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jueves, 30 de marzo de 2023

0819.- Famous Blue Raincoat - Leonard Cohen


Hay un famoso impermeable azul en algun sitio de este planeta que han dejado colgado, e incluso lo han hecho con dejadez, y ha quedado sumido en el olvido mientras el polvo iba invadiendo su superficie. Ese impermeable azul una vez protegia de la lluvia al cuerpo de un poeta, que decidio hacerse cantante y que nos estuvo regalando musica y poesia en perfecta consonancia, ese mismo impermeable mientras estaba cumpliendo la funcion por la que fue adquirido,fue robado del apartamento de Nueva York que pertenecía a la amante del compositor, Marianne Ihlen a principios de la década de 1970. Cohen nunca se volvió a reunir con su impermeable, pero lo hizo eterno, y quien mas que menos todos hemos querido saber que vió aquel impermeable azul, la culpa ser la excusa perfecta de una de sus canciones más queridas y enigmáticas. Lanzado en el álbum de 1971 Songs of Love and Hate ,"Famous Blue Raincoat" ofrece quizás la síntesis más clara de Cohen, el poeta y novelista, y Cohen, el cantautor, mientras transmite una historia vívidamente caracterizada de adulterio, arrepentimiento y soledad en solo cinco minutos. 

"Famous Blue Raincoat" de Leonard Cohen comienza a las cuatro de la mañana, una hora generalmente armada con ensoñaciones ebrias, pero ocasionalmente visitada en noches de insomnio, dejándote sin nada que hacer más que enviar grupos de búsqueda a los ríos sombríos del alma, y, como Cohen, escribiendo cartas a personas que solían jugar un papel mucho más importante en tu vida. La canción toma la forma de una carta dirigida a un hombre anónimo que, según sabemos, una vez intentó sin éxito alejarse de Jane, la esposa del escritor. (una versión ficticia del propio cantante). Pero esta no es una narrativa tórrida ordinaria de un triángulo amoroso, llena de egos heridos, amargura, culpa y recriminaciones. Confía en Leonard Cohen para que se le ocurra algo más sutil, sobrio y silenciosamente devastador. De hecho, la carta es curiosamente fraternal, incluso conciliadora con el rival del narrador, la tragedia aquí nunca fue la infidelidad, sino la forma en que el narrador se resignó a la decadencia de su matrimonio. "Gracias, por la molestia que le quitaste a sus ojos, pensé que estaba allí para siempre, así que nunca lo intenté", reconoce.en una línea deslumbrante que destila el corazón de la desesperación conyugal y la falta de comunicación. Pero tal es la rica ambigüedad de las palabras de Cohen que ninguna cantidad de análisis de la letra podría producir una interpretación definitiva de "Famous Blue Raincoat". ¿Hubo, por ejemplo, alguna vez un segundo hombre, o fue un alter-ego, una presencia espectral abstracta? ¿Es "ir limpio" un eufemismo para el sexo, o una referencia a una etapa de la Cienciología, en la que Cohen incursionó de manera inusual en ese momento?. Cohen proporcionó poca aclaración, posiblemente para no atenuar la naturaleza abierta e inescrutable de la canción, pero principalmente porque él mismo no tenía las respuestas. En una entrevista en 1994, admitió: “Era una canción con la que nunca estuve satisfecho. Siempre he sentido que había algo en la canción que no estaba claro”.


A pesar de sus reservas personales sobre la pista, Cohen continuó tocándola a lo largo de su larga carrera. Tal vez siguió volviendo a él con la esperanza de que con cada actuación  se acercaría más a descubrir finalmente algo de claridad dentro de la canción. O tal vez simplemente nunca dejó de extrañar su famosa gabardina azul robada.


jueves, 23 de marzo de 2023

0812 - Northern Sky - Nick Drake


0812 - Northern Sky - Nick Drake 

Northern Sky es una canción del álbum Bryter Layter de 1971 del cantautor inglés Nick Drake, producido por Joe Boyd. Durante las sesiones de grabación del álbum, el compositor crónicamente tímido y retraído formó una amistad y una especie de tutoría con el productor Joe Boyd, uno de los primeros seguidores de Nick Drake. Boyd vio potencial comercial en la versión de demostración acústica y sin acompañamiento de la canción, y reclutó al ex miembro de Velvet Underground, John Cale, como productor. Cale añadió arreglos de piano, órgano y celesta, inicialmente en contra de los deseos de Nick Drake.

La canción marcó un fuerte cambio de dirección en el sonido de Nick Drake. Estaba complacido con la producción de Cale y anticipó que la canción sería su éxito comercial. Sin embargo, Island Records decidió no lanzarlo como sencillo, y el álbum que lo acompaña, como su predecesor, no recibió apoyo de marketing y, por lo tanto, no se vendió. Habiendo probado arreglos exuberantes, el siguiente álbum de Nick Drake, Pink Moon, se caracteriza por voces sombrías y partes de guitarra escasas, pero nuevamente solo recibió un lanzamiento limitado.

En la década de 1980, Northern Sky se convirtió en fundamental para resucitar el interés en la música de Drake que hasta entonces había sido en gran parte olvidado. El biógrafo Patrick Humphries describe la canción como "la mejor... a la que Nick Drake alguna vez prestó su nombre. De nuevo sonando solo y vulnerable... suplica que llegue el brillo".

El exitoso sencillo de 1985 en el Reino Unido "Life in a Northern Town" de The Dream Academy se basó e inspiró en Northern Sky, y contribuyó al resurgimiento del interés en la carrera del compositor desde principios hasta mediados de los 80. La voz del cantante Nick Laird-Clowes refleja directamente el estilo de Drake, mientras que la carátula del disco contiene las palabras "Nick Drake, Steve Reich & Classics For Pleasure". Nick Drake, entonces prácticamente desconocido en el Reino Unido, fue mencionado en una entrevista de Melody Maker con Laird-Clowes, quien dijo que su canción surgió de una "fuerte conexión con Nick Drake de una manera que ni siquiera puedo explicar". Como resultado de esto, la BBC comenzó a recibir solicitudes de la canción de Drake, mientras que Nick Stewart, jefe de A&R en Island Records, le dijo al sello que el catálogo del compositor podría estar en una posición ideal para reeditarlo en el CD para adultos en desarrollo. mercado. La canción se publicó como un maxi-sencillo de CD promocional para el álbum recopilatorio de 1994 Way to Blue: An Introduction to Nick Drake. En 2004, NME describió la canción como la "mejor canción de amor en inglés de los tiempos modernos".

La canción aparece en el álbum recopilatorio de 2005 Anthems in Eden: An Anthology of British & Irish Folk 1955–1978, y en la escena final de la película de comedia romántica estadounidense de 2001 Serendipity.

Daniel
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miércoles, 15 de marzo de 2023

0804.- Stoney End - Barbra Streisand



Estamos ante un album muy importante en la carrera de Barbra Streisand, este fue el momento cuando dio el paso a la música pop y dejó atrás Broadway. Streisand habia tenido un enorme éxito en la década anterior en el escenario y en musicales, pero en los albores de la década de 1970 y Woodstock a su alrededor, abandonó de forma muy inteligente los musicales y centró su interés en compositores contemporáneos, cantautores como Joni Mitchell, Gordon Lightfoot y Laura Nyro. Cuando Barbra Streisand grabó el material para su decimotercer álbum de estudio, Barbra Joan Streisand de 1971 , tenía 29 años, aunque era contemporánea de íconos del rock como Bob Dylan, John Lennon y Paul McCartney, parecía más una refugiada de una época pasada. Aunque tenía poco más de 20 años, sonaba más como sus mayores musicales (Tony Bennett, Ella Fitzgerald o Frank Sinatra). Personalmente, no creo que haya dejado los musicales completamente atrás y su corazón siempre estuvo en los compositores con clase de épocas pasadas, pero el tiempo había cambiado, así que quería hacer algo más cercano a su generación. Musicalmente, es interesante notar cómo cambió su enfoque: mientras que en su debut cantó y estaba más cerca de la vieja escuela de Judy Garland y Ethel Merman (a menudo con giros cómicos), aquí bajó el tono y comenzó a sonar como la conocemos hoy, una cantante de baladas amigable con voz muy clara, tranquila y algo distante.


El album Stoney End es recordado por la exitosa canción principal, que tenia el mismo titulo. Stoney End fue escrita por la brillante cantautora Laura Nyro, y fue una maravillosa introducción a una "nueva" Barbra Streisand, una que pudo sintonizar su voz con la producción de rock-pop de California de Richard Perry. La composición tenía un ritmo constante en el que Streisand tenía que cantar distinto, había influencias gospel en ella que Nyro trajo de su interés por la música negra. (La amiga cercana y colaboradora Patti LaBelle una vez describió a Nyro como una " hermana”.) Perry, que trabajó con artistas como Harry Nilsson, Leo Sayer y Ringo Starr, pareció obtener una actuación de Streisand que no sonó rígida ni poco convincente. “Stoney End” se convertiría en el único éxito de rock de Barbra, y es muy apreciada por sus fans 50 años después, pero cuando llegó el momento de grabarlo, Barbra, recuerda Perry, se derrumbó en el estudio. “No puedo hacer esto”, exclamó. “Esta no soy yo… ¡Simplemente no lo siento!” Perry escribe: "Stoney End" fue la tercera canción que grabamos esa noche, y sin duda el mayor esfuerzo para ella artísticamente... Todas las primeras tomas de Barbra en el estudio fueron pura magia, escuchar esa voz cantando estas canciones, pero en el momento en que nos quedamos con la toma definitiva  de "Stoney End", sentí como si un rayo me atravesara. Lo juro, se me pusieron los pelos de punta. Fue uno de los sentimientos más increíbles que he tenido en el estudio”. “Mientras escuchábamos la reproducción, Barbra se inclinó y me susurró al oído: “Tú tenías razón y yo estaba equivocado. Pero es bueno estar equivocado”. Fue un momento que recordaré por el resto de mi vida”. 


Laura Nyro escribió “Stoney End” cuando era una adolescente. ¿Qué decía Nyro en la canción? “La canción cuenta la historia de una mujer que ha pasado la noche con un hombre cuya pasión sexual confundió con amor. Él la ha dejado, y ahora ella se siente culpable, anhela el consuelo de su madre y poder empezar de nuevo. El 'Stoney End' puede referirse al castigo bíblico por tener relaciones sexuales fuera del matrimonio, tal vez un regreso a las faldas de su madre, o tal vez una muerte por las drogas para acabar con su dolor y furia. O puede ser solo una metáfora del camino rocoso que ahora tendrá que recorrer como madre soltera”.


sábado, 11 de marzo de 2023

0800 - Lucia - Joan Manuel Serrat

0800 - Lucia - Joan Manuel Serrat

Lucía es una canción del cantautor español Joan Manuel Serrat grabada en 1971. Esta canción fue incluida en el álbum Mediterráneo.

La canción es un poema al amor perdido e imposible de olvidar. Describe con melancolía  Joan Manuel Serrat un sentimiento que ha quedado para siempre en la memoria. La letra de la canción Lucía, tiene la forma de una carta, escrita con intensidad, pero sin certeza alguna de que llegue a su destinataria, quizás las que más nos gustan de Joan Manuel. 

El autor casi no habla de Lucía en el poema, no la describe, no da señas sobre ella, ni ensalza directamente sus características. La letra está centrada en lo que Lucía ha producido en él. Lucía es esencialmente maravillosa por cómo lo hizo sentir a él y por la huella imborrable que le ha dejado de esos sentimientos sublimes.

Muchas veces le han preguntado a Joan Manuel Serrat en entrevistas por la existencia real de Lucía, pero el artista elude aportar detalles. 

Sin embargo, hay versiones periodísticas que señalan que Serrat habría confesado que su canción relata una historia real, de modo que Lucía, según esta fuente, habría sido un viejo amor a quien el cantautor jamás pudo olvidar, llegando incluso a llamarla el día de su boda para recordarle que la seguía amando.

El cantautor cubano Santiago Feliú confirmó en 2011 la versión acerca de la boda de Lucía, revelando que habría escuchado esto directamente de Serrat en 1997. La anécdota aparece en un artículo de prensa en el que Feliú se refiere a la gran influencia que ejerció esta canción en su propia formación como compositor. 

El propio autor solo dice que aunque quedó inmediatamente satisfecho con el resultado de su composición en cuanto acabó de escribirla, hubiese preferido no tener que escribir jamás nada como esa canción «porque eso significaría que no habría sufrido por amor».

Daniel 
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viernes, 10 de marzo de 2023

0799 - Mediterráneo - Joan Manuel Serrat



Son muchas las teorías que, durante años, intentaron establecer el momento en el que Joan Manuel Serrat pudo haber compuesto Mediterráneo, la canción que muchos consideran la mejor canción de la historia de la música popular en España. Se dijo que la había escribió en 1970 durante su encierro voluntario, junto a otro artistas, en el Monasterio de Montserrat, en protesta por el Proceso de Burgos. Otras teorías situaron su concepción entre agosto y noviembre de 1970, durante un período en el que Serrat viajó por diferentes lugares de España. Finalmente, en 2014 el propio artista, durante una entrevista para el diario El País, comentó haberla escrito durante su período de exilio en México, echando de menos el mar y la tierra que le vio nacer.

Incluida en el disco Mediterráneo (1971), es un canto alegre e intenso al mar y a la vida en la costa, salpicado de referencias autobiográficas ("...Tengo alma de marinero, qué le voy a hacer, si yo nací en el Mediterráneo..."), recuerdos de su propia infancia ("Quizás porque mi niñez sigue jugando en tu playa... ...) y sentimientos de añoranza ("...llevo tu luz y tu olor por dondequiera que vaya...). El descriptivo viaje termina en una declaración de fidelidad eterna a la tierra, manifestando su deseo de, llegado el fatídico momento, ser enterrado junto al mar ("Y a mí enterradme sin duelo entre la playa y el cielo..."), en una estructura en la que quizá pudo basarse la posterior "Pongamos que hablo de Madrid" de su compañero y amigo Joaquín Sabina ("Cuando la muerte venga a visitarme, que me lleven al Sur dónde nací...").

Lo realmente meritorio de una canción así es que, siendo un mensaje tan local y específico, la profundidad y el sentimiento que transmite la letra haya sido capaz de hacer de su Mediterráneo el de todos nosotros, haciendo que nos emocionemos por igual con cada escucha, aunque muchos de nosotros solo veamos el mar en vacaciones, y nuestra infancia sea más de secano y de edificios grises con antenas, y nuestros "atardeceres rojos" no se reflejaran nunca en las cristalinas aguas de ese idílico Mediterráneo que nadie ha retratado mejor que Joan Manuel Serrat en esta mítica canción.

domingo, 5 de marzo de 2023

0794 - Carole King - Will You Love Me Tomorrow?

0794 - Carole King - Will You Love Me Tomorrow?

Will You Love Me Tomorrow? es una canción con letra de Gerry Goffin y música compuesta por Carole King. Fue grabado en 1960 por Shirelles en Bell Sound Studios en la ciudad de Nueva York.

Pero en 1971, Carole King, quien compuso la música de la canción, grabó una versión de Will You Love Me Tomorrow? para su segundo álbum de estudio Tapestry, con Joni Mitchell y James Taylor como coros en canales de audio separados. La versión de Carole King de la canción se tomó a un ritmo considerablemente más lento. David Hepworth lo analizó como "menos como las súplicas de dulzura por parte de una virgen temblorosa y más como una mujer madura que requiere paridad en una relación". Y fue un éxito dentro del álbum.

La canción se convirtió en una característica de los shows en vivo de Carole King. Taylor recreó su parte durante su gira conjunta Troubadour Reunion Tour de 2010 en la arena.

En Broadway Beautiful: The Carole King Musical de 2013 , la canción aparece en cuatro partes, una durante su escritura, una vez durante la grabación de una demostración por parte de Carole King, luego con las Shirelles interpretándola y luego Carole King cantándola y tocándola más tarde durante un momento especialmente malo en su matrimonio con Goffin. La curiosidad está que ninguna otra canción aparece con tanta frecuencia en el musical.

La canción fue la primera de un grupo de chicas negras en alcanzar el número uno en los Estados Unidos. Desde entonces, ha sido grabado por muchos otros artistas, incluida una versión de 1971 de la coguionista Carole King.

Daniel 
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sábado, 4 de marzo de 2023

0793.- You've Got a Friend - Carole King

You've Got a Friend es una de las canciones más conmovedoras del siglo XX, fue escrita por Carole King, quien la publicó por primera vez en su histórico álbum Tapestry de 1971 . Al mismo tiempo que se grabó esa versión, James Taylor estaba haciendo su versión de la canción, de hecho, las dos grabaciones presentaban a los mismos músicos, ya que King y Taylor estaban grabando en el mismo estudio, y King le dio a Taylor el visto bueno para lanzar su versión. Los dos cantautores se hicieron amigos rápidamente el año anterior, después de colaborar y luego actuar juntos en el famoso club Troubadour de Los Ángeles. De hecho, la amistad de King y Taylor influyó en la canción misma. Según Taylor, You've Got a Friend se escribió en respuesta a una línea del coro de su canción "Fire and Rain", en la que canta: "He visto momentos de soledad en los que no podía encontrar un amigo". 

Como es habitual en Tapestry, el piano de King abre la pista, la interpretación no es demasiado llamativa, pero nada sobre la canción (o el álbum) lo es o necesita serlo. El material de Carole King siempre tiene un aire de calma, incluso en sus temas más rockeros como "Smackwater Jack" o en números bailables como "I Feel the Earth Move", que abre Tapestry. Dado que "You've Got a Friend" es una canción lenta, todos los instrumentos hacen los que tienen que hacer, y eso es más que suficiente. Además de las contribuciones de King, esas partes incluyen el contrabajo de Charlie Larkey que imita la línea baja de King en el piano, violines y violas con arco, Danny Kortchmar en las congas, el ya mencionado James Taylor en la guitarra y (para mi sorpresa cuando encontré la lista de personal) Joni Mitchell en los coros. Destacan las primeras líneas de King que la llevan a la parte más baja de su registro, comenzar tan bajo hace que la escucha de esas primeras palabras sea más íntima, y también lo hace más poderoso cuando de repente sube a su tono medio donde se encuentra más cómoda. Cuando llega el coro y comienzan los coros de armonía más baja, la canción adquiere un tono aún más cálido que el que tenía en los versos, dependiendo de mi estado de ánimo, escucho las líneas de fondo como una de estas dos opciones. En primer lugar, puede ser el narrador de King duplicando su apoyo a su amigo. Esta lectura es probablemente la más aparente de las dos, dado su contexto más literal. La otra lectura que tengo es un poco más matizada, ya que también puedo escuchar las armonías como si fuera el amigo al que le canta el narrador. Con "Tienes un amigo" con un mensaje tan afectuoso, quiero escuchar el amor que el narrador siente por su amigo como mutuo y voluntariamente correspondido. En un mundo donde, como dice King en el puente, "la gente puede ser tan fría", a mis amigos les digo que me envíen un mensaje cada vez que necesiten algo, o simplemente necesiten hablara para desahogarse, lo digo en serio; tal como Carole King escribió y cantó: "Simplemente grita mi nombre..."


viernes, 3 de marzo de 2023

0792.- I feel the Earth move - Carole King



"Siento la tierra moverse bajo mis pies" canta Carole King en "I feel the Earth move", y no se me ocurre mejor manera de describir la sensación que canciones como ésta provocan al escucharlas, porque al ser tan buenas es inevitable seguirles el ritmo, generando con ello un pequeño terremoto bajo nuestros pies, aunque no fuera ese realmente el sentido que King quiso darle a la canción.

La música y la letra encajan de una manera muy peculiar, y el ritmo rápido de la canción contribuye a dibujar de manera más rotunda una escena de tensión sexual entre dos amantes, con el piano marcando el ritmo por encima del resto de instrumentos, y apoyando las implícitas connotaciones sexuales de la letra, en la que enseguida descubrimos el verdadero motivo por el que el suelo se movía bajo sus pies.

Incluida en Tapestry (1971), su celebrado segundo disco de estudio, fue además publicada como single de lanzamiento en formato de "doble cara A" junto con "It's Too Late". El single supuso un éxito masivo, llegando al nº1 del Billboard Hot 100, y al nº 6 de las listas de ventas del Reino Unido. Tapestry es, sin duda, la obra maestra de Carole King como compositora e intérprete, y "I Feel the Earth Move" es el impactante arranque del disco, toda una declaración de intenciones, que contrasta con el tono dulce y meloso del resto de composiciones del álbum, más centradas en el amor y el sentimiento que en el erotismo y la intensidad de esta tremenda canción.

jueves, 2 de marzo de 2023

0791-. It's Too Late - Carole King

 

It's Too Late, Carole King


     El 10 de febrero de 1971 la compositora y cantante estadounidense Carole King ve publicado su segundo álbum de estudio, Tapestry. El disco es grabado durante el mes de enero de 1971 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción del productor discográfico y cinematográfico Lou Adler, quien además era dueño del famoso teatro Roxy ubicado en Wet Hollywood, California. El disco fue publicado bajo el sello discográfico Ode (propiedad del mismo Lou Adler) a través del sello discográfico A&M Records. Además de ser seleccionado como Álbum del Año, también recibió tres premios Grammy por "Mejor Interpretación Vocal Femenina", "Grabación del Año" por el tema It's Too Late y "Canción del Año" por la canción You've Got a Friend, convirtiendo a Carole King en la primer artista femenina solista que gana el premio Grammy por Grabación de Año y la primera también en ganar un Grammy a la Canción del Año. Tapestry permaneció en las listas estadounidenses Billboard la friolera de 313 semanas.

Vamos a referirnos precisamente al tema ganador a Grabación del Año, It's Too Late, el cual fue compuesto por Carole King y Toni Stern. La canción fue lanzada también como sencillo el 16 de abril de 1971 por el sello discográfico Ade. La letra de esta amorosa canción fue escrita por Toni Stern, mientras que la música fue compuesta por Carole King. El sencillo llegó a alcanzar el puesto número 1 en las listas estadounidenses Billboard Hot 100 y Adult Contemporary. Esta canción  es un claro ejemplo del llamado Sonido de Cantautor que King ayudó a popularizar. En este tema Carole canta sobre cómo se da cuenta de que su relación, que alguna vez fue muy prometedora, ahora ha llegado a su fin. Aunque de cara a fuera ella se muestra valiente, por dentro está destrozada. Sobre la canción se llegó a rumorear que trataba sobre el cantante y guitarrista James Taylor y la propia Carole King. James Taylor era buen amigo de Carole y participó en la grabación del álbum Tapestry. a principios de 1971, Taylor y King realizaron una gira conjunta. Mucha gente pensaba que esta canción trataba sobre un posible romance que habrían tenido los dos. Carole King nunca se llegó a pronunciar sobre aquellos rumores. Posteriormente Taylor se casaría con la cantante, compositora y autora infantil estadounidense Carly Simon.

martes, 21 de febrero de 2023

0782: God - John Lennon


El primer disco en solitario de John Lennon, fue su álbum de "terapia", su forma de dejar salir su yo más personal, su forma de mostrarle al mundo su verdadera esencia, porque, sinceramente, muchas de las cosas que hizo con The Beatles seguían siendo solo eso, The Beatles, y no “Lennon” en sí mismo. No aprendió el arte de escribir canciones "personales" hasta este mismo período de tiempo, y gran parte de eso provino de su terapia primaria: la teoría de que mientras retrocedes a los dolorosos recuerdos de la infancia, puedes liberarte de ellos desde, incluso retrocediendo al momento en que aprendes a llorar cuando eras un bebé, de esa manera repites los sentimientos que una vez tuviste y enterraste profundamente dentro de ti, y los que no entendías en ese entonces, y así poder formar un círculo completo en tu vida y seguir adelante…….Y, no hace falta decir que Lennon tenía muchas cosas en mente.

God es una de las canciones más brutalmente honestas y directas jamás grabadas en la historia del rock and roll, y ese era el fuerte de Lennon, sobre todo siendo honesto, directo y admitiendo sus debilidades. La letra de la canción pasea sobre todas las cosas en las que en ese momento no creía, que son, dicho sea de paso, todas las cosas en las que puede o no haber creído en el pasado. Elvis y Zimmerman (Bob Dylan), siendo dos de sus grandes héroes e inspiraciones en la vida, ¿no significan nada para él? ¿Qué pasó? ¿Qué lo hizo cambiar? ¿Qué hizo que el mundo cambiará? ¿Qué le hizo perder la fe? Con desprecio apenas disimulado, termina este mantra de todas las cosas con las que ahora deja de lado con un “No creo en The Beatles”. Oh, espera, espera, perder la fe en Elvis lo puedo entender, incluso en Dylan, porque estaba empezando a perder relevancia en ese momento, pero ¿perder la fe en The Beatles? ¿El mito dorado de la historia del rock and roll? ¿Su propia banda, su propia creación y su propio destino? Estaba buscando algo en lo que creer, algo en lo que descansar su laurel creativo, alguien en quien confiar, alguien para reemplazar sus sentimientos de abandono, y con bastante frecuencia se sintió decepcionado. Esta canción fue la eligió Lennon para dejarlo todo y empezar una nueva vida para sí mismo… y quería que lo supiera todo el mundo y se encargó de dejarlo muy claro: “Se acabó el sueño ¿Qué puedo decir? ell sueño se acabó, ayer yo era el tejedor de sueños, pero ahora renací, yo era la morsa, pero ahora soy John, y así, queridos amigos, tendrán que continuar”. También es su forma de consolar a un mundo que creció con The Beatles, de asegurarles que el fin de The Beatles no significó el fin del mundo, el fin de él. Que The Beatles no era él, era solo una mera parte de él y un momento de su vida. Al igual que todas las fases de la vida, tuvo un comienzo e inevitablemente tuvo un final. Y así, solo tienes que seguir.


lunes, 20 de febrero de 2023

0781.- Isolation - John Lennon



Isolation es uno de los temas del debut en solitario de John Lennon, el áspero y aclamado "John Lennon / Plastic Ono Band" (1970), una canción oscura y mágica sobre el miedo a la soledad y como ese miedo ha provocado malas decisiones y muchos de los problemas con los que el mundo se ha enfrentado en el pasado.

La canción de Lennon, grabada con la ayuda de Klaus Voormann al bajo y el ex beatle Ringo Starr a la batería, tiene un embrujo especial en la manera en la que combina los tonos más bajos y calmados con el desgarrador estribillo, y a lo largo de los años, ha conquistado a artistas de la talla de Roger Waters, que la citó como una de sus canciones favoritas de todos los tiempos, Joe Cocker, que la versionó en su disco "Unchain My Heart" de 1987, o Snow Patrol, que lanzó también su propia versión en 2005.

Fue una de las últimas canciones interpretadas en directo por el genial guitarrista Jeff Beck, como parte del repertorio de la gira en la que apoyaba a Johnny Depp en su vuelta a sus raíces y a su hasta entonces casi desconocida faceta de músico, la que abandonó antes de poderse abrir camino, para emprender una exitosa carrera como actor, en lo que fue un nuevo y sentido homenaje a esta particular canción, una de las composiciones más aparentemente sencillas, y a la vez una de las más celebradas e influyentes del genial músico de Liverpool.

domingo, 19 de febrero de 2023

0780 - John Lennon: Working Class Hero

0780 - John Lennon: Working Class Hero

Working Class Hero es una canción de John Lennon de su álbum de 1970 John Lennon y Plastic Ono Band, su primer álbum después de la disolución de The Beatles.

Un escándalo ocurrío en 1973, el representante de EE. UU., Harley Orrin Staggers, escuchó la canción, que incluye las líneas "Hasta que estés tan jodidamente loco que no puedas seguir sus reglas" y "Pero aún eres un jodido campesino hasta donde yo puedo". ver" – en WGTB y presentó una queja ante la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC). El gerente de la estación, Ken Sleeman, enfrentó un año de prisión y una multa de $ 10,000, pero defendió su decisión de reproducir la canción diciendo: "La gente de Washington DC es lo suficientemente sofisticada como para aceptar la palabra de cuatro letras ocasional en contexto, y no excitarse, ofenderse o molestarse sexualmente". Se retiraron los cargos. Otras estaciones de radio estadounidenses, como WBCN de Boston, prohibieron la canción por el uso de la palabra "fucking". En Australia, el álbum fue lanzado con la palabrota eliminada de la canción y la letra censurada en la portada interior. (En el lanzamiento estadounidense, todas las letras de todas las canciones del álbum se imprimieron claramente en la portada interior tal como se cantaron, incluida la palabra "fucking").

En cambio la crítica del mundo del rock puso en valor y calificó a Working Class Hero como una de las mejores canciones de John Lennon, por ejemplo el crítico de Classic Rock, Rob Hughes, calificó a Working Class Hero como la cuarta mejor canción política de Lennon, y dijo que "La guerra de clases proporciona el ímpetu para el mordaz comentario de Lennon sobre la naturaleza represiva del poder institucional". Y otro ejemplo de ello fue el crítico de Ultimate Classic Rock, Nick DeRiso, calificó como la cuarta canción política en solitario más grande de Lennon, calificándola como "uno de los momentos más brutalmente francos y emocionalmente apasionantes de Lennon".

Daniel 
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sábado, 18 de febrero de 2023

0779-. Mother - John Lennon & Plastic Ono Band

 

Mother, John Lennon & Plastic Ono Band 


     El 11 de diciembre de 1970 se producía el debut en solitario de John Lennon repaldado por la Plastic Ono Band, con el álbum titulado John Lennon / Plastic Ono Band. Fue grabado entre el 26 de septiembre y el 23 de otubre de 1970 en los Abbey Road Studios de Londres, bajo la producción de John Lennon, Yoko Ono y Phil Spector, y publicado bajo el sello discográfico Apple Records. En el momento de su edición, el disco recibió críticas buenas y malas a medias, pero con el tiempo llegó a ser considerado de largo como el mejor álbum en solitario de John Lennon.

Este álbum debut contine un sonido crudo con muchas canciones fuertemente influenciadas por la reciente terapia de "Gritos Primarios" que Lennon había seguido.  Tras la ruptura de los Beatles en abril de 1970, John Lennon y su esposa Yoko Ono emprendieron Terapia Primaria con la guía de Arthur Janov durante cuatro semanas en sus oficinas de Londres. Los tres volaron después a Los Ángeles para continuar la terapia durante cuatro meses. Sus letras reflejan los problemas de Lennon e incluyen temas donde trata el abandono de padres e hijos y el consiguiente sufrimiento psicológico. El disco llegó a alcanzar el puesto número ocho en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, y el puesto número seis en la lista estadounidense US Billboard 200.

Incluido en este disco debut se encuentra Mother, tema que abre el álbum, una desgarradora exploración de los propios traumas infantiles de Lennon, quien había sufrido el abandono de su madre y la ausencia de su padre. La canción arranca con unas sombrías campanadas de iglesia, y musicalmente es un buen ejemplo de la austeridad (que no aridez) del disco, al basarse únicamente en piano, bajo y batería, una fórmula que se repetirá en otras canciones del álbum. Una versión editada de la canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos por Apple Records el 28 de diciembre de 1970. Dicha edición es 1:41 minutos más corta que la de el álbum debido a la eliminacación de las campanas con las que comienza la canción, y a un Fade Out (técnica que consiste en reducir gradualmente el volumen hasta llegar a un silencio total) más rápido.

lunes, 6 de febrero de 2023

0767.- Wild Word - Cat Stevens

 

Wild Word, Cat Stevens 

El 23 de noviembre de 1970 Cat Stevens publica su segundo álbum de estudio, Tea for the Tillerman. El disco fue grabado, bajo la producción de Paul Samwell-Smith, entre mayo y julio de 1970 entre los Morgan, Island y Olympic Studios, todos de Londres. El disco fue publicado por el sello discográfico Island Records para Reino Unido y Europa, y por el sello A&M Records para Estados Unidos y Canadá. Cat Stevens, que fue estudiante de arte, se encargó él mismo de diseñar la obra que aparece en la portada del álbum. Coincidiendo con el cincuenta aniversario de la publicación del disco, en septiembre de 2020, Cat Stevens rehízo el álbum incluyendo nuevas letras e instrumentación, cantando además con su propio yo de 22 años en la canción Fahter and Son.  

Incluido en este disco se encuentra Wild Word, tema que fue publicado como sencillo ocupando la cara A, y siendo publicado en septiembre de 1970. Stevens había tenido una relación de aproximadamente dos años con la actriz Patti D'Arbanville. Durante ese periodo el cantante escribió varias canciones sobre ella, incluyendo este tema. Stevens canta la canción como si su amor se estuviera marchando, simulando así el final de un romance. El cantante escribió la canción basándose en la búsqueda de la paz y la felicidad en un mundo loco. Sobre esta canción, Stevens afirmaba que se inspiró en acordes muy comunes en la música española, y que le dio una vuelta, surgiendo un tema que tenía que ver con la partida, la tristeza de irse y la anticipación de lo que hay más allá. La canción surgió en un momento en la vida de Stevens en la que este estaba tratando, como el mismo afirmaba, de relacionarse con su propia vida, y hablaba sobre su propia experiencia de perder el contacto con el hogar y la realidad.

martes, 24 de enero de 2023

0754.- The man in me - Bob Dylan



The Man in Me es una rara avis en la discografía de Bob Dylan. "Semi oculta" como décima canción de un disco que no está entre los más reconocidos del cantautor (New Morning, 1970), sorprende por ser una de las canciones más alegres y positivas de Dylan, dentro de un cancionero habitualmente más agudo, profundo y melancólico. Pese a esa particularidad tan evidente y diferenciadora, la revista Rolling Stone la incluyó en el nº 84, dentro de las "100 grandes canciones de Bob Dylan de todos los tiempos".

La canción tiene un toque bohemio y de exaltación, como si el protagonista fuera un borrachín eufórico que describe su estado de ánimo en ese momento, y sus aparentemente etílicos "la, la, las" contrastan con el tono góspel y de algún modo paródico de los coros. La instrumentación es también parsimoniosa y divertida, y con esos ingredientes, no extraña que fuera elegida por los hermanos Cohen para una de las escenas más oníricas e hilarantes de "El Gran Lebowski" (1998).

Desde entonces, me resulta imposible escucharla sin que vengan a la cabeza imágenes del "Nota", alucinando con que vuela por el cielo entre imágenes kitch relacionadas con su afición a los bolos, tras ser golpeado y privado de su bien más precioso: su alfombra del salón. La verdad, no se me ocurre mejor escena que esta, para reflejar el feeling que transmite The man in me, ni canción más diferente y curiosa en el cancionero de Dylan, una especie de "patito feo" que de repente echa a volar con una sonrisa en el pico, demostrando que, efectivamente, la respuesta estaba "soplando en el viento", pero que eso no implicaba que ese vuelo sin motor tuviera que ser triste.

domingo, 22 de enero de 2023

752.- If Not For You - Bob Dylan


Segundo album de Bob Dylan en el año 1970, pero en esta ocasión estamos ante un álbum mucho más serio que el anterior, Selfportrait, y también mucho más corto, Bob reduce el formato y vuelve al principio del disco 'ultracorto' que se mantendría durante la mayor parte de su 'período country'. En cuanto a la estilística, no es del todo de otro género ni nada por el estilo, todavía está trabajando en el estilo country tranquilo y despojado patentado. Sin embargo, ahora confía mucho más en el piano que en cualquier otra cosa, basando canción tras canción en secuencias de acordes vagas, acuosas, incoherentes y sin tener en cuenta riffs cuidadosamente estructurados. Y esto en ningún momento supone un problema: por caótico que parezca este disco, de alguna manera se las arregla para ser increíblemente pegadizo.

No estoy exactamente seguro de si te gusta o si odias Selfportrait, pero si eres de los que no lo odias, realmente encontrarás New Morning como un punto culminante importante en su carrera. Pegadizo, tranquilo e introspectivo, y también humilde y filosófico, esta vez encuentra a Bob en un estado de ánimo algo melancólico. Pero bueno, ese era probablemente el estado de ánimo real en el que estaba en ese momento, y todo sobre el álbum se siente absolutamente sincero y conmovedor. El álbum también muestra una actitud religiosa evidente, por primera vez en la carrera de Bob, se podría decir que, en cierto modo, New Morning predice el período de 'renacimiento' de Bob, aunque solo sus lados fuertes y ninguno de sus puntos débiles. Me refiero principalmente a los últimos tres minutos del álbum: 'Three Angels' es una pieza solemne, espeluznante basada en el órgano, con Bob recitando un cierto tipo de visión apocalíptica que me da escalofríos; y 'Father Of Night' es solo una cancioncita muy corta, pegadiza, simplista e infantil para completar el disco. Inimaginable en cualquier álbum anterior, pero nunca estropeando la imagen.

Pero vamos a destacar la pieza que abre New Morning se trata del clásico “If Not For You” que fue versionado por George Harrison en su emblemático All Things Must Pass publicado apenas tres semanas después de nuestro homenajeado disco. Fue versionado también por Olivia Newton-John y que da título a su primer LP, Dylan nos dice en la canción que “Si por ti no fuera, la puerta nunca hallaría, ni el suelo jamás vería, estaría triste, si por ti no fuera”. Además de ser el único “single” del disco, es una sencilla pero cautivadora canción de amor de básicamente unos cinco acordes pero de gran calidez, tanto en la original como en la versión de Harrison.


domingo, 8 de enero de 2023

0738.- Southern Man - Neil Young



"After the gold rush" (1970) es uno de los discos más relevantes e influyentes del músico canadiense Neil Young. En el que fuera su tercer disco de estudio, Young incluyó algunos temas que son ya clásicos de su cancionero. Uno de ellos era "Southern man", que rompía además la marcada línea country-folk del álbum con una gran salva de rock vibrante y poderoso.

Neil Young escribió esta canción sobre la esclavitud y la quema de cruces en el sur de Estados Unidos en el vestuario del teatro Fillmore East en 1970. "Southern man" narra la historia de un adinerado "hombre del sur" que maltrataba cruelmente a sus esclavos, y en la canción Young le pregunta a su protagonista cuando devolverá todo el daño causado y la fortuna conseguida de manera tan ilícita ("Veía algodón y veía en negro, altas y blancas mansiones y pequeñas chozas. Hombre del sur, ¿Cuándo lo devolverás?"). 

Curiosamente, "Southern man" no fue elegida como single del disco, en favor de "Only Love Can Break Your Heart" y "When You Dance I Can Really Love", pero a día de hoy es un clásico imprescindible del artista canadiense, incluso por encima de los singles mencionados. Buena culpa de ello la tuvo el grupo de rock sureño Lynyrd Skynyrd, que escribieron su "Sweet Home Alabama" en respuesta a la letra de "Southern Man" y de la canción "Alabama", que aparecería en el álbum "Harvest" de Young dos años después. Lejos de alimentar ninguna polémica, Young declaró también su admiración por el tema de Lynyrd Skynyrd, e incluso llegó a interpretarla ocasionalmente en alguno de sus conciertos.

sábado, 7 de enero de 2023

0737.- After the gold rush - Neil Young



Siempre hay un álbum que puede sernos útil en cualquier momento de tu vida, lo puedes escucharlo cuando estas feliz o cuando estas triste, un disco donde no hay una historia exacta a la tuya pero cualquiera de las canciones puede encajar y formar parte de la banda sonora que es tu vida, unas canciones de una gran profundidad y significado, aquí lo encuentras, las letras y los instrumentos cobran vida con su creatividad, algo muy extraño de ver en un álbum de folk rock. Pero es mucho más que eso, es un material que surge de todo lo que Young ha hecho un disco perfecto y un gran ejemplo de lo que debe ser cualquier disco de rock. Incluso los errores aquí solo hacen que el álbum sea aún mejor. Un verdadero disco de cantautor, lanzado en los albores de una década que estaría dominada por ese estilo, After The Gold Rush es donde Young comenzó a presentar argumentos convincentes a favor de su estatus como uno de los principales escritores de su generación.


Lo primero que nos llama la atención de la canción que da titulo al álbum, After de gold rush, son los sencillos acordes de piano que resaltan una melodía sobresaliente, cuya claridad siempre se siente como si Neil Young fuera el metafórico leñador que tira el árbol, y si alguna vez hubo algunas líneas que describieran mejor a Neil Young joven son estas "Acostado en un sótano quemado / Con la luna llena en mis ojos". Bill Peterson toca la melodía principal sin un solo adorno adicional, simplemente flotando en el sonido cálido y vibrante del instrumento durante casi 50 segundos de una canción no precisamente larga. Cada estrofa de la canción no habla de un recuerdo de la vida real, sino de un sueño, que describe lugares de otro mundo de caballeros con armadura que hablan con reyes y reinas, y termina con naves espaciales que vuelan hacia la neblina del sol y la Madre Naturaleza misma esparciendo su semilla plateada. Sin embargo, estas desconcertantes descripciones tienen una delicada belleza e intimidad, ese espíritu surrealistamente confesional se encarna en los grandiosos y tambaleantes acordes del piano, induciendo esa sensación de asombro mientras trata de resolver esas experiencias trascendentes para comprenderse a sí mismo en el proceso. "After the Gold Rush" se siente como algo genuinamente mágica desde las primeras notas, te sientes tan irremediablemente perdido en estos fascinantes mundos como él, y su atmósfera se vuelve tan impresionante que tal vez quieras quedarte allí un poco más, un testimonio de lo increíble que es la canción que no perdió nada de su brillo místico es cuando se interpretó en vivo con el solo de armónica reemplazando al fliscorno. No podíamos esperar menos que esto del genio de nuestro querido viejo Neil, continúe y escuche la canción una vez más para rendir el homenaje que merece esta brillantez compositiva


viernes, 6 de enero de 2023

0736 - Domino - Van Morrison

0736 - Van Morrison - Domino

Van Morrison había escrito la canción Domino varios años antes de su lanzamiento en 1970. Conjuntamente con Lewis Merenstein como productor, se grabó en tres tomas que se remontan a las sesiones de otoño de 1968, en Warners Publishing Studio en la ciudad de Nueva York. Luego se grabaron otras ocho tomas de la canción durante varias sesiones en 1969 en el mismo estudio y nuevamente con Merenstein como productor.
La versión lanzada en His Band and the Street Choir se grabó en la primavera de 1970, en A & R Recording Studios en la ciudad de Nueva York con Elliot Scheiner como ingeniero. El periodista musical Erik Hage escribe que una de las razones para no lanzarlo hasta 1970 puede haber sido que Van Morrison creía que podría ser un sencillo exitoso y lo retuvo para evitar que cayera bajo la cláusula de un año en su lanzamiento de contrato. Este comunicado establecía que la editorial musical tendría derecho a la mitad de los derechos de autor de cualquier sencillo lanzado por Van Morrison en el año comprendido entre septiembre de 1968 y septiembre de 1969. Van Morrison había recibido una promoción de alto perfil cuando apareció en una portada de Rolling Stone y fue entrevistado por Happy Traum en julio de 1970. Como relató Van Morrison, Warner Bros. lo alentó posteriormente a lanzar un single aptos para la radio: "La compañía discográfica me estaba pidiendo un single, así que hice algunos como 'Domino', que en realidad era más largo pero lo cortaron". Al cumplir el deseo de Warner de una canción de éxito, Hage escribió que "Domino" "brillante, firme y maravillosa encaja a la perfección. La letra toca un tema frecuente de Van Morrison, la renovación ("Creo que es hora de un cambio". ), y la dinámica vocal, puntuada por el guiño de 'Señor, ten piedad' al gospel y a James Brown (quien se basó en gran medida en el gospel)."

En definitiva la canción Domino es una exitosa canción escrita por el cantautor de Irlanda del Norte Van Morrison, y es la pista de apertura de su cuarto álbum de estudio, His Band and the Street Choir. Esta canción es el tributo musical personal de Van Morrison al cantante y pianista de R&B de Nueva Orleans, Fats Domino.

Daniel 
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martes, 6 de diciembre de 2022

0705.- Lorca - Tim Buckley


Buckley había madurado muchísimo desde 1966, basta con leer un poco sobre su carrera y ver como el músico Lee Underwood menciona que Tim no estaba contento con esos primeros dos álbumes en gran parte porque no había encontrado su identidad musical, todavía era un cantante de folk en ciernes, de 20 años y carente de mucho éxito comercial o de crítica. Solo dos años después, Happy Sad mostró a Tim Buckley finalmente descubriendo esa identidad musical con su suave mezcla de elementos folclóricos y una música suave y relajante. Esta fue una fórmula mucho más única que cualquiera de sus trabajos anteriores, y aunque Blue Afternoon fue en gran parte más de lo mismo, mostró que Tim Buckley había comenzado a encontrar su estilo. Entonces, ¿qué sigue a esos dos álbumes? Bueno, Tim decidió tirar todo a la pared en cuanto al sonido. Que se sepa, Lorca es un viaje extraño y vanguardista de folklore que muestra a Tim Buckley pasando a la siguiente fase de su carrera; folk de vanguardia con elementos de jazz salpicados. En resumen, se podría decir que Happy Sad fue el momento en el que Tim Buckley comenzó a jugar con su composición para incluir composiciones más largas, Blue Afternoon es su incursión en una espiritualidad más etérea, y Starsailor es el disco en el que realmente se adentró en los reinos de la vanguardia, Lorca publicado en 1971 puede considerarse como la síntesis de los 3.


Con unos pianos algo tenebrosos abre el disco y comienza la canción que da título al álbum: Lorca. A esto le superpone una voz algo sumergida en elementos surrealistas que nos trasporta a esas "calles muertas" de las que Tim, inspirado en el poeta Granadino, nos habla en sus letras, solo hay que escuchar y si no son ávidos para el inglés busquen las letras ( y no solo de este tema) lo disfrutaran. Si Cohen nos infiere una poesía hermosa, tierra y nostalgia, Buckley nos sumerge en casi que una prosa, en algo antiguo, en algo perdido en el tiempo, sus melodías nos llevan a conmemorar Dioses antiguos, perdidos en el espacio y en la historia de la humanidad, nos lleva a tiempos inmemoriales, con una surrealista y a la vez mortífera poesía. Todo sumado una capacidad vocal única, digno de un bardo, desconocido pero glorioso. Esa apertura de "Lorca" con el riff del teclado y la línea de guitarra descendente fue tan rara, extraña y diferente a todo lo que había hecho Tim Buckley. Podría continuar diciendo mucho sobre esa canción principal porque me quedé un poco asombrado. A medida que la canción continúa, la línea de bajo descendente se extiende y luego un órgano de tubos y un teclado forman un muro de sonido alrededor de la incomparable voz de Buckley; sus inflexiones, gemidos y vacilaciones, todo lo que hace una actuación que se encuentra entre sus mejores. Diferente a cualquier cosa en su carrera anterior, y en muchos sentidos diferente a todo lo que he escuchado. Y eso que estamos solo ante una canción, pero es mucho mas, es algo que poco se había escuchado porque encontramos a Tim Buckley precariamente encaramado en una cornisa, como si representara una línea que separa la experimentación de la locura, otros se han enfrentado a tales limitaciones (me viene a la mente Brian Wilson cuando estaba escribiendo Smile ), pero la mayoría de los artistas nunca se acercan a realizar toda su capacidad creativa, Tim Buckley sí lo hace en Lorca .