatra la tiene considerada como “La mejor canción de amor jamás escrita”.

3.- Elvis Presley - Suspicious Minds. El primer gran fenómeno del rock, el que había iniciado que las masas se arrojaran sin condiciones al rock and roll aún seguía dando coletazos 25 años después. Y es que este tema supuso el decimoctavo número uno de Elvis Presley en Estados Unidos, habían pasado 7 años desde su último número uno, y supuso su regreso al éxito musical después de la etapa oscura como actor en Hollywood, donde pocos temas de un nivel aceptable habían entregado a los fans. Mark James escribió el tema, grabó y lanzó su propia versión, pero no tuvo ninguna repercusión. El productor de Memphis Soul, Chips Moman, enseño el tema a Presley en 1969, y Elvis inmediatamente se enamoró de él y decidió que podía convertirlo en un éxito, a pesar de que había fracasado cuando Mark James la publicó, y efectivamente, tenía razón, la canción fue un auténtico éxito.

2.- David Bowie - Space Oddity. Uno de los temas que más conocidos y escuchados de David Bowie (Aqui podeis ver un articulo dedicado a sus canciones) lo encontramos en el número 2. La canción fue escrita por David Bowie tras el visionado de la película 2001, una odisea en el espacio de Stanley Kubrick, más tarde confeso que el visionado lo hizo tras haber ingerido drogas lo que abrió su mente de forma muy especial. Fue el primer éxito de Bowie en Inglaterra que coincidió en el tiempo con la llegada del hombre a la luna, fue lanzada 5 días antes del lanzamiento del Apolo 11 y fue el preludio de la publicación de su segundo álbum. La canción narra la desoladora misión espacial que el Mayor Tom debe enfrentar en la inmensidad del Universo; sólo acompañado por una voz desde la torre de control, ubicada en el planeta Tierra, la canción comienza de forma desoladora pero a pesar de la resolución de la historia acaba con una explosión de música. Bowie llevaría adelante una etapa cósmica durante esa década que dejaría canciones como Life on Mars, Starman o Moonage Daydream, y le llevaría a convertirse en Ziggy Stardust, álter ego acompañado por sus Arañas de Marte.

1.- Led Zeppelin - Whole Lotta Love. El tema que abre el segundo álbum de los británicos Led Zeppelin (Articulo con las mejores canciones de Led Zeppelin) es quizás uno de los referentes del grupo. Aunque la música es originaria del grupo, parte de la letra esta extraída del tema You Need Love de Muddy Waters, y es una de las letras más lascivas de Robert Plant. En la canción tenemos una gran presencia de la batería pero si hay que resaltar algo en la misma es el riff de guitarra que podemos disfrutar de Jimmy Page y que ha pasado a la historia como uno de los mejores y más característicos del género. Pero también encontramos una curiosidad y es que cuando Robert gime lentamente en la canción, “Way down inside . . . woman . . . you need . . . love,” una toma que tenian diferente de la voz de Plant aparecio en la pista vocal principal, así que cuando Page e ingeniero Eddie Kramer mezclaron la canción, no pudieron deshacerse de ella. Hicieron lo que la mayoría de los profesionales creativos hacen con un error: lo acentuaron para que pareciera intencional, agregando reverberación para que Plant sonara como si cantara su estrofa desde lejos.

Canciones que nos emocionan: Lo que nos dejó el 2019

Un año se ha ido y comienza una década, que esperamos sea fructífera en proyectos, buena música y nuevos discos que nos emocionen hasta el punto de reseñarlos en nuestro blog. Esperamos que esos discos lleguen como agua de Mayo, pero ahora estamos aún con los últimos retazos de la nieve y los fastos de Diciembre y Enero. Es tiempo de nuevos propósitos y de las inevitables listas de los mejores discos del año que se nos fue. Los nuevos propósitos se acaban, en su mayoría, abandonando, pero las listas quedan para la discusión eterna sobre si un disco merecía o no estar incluido en ellas. Sin más ánimo que el de compartir y reconocer la valía de estas creaciones, nos apetece contar aquí cuáles son los discos de 2019 que más gustaron al equipo de 7días7notas. No es un ranking, no son mejores o peores entre ellos, y tampoco es una lista de discos sesudos y trascendentales, son simplemente los que más hemos disfrutado:



The Good, the Bad & the Queen - Merrie Land

Cada vez que Damon Albarn se pone serio y lanza su mirada introspectiva, irónica o simplemente descriptiva de la Inglaterra pasada, presente o futura, nos regala una obra maestra. Lo hizo con la anterior entrega de The Good, the Bad & the Queen y lo ha vuelto a hacer en 2019 con el excelso Merrie Land. Un Reino Unido gobernado por una marioneta que, a través de cada vídeo, va soltando los mensajes clave del disco, el Brexit, la confusión entre el respeto a los valores tradicionales y el aislamiento al que están llevando las decisiones más recientes, todo ello engarzado con la habitual y magistral nostalgia y melancolía que sólo la voz y la música de Damon son capaces de transmitir. Basta con ponerse el corte que da título al álbum, o la genial Lady Boston, en la que ha incluido un coro de voces gaélicas para seguir sumando temas redondos a su ya ecléctica y extensa paleta de colores.

Coque Malla  - ¿Revolución?

Pocos artistas en España han sido más injustamente infravalorados en algunos sectores, que el que fuera líder de Los Ronaldos y, hoy en día, dueño de una carrera en solitario cada vez más sólida y en constante crecimiento. Coque se cuestiona, desde el título del disco, si se trata realmente de una revolución, porque él sabe como nadie que esto ha sido fruto de un largo camino, y que cada uno de sus discos anteriores puso una piedra de la robusta atalaya desde la que ahora disfruta de una estabilidad y reconocimiento más que merecidos. Bromea en Instagram sobre las críticas positivas, prometiendo publicar también las negativas, pero éstas no llegan. Será por los brillantes arreglos orquestales o de la sección de vientos comandada por su hermano Miguel Malla, porque las canciones están trabajadas hasta el último detalle y sin fisuras, o porque esa estabilidad en la que vive actualmente contagia a unas composiciones que se vuelven más luminosas y positivas.

Gary Clark Jr - This Land

A sus 34 años, Gary Clark Jr publicaba en febrero de 2019 su sexto álbum de estudio, This Land, un disco quizás no tan comprometido política y socialmente como los anteriores, donde sólo el tema que da título al álbum hace referencia a un incidente racista que el mismo Gary sufrió en sus carnes en Austin, Texas, su ciudad natal. Gary sigue consolidándose como uno de los guitarristas estadounidenses más interesantes del momento, y esta año ha entregado un disco en el que es capaz de moverse en estilos tan diferentes como el blues, el reggae, el funk o el puro rock & roll con la pasmosa facilidad habitual, y defenderlo con solvencia en directo, como pudimos comprobar "in situ" en el concierto que dio en el Festival Cultura Inquieta en la localidad madrileña de Getafe.


Laura Cox Band - Burning Bright


Precisamente, hace poco tiempo, en 7dias7notas reseñamos el primer álbum de estudio de esta genial guitarrista francesa, un disco con buenas dosis de blues rock de carretera y manta. Es verdad que, en su disco de debut, lo borda todo sin inventar nada, y teníamos ganas de ver la evolución de Laura Cox y su banda en entregas de estudio posteriores. En 2019 ha desembarcado de nuevo con Burning Bright, y hemos podido comprobar que a los buenos presagios técnicos de su predecesor, le ha sumado en esta ocasión una mayor dosis de firmeza, personalidad y frescura a la propuesta. Laura está dando los pasos adecuados para afianzarse dentro del difícil mundillo de la música, y nosotros disfrutamos con ello.

Grabado en los estudios ICP con Howie Weinberg (Aerosmith, Oasis, The White Stripes) tras los controles, «Burning Bright» reúne una decena de composiciones de rock de amplio espectro. No es blues, ni es hard rock, pero tampoco es rock de corte más contemporáneo, sonido 90s o classic rock… es todo ello y más ya que la suma de los factores enriquece esas pinceladas individuales. Y es que en estos poco más de cuarenta minutos, Laura Cox consigue reunir un resultón conjunto de cortes que se venden solos. Es obvio que la francesa tiene habilidad para crear temas que repasan varias tendencias musicales, pero que sin embargo suenan en conjunto a obra compacta y, lo que es más importante, resultan atractivos a la oreja, sobre todo a medida que va aumentando el número de escuchas....

Leer más en https://www.rockandrollarmy.com/magazine/2019/10/02/laura-cox-burning-bright-earmusic-2019/ © https://www.rockandrollarmy.com/magazine

Grabado en los estudios ICP con Howie Weinberg (Aerosmith, Oasis, The White Stripes) tras los controles, «Burning Bright» reúne una decena de composiciones de rock de amplio espectro. No es blues, ni es hard rock, pero tampoco es rock de corte más contemporáneo, sonido 90s o classic rock… es todo ello y más ya que la suma de los factores enriquece esas pinceladas individuales. Y es que en estos poco más de cuarenta minutos, Laura Cox consigue reunir un resultón conjunto de cortes que se venden solos. Es obvio que la francesa tiene habilidad para crear temas que repasan varias tendencias musicales, pero que sin embargo suenan en conjunto a obra compacta y, lo que es más importante, resultan atractivos a la oreja, sobre todo a medida que va aumentando el número de escuchas....

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Grabado en los estudios ICP con Howie Weinberg (Aerosmith, Oasis, The White Stripes) tras los controles, «Burning Bright» reúne una decena de composiciones de rock de amplio espectro. No es blues, ni es hard rock, pero tampoco es rock de corte más contemporáneo, sonido 90s o classic rock… es todo ello y más ya que la suma de los factores enriquece esas pinceladas individuales. Y es que en estos poco más de cuarenta minutos, Laura Cox consigue reunir un resultón conjunto de cortes que se venden solos. Es obvio que la francesa tiene habilidad para crear temas que repasan varias tendencias musicales, pero que sin embargo suenan en conjunto a obra compacta y, lo que es más importante, resultan atractivos a la oreja, sobre todo a medida que va aumentando el número de escuchas....

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Christone "Kingfish" Ingram - Kingfish


Hace ya bastante tiempo que seguimos, con mucha atención, la carrera de este jovencito de apenas 20 años, aunque por su forma de tocar la guitarra parece que tuviera muchísimos más.
Este 2019 publicaba, bajo el paraguas de la discográfica Alligator Records, su primer álbum de estudio, titulado simplemente Kingfish, una primera entrega repleta de blues clásico, con alguna que otra píldora de blues rock más eléctrico y de influencias del blues del Delta. Quedaros con el nombre de Kingfish, creemos que en poco tiempo va a dar mucho que hablar.

Eternal Psycho - Your demons are real

Este grupo madrileño lanzó al mercado en 2019 su primer disco, grabado en los estudios SBA Radical de Área 51. Se autodenominan como metaleros, pero no quieren encasillarse en ningún estilo musical concreto dentro del Metal, lo cuál se percibe desde la primera escucha de su disco. Dentro de lo que podríamos llamar un disco de "Metal Melódico Industrial", ofrecen una gran variedad de diferentes sonidos y atmósferas dentro de cada uno de sus temas, con bases rítmicas contundentes y cuidadas armonías de guitarra, lo que le da al conjunto un toque ecléctico y diferente, haciendo la escucha del disco accesible tanto a los oídos más metaleros como a los menos iniciados en el género.


Bedouine - Bird Songs of a Killjoy

Segundo disco de la prometedora cantante siria Bedouine, que arrancó su carrera en 2017 con el homónimo Bedouine y en Junio de 2019 nos trajo este Bird Songs of a Killjoy en el que su suave voz es un regalo para el alma y los oídos. Es una propuesta diferente a otros discos que encontraréis en ésta y otras listas de mejores discos del 2019, y creemos que merece la pena prepararse un entorno tranquilo para una escucha relajada, sin estar sometidos a la esclavitud del tiempo y los mensajes entrantes del móvil, y dejar que las "canciones de pájaros" de Bedouine nos envuelvan suavemente.

 
El mató a un policía motorizado - La Otra Dimensión

Extraño y largo nombre para esta banda argentina de indie rock, que combina de manera efectiva el punk rock y el noise pop de guitarras distorsionadas. Buscaron ese nombre porque no querían un nombre típico, preferían algo que se saliera de la norma habitual. Viendo en versión original subtitulada la película "ROTOR", una especie de infumable cruce entre Robocop y Mad Max, en una de las escenas apareció el subtítulo "él mató a un policía motorizado", y de manera instantánea les gustó como nombre. Fueron una de las revelaciones del 2018 con su anterior disco, La síntesis O'Konor, nominado a Mejor Álbum de Rock en los Grammys Latinos de 2018. En 2019 atacaron de nuevo con La Otra Dimensión.

Canciones que nos emocionan: Gypsy Eyes, Jimi Hendrix

Gypsy Eyes, jimi Hendrix 

     De Jimi Hendrix que se puede decir que no se haya dicho, escrito ó relatado ya, absolutamente nada, su aportación al mundo de la música y su legado son tan grandes que ha copado millones de paginas en periódicos, revistas y libros, amén de infinidad de documentalesy hasta películas. No voy a contaros su historia ni sus andanzas, las cuales son más que de sobra conocidas, pero si voy a hablar de sus temas, precisamente en la sección Canciones que nos emocionan que tenemos en 7dias7notas. Si bien es cierto que podría incluir unos cuantos, cosa que iré haciendo con el tiempo, voy a empezar con un tema que quizás no sea tan archiconocido como otros, o tal vez sí?

     James Marshall Hendrix nace el 27 de noviembre de 1942 en Seattle, Washington (Estados Unidos). Jimi siempre había querido tener una guitarra, pero su padre Al siempre se negó, y no fue hasta el año 1957, cuando Jimi hereda de la basura de una señora mayor un viejo ukelele de una sóla cuerda, instrumento que Jimi aprendió a tocar de forma completamente autodidacta. Al año siguiente, Jimi, que tiene apenas 15 años se compra su primera guitarra acústica, 5 dólares le costó aquel instrumento. Dicha guitarra se haría inseparable para Jimi, la tocaba varias horas la día mientras escuchaba artistas de blues. Jimi acababa de empezar a forjar su leyenda y todabía no lo sabía.

     Y llegamos al año 1968, Jimi junto a su grupo, The Experience, ya tiene publicados dos discos en estudio, Are You Experienced (1967) y Axis: Bold As Love (1967). Ese año Jimi Hendrix & The Experience, conformada por el propio Jimi y Noel Redding (bajo, guitarra rítimica y voz) y Mitch Mitchell (batería) publican el que sería el tercer y último álbum de estudio de la formación, Electric Ladyland, grabado a medio camino entre  Olimpic Studios de Londres y  Record Plant de Nueva York. Este disco empezó bajo la producción de Chas Chandler (manager de Hendrix), y Eddie Kramer y Gary Kellgren como ingenieros de sonido, sin embargo, Hendrix al parecer se había vuelto demasiado exigente y su caótica forma de trabajar no gustó a Chas Chandler, quien abandonó la producción y cortó lazos profesionales con Jimi, quien se encargaría de producir el disco él mismo.
Electric ladylan se lanzó al mercado el 25 de octubre de 1968, en noviembre ya estaba encaramado en el primer puesto de las listas de ventas en Estados Unidos, llegando al puesto número 6 de las listas de ventas del Reino Unido.

Well I realizes I've been hypnotized

I love you gypsy eyes

I love you gypsy eyes

All right

Gypsy

Way up in my tree I'm sitting by my fire

Wonderin' where in this world might you be

And known' all the time

Your still rollin' along the country side

Do you still think about me?

Oh my

Gypsy

Well I walked right on up to your rubble road side

The one that rambles on for a million miles

Yes I walked down this road searching for your love

And I found some too

But I found her I ain't gonna let go

I remember the first time I saw you

The tears in your eyes oh that girl's tryin' to say

Oh little girl you know I could love you

But first I must make my getaway

Two strange men fightin' to the death over me today

I'll try and meet you by the old highway

Hey!

Well I realize that I've been hypnotized

I love you gypsy eyes

I love you gypsy eyes

I love you gypsy eyes

I love you gypsy eyes

I've been searching so long

I think they made me lose the battle

Down against the road my worry knees

Off to the side I fall but I hear her sweet call

My gypsy eyes fine and I've been saved

Oh I've been saved

That's why I love you

I said I love you

Lord I love you

     Este disco se había convertido en el más exitoso de Hendrix hasta la fecha. Incluido en este disco nos encontramos con Gypsy Eyes, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, grabado en los Record Plant de Nueva York. Tema basado en un antiguo tema de blues, es un guiño a los Field Hollers, también conocidos como gritos de campo, que fue una manifestación musical afroamericana que había sido desarrollada en la época anterior de La Guerra Civil estadounidense. Estos gritos de campo eran canciones breves, medio habladas, cantadas y gritadas por los trabajadores del campo en los descansos, y que utilizaban para comunicarse entre sí. Gypsy Eyes fue un tema compuesto por Jimi en torno a la figura de su madre, Lucille. En este tema también hacía referencia a 2 hombres, que deseosos de alcanzar la fama y el dinero fácil, afirmaban ser el padre de Hendrix (Two strange men fighthin' to the death over me today / Dos hombre extraños peleando hasta la muerte por mí hoy). Jimi tocó el mísmo practicamente todos los instrumentos en la grabación de este tema.

Rock Nacional Argentino: Tributo a Sandro un disco de Rock

Rock Nacional Argentino: Tributo a Sandro un disco de Rock 

El pasado viernes 4 de enero, se cumplió un aniversario de los cuales no queremos nunca festejar, que es la muerte de un artista, y más cuando ese artista es uno de los más queridos artistas que ha tenido un publico. 

Así que un homenaje y este tributo a Roberto Sánchez Ocampo, conocido como Sandro, un artista tan versátil como su carrera, canta-autor, actor, director de cine e incluso productor, pero no solo eso se podría decir, sino también uno de los padres del Rock Argentino, por ser uno de los primeros músicos en cantar en español, una carrera excepcional con 52 álbumes editados, más un récord de 8  millones de copias vendidas, y en la pantalla grande realizo 16 filmes. 

Uno de los pocos artistas argentinos que subió al escenario de Madison Square Garden de New York, y el primer artista en pisar el escenario del mítico Luna Park.

Su obra más famosa es "Rosa Rosa" que llego a vender dos millones de discos, y el tema "Tengo" según la revista Rolling Stones y la Cadena MTV es considerada la canción nro. 15 en el ranking de las 100 mejores canciones del Rock Argentino. 

Esta trayectoria y reconocimiento le valió en vida que le rindieran homenaje en el año 1998 grupos y cantantes de rock, del ámbito nacional como internacional, Bersuit Vergarabat, León Gieco, Molotov, Attaque 77, Los Fabulosos Cadillacs, Divididos, Aterciopelados, entre otros.

Si quieres escuchar las canciones del disco te dejo los link debajo: 

Tengo - Divividos
https://youtu.be/7uqNQDgNZC8

Por que Yo te Amo - Los Fabulosos Cadillacs
https://youtu.be/atp92B5XRBA

Rosa Rosa - Los Caballeros de la Quema 
https://youtu.be/30OQ9cinuPA

Una muchacha y una Guitarra - Bersuit Vergarabat
https://youtu.be/jAkpg73pa7A

Dame el Fuego de tu Amor - Ataque 77
https://youtu.be/lvPWXY33ZvU

Si yo Fuera un Carpintero - Leon Geico
https://youtu.be/ufrOaNXIhoY

Quiero Llenarme de Ti - Erica Garcia
https://youtu.be/ZPm1t7a6rVQ

Trigal - Los Visitantes
https://youtu.be/mP3t9eRJido

Penas - Aterciopelados 
https://youtu.be/vptAmUtUlQI

Atmosfera Pesada - Virus
https://youtu.be/eEcnx5Soxw4

Mi Amigo el Puma - Molotov
https://youtu.be/wyGxCaXZJnE

Asi - Javiera & los Imposibles
https://youtu.be/nsR7eF1Mmlc

Los artistas son eternos, y viven eternamente en el corazón de su publico, por todo ello Sandro es y sera eterno. 

Daniel 
Instagram: Storyboy 

El disco de la semana 159: Porretas - Rocanrol

Rocanrol, Porretas

     Año 1985, Rober (guitarra y voz) y Pajarillo (bajo y voz), que además son primos y residentes en el barrio madrileño de Hortaleza, empiezan a tocar. No será hasta el año 1990, cuando consiguen ganar un certamen de música en el barrio en el que viven, a partir de ahí también se les unen José Cobela "el Bode" (guitarra y voz) y Luis (batería). Porretas van adquiriendo con el tiempo influencias de grupos como Judas Priest, Barón Rojo, Leño ó La Polla Records, lo que forja su estilo de sonido en torno al rock urbano y basado en el punk y el rock.


     Tras estar forjándose y haciendo de teloneros por multitud de sitios, en 1991, con mucha ilusión publican su primer álbum en estudio, Que se vayan a hacer puñetas. En 1992 publican su segundo trabajo de estudio, Si nos dejáis, grabado en sólo quince días. Disco que al igual que el primero tiene muchas influencias punk, unas influencias que con el paso del tiempo se irán suavizando y entremezclando con un rock contundente.

Pajarillo

     En 1993, el grupo tiene el apoyo de RCA, potente discográfica con la que acaban de fichar, y publican su tercer álbum de estudio, Última generación, un disco que situa al grupo dentro del panorama nacional del rock. Pero las cosas con RCA no van como se espera y Rober, Pajarillo y compañía no se encuentran cómodos, pues discográfica y grupo tienen diferentes puntos de vista de como hacer las cosas en el seno del grupo. Aún así, con RCA publican su cuarto disco de estudio en 1995, No tenemos solución. Para la producción de este disco cuentan ni más ni menos que con Rosendo, y el grupo además consigue vender la nada despreciable cantidad de 10.000, un notable éxito si tenemos en cuenta que el álbum no tuvo apenas promoción alguna.

     La ruptura con RCA es inevitable, ambas partes tiene diferentes formas de ver la cosas. El grupo ficha entonces con la modesta compañía discográfica alemana Edel, y en 1997 publican su quinto álbum de estudio, Baladas pa un sordo, su trabajo más maduro hasta la fecha, se nota que el grupo está en constante evolución y se va asentando con su propio estilo en el panorama nacional. Porretas además conseguía vender 20.000 de éste último trabajo.

     Y llegamos a 1998, el grupo se mete en los estudios Sonoland de Madrid y publican con la discográfica Edel su sexto álbum de estudio, Rocanrol, el disco recomendado para la ocasión por 7dias7notas. Un disco que contiene catorce temas donde sólo dos sobrepasan los tres minutos de duración, y como muy bien dice el título, es rocanrol directo y sin adornos. Un disco donde podemos observar que el grupo ha llegado a la madurez, tanto en la parte compositora cómo en la parte del sonido, con unas letras con buenas dosis de crítica social. Para la grabación del disco Porretas repitió la misma formula que en el anterior, repetían con Edel, el grupo se sentía cómodo con la discográfica, repetían estudio de grabación, los Sonoland estudios, y repetían equipo de producción con Carlos Martos a la cabeza. Resultado: un disco más que recomendable donde estos chicos de Hortaleza nos hacen disfrutar del auténtico Rocanrol, directo y sin aderezos.

Historia del rock and roll: 26.- Año 1962

Las cosas empiezan a cambiar, los grandes de los 50 han desaparecido. El surf está en su mejor momento. La Motown va consolidándose y encontrando su sonido característico, en Inglaterra Cliff Richard y The shadows siguen siendo los dueños de la música en Inglaterra, pero este año aparecerían los primeros discos de The Beatles. El 1 de enero, The Beatles realizan una prueba de audición en la casa de discos Decca en la sesión grabaron 15 canciones, 12 fueron versiones de éxitos y tres canciones originales de Lennon y McCartney entre ellas “Hello Little girl” escrita por John Lennon.

El 5 de octubre de 1962 comienza la aventura discográfica del grupo más grande que han visto nuestros ojos, The Beatles, publican su primer single “Love me Do” compuesta principalmente por Paul McCartney, la canción comenzaba con una armónica de blues tocada por John Lennon, agregándose Lennon y McCartney como las voces principales simultáneamente. Llegaría al número 17 en Inglaterra…. El resto de singles de su carrera serian números 1. Acompañando a esta canción en la cara B del single publicaron “P.S. I Love you”, no está entre sus mejores canciones… pero da igual.

Este mismo año, este mismo mes coincide el estreno de The Beatles, con uno de los discos mas brutales que se han editado en la historia de la música, James Brown, alquiló el teatro Apollo de Harlem, alquilo un equipo de grabación y financió el disco y el resultado fue el álbum Live at the Apollo y lo primero que escuchamos cuando ponemos el disco es “I´ll go crazy”

Elvis Presley seguía centrado en el cine, y en octubre publicó un disco con la banda sonora de su última película, allí encontraríamos una de sus mejores canciones de los años 60, “Return to sender”. Roy Orbinson, el hombre con la voz de las tres octavas publica una de sus canciones más conocidas “Dream baby”. The Isley Brothes publican una canción que harían archiconocida The Beatles, nos estamos refiriendo a “Twist and Shout”. Cris Montez era un cantante y compositor de California ese año publica una canción de baile con ritmo de Surf y consigue un pelotazo mundial, “Let´s dance”. 

Dick Dale

Dick Dale fue uno de los precursores del sonido surf, este año publicaría “Jungle fever” convirtiéndose en uno de los grandes artistas del este género. Una canción popular griega instrumental se convertiría en uno de los temas más famosos del genero surf, máxime cuando apareció en 1994 en la película Pulp fiction, el tema se titula “Miserlou”. También en el género surf empezaban a dar sus primeros pasos el grupo The Beach Boys y consiguen un contrato con Capitol, los primeros singles fueron un pelotazo, el primero “Surfing Safari”, el segundo de los temas trataba sobre los coches y se tituló “409”. Otro de los grandes pelotazos de la música surf fue creado por The surfaris que improvisaron como cara B de un single el tema “Wipe Out” lanzándoles al éxito y siendo uno de los temas más representativos de este estilo musical. The chantays es otro grupo instrumental del surf, y como la mayoría con un solo éxito en su carrera, el suyo se titulo “Pipeline”

Bob Dylan

Estando en la Universidad comenzó a interesarse por la música folk mientras que empezó a tocar en los cafés de folk y allí se puso el nombre por el que el mundo le conoce, Bob Dylan, en 1961 viaja a Nueva York para probar suerte y en Octubre firma un contrato discográfico con CBS grabando 17 temas de los cuales dos eran composiciones suyas, el primero de las canciones fue titulada “Talkin’ New York” y ya descubrimos su sonido característico, la segunda llevaba por título “Song to Woody” homenaje a su idolatrado Woody Guthrie. A finales de 1962 publica su primer single, y aunque sus comienzos fueron acústicos para este primer single metio electricidad, el tema se titula “Mixed-up confusión”

Little Stevie Wonder

The Marvelles publica “Playboy” que recuerda a su éxito Mr. Postman, el grupo femenino seguía dando alegrías a The Motown. The Contours era un grupo menor de la Motown, Berry Gordy tenía una canción que pensaba que podía ser un éxito y tras ser despreciada por distintos artistas recayó en ellos, “Do you Love me” rompió las pistas de baile. Este fue el año fue cuando a los 11 años Stevie Wonder edita su primer single para la Motown, artista ciego desde los pocos días de su nacimiento nunca supuso un impedimento para desarrollar su carrera, la canción paso desapercibida a pesar del largo titulo “I Call It Pretty Music but the Old People Call It the Blues” en aquellos años se hacia llamar Little Stevie Wonder y era un artista multinstrumental. The Miracles publica “You´ve really got a hold me” una canción escrita mientras pensaba en Bring It On Home To Me de Sam Cooke que posteriormente versionarían The Beatles





Sam Cooke el rey del soul publica una de sus canciones más conocidas, “Twistin’ the night away”. Ese mismo año también publica “Bring it on home” una de las canciones más versionadas del autor. The Four seasons era una de las bandas más famosas en Estados Unidos y una de las que más vendían, con Frankie Valli a la cabeza ese año publicaron la melosa “Sherry” que les aupó al número 1. Marvin Gaye era un pianista, compositor y batería, nacido en Washington y le llamaron el príncipe del Soul, en 1961 ficha por la Motown, en septiembre de 1962 por fin se hace un nombre en el mundo de la música con “Stubborn kind of fellow”.

Booker T. & the MG´s

John Lee Cooker fue un compositor, cantante y compositor, está considerado uno de los grandes del blues eléctrico, en abril de 1962 publica uno de sus grandes éxitos “Boom boom”

Booker T. & the MG´s era un grupo multirracial del Memphis formado como grupo de estudio para el sello Stax donde grabaron muchas canciones para otros artistas, un dia se pusieron a improvisar a modo de calentamiento y salió esta maravilla titulada “Green Onions” que el sello no dudo en lanzarlo. Little Eva, era la niñera de Carole King y Gerry Goffin, estaba metida en el mundo de la música y estos le dieron una canción para que probara suerte…. “The Loco-motion” se convirtió en un pelotazo

Canciones que nos emocionan: 1,2,3... Funky!!!

Iniciamos hoy un recorrido por lo más destacado de la música funk, género musical surgido a finales de los años 60, como una escisión o evolución de géneros afroamericanos como el soul, el jazz y el R&B, combinada con ritmos latinos y africanos, que comparte similitudes con la llegada, casi al mismo tiempo, de la música disco en los 70. En su sonido más característico, el funk descarta la melodía y aspectos más armónicos, para potenciar y dar protagonismo al ritmo del bajo eléctrico y al poder de la percusión. Los grupos de música "funky" se basaban en instrumentos rítmicos (guitarra y bajo eléctricos, órganos Hammond, batería y percusión) y habitualmente iban acompañados de una sección de viento basada principalmente en saxos y trompetas

La palabra funk refiere a un olor corporal fuerte y desagradable, y su utilización inicial era de carácter ofensivo, pero en la jerga del jazz tiene una connotación de fuerza y energía positivas, de ritmo sincopado y bailable, y de algo más terrenal y auténtico. Se asociaba a composiciones de ritmo duro e insistente, alejadas de las melodías románticas del R&B, que transmitían poderosas sensaciones corporales. La temática sexual y festiva siempre estuvo presente, con el funk es el sexo y no el amor el que "está en el aire".

Hecha la introducción, que mejor explicación que ir directamente a las canciones, y en esta ocasión empezaremos con el considerado como "El Padrino del Funk", James Brown, el músico en el que más evidente fue el cambio de estilo, del soul con tintes gospel que practicaba al funky abrasivo de Hot Pants, dónde encontramos las bases más representativas del género: Batería machacona y contundente, bajo eléctrico mandando con un repetitivo ritmo, y golpes de guitarra eléctrica como breves ramalazos rítmicos. Y como aderezo, la increíble sección de vientos que le acompañaba, con Maceo Parker a la cabeza, saxofonista destacado del género y proveniente de la escuela del jazz.

Presentado el padrino, pasamos directamente a hablar de los hijos pródigos, bautizados en el funk de Nueva Orleans, y para mi gusto el mejor grupo de funk que he escuchado. Me refiero a The Meters, cuyo disco Rejuvenation es una auténtica joya de la música funky (podéis leer la reseña del disco completo en el disco de la semana 2 de este blog)  y que arranca con un poderoso ritmo de guitarra en People Say, que desde el primer momento te hace mover el cuerpo al ritmo de la música. Le seguirán la batería y el bajo, y ya no habrá vuelta atrás, el funky habrá entrado en tu cuerpo para no marcharse ya.


Cerraremos esta primera entrega con una referencia histórica a la que muchos consideran la primera canción "funky". Años antes de los primeros temas característicos del género, del cambio de estilo de James Brown y otro de los grandes del género, y de la aparición de grupos como los Isley Brothers, los Commodores o Chic, por mencionar sólo algunos, Lee Dorsey interpretó en 1965 el tema Get out of my life woman del compositor Allen Toussaint. La interpretación de Dorsey contiene muchas de las características del género, desde la rotunda batería al ritmo repetitivo o la sección de vientos, el germen del funk ya se intuía en este viejo tema, auténtica rareza con la que de momento nos despedimos. Sobran ya más palabras, es el momento de poner estas tres canciones en una lista de reproducción y... 1,2,3 Funky!!!!