Alta Suciedad - Andres Calamaro (Mes Andrés Calamaro)

 

Concluido su exilio voluntario en España, dando por cerrada su exitosa etapa junto a Los Rodriguez, Andrés Calamaro se pone un nuevo objetivo, retomar y revitalizar su carrera solista que había abandonado a finales de los ochenta. Para ello graba en Estados Unidos en el año 1997 junto a músicos de sesión de gran experiencia y la producción de Joe Blaney, lo que se convertiría en un clásico tanto en su carrera como para el rock nacional, Alta Suciedad que fue un hito en ventas, superando las 500 000 copias vendidas en todo el mundo (El segundo disco más vendido del rock argentino en aquel momento tras El Amor Después del Amor, de Fito Páez) y posibilitó la resurrección de su carrera en su país llevándolo a realizar gran cantidad de presentaciones en vivo. A menudo considerado erróneamente como su debut en solitario, lo cierto es que Calamaro contaba en los tiempos de “Alta Suciedad” con una trayectoria porteña de casi veinte años, ya fuese integrado en bandas (Raíces, Los Abuelos De La Nada) o rubricando con su nombre un puñado de interesantes discos pop, pero de sonido algo sintético. Instalado en Madrid desde 1989, tras responder a la llamada de Ariel Rot que prendería la mecha de Los Rodríguez, fue el inédito ensamblaje de rock porteño, raíz stoniana e influjo latino. Hacia 1996, cuando el proyecto se rompió tras una exitosa gira junto a Joaquín Sabina, Calamaro era ya el más célebre fichaje internacional del rock español. Y mientras el grupo hacía aguas, él esbozaba ya en maquetas caseras lo que sería su inminente presentación como músico solista en nuestro país.

 

Comienza de una forma que te impacta su sonido pesado, “Alta suciedad” es un ejemplo claro de las buenas letras que relucen a lo largo de todo el disco, sus primeros segundos dan la impresión que estaremos en presencia de un disco de rock clásico "pero era una mentira, para robarte un tal vez". Una guitarra distorsionada, la poderosa batería de Jordan, un riff perfecto, una sección de viento excelsa y para rematarlo un estribillo pegadizo absoluto. Todo un pelotazo. “Todo lo demás” nos baja un poquito el hype, es un buen tema, pero se ha relajado después del trallazo de presentación, una canción con un toque muy argentino, pero lo recupera con una canción con sutilezas pop, “Donde manda marinero” es una de las mejores canciones que Calamaro haya creado una alegoría a insatisfacción, tiene trazas de tango y gana con cada escucha. Damos paso al funk satinado de “Loco” donde destaca la presencia del bajista Chuck Rainey en la grabación, y parece diseñado para capturar el característico lucimiento sin alardes de los viejos músicos de sesion de música soul, Chuck encajó sin problemas la burbujeante línea de bajo que, junto a los efectos wah wah y los vientos, son los grandes protagonistas del tema, disfrutemos de un funk redondo donde los músicos se lucen y que se convirtió en single, y sirve a la vez para relajar un poco la intensidad, es un remanso a la espera de la próxima vuelta de tuerca… la joya… la célebre “Flaca”, que por muchas veces que suene en las radios sigue manteniendo intacta su belleza, una melodía de inicio arrebatadora da paso a una letra majestuosa, que habla del amor con espinas, el que duele y da vida a la vez, del que deja marca, una maravilla que los músicos impregnan de soul y que habla, dice Calamaro, “de los pequeños daños que nos hacemos a veces las personas”, una canción que se para en la frontera del amor y el desamor. Un pedido de derrota digna con las maletas en la puerta, que pide a gritos quedarse con un bonito recuerdo porque solo puedes quedarte con los buenos recuerdos.

  “¿Quién asó la manteca?” Suena un poco extraño dentro de lo que nos había regalado, es un funk al ralentí que brama contra el tedio y la mentira, un denso reggae en la línea calamariana más experimental, que empieza como un extraño relato gauchesco.  Lo voy a decir buen claro, al que escribe esto “Media Veronica” le parece una de las obras cumbres de la carrera de Calamaro, con una arquitectura pop muy beatle, basada en diseños alambicados y que tiene su origen en una mínima idea instrumental: juguetear con las posibilidades de una batería distorsionada envuelta en un sutil trenzado atmosférico (tejido en directo dentro del estudio, con bonitos ribetes de cello) que envuelve a la perfección uno de los textos más sugerentes de Calamaro, un tema que trasmite una melancolía extrema que se clava como un puñal en las tripas. En este tema se deja de experimentos y su piano inunda el aire de un dulce dolor tanguero que le da un desarreglo imprescindible. "Media Verónica" es una adolescente que pasa por los desamores como lo tiene que pasar cualquier adolescente que se aprecie como tal: dejando la vida en ello… ¿o quizás no?... un tema muy ambiguo sin duda alguna… “La vida es una cárcel con las puertas abiertas, Verónica escribió en la pared, con la tripa revuelta”.

“El tercio de los sueños” amago ranchero que se desarrolla entre imágenes taurinas, con Ry Cooder en el horizonte, una canción donde se confunden el blues y la ranchera y que ambienta un amor fatal en la corrida de toros de San Isidro, y que nos recuerda a José Alfredo Jiménez. “Comida China” es una delicadeza de apenas dos minutos que irrumpe a mitad de trayecto para darnos un descanso y de paso regalarnos una de esas fantásticas miniaturas que aguardan en los muchos escondrijos de este disco y que da paso a una de las canciones más redondas, “Elvis está vivo” Bob Dylan reaparece en el álbum, compartiendo foco nada más y nada menos que con Palito Ortega: la leyenda pop argentina se pasó por el estudio para injertar en el tema una imitación de Presley, lo que hace de la canción una delirante fantasía multirreferencial que bromea sobre la posibilidad de que el cantante realmente este vivo. “Me Arde” es el número Jagger / Richards del disco, casi hecho con plantilla, aunque entre medias brote un recitado de resonancias dylanianas ya que Bob es el modelo de ese fraseo tan sucia como sentimental que Calamaro readapta en este disco, y que perfeccionará de forma pletórica en “Honestidad Brutal”. “Crímenes perfectos” trata de aliviar una ruptura y supone otra de las cumbres de la grabación, con versos maravillosos: “Me parece que soy de la quinta que vio el Mundial 78, Me tocó crecer viendo a mi alrededor paranoia y dolor.  La moneda cayó por el lado de la soledad”. “Nada Es Igual” es un denso reggae en la línea calamariana más experimental, que empieza como un extraño relato gauchesco y deriva, a mitad de camino, en un monólogo de Antonio Escohotado, grabado expresamente para la ocasión, sobre las pequeñas miserias del oficio de vivir. La guinda del disco es “El novio del olvido” una preciosidad acústica que, con ironía, habla de la ¿imposibilidad? de mantener los lazos muerta ya una relación, y que Ribot teje con su guitarra. Es un brillante punto y final al álbum.

 

El resultado es un disco soberbio que se nutre del talento de un compositor en estado de gracia y de la calidad de unos músicos que barnizaron la grabación de música negra. Ninguna de las canciones flaquea, nada es prescindible, todo suma. Una delicia para los oídos.

Disco de la semana 261: No need to argue - The Cranberries

Escrito en gran parte durante una gira para apoyar a Everybody Else Is Doing It en 1993, No Need To Argue encontró a O'Riordan en un mal momento emocional a causa de una ruptura reciente mientras lidiaba con el éxito de su primer álbum. Pero también se expandió más allá de esta introspección para examinar los eventos del mundo que la rodeaba, lo que le dio al álbum una composición temática más amplia que su predecesor.

El álbum comienza con “Ode To My Family”, la canción habla sobre "tener éxito de repente y mirar hacia atrás a casa y preguntarse dónde quedo mi infancia", como reflexionó O'Riordan para Rolling Stone , la canción es un recuerdo lento y sombrío pero teñido de nostalgia de su juventud donde enfrenta las dificultades de su presente con los de su pasado, y específicamente con la percepción del público que tiene de ella, como se evidencia en el segundo verso de la canción. El ritmo se acelera con "I Can't Be With You", una canción de ruptura llena de arrepentimiento que encuentra a O'Riordan añorando un amor pasado y la historia que compartieron juntos. Sin embargo, funciona como una declaración de desafío e independencia, ya que reconoce que la relación no está diseñada para la longevidad y que no puede prolongar lo inevitable, aunque todavía alberga fuertes sentimientos por su pareja. 

"Twenty One" es una mirada hacia O'Riordan, que tenía solo 21 años cuando publicó el álbum debut de su banda en marzo de 1993, y en la canción enfrenta la relación entre su pasado y su presente y celebra la libertad que acompaña la transición de la adolescencia a la edad adulta, que puede, al menos simbólicamente, protegerla de las dificultades del pasado y ayudarla a seguir adelante con su vida. Llegamos al gran tema del álbum “Zombie” esta inspirada en el atentado con bomba del IRA de 1993 en Warrington, Inglaterra, que mató a dos niños e hirió a decenas más, la mencionada "Zombie" es una apasionada canción de protesta. Denuncia toda la violencia sin sentido y la victimización, “Podría hacer que la gente reflexione un poco sobre nuestra sociedad y en lo que nos hemos convertido”, explicó O'Riordan durante una entrevista de Los Angeles Times en noviembre de 1994 . “Sé que la guerra ha estado ocurriendo durante siglos y siglos, pero se supone que debemos volvernos más civilizados”. Según cuenta la historia, Island Records inicialmente intentó disuadir a la banda de dar luz verde a "Zombie" como el primer sencillo debido a su gran contenido, pero finalmente no lograron convencer a una firme O'Riordan y sus compañeros de banda. La sinfónica "Empty" es una reflexión inquietantemente hermosa sobre el arrepentimiento y la pérdida que conduce a emociones vacías, un hilo temático que resurge más tarde en las tristes "Everything I Said" y "Disappointment".

 

El momento más conmovedor del álbum llega con "The Icicle Melts", inspirado en el asesinato desmedidamente trágico de 1993 de un niño de dos años (James Bulger) en Liverpool, Inglaterra. A pesar de la profunda tristeza del tema de la canción, O'Riordan ofrece un mensaje de esperanza y redención en el coro, mientras canta: "Hay un lugar para el bebé que murió / Y hay un tiempo para la madre que lloró / Y ella lo sostendrá en sus brazos en algún momento / Porque nueve meses es demasiado, demasiado, demasiado tiempo”. "No creerías cuántos hombres hay en la industria de la música que miran a una mujer en un sentido sexual y solo quieren conocerte para llevarte a la cama", reveló O'Riordan durante un Hot Press de enero de 1994, al hacer referencia el ímpetu de "Ridiculous Thoughts". “Incluso personas que alguna vez respetaste y que creías que te valoraban por tu mente, tu alma, tu talento, terminan queriéndote por una sola cosa y eso realmente puede ser decepcionante… Y peor aún, algunos de ellos quieren poseerte, lo cual es aún más aterrador”. El punto culminante supremo del álbum, en mi opinión, la introducción etérea de la canción da paso a un trabajo de guitarra cargado en el que O'Riordan muestra su amplio rango vocal, mientras exorciza el desencanto que surge al encontrar el engaño y la traición entre personas en las que alguna vez confiaste. Sin embargo, no todo es pesimismo a lo largo de No Need To Argue , ya que la entrañable y melancólica canción de amor "Dreaming My Dreams" es optimista y repleta de cuerdas dedicada a su entonces esposo Don Burton, el ex gerente de gira de Duran Duran y el responsable de producción de The Cranberries en ese momento. “Yeats' Grave" traen algo de folk-rock celta a la mesa y presentan una interpretación vocal fuerte y sorprendente en un elegante homenaje al famoso poeta del siglo XX, W. B. Yeats. “Daffodil Lament”, es un tema donde la voz de O'Riordan trasciende por encima de la música donde escuchamos a O’Riordan describir una decisión difícil de terminar un romance con una pareja que no es agradable. La canción es más larga del álbum, ya que contiene una acumulación inquietante al principio con una transición a una canción más alegre in crescendo y se nota que es importante para Dolores. Una de las cualidades brillantes de la banda se muestra en esta canción en particular, y esa es la poderosa presencia femenina que O’Riordan aporta al álbum, y aportaría a muchos más, ya que sus letras comienzan a agregar un tema fuerte y desafiante al grupo. Música para hacer historia y dejar otro gran lugar para la música de Irlanda junto a campeones de la talla de U2 o Thin Lizzy. “No need to argue”, la canción, engarza, como un guante con el final de Daffodil Lament, pero ofrece el colosal registro de voz de la hoy fallecida intérprete, acompañado, únicamente, con un órgano. Con ese final que pone los pelos como escarpias… Una canción para los momentos malos que, singularmente, refuerza el ánimo.

 No Need to Argue sigue siendo el álbum más vendido y ampliamente aclamado del grupo y no es difícil ver por qué. Se mantienen los tonos del álbum anterior, pero hay un poco más de oscuridad en cuanto a las letras y la pesadez de algunas pistas que se centran en los resultados de la guerra y el dolor. Si bien el último álbum tuvo megaéxitos que se destacan como sus firmas, de principio a fin encuentro que No Need to argue es más disfrutable con pistas que nunca me dejan con ganas de un poco más, estoy satisfecho.

Disco de la semana 256: Crooked Rain, Crooked Rain - Pavement

 

Pavement, banda estadounidense cuyas letras atrevidas y texturas sonoras derivadas del punk se fusionaron en una poesía de referencia flotante que personificaba el rock universitario de los noventa. Los miembros originales eran cantante, guitarrista y compositor principal Stephen Malkmus y el guitarrista Scott Kannberg. El batería original Gary Young, un veterano de la contracultura que dirigía el estudio donde Pavement grabó inicialmente, fue reemplazado por Steve West en 1993, el Percusionista Bob Nastanovich y el bajista Mark Ibold se incorporaron en 1991 y 1990, respectivamente. Formado en Stockton, California, en 1989, Pavement fue uno de los primeros grupos musicales en alcanzar la mayoría de edad dentro de la subcultura del indie rock, formando sus identidades musicales escuchando REM. Sus primeros lanzamientos, luego compilados en el álbum de 1993 Westing, ofreció fragmentos comprimidos de sonido industrial y fragmentos de pop de baja fidelidad sorprendentemente melódico (Baja fidelidad: música hecha con equipos de grabación rudimentarios, como cintas de cuatro pistas). Pero Slanted and Enchanted (1992) reveló una nueva grandeza, con enigmáticos himnos de devoción subcultural que tratan la vida de los holgazanes como un derecho propio. Después de este álbum llegaría Crooked Rain, Crooked Rain, el álbum que tendría que consagrarlos.

 

Silence Kit tiene a la melodía de "Every Day" de Buddy Holly como base ¿dónde más podríamos escuchar esa melodía en la forma de rock indie de principios de los 90? Una reinvención fantástica, con guitarras ruidosas, la letra por supuesto es marca de la casa, una pequeña reivindicación de como dejar a tu familia por la vida del rock n roll y arrepentirte. Interesante cómo cambia allí al final. Elevate Me Later, es una buena cancion, todos estamos de acuerdo, sí, es solo un riff, en términos de un interés musical sostenido, pero es un riff lo suficientemente agradable como para dejar que te inunde mientras pasas por la ciudad que olvidamos nombrar, pero nos gusta, porque están mezclados tan jodidamente ruidoso. Hay mucha locura en las letras, supuestamente es una canción es "anti-pc", cuando dice "hay 40 tonos diferentes de negro", quiere decir que hay muchas formas diferentes de ver algo negativo, o hay muchos tonos diferentes que podría tener una percepcion negativa, me encanta este mensaje, aunque es un poco críptico, realmente edificante. Escuchar Stop Breathin y escuchas a Malkmus cantar 'Papá, me han destrozado' como una pregunta y luego compruebas que esta el mismo para responderla, y en medio de todo esto, curiosamente, jodidas imagenes otoñales, y siento su confusión y, por extensión, la confusión de muchos otros: querer hacer lo correcto por todo el mundo, pero sin haber sido debidamente capacitado para saber exactamente cómo hacerlo, o incluso si es lo suficientemente posible como para que valga la pena intentarlo. ¿quién soy yo para decirle que no al melancólico brillo del indie-rock cuando nos lo sirve de esta manera tan dulce? Y sino mira la pequeña genialidad que nos entrega ¿solo / riff / build? Al final de la canción, estos tíos te vuelven loco, nunca sabras hacia lo que te llevaran las canciones. 

Es imposible no amar Cut your hair, una de sus canciones mas conocidas y por una buena razón, tiene ese estribillo pegadizo de "oooh oooh oooh oooh oooh oooh", y un rock muy divertido en todas partes, la pista incluye un coro tarareable al instante y varias observaciones sobre la música popular “Cariño, no te vayas a cortarte el pelo / ¿Crees que te hará cambiar?", Y a medida que avanza la pista, es obvio que la canción se centra en la industria de la música, en la loca escena musical de los 90, específicamente en cuántas bandas nuevas se preocupaban más por su imagen que por su música. Por el contrario, Pavement nunca se preocupó de su imagen. Newark Wilde suena exactamente como el rock indie, Si, es suficiente, la transición del coro al verso es perezosa incluso para los estándares de esta banda. La mejor parte de la canción, de lejos, es esa pequeña y pequeña guitarra que la abre, y de esa manera la canción me recuerda al "Try Not to Breathe" de sus héroes REM, más o menos contemporáneo, con su sublime Línea de guitarra de apertura (de un guitarrista que no era un santo) que justifica toda la mediocre canción. No es particularmente atractivo, y seguramente no es genial, pero tiene algo bueno, lo que pasa con Pavement es que todo lo que ofrecen es al menos interesante y único y eso realmente es suficiente. Unfair es sin duda una de las canciones más ruidosas y más "abrasivas" del álbum), es difícil no subir el volumen de esta canción y ponerla a todo volumen. Hay muchas frases geniales sobre California, pero sobre todo son emocionantes y catárticas. Me gusta la forma en que alternan entre canciones melosas y rockeras.

 

Gold Soundz es otra gran canción con una excelente letra, incluso no sepas exactamente qué significan, algunos ejemplos: "el juicio es por el arma encontrada" "eres el tipo de chica que me gusta, porque estás vacía y yo estoy vacío" "nunca puedes poner en cuarentena el pasado". Es breve, pero perfecto, Malkmus siempre ha sido muy hábil para interpretar el papel del rey bufón, perpetuamente irreverente y casi nunca 100 por ciento sincero, y sus mejores momentos son aquellos en los que su fachada imperturbable se resquebraja y un indicio de vulnerabilidad brilla, y este es el mejor de ellos. 5-4 = Unity no es nada innovador, sirve como intermedio entre dos de las canciones de mayor calidad del álbum, una canción instrumental que sirve de preludio a otro pelotazo. Range Life con la increíble línea de guitarra, y, lo mejor de todo, los coros. Malkmus intenta tocar una nota que está MUY fuera de su rango vocal y, por supuesto, se pierde por completo, pero es la cosa más encantadora de la historia, así que no me importa, una canción de rock alternativo country sobre la necesidad de establecerse en la vida doméstica, una canción tan maravillosa que casi desearía que Malkmus nunca cantara ese verso de Smashing Pumpkins, no porque sea mala o perjudicial para la canción, o porque no transmita el sentimiento de genuino desafecto hacia la corporación musical, una burbuja de pensamiento aturdida, de flujo de conciencia de un niño que se da cuenta de que está viviendo en una época en la que nadie parece tener nada que decir. Heaven is a Truck es otra bonita canción, quizás después de Range Life se nos queda corta, pero hay que disfrutarlaen ella misma, es el estado de ánimo que encaja perfectamente después de Range Life y tiene una gran letra, inquietante y absurda. 

Para algunos críticos el punto más alto del álbum es Hit the Plane Down, para mi posiblemente una de las pistas menores, aunque también es creativa y divertida cuando estás de humor. Supuestamente se basa en esa película "Alive". Fillmore Jive conlleva el mismo tipo de desafecto de calles nebulosas, un tenue estado de fatiga en el que no estás seguro de en qué dirección moverte la voz de Malk aporta algo especial y digno de empatía a los acordes lluviosos y serpenteantes; es como murmurar juntos en una habitación, enfadados y nerviosos porque no te dejan dormir.

La música en historias: The division bell - Pink Floyd #MesPinkFloyd

 

Si esté álbum hubiera sido el final de Pink Floyd, habría que decir que es un más que digno punto final, a una de las más grandes e influyentes bandas de rock de todos los tiempos, aun asi el álbum ha sido muy minusvalorado, más que nada por la ausencia de Roger Waters, una baja muy sensible, sin embargo Gilmour y compañía han sabido sacar a delante un álbum, muy compacto, y sin dudas mejor que su antecesor, en el que se distinguen los signos musicales inconfundibles de la banda, con muchos temas de corte épico, con extraordinarios pasajes en las guitarras que hacen recordar algunos de sus álbumes insignia como el The Wall, o el Wish You Were Here.

 

“Cluster One” es la apertura perfecta para el álbum, ya que retrata la naturaleza atmosférica y contemplativa del álbum es perfecta la instrumentación de ida y vuelta con piano y guitarra, captando notas como un insecto abriéndose camino a través del agua. El efecto es soñador y fascinante, un tema que te pone en alerta de lo que está por venir. “What do you want from me” es un cambio total en el sonido anterior, aun asi permanece la esencia, los solos de esta canción también son una gran muestra del estilo de interpretación de David Gilmour, un equilibrio entre dulce y agresivo, y una voz bastante extraña de la misma manera y los cantantes de respaldo hacen un gran trabajo para construirlo, la parte más destacable es el puente. La canción cuestiona la expectativa indiscutible que tanto los críticos como los fans han puesto en Pink Floyd. ¡Gran canción! “Poles apart” es otra canción es otra vuelta de tuerca en el sonido del album, puede parecer rara pero no incomoda, una pista pop ligeramente progresiva, tiene un estado de ánimo particularmente esperanzador, el serpenteante toque de la guitarra acústica, junto con el bajo, hacen una gran combinación. La sutil guitarra lap steel se alza con la interpretación vocal, que encapsula perfectamente la atmósfera. La canción hace hincapié en la separación de los objetivos de Waters y Gilmour, y cómo querían ir en diferentes direcciones musicalmente. Marooned es otro tema de atmósfera en el disco, un intento de recrear el valor emocional y social de "Echoes", sin embargo, los multiinstrumentos parecen crear una emoción opuesta en relación con las emociones arrojadas por "Echoes". La percusión aparece a los 2:30 minutos y, presenta las emociones genuinas que la pista intenta retratar, es aunque parezca mentira la gran protagonista de este tema y esa omnipresente guitarra, en un tema que transmite mucha felicidad. A Great Day For Freedom, destaca por los coros y el hecho de que esta canción realmente mantiene viva la atmósfera. Creo que las letras hacen un trabajo decente hablando de la caída del Muro de Berlín, aunque el verdadero espectáculo es el solo de guitarra y ver como se fusiona muy bien con la percusión progresiva, resultando un bucle fascinante de composiciones musicales intensas que va añadiendo algo nuevo a la canción, realmente brillante.

 

'Wearing the Inside Out', escrita y cantada por Rick Wright, es una canción reflexiva y cautelosa sobre la depresión, un tema en el que más tarde dedicaría todo un álbum, es               posiblemente la pista más singular del álbum en relación con la producción anterior de Pink Floyd. Creo recordar a alguien que dijo que 'Taking It Back' fue el intento de Floyd de superar a U2, y es que suena como U2, con el timbre de la guitarra de apertura similar a la famosa introducción de The Joshua Tree . Pero dejemos de lado la comparación y detengámonos en la interpretación vocal de David, el simple pero poderoso ritmo de la batería y los coros, esta triada hace realmente grandiosa la canción. Yo diría que esta canción no se basa en la atmósfera, pero la transmite de manera asombrosa. La preparación para el clímax de la canción es increíble, y me encanta cuando las guitarras se imitan entre sí hasta el clímax. ¡Realmente una gran canción! “Coming Back to Life” podría ser la mejor canción del álbum. Tiene cuatro partes, de más o menos igual duración (es decir, 1-2 minutos cada una). El primero es instrumental, la guitarra de Gilmour sobre un teclado. la voz de Gilmour, nunca ha estado en mejor forma, aparece para la siguiente parte, reemplazando la guitarra de la introducción, hacia la mitad del camino, el ritmo se acelera con la batería de Mason y la canción por un tiempo se asemeja a un himno de rock sencillo. La cuarta sección es una estruendosa guitarra, que termina con un corte repentino a través de las cuerdas de la guitarra.

“Keep Talking” presenta el sintetizador de voz electrónico de Stephen Hawking su monólogo es memorable, así como una guitarra 'talk box' para que suene como si la guitarra de Gilmour estuviera imitando burlonamente el repetido estribillo de los cantantes de fondo, la canción es bastante poderosa. “Lost for Words” es una canción sobre el tiempo y la energía inútiles que las personas gastan en atacarse entre sí. Probablemente tenga en mente a Waters en algunos puntos, pero no podemos estar seguros ni lo han confirmado, suena un poco como "I wish you were here", pero no lo suficiente como para llamarlo nueva versión. La melodía es increíble, y aunque la letra es oscura, la melodía alegre se contradice maravillosamente. “High Hopes" es grandiosa con el efecto de sonido de la campana continúa en el fondo a lo largo de la canción, y que a menudo se repite en las notas del piano. La canción hace referencia a las vertiginosas alturas a las que subimos, pero al final sugiere que "el deseo y la ambición" nos derribarán de nuevo lo que hace que suene como una marcha fúnebre. Es un cierre perfecto ya que resume en una canción todos los temas del álbum y ve la nostalgia con una mentalidad crítica. Los hermosos y ondulados acordes de piano combinan perfectamente con el solo de guitarra al final, es una de mis canciones favoritas de Floyd donde se fabrican eléctricamente emociones implacables.

 

Pink Floyd no alcanzó la gloria obtenida antaño con este disco, sin embargo, el álbum parece capturar múltiples aspectos destacados de la discografía de Pink Floyd. Crecí con canciones como High Hopes y Poles Apart, me encanta la vocalización relajante en su mayor parte, y los instrumentos naturalistas materializan este álbum en una de las muchas obras maestras de Pink Floyd. un álbum que logra poner mis emociones a través de instrumentos, todavía disfruto mucho de este álbum debido a las inquietantes y extrañas emociones que brotan a lo largo del álbum.

Disco de la semana 246: Come On In - R. L. Burnside

 

Come On In, R. L. Burnside

     Para la recomendación semanal de turno traemos una propuesta diferente, blues del Delta entremezclado con música electrónica y trip hop (fusión de hip hop con músia electrónica). El artifice: R. L. Burnside, uno de los grandes precursores del blues del Delta, y más concretamente de un estilo conocido como Trance Blues.

R. L. Burnside nace en 1926 en Harmontown, Mississippi (Estados Unidos), si bien pasa la mayor parte de su vida en Holy Spings, también en Mississippi. Su padre abandona a la familia desde que R. L. es pequeño, por lo que éste crece con su madre, sus abuelos y sus hermanos. De pequeño empezó a tocar la armónica y la guitarra, siendo una de sus principales influencias Mississippi Fred Mcdowell, quien era vecino suyo. Otras influencias para él fueron John Lee Hooker y Muddy Waters. 

A finales de la década de los 40 se muda a Chicago en busca de más oportunidades económicas, encontrando trabajo en varias fábricas dedicadas al vidrio y el metal. En menos de un año de su estancia en Chicago, un hermano suyo, su padre, quien vive allí, y un tío suyo son asesinados, por lo que Bunside, destrozado, regresa a Mississippi. En 1959 R. L. mata a un hombre debido a una disputa originada por el dinero que se juega jugando a los dados, aunque únicamente pasa 6 meses en la carcel gracias a la intermediación de su patrón, quien necesita al músico para que conduzca el tractor de donde trabaja.

Durante las décadas de los 60 hasta lo 90, R. L. Burnside pasó los siguientes años en Mississippi ejerciendo como músico a tiempo parcial, mientras trabajaba como aparcero, como pescador y como conductor de camión. Alternaba su trabajo tocando en locales de música, bares, picnics, fiestas, y en algún festival ocasionalmente. Durante esas décadas Burnside grabó varios discos, tanto en solitario como con una banda formada por él junto a dos de sus hijos y un nuero, llegando incluso a grabar en Holanda. Hasta entonces, en toda su obra predomina la guitarra acústica. Lo que no sabía R. L. es que su vida daría un giro inesperado en la década de los 90 que le permitría vivir completamente de la música, algo que no había logrado hasta entonces. 

A principios de los 90 R.L. consigue que Matthew Johnson se fije en él y le fiche para su sello recién salido sello discográfico Fat Possum Records. Así publica Bad Luck City en 1992, y Too Bad for Jim en 1994, los cuales le empiezan a prpoporcionar cierto éxito. En 1996, la banda de punk-rock-blues John Spencer Blues Explotion se fija en él gracias a estos últimos discos y graba con él el álbum A Ass Pocket of Whiskey, realizando además una posterior gira con él. Si bien este disco con un toque muy duro y crudo, no fue muy bien visto por por el sector más purista del blues, pero le abrió las puertas de otro sector, el de un público que se movía en una escena más undergorund del rock. 

En 1997 los dirigentes de su sello discográfico, Fat Possum Records, son conscientes que uno de sus artistas más punteros, R. L. Burnside, se está devaluando, debido en parte a la mala recepción por parte de la crítica de su último diso hasta entonces, Mr Wizzard. Deciden proponerle entonces un disco donde el blues se encuentre con la música electrónica. En un Principio Burnside, quien tiene ya 71 años, se muestra escéptico sobre esta idea, si bien al final decide apostar por el inusual proyecto. El álbum fue producido casi en su totalidad por el músico, compositor y productor de discos estadounidense Tom Rothrock, a excepción de una versión en vivo del tema Come On In, el cual fue producido por músico y productor, presentador de programas de radio y propietario de un local de música en Phoenix, Arizona, Bob Corritore. 

Así se gesta el álbum Come On In, publicado en 1998 por el sello discográfico Fat Possum Records, donde se mezcla y fusiona el blues y la guitarra de R. L Burnside con la musica dance y la música eléctrónica, incorporando además técnicas de muestreo y de bucle. Una fusión que en un principio fue considerada inusual por la crítica, y que acabó recibiendo ellogios por parte de ésta, consiguiendo además unas buenas cifras en ventas. 

Come On In remezcla la música de Burnside con ritmos electrónicos, dando como resultado una ruidosa fusión de blues con música dance. Más raro es aún encontrarse en un disco de blues del delta con música programada y remezclada, pero Burnside hace que ésta fusión fluya como algo natural, dejando que a lo largo del disco el blues se vaya entremezclando y cortando con ritmos eléctrónicos y de hip hop.

Se esperaba que Come In On alejara a los más puristas del blues, pero este se vendió con fuerza llegando a alcanzar el puesto número 20 en el Core Chart Radio, y parte de la crítica vio este álbum como la próxima evolución del blues. Un disco donde podemos disfrutar, por ejemplo, de temas con fuertes riffs como Let My Baby Ride, o temas más remezclados como Don't Stop Honey y It's Bad You Know. Come On In y Just Like a Woman son por el contrario los temas menos tecnificados del disco, más naturales. Un disco que no te dejará indiferente en absoluto.

La música en el cine: (Everything I Do) I Do It For You - Robin Hood: Príncipe de los ladrones

 

(Everything I Do) I Do It ForYou, Bryan Adams

     En 1991 se estrenaba la película de aventuras Robin Hood: príncipe de los ladrones, dirigida por el director y guionists estadounidense Kevin Reynolds, y portagonizada entre otros por Kevin Costner, MOrgan Freeman, Elizabeth Mastrantonio, Alan Rickman y Christian Slater. La película, bajo la producción de Warner Bros. Pictures, fue estrenada concretamente el 14 de junio de 1991 en Estados Unidos, llegando a la gran pantalla en España una semana despues, el 21 de junio.

La trama de la película gira en torno al personaje de Robin de Locksley, más conocido como Robin Hood, interpretado por Kevin Costner. Robin es un noble inglés que, unido al rey Ricardo, Corazón de León en la tercera cruzada, es encarcelado en una prisión de Jerusalén. En su huida de la prisión conoce al también preso Azeem (Morgan Freeman), quien agradecido porque Robin le ha salvado la vida, decide quedarse con él hasta devolverle el favor. Cuando Robin y Azeem llegan a la tierra del inglés, ésta está gobernada por el déspota sheriff de Nottingham, quien está ayudado por su primo Guy de Gisborne y la bruja Mortiana. Robin descubre que su padre, Lord Locksley, ha sido asesiando por no querer juntarse con el malvado sheriff, por lo que decide urdir una venganza ayudado por Azeem, y empieza a robar a la nobleza y la iglesia para repartir su riqueza con los más desfavorecidos.

La sonora de la película fue compuesta, orquestada y dirigida por el compositor británico Michael Kamen. Incluida en la banda sonora de la película se encuentra la canción (Everything I Do) I Do It For You, interpretada por el canadiense Bryan Adams. El tema fue un auténtico éxito, alcanzando el puesto número uno en una treintena de países, incluyendo Reino Unido, donde permaneció en ese lugar durante dieciseis semanas, y Estados Unidos, donde permaneció durante siete semanas. 

El tema forma parte del álbum que se comercializó de la banda sonora de la película. El tema se basó en la música orquestal de Kamen y fue escrita y arreglada por Bryan Adams y Robert "Mutt" Lange, siendo éste último también el productor de la canción. El tema fue escrita en Londres, en el estudio en el que trabajaba Bryan Adams, quien tardó unos 45 minutos en escribir la letra junto a Lange. fue grabada en el estudio por Bryan Adams (voz principal, coros y guitarra rítmica), Bill Payne (piano), Mickey Curry (batería), Larry Klein (bajo), Keith Scott (guitarra solista y coros) y Mutt Lange (sintetizadores). La canción, que no hace referencia alguna a la película, funcionó a las mil maravillas fuera de ésta, convirtiéndose en todo un éxito como Bryan Adams nos cantaba su devoción por  una chica, haciéndole saber que valía la pena morir por su amor. 

La musica en historias: Fresh Evidence - Rory Gallagher (Mes Rory Gallagher)

 

La música en historias: Fresh Evidence - Rory Gallagher #MesRoryGallagher

Como despedida de un mes dedicado a un artista del blues rock, nos vamos a ir en homenaje a Rory Gallagher con uno de sus últimos discos.

Rory Gallagher publicó el disco Fresh Evidence en 1990, este fue su último álbum como hemos dicho y el undécimo álbum de estudio que publicaría el artista antes de su muerte en 1995.

Este álbum fue publicado por su propio sello discográfico Capo Records para el Reino Unido y por Interscope Records para los Estados Unidos.

Sus canciones en este último álbum hablan de enfermedades y todo ello pareciera ser un presagio de la enfermedad que arrastraba Rory ya que en sus canciones nombra temas como la muerte y la mala salud. Por ello creo, que todo hace pensar que ese presagio anima al artista no solo a tocar con su banda habitual en este álbum, sino que incluye una serie de músicos invitados, destacando el piano de Lou Martín quien le acompañaba habitualmente, así como una sección de vientos, armónica y acordeón, una vez más un excelente trabajo por parte de Rory Gallagher y una vez más demuestra su amor por el blues y la música tradicional.

Y no lo decimos nosotros, tras la muerte de Rory Gallagher, algunos críticos consideraron que este disco es un verdadero reconocimiento a la enfermedad que tenia el artista, y al momento de realizarse la publicación del disco dicha enfermedad no era de publico conocimiento.

Su obra Fresh Evidence comienza con Kid Gloves un rock de su vieja escuela que el solo Rory Gallagher podría interpretar junto a su guitarra, y acompañado por Lou Martin en los teclados.

La segunda canción que continua en el disco es The King of Zydeco un tributo a su amigo Clifton Chenier un gran acordeonista con el cual Rory Gallagher realizo actuaciones en conjunto, así que no faltan los arreglos de acordeones en esta canción.

A continuación, Middle Name con un sonido más romántico, la canción encierra riff del artistas y punteos con su guitarra, y no falta la armónica, la canción lleva un tono suave y despacio como si quisiera dar un subidón, pero nunca despunta, si demuestra su sonido en las entradas de su guitarra.

El disco avanza demostrando que Rory Gallagher es un verdadero maestro con su guitarra, y esto si a alguien le quedaban dudas, el maestro interpresa Alexis su cuarta canción con un sonido de guitarra único, que es acompañado por su banda en una canción que vale la pena de escuchar en cuatro minutos de autentico rock.

Empire State Express otro homenaje dentro de este disco y es dedicada a su autor Eddie “Son” House. Esta canción no es la primera vez que Rory Gallagher la interpreta.

Vamos nuevamente con un blues del artista irlandés Ghost Blues, y este es un blues de 8 minutos de duración que como nunca en manos de este maestro del blues demuestran una guitarra acústica, en un solo de guitarra que confirma nuevamente el poderío de su música, uno de los mejores blues claramente.

Vamos ahora nuevamente con otro blues Heaven's Gate y aquí la connotación de ese repentino sentido con la muerte que demuestra la letra de la canción, pero de repente saltamos a The Loop una canción netamente instrumental que el artista sabe hacer de las suyas.

Walkin' Wounded nos marca las dos últimas canciones del disco por venir, y nuevamente de forma inconsciente o consciente el artista nos refleja su frágil salud. Y por último Slumming Angel como despedida, Rory Gallagher se pone en plan duro con influencias a lo Jimi Hendrix cerrando un excelente álbum. Posteriormente, en otras reediciones se incluirán dos canciones más del artista, Never Asked You for Nothin' y Bowed But Not Broken.

¡Esta obra es una verdadera despedida de un maestro como fue Rory Gallagher, así que maestro nos encantó tenerte aquí!

Daniel
Instagram Storyboy

 

La música en historias: Vibrator, #MesTerenceTrentD'Arby

Si hay algo que se puede decir sobre Terence Trent D'Arby , es que nunca ha entregado un álbum porque si, desde el desafiante debut de Introducing The Hardline (1987) hasta la obra maestra mal juzgada de Neither Fish Nor Flesh (1989) y su experimento sónico de Symphony or Damn (1993), cada lanzamiento te mantuvo interesado en lo que vendría después. Para su cuarta entrega musical, el artista ahora conocido como Sananda Maitreya aposto todo al negro, con Vibrator , facturó un álbum que se reproduce como una colección de grandes éxitos de canciones que nunca has escuchado. Es multidimensional, se basa en el alma de su debut y agrega guiones de sus obras más vanguardistas. Es ecléctico, claro, pero no hasta el punto de ser desorientador.

Y como muestra Vibrator un verdadero funk rockero con gruesos riffs de guitarra y el back beat inspirado en "Cold Sweat", mientras la voz de D'Arby se transforma de suave y seductora en los versos a estridente y áspera en los coros, simplemente en estos cuatro minutos, se ve claramente por qué Terence Trent D'Arby es un artista tan cautivador. Supermodel Sandwich, es un jugueteo con carga sexual, tiene suficientes giros irónicos para mantenerte en movimiento y se ve reforzada por un guiño no demasiado sutil a "Fama" de Bowie en su melodía vocal descendente. En Holding To You está de nuevo D'Arby exponiéndose al riesgo y la ilusión de un nuevo amor, y los dulces sacrificios que trae el compromiso. Con una sensación de alma que arde lentamente, D'Arby transmite la pasión sin esfuerzo y sigue siendo uno de sus momentos más poderosos del álbum. Read My Lips (I Dig Your Scene) se lanzó originalmente como instrumental, D'Arby consagra al oyente en un remolino de sonido psicodélico con cánticos místicos, loops de batería invertidos, samples asustadizos y momentos de pura felicidad. Desarrollado con nuevas voces, la entrega suave y lánguida de D'Arby atrae al oyente. La hermosa combinación de Undeniably y We Don't Have That Much Time Together en casi el centro del álbum muestra aún más la capacidad de D’Arby para hacer girar hacia un hechizo encantador al oyente. Undeniably con su relato de un amor pasajero que hace que uno "envíe un beso a lo que podría haber sido", ofrece un resplandor cálido y parpadeante que irrumpe con un giro inspirado en el jazz en los minutos finales. Totalmente distinto que encontramos en la suave Bossa Nova de We Don't Have That Much, una seductora narración romántica del amor contrarreloj. La sensación de brisa se ve reforzada por la dulce entrega de D'Arby y el giro de la frase cantada, y líneas como "El cielo es solo la mitad de la distancia entre tu alma y la mía" cierran el díptico.

 

Su habilidad para fusionar géneros, atraer influencias, rendir homenaje, innovar y hacer las cosas suyas se aplica a lo largo del álbum con un toque hábil. En temas como el funk trippy de "CYFMLAY?" mezcla ritmos soul de hip-hop con sutiles vibraciones de la jungla, colores con toques de pinchazos de cuerno y una encantadora combinación de voces para una experiencia casi hipnótica. Y de nuevo otro giro, tiempo para la balada y destacando con el piano llevado al extremo en If You Go Before Me antes de meternos otra vez en terreno de locura y de exploración sonora con Surrender, que trata sobre un sentido de reconocimiento del alma / ego ayudado por voces de estilo gospel y un ritmo ondulante. Luego pasa a TTD's Recurring Dream con su inquietante melodía y entrega vocal, ofreciendo suficientes metáforas para mantener ocupado a Freud durante unos días. Resurrección es quizás la pista más fallida, no es que sea mala, pero termina siendo demasiado grandilocuente y dramática y quizás otra mirada le hubiera permitido mantener el nivel hasta ahora mostrado. Cierra con It's Been Said para recordarnos que D'Arby puede ser uno de los artistas más subestimados y menospreciados.

 

El álbum en su esencia es un viaje espiritual. Una experiencia para mover el corazón, el alma y los pies. En su mayoría tiene éxito en esta misión, como se señala en las pistas antes mencionadas, y en ocasiones falla, como con la demasiado grandilocuente y dramática “Resurrección” que posiblemente podría haberse beneficiado de otra mirada. Con Vibrator , Terence Trent D'Arby entregó un álbum que puede no haber estado lleno de éxitos cuantificables, pero es innegablemente acogedor y agradable. Sus momentos de brillantez son memorables y es una lástima que el álbum no haya recibido su merecido en el momento de su llegada. La publicación de Vibrator pasó desapercibida, en parte, debido a que la compañía discográfica decidió no apoyar su difusión, con la excusa de que sus canciones eran demasiado rockeras para ser de soul y demasiado souleras para ser de rock, evidenciando la estrechez de miras propia de un mercader que concibe una obra de arte como un producto para vender en el mercado. Ahora, muchos años después de su lanzamiento, merece una reevaluación considerada. Al igual que su creador. 

El disco de la semana 235: Cocteau Twins - Treasure

 

Estamos ante un álbum que en sí mismo no es solo un tesoro para el oyente, sino también el modelo para todo el dream pop, un álbum que sienta las bases con voces operísticas inquietantes y guitarras etéreas y arrolladoras. La carrera de Cocteau Twins abarcó la década de los 80, una década que comenzó con el post-punk y terminó con el nacimiento del shoegaze, un género que, en ese momento, sonaba revolucionario. Cocteau Twins sirvió de puente entre los dos géneros. Hasta entonces, el guitarrista Robin Guthrie y la vocalista Elizabeth Fraser ya lograron crear una fórmula muy personal, hecha de voces etéreas y guitarras soñadoras y sobreefectivas para crear paisajes sonoros psicodélicos y de otro mundo. Sin embargo, el dúo todavía debía mucho a las tendencias del darkwave y el post-punk (Siouxsie y las Banshees sobre todo). La incorporación del bajista Simon Raymonde a la formación en 1984, así como el éxito de sus sencillos más suaves en las listas independientes (“Pearly Dewdrops-Drop”), llevaron el sonido de Cocteau Twins a territorios aún más experimentales. 

“Treasure” se caracteriza por un enfoque más abstracto y lírico, creando una atmósfera atemporal y mística con elegantes elecciones de textura, alejándose significativamente de las raíces post-punk de su debut, las guitarras ahora están teñidas de distorsión, las voces angelicales y de otro mundo, y la batería monolítica, en este álbum Cocteau Twins encontró su propio estilo, empezando porque Elizabeth Frazer apenas canta letras coherentes, mientras las palabras, frases y sonidos mezclados brotan de su boca en un estilo operístico, suena en parte como un ángel y en parte como un extraterrestre, siendo pionera en la técnica de shoegaze de usar la voz como otro instrumento y en el caso de este album, la voz podría ser el más importante de los instrumentos. Beth derrama todas sus emociones mientras canta, y junto con los instrumentos oscuros, Cocteau Twins te lleva a diez paisajes oníricos únicos a lo largo del álbum. Cada canción, apodada con un nombre arcaico y místico, es el alma de una diosa diferente. 

El álbum se abre con dos de las canciones más hermosas de los Twins, Ivo recuerdan más las raíces mas oscuras del grupo, con un enfoque más rítmico y un estado de ánimo sombrío e inquietante creado por guitarras fantasmales y voces hipnóticas, el poderío de la voz de Elisabeth se hace notar desde el principio. Lorelei se abre con Beth cantando con una voz casi en falsete, la línea de guitarra repetitiva hipnótica y un golpe de teclado simple y escaso, que se construyen para crear una de las melodías de dream pop más fascinante y contagiosa de todos los tiempos, logrando sumergirnos en un cuento de hadas. Con Beatrix adquiere una atmósfera casi medieval, aunque más tenue y suave en comparación con las otras pistas, puede parecer un poco lenta durante los primeros dos minutos, pero me encanta la interacción del bajo y las líneas principales de sintetizador a lo largo de la pista. Las guitarras post-punk crean tensión cuando la voz de Beth raya en el estridente en el conflictivo Persephone. La pista que suena más celestial del álbum es Pandora (For Cindy), las guitarras aireadas se mezclan con la voz ahora relajante de Beth y permiten que el oyente se sumerja en una euforia de ensueño, anticipa el pop maduro de álbumes posteriores, con Elizabeth Fraser gorjeando libremente sobre un fondo de jazz lleno de capas de guitarra nebulosas y borrosas. La segunda mitad del álbum comienza con Amelia, que recrea la sensación algo oscura y suave que pudimos disfrutar en Beatrix, y Aloysius que se hace eco de manera similar de Pandora. Cicely continúa con la tradición de Beatrix y Amelia, pero agrega una potente línea de bajo y, a veces, un ruido de guitarra inquietante y casi disonante. Casi completamente desprovisto de percusión, Otterley sirve como una pista de ambiente inquietante, posiblemente romántico, mientras Beth susurra casi inaudiblemente sobre guitarras escasas y hermosos sonidos ambientales, una pieza ambiental nocturna y sensual que hunde suavemente al oyente con ondas reverberantes de guitarras y susurros que suenan como la llamada de una sirena desde las profundidades del océano. Treasure cierra con Donimo, una canción que mezcla la mayoría de los elementos que encontramos a lo largo del disco. Comienza con un ambiente misterioso creado por drones y teclados oscuros, con destellos repentinos de luz traídos por las melodías vocales juguetonas, casi infantiles. Luego, la banda completa entra en acción y convierte la pesadilla en una canción de cuna austera y etérea.

30 años después, Treasure todavía suena innovador y completamente único para los nuevos oyentes, lo que lo convierte en un disco atemporal e increíblemente influyente. Sin este disco, no habría bandas como Slowdive, Mazzy Star o Beach House. Treasure es una necesidad para todos los que aman no solo la innovación del dream pop de los Twins, sino también el post-punk, shoegaze, goth rock y todo lo que sea de ensueño, etéreo, hipnótico o de otro mundo. Es una parte esencial de la colección de cualquier amante de la música moderna.

La música en historias: Deja Que Les Diga Que No! - #MesRosendo

Deja Que Les Diga Que No!, Rosendo

     El quinto álbum de estudio de Rosendo, Deja Que Les Diga Que No!, es publicado bajo la discográfica DRO debido a que la discográfica con la que trabaja el Maestro de Carabanchel, Twins, ha sido adquirida por DRO. El disco cuenta con la producción de Rosendo y de Eugenio Muñoz, ingeniero de sonido, productor con el que seguiría trabajando posteriormente y que se convertiría en mánager de Rosendo.

El disco es publicado en 1991, y el resultado es la consolidación de la meteórica carrera del artista, las claves, la madurez que ha ido adquiriendo Rosendo, unido al magnífico trabajo a la producción de Eugenio Muñoz, y a la aparición en escena de la potente discográfica DRO, que se ha hecho con sus servicios al ser comprada la discográfica que tenía sus derechos, Twins.

Rosendo, a la guitarra y las voces, se mete en el estudio con Miguel Jiménez (batería y coros), Rafa J. Vegas (bajo y coros), Gustavo di Nobile (teclado y coros) y la colaboración de Luis Ronaldo Martín con su colaboración con un solo de guitarra en el tema Go home.

El disco, tiene una producción exquisita, unos grandes arreglos con unas muy buenas melodías, unos teclados muy bien encastrados, y unas letras que llevan el sello de Rosendo, a veces vacilonas, a veces con la seriedad que requiere, con esos dobles o triples sentidos que sólo el Maestro de Carabanchel sabe darles y que juegan al despiste con el oyente. El resultado es un muy buen disco que apuesta por el rock and roll con un toque clásico 

Comienza el disco con el tema que da título al disco, Deja que les diga que no!, uno de los platos fuertes del disco, un medio tiempo con unos arreglos melódicos y unos sólos de guitarra impecables. Puede que..., tema donde los teclados cobran el protagonismo, acompañados de unos buenos arreglos de guitarra acústica. Salud y buenos alimentos, tema con sabor a puro rock and roll y que contiene esas típicas y enigmáticas letras de Rosendo que parecen no decir nada, pero que debemos escuchar con atención, pues es justo todo lo contrario. Unos golpes de cincel, tema donde Rosendo recupera su esencia de tiempos anteriores, con un sencillo tema pero con un sólo con efecto distorsionado que nos recuerda que Rosendo es uno de los grandes de las seis cuerdas. Mala vida, además de rock and roll, Rosendo también se acuerda del blues, y este tema, que se encarga de cerrar la cara A, es una buena muestra. Un pedazo de blues con una gran letra donde Rosendo, con su voz y guitarra es capaz de darle su toque personal.

La cara B abre  con Borrachuzos, quién no se ha acordado alguna vez de la pandilla, "Clemente", "Juan" o "Alberto" cuando ha salido por ahí de fiesta. Sencillo tema de rock donde Rosendo vuelve a darle se extra y elevarlo a la categoría de temazo con esa alegre letra. Muy destacable el trabajo del bajo de Rafa J. Vegas en este tema. Pagando residencia, Con un oscuro comienzo de teclado, Rosendo nos deleita con el tema más oscuro y rabioso del disco, y que contiene un magnífico sólo de guitarra. Bacilo, vacila!, tema con aire y sabor a los Rolling Stones con una alegre letra. No es que sea de los mejores temas del disco, pero la alegre y original letra hace su escucha agradable. Tierra de nadie, nos vamos acercando al final con este lento tema donde los arreglos de teclados vuelven a pasar al primer plano, y que es la antesala del último tema de la cara B y que por tanto cierra el disco, Go home, una brillante crítica a los turistas con ese toque irónico y vacilón de Rosendo, y en contra de lo que indica el título, cantada en castellano. 

Deja Que Les Diga Que No!, según la crítica no estaba a la altura de trabajos como Loco por incordiar (1985) o Jugar al gua (1988), pero Rosendo, lejos de anclarse y estancarse, con este disco era capaz de reinventarse y seguía evolucionando y recorriendo su propio camino, y haciéndose si cabe más sí mismo, y este notable y más que recomendable disco era buena muestra de ello. 

La música en historias: Jugar al gua - #MesRosendo

 

Sigue Rosendo sin encontrar su lugar en el Rock. Sus años con Leño no fueron fructíferos a nivel económico, pero sí lo fueron en cuanto a popularidad. El primer álbum de Rosendo Mercado en solitario fue un éxito rotundo, pero el segundo y el tercero fueron malos a nivel de ventas y de popularidad, sigue cotizando a la baja con este trabajo que con el anterior se disputa el dudoso honor de ser el peor trabajo de toda su carrera. Primer LP de Rosendo tras dejar RCA, pero más experimentos con gaseosa en una etapa de total libertad creativa en la que el cantante incluso toma las riendas de la producción. Autoproducido por Rosendo y el primero de Gustavo di Nobile que acompaño al rockero durante un tiempo. Libertad creativa para Rosendo que se ganó a pulso pero que no convence en ningún momento.

Arranca el disco con Bajo cuerda un rock and roll dicharachero y muy simpático donde no falta un piano bien entonado, no es la mejor presentación, pero conserva el espíritu desde el comienzo con esas guitarras que te retraen a tiempos más intensos, siguiéndole Manifiesta deprimente que no se olvida del toque ochentero de otras ocasiones con unos arreglos de sintetizadores para mi gusto algo forzados, pero ha merecido la pena solo por ese comienzo con la batería martilleando el ritmo. Sigue con Nada especial que hay que reconocer que no le pega demasiado, en su intento de probar distintos palos, creo que se la pega, seguramente su ritmo lento y cansino nos descoloca por completo, este no es el Rosendo que necesitamos, vuelve a perder los papeles como ya pasara en algunos momentos de su anterior trabajo “...A las Lombrices” (RCA, 1987), no sabemos si quiere ponerse romántico, misterioso o noctámbulo. Pero no perdamos los nervios porque su siguiente tema nos devuelve la esencia, Jugar al gua, no tiene la fama que otros temas suyos, pero debería, es un gran tema donde recuperamos el Rosendo irreverente, mordaz, áspero, y la música vuelve a su esencia, necesitamos a este Rosendo que se te clava dentro, una verdadera joya por reivindicar.

Sumisión es un hibrido que se queda en tierra de nadie, y es una pena porque tiene un gran potencial, pero ha dejado de rasgar la guitarra como siempre nos ha gustado y nos quedamos con ganas de más, de mucho más. Del pulmón es otro de sus experimentos que nos puede sacar de nuestras casillas o enamorarte, el solito se marca una especie de Reggae sin sonrojarse, la vida esta hecha para los valientes y para mi gusto es un acierto total, nos cuesta admitirlo ya hasta este momento nos ha regalado un sonido tan único, tan suyo, que se nos puede hacer cuesta arriba, pero detenerse en cada acorde y cada frase debería ser un ejercicio a realizar para descubrir que detrás de esos sonidos que otros han llevado al cielo, él también quiere colaborar y casi, casi que lo logra, no nos engañemos a este tipo le ha faltado maquinaria de marketing detrás sino lo hubiera petado. Pero para romperlo la siguiente canción,

Flojos de pantalón es una de las cimas de su discografía, temazo muy de Rosendo y con una letra muy "leñera" en el más amplio sentido de la palabra. Incluye el, posiblemente, mejor solo de guitarra del maestro de Carabanchel acompañada de una letra que podemos calificar al menos de curiosa y peculiar y que se presta a varias interpretaciones, me quedo con la crítica a la gente de ficción que vive su vida pendiente de la opinión de los demás, y me posiciono con la gente auténtica, con la gente de verdad, que vive su vida ajena a las modas y que intenta estar feliz consigo mismo… la gente Rosendo. Disfruten de la canción estrella del disco y uno de los clásicos inmortales del cantante madrileño. Claro está que no se la juega en este corte: ritmo, guitarras tensadas y el de Carabanchel sacándose las tachuelas de entre los dientes. Así, sí. Cosita es correcta, y eso es mucho en esta montaña rusa de disco, vuelve a la esencia y se agradece, la guitarra de nuevo mandando por encima de todos. Cierra el álbum y de nuevo nos sabe dejar un gran sabor de boca con Voluntad Pasiva, es cierto que le sobran algunas licencias, pero estamos en su etapa mas experimental, todo perdonable porque en posteriores albums sabría de nuevo sacar su estilo, pero hay que tratar de pasar por todos los sitios alguna vez en la vida y con talento, el viaje es siempre agradable.

La música en historias: Fuera de Lugar - #MesRosendo

La música en historias: Fuera de Lugar - #MesRosendo

A Rosendo lo conocí podría decirse en su etapa de solista, no tengo el asombro de conocer al artista en su etapa de Leño, aunque debo confesar que luego he escuchado esa etapa del artista, porque todos tenemos un pasado. Para mi Rosendo es uno de esos artistas que no tienen un antes o un después, como decirlo para que no se me entienda mal, Rosendo es un sello una marca en el rock español de un genero creado por el mismo "EL ROCK URBANO". 

Y un genio como tal, no tiene pasado ni futuro, esta siempre presente, por ello este mes volvemos a escuchar todas sus obras, y nos toca un disco esta fuera de todo lugar, y nunca mejor dicho hoy "FUERA DE LUGAR"

Soy consiente del tremendo éxito de Loco por incordiar por eso ahora nos toca este su segundo álbum de estudio como solista.  

Este segundo trabajo iba a superar las buenas críticas recibidas con Loco Por Incordiar pero según la prensa especializada no fue así, igualmente Fuera de Lugar es un disco que muestra al músico haciendo lo mejor se le da rock con una inspiración envidiable.

Desde el inicio del álbum con "Cara a cara" este primer tema del álbum mantiene el feeling y la hostilidad del primer álbum de Rosendo como solista, con una gran estructura instrumental sobre todo la guitarra, un estribillo alucinante y, en líneas generales, una letra sencilla de entender pero con un mensaje claro de ruptura y enfado.

"Fuera de lugar", tema que da título al disco, también mantiene viva la esencia del artista del trabajo previo. Rock facilón en lo sonoro, pero con una riqueza lírica difícil de comparar. Así es el Rock Urbano. 

Rápidamente nos toparemos con una de las canciones más famosas del de Carabanchel, que no es otra que "Aguanta el Tipo" un ritmo más Punk, mientras hace un juego básico de acordes y se marca un solo de guitarra sobrado de técnica, esta es una de las canciones más usadas como apertura de sus shows, algo que no es de extrañar por la adrenalina que transmite con su ritmo.

Y hablando de clásicos, es el turno de otro temazo que todo seguidor del señor Rosendo debe tener para considerarse seguidor de este. "El Ganador". Para mí esta es una de las mejores letras de Rosendo, algo difícil de decir cuando hablamos de uno de los mejores letristas que ha parido este país. 

Menos fuerza quizás tiene "Obstáculo impertinente" debido a esas extrañas secciones narradas. Lo mejor de esta canción es la sección más rápida tanto en lo vocal como instrumental en la que volvemos a ser partícipes de otra exhibición guitarrera de nuestro artista. Posteriormente la dulce "Entonces, duerme" baja las revoluciones del disco y sube el nivel con su acertada estructura baladística. Como curiosidad, parece que la letra habla de los excrementos que uno puede encontrarse por las calles.

Entra "¡¡De repente!!" y volvemos a disfrutar de una canción con la inconfundible esencia de Rosendo. Ritmo fuertes y alegres que se compenetra acertadamente con la voz de nuestro querido músico.

La recta final se inicia con una canción instrumental de menos de dos minutos de duración titulada "Gota a Gota" de la que habría que destacar la belleza de los arpegios y arrastres ejecutados por la guitarra. Estos instantes tan espirituales contrastan con el espídico cierre que nos ofrece otro clásico de Rosendo como "Navegando" presente en prácticamente todos sus shows y su ración de electricidad a base de punteos y desconcertantes acordes ante los que solamente podemos aplaudir.

El éxito y la calidad que define a Rosendo esta en cada una de sus letras y sus discos "Fuera de Lugar" un disco de muchísimo nivel y aunque muchas veces la prensa especializada no lo a trabado debidamente, debo decir que esta entre sus mejores discos e invito a todo aquel que tenga la oportunidad de escuchar a este gran artista a escucharlo si no lo ha hecho aun o volver a rememorar.

Daniel

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