La música en historias: The Battle Rages On - #MesDeepPurple

 

The Battle rages On, Deep Purple

     Tras la publicación de Slaves & Masters (1990), Deep Purple se embarca en la preceptiva gira con Joe Lyn Turner a los mandos vocales, una gira que recorrerá Europa, Estados Unidos, Japón, Brasil e Israel. Pero dicha gira resulta ser un fracaso, llegándose a tener que supender actuaciones, como por ejemplo en Italia. Nos encontramos en 1992, y la banda también se encuentra en el estudio preparando y grabando el material para su siguiente álbum. A todo esto hay que sumar que la compañía discográfica RCA/BMG, presionaba al grupo para un reunión de su formación más clásica, la Mark II (paice, Lord, Blackmore, Gillan y Glover), para celebrar el 25 aniversario de la banda.

Mientras todo esto sucede, con un grupo que se hunde un poco más si cabe, Ian Paice, John Lord y Roger Glover hacen saber a Ritchie Blackmore que si bien Joe Lynn Turner es un gran cantante, no cubre las espectativas de la banda, y el único cantante válido para Deep Purple es Ian Gillan. Joe Lynn Turner es despedido en agosto de 1992, y aunque en un principio se valora, a propuesta de Blackmore, incorporar al desconocido cantante de una desconodia banda llamada Josie Sang (acabaría fichando mas tarde por Riot) Mike DiMeo, finalmente, Ian Gillan es reclutado de nuevo para la banda e ingresa a finales de 1992. Pero no había salido gratis, pues para que Gillan ingresara de nuvo en la banda, se le hizo un oferta económica a Ritchie Blackmore de más de dos millones de dólares para que aceptara y no pusiera pegas. La vieja guardia, que tantas alegrías y tantos disgustos había dado, volvía a reunirse sin objeción alguna por parte de Blackmore, que ha sacado tajado, ni de Gillan, que había vuelto arruinado.

El disco es grabado a medio camino entre los Bearsville Studios de Bearsville, Nueva York, los Red Rooster Studios de Tutzing, Alemania y los Greg Rike Studios de Altamonte Springs, Florida. Cuando Gillan se inorpora, se encuentra que el material de este nuevo álbum ya se encuentra muy avanzado, con las pistas básicas grabadas. Lo primero que hace Gillan es reescribir todas las letras de las canciones del disco y desechar los temas compuestos por Joe Lynn Turner. El álbum es titulado The Battle Rages On, un título muy autobiográfico y adecuado para una banda sumida casi siempre en luchas internas. 

The Battle Rages On es publicado en julio de 1993 bajo el sello RCA/BMG, salvo en Estados Unidos, donde es editado bajo el sello Giant, perteneciente a Warner Music. En cuanto a cifras, el disco pasó inadvertido en el mercado estadounidense, no pasando del puesto 192 en las listas Billboard, en el Reino Unido llegó al puesto 21. Sin embargo en Japón llegó al puesto 5, y tuvo también muy buenas cifras en Suiza, Suecia, Austria, Noruega y Finlandia. No dejaban de ser resultados ciertamente mediocres para una banda como Deep Purple. 

The Battle Rages On, siendo un disco claramente más Purpleliano que el anterior, no  dejó contento a nadie, Gillan se quejaba de haberse encontrado un trabajo ya casi ya grabado cuando llegó, y lo único que pudo hacer es retocar las letras y desechar el material compuesto por Turner; a Blackmore no le gustó porque Gillan no era Turner, y él había compuesto los temas pensando en él; y el resto del grupo estaba en el medio, como siempre, y con el disgusto de tener que grabar el disco en unas circunstancias que no fueron normales. 

The Battle Rages On tiene un sonido más crudo y más duro del que la banda nos tiene acostumbrados, y aunque se graba en condiciones que harían que cualquier ser humano tirara la toalla, estos cinco músicos vuelven a demostrar que si en lo personal la cosa no funciona entre ellos por culpa de los egos, en lo musical vuelven a ser capaces de sacar adelante un buen trabajo, más que digno bajo la producción de Roger Glover en compañía de Thom Panunzio. Glover vuelve a demostrar el altísimo nivel que tiene a los mandos de la producción.

El disco comienza con el tema que da título al álbum, The Battle Rages On, tema con un potente riff de Blackmore pero muy melódico y con la voz muy bien encastrada de Gillan, que se ajusta como un guante. Un tema que con ese toque más endurecido y metalero rompe con la línea seguida en el anterior disco. Lick It Up, típico tema de hard rock ochentero que podrían firmar bandas como Kiss, eso sí con una producción excelente por parte de Glover, que da fuerza extra al tema y lo hace mejor de lo que realmente es. Anya, es indiscutiblemente la joya de este disco. Sobre el magnífico riff de Blackmore, los demás componentes de la banda construyen una canción melódica, potente y enérgica, como los temas de antaño. Blackmore comienza el tema con una magnífica y épica introducción de guitarra acústica, seguido por los teclados de Lord, para después romper con un riff electrizante, y después entra toda la banda a saco con un Gillan magnífico aquí. En definitiva, por fín aparece el sonido Purple. Talk About Love, un blues metalizado, y con un sonido endurecido por la producción de Glover. Es un buen tema, aunque no llega al nivel de Anya y el que da título al disco. Time To Kill, Canción con claro sabor a AOR (Adult Oriented Rock). Uno de los temas más flojos del disco, el cual se acerca más al sonido imperante en sus anteriores trabajos. 

Abre la cara B Ramshackle Man, si bien sigue la línea del anterior tema, está mejor construido y tiene matices más interesantes, como el magnífico sólo de Blackmore. Sobre este tema, se dice que la letra habría sido escrita por Ian Gillan en la década de los años 70, y es autobiógrafica del propio Gillan. A Twist in the Tale, muy buena canción donde el grupo se mueve en la delgada línea del speed metal. El protagonismo de este tema es completamente para Ian Paice, con una velocidad endiablada y su magnífico trabajo con el doble bombo, muy bien secundado y apoyado por los incesantes riffs de Blackmore. Nasty Piece of Work, canción que destaca por el magnífico duelo de sólos y melodías entre Lord y Blackmore. Sobre este tema, al parecer la letra no fue escrita por Gillan, fue obra de Glover. Solitaire, canción donde el grupo vuelve a tirar de épica y esos toques neoclásicos que la banda tan bien sabe explotar. Tema que va en la línea de Anya, si bien es más sencillo en su estructura, pero muy bien elaborado y defendido por todos, que demuestran la compenetración que tienen. Cierra el álbum One Man's Meat, canción que es junto con Time To Kill, para mí, uno de los temas más flojos del álbum, orientado al AOR, y que quizás no debió ser el tema que cierra el álbum, pues nos deja un sabor algo amargo teniendo mejores temas que este para cerrar el disco.

Cabe destacar que después de la publicación del disco, la banda se embarcó la preceptiva gira para promocionar el mismo, donde se volvió a desatar el enésimo conflicto entre Gillan y Lord, que llegó hasta el escenario. Cuando le tocaba el turno a Gillan, Blackmore se ponía a hacer sólos no programados, y cuando le tocaba a Blackmore, era Gillan el que se ponía a gritar durante los sólos de Blackmore. Pero esta vez el resto de la banda se puso de parte de Gillan, y se dedicaba a tocar a saco durante los sólos de Blackmore para taparle. Una situación donde el único perdedor fue uno, el espectador, y que llegó a su fín el 17 de noviembre de 1993, cuando tras un concierto en el Ishallen de Helsinki, Blackmore abandonaba el escenario y la banda para siempre. 

Si la intención de Blackmore era que la banda se hundiese por fín en la miseria, no le pudo salir peor, porque curiosamente este hecho marcó un antes y un después de una banda en constante conflicto, pues por fín, y a partir de aquí, encontraría la tan ansiada paz que lo ha acompañado hasta la fecha. Con todo vendido para la inminente gira que tenían a continuación por Japón y el perjuicio económico que supondría la cancelación, es el mánager japonés Mr. Udo quien plantea al grupo la posibilidad de contratar a un joven y magnífico guitarrista llamado Joe Satriani, quien además tenía un excelente cartel en Japón. Satriani, que no tiene nada programado en ese instante, y declarado admirador de Deep Purple, acepta sin dudarlo. Roger Glover le envía entonces las grabaciones de un par de conciertos para que vaya asimilando el material. Deep Purple y Satriani se juntan por primera vez tres días antes de comenzar lagira nipona, y el americano demuestra a la banda que no sólo se sabe los temas que le habían pasado, se sabe unos cantos más a la perfección. El grupo decide entonces retocar el set list de la gira y deciden incluir canciones que siempre había vetado Ritchie Blackmore, como por ejemplo la maravillosa Wen a Blind Man Cries.

Joe Satriani permanece en la banda hasta el 16 de julio de 1994, cuando da su último concierto con la banda en Alemania. Posteriormente sería sustituido Por Steve Morse, quien sigue en la banda a día de hoy. Los ocho meses que Satrini estuvo con Deep Purple fueron de suma importancia, pues el guitarrista aportó estabilidad, demostró que había vida despues de Blackmore, y devolvió la alegría a Paice, Lord, Gillan y Glover que volvían a disfrutar encima de un escenario. Por fín, la paz había llegado al seno de la banda para quedarse para siempre. 

La música en historias: Slaves & Masters - #MesDeepPurple

 

Slaves & Masters, Deep Purple

     En 1987, y tras el exitoso regreso comercial tras la publicacón de Perfect Strangers (1984), la mítica formación Mark II de Deep Purle (Ian Gillan, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Ian Paice y Roger Glover) publican The House of Blue Light (1987), el duodécimo álbum de estudio de la banda. Los fantasmas del pasado han vuelto al seno del grupo, pues durante la grabación de este último disco, cada decisión es una batalla entre Gillan y Blackmore. Este hecho golpea y mina la moral de todo el grupo, que se vuelve a resquebrajar a pasos agigantados. A todo esto hay que sumarle los evidentes problemas con el alcohol que Ian Gillan padece, y que se verán acrecentados por esta situación.

Así, el grupo inicia una gira que comienza en Europa en enero de 1987, apenas una semana después de la publicación de The House of Blue Light. Pero todo explota a  comienzos de 1989, cuando tras haber realizado una serie de conciertos desastrosa entre julio y octubre del 88, con suspensiones de conciertos por floja venta de entradas, sumado a las peleas de Blackmore y Gillan, y los problemas de un Gillan que ha tocado fondo por sus problemas con el alcohol, hacen que el vocalista sea despedido de la banda.

La banda se sumerge en la tarea de encontrar un vocalista, y al final se impone Blackmore, quien insiste en fichar a Joe Lynn Turner, vocalista con quien Blackmore había conquistado en los años 80 el mercado americano con sus Rainbow. El grupo puede terminar lo que le queda de gira con turner y  graba entre principios y mediados de 1990 el material que estará incluido en su siguiente álbum de estudio, en diferentes estudios, los Soundtec Studios de Connecticut, Greg Rike Productions de Altamonte Springs, Florida, y The Powerstation de Nueva York. 

El resultado es Slaves & Masters, el decimotercer álbum de estudio de la banda, publicado bajo el sello RCA/BMG el 5 de octubre de 1990. La fórmula de sonido del disco está entre el hard rock y AOR (Adult Oriented Rock), esa variante del rock clásico más comercial que Blackmore ya había utilizado con sus Rainbow. Particularmente, siempre he pensado que es un disco más que decente, pero se le juntaron varias cosas. Una de ellas fue que el disco estuvo muy por debajo de las pretensiones comerciales a modo de ventas del sello discográfico, desde Perfect Strangers, donde tuvieron un repunte espectacular, la banda venía cayendo en ventas con The House of Blue Light, y con Slaves & Masters seguía la caída libre. Otro aspecto que influyó fue el despido de Gillan, el grupo perdió una parte importante de fans defensores de Gillan. Otro más fue que Turner era un muy buen vocalista, pero no era Gillan ni tenía su carisma. El disco no pasó del puesto 45 en las listas del Reino Unido, y del puesto número 87 en las listas Billboard de Estados Unidos.  

Como ya he comentado anteriormente, no es un mal disco, no comparable a sus anteriores trabajos, Perfect Strangers y The House of Blue Light, y mucho menos a sus clásicos de los años 70. El motivo: con la marcha de Gillan, Blackmore ha ganado más fuerza en el seno del grupo, y esto se nota en el resultado del álbum, con un sonido orientado al AOR, y que tan buenos resultados le dió con Rainbow. Si nos olvidamos de nombres y escuchamos el disco, podemos comprobar que el  resultado del mismo es más que decente, con temas como la potente apertura del disco con King of Dreams, y la continuación con la espídica The Cut Runs Deep, buenas baladas como Truth Hurts y la maravillosa Love Conquers All, y otros dos temas llenos de fuerza en la cara B como Fortuneteller y Wicked Ways, que se encarga de cerrar el disco como empezó, con rabia y fuerza. El único problema es que este trabajo podría haber sido firmado por los mismísimos Rainbow de Ritchie Blackmore, y Deep Purple era Deep Purple, no Rainbow.

Canciones que no soporto: Parklife, Blur

     En esta ocasión me voy a centrar en una de las bandas más exitosas de los años 90 dentro del rock alternativo y del Britpop, efectivamente, me estoy refiriendo a Blur.
     Blur se forma en el año 1988 de la mano de Damon Albarn (vocalista, guitarrista y teclados), Graham Coxon (vocalista y guitarrista), Alex james (bajista) y Dave Rowntree (batería). En 1993 Blur había sacado al mercado su segundo álbum de estudio, Modern Life isiRubbish, un disco que no fue capaz de mantener el éxito comercial de su primer disco, Leisure, y que además se encontró con el rechazo de la crítica, hecho que les dejó en una delicada situación ante su discográfica Food Records, la cuál para minimizar el impacto negativo del disco decidió enviar al grupo a una gira por Estados Unidos. Si bien esto debería haber ayudado a relanzar al grupo, tuvo el efecto completamente contrario, la gira resulto ser un fiasco debido a una serie de malas actuaciones. Esto sumado al hecho de que encima su gran banda rival de entonces, Suede se encontraba creciendo a pasos agigantados, dejó al grupo muy tocado y en una posición más que delicada.

     Es entonces cuando el grupo se lía la manta a la cabeza, se pone las pilas y al año siguiente, en 1994 concretamente, sacan a la luz su tercer trabajo, Parklife, una disco que consiguió cuatro certificaciones de álbum de platino en Reino Unido, siendo considerado cómo un disco fundamental y de culto dentro de la escena del . Un disco que ha vendido más de 5 millones de copias en todo el mundo.

     Dentro de este álbum se encuentra el tema que da título al disco, un tema que nunca me ha acabado de gustar, (sin entrar a valorar la calidad del tema en cuestión pues está fuera de toda duda que tiene sobrada calidad cómo todos los temas de los que hablamos en esta sección) y nunca me ha acabado de gustar por culpa del estribillo, pues mi complicado cerebro no es capaz de procesarlo, asumirlo y aceptarlo, que le vamos a hacer si no me entra......

Confidence is a preference for the habitual voyeur of what is known as

(Parklife)

And morning soup can be avoided if you take a route straight through what is known as

(Parklife)

John's got brewer's droop he gets intimidated by the dirty pigeons, they love a bit of him

(Parklife)

Who's that gut lord marching, you should cut down on your porklife mate, get some exercise

All the people

So many people

And hey all go hand-in-hand

Hand-in-hand through their parklife

Know what I mean?

I get up when I want except on Wednesdays when I get rudely awakened by the dustmen

(Parklife)

I put my trousers on, have a cup of tea and I think about leaving the house

(Parklife)

I feed the pigeons, I sometimes feed the sparrows too

It gives me a sense of enormous well-being

(Parklife)

And then I'm happy for the rest of the day safe in the knowledge there will always be a bit of my heart devoted to it

All the people

So many people

And they all go hand-in-hand

Hand-in-hand through their parklife

Parklife

(Parklife)

Parklife

(Parklife)

It's got nothing to do with Vorsprung durch technique, you know?

(Parklife)

(Parklife) and it's not about you joggers who go round and round and round (parklife)

(Parklife)

All the people

So many people

And they all go hand-in-hand

Hand-in-hand through their parklife

All the people

So many people

And they all go hand-in-hand

Hand-in-hand through their parklife

     Originalmente  los versos del tema iban a a ser interpretados por Damon albarn, pero no acababa de funcionar, así que el guitarrista Graham Coxon sugirió que fuera el actor Phil Daniels quien lo hiciera pues Blur eran muy fans de la película Quadrophenia, interpretada por éste. Así es como se gesto el tema, quedando los versos interpretados por Phil y el estribillo por el grupo. En este tema el saxofón corre a cargo del guitarrista Graham Coxon, pues Graham antes de conocer a Damon Albarn ya tocaba este instrumento, siendo Parklife el único tema en toda la historia de la banda donde Graham toca el saxofón, cosa que no ha vuelto a hacer. Otra curiosidad del tema es el sonido que aparece cómo si se hubieran roto unos cristales, pero no son cristales, es un plato que se le rompió al batería Dave Rowntree durante la grabación del tema. 

     Damon albarn, en sus inicios, justo antes del debut de Blur había asegurado a los periodistas que cuando saliera el tercer disco de la banda, ésta estaría asentada por pleno derecho dentro de la escena musical, una premonición que acabó siendo cierta.
Independientemente de si el tema me gusta o no, y sin valorar la calidad del mismo, que la tiene, Parklife es un disco que significó el lanzamiento definitivo de una banda emblemática dentro del panorama Britpop.

Canciones que nos emocionan: Send Me an Angel, Scorpions

     Scorpions en el año 1991 publicaron el que sería su décimo disco, Crazy World, convirtiéndose hasta la fecha en el álbum más exitoso de la banda, con multitud de certificaciones y millones de copias vendidas en todo el mundo.

     Gran parte del éxito de este disco lo tuvo un tema que fue todo un éxito comercial, la balada Wind of Change, tema que fue concebido como consecuencia de la estancia del grupo en un festival de música celebrado en agosto de 1989 en Moscú para celebrar la apertura del país comunista al mundo. El grupo comentó que durante su estancia en Moscú sintieron la energía nueva de los jóvenes soviéticos y como querían ser parte del resto del mundo, cosa que les alentó a componer este tema.

     Pero no es de este tema del que voy a hablar, hay otro tema, una balada que pasa casi inadvertida en este disco, a la sombra de Wind of Change, me refiero a Send Me an Angel, compuesta por Klaus Meine y Rudolf Schenker, una composición donde una persona hace de guía a otra recién fallecida para que pueda llegar al más allá.

The wise man said just walk this way

To the dawn of the light

The wind will blow into your face

As the years pass you by

Hear this voice from deep inside

It's the call of your heart

Close your eyes and your will find

The passage out of the dark

Here I am

Will you send me an angel

Here I am

In the land of the morning star

The wise man said just find your place

In the eye of the storm

Seek the roses along the way

Just beware of the thorns

Here I am

Will you send me an angel

Here I am

In the land of the morning star

The wise man said just raise your hand

And reach out for the spell

Find the door to the promised land

Just believe in yourself

Hear this voice from deep inside

It's the call of your heart

Close your eyes and your will find

The way out of the dark

Here I am

Will you send me an angel

Here I am

In the land of the morning star

Here I am

Will you send me an angel

Here I am

In the land of the morning star

     Es curioso, que siendo un tema extraordinario la banda no decidiera tocarla en sus directos, ni siquiera lo hicieron en la gira promocional del disco Crazy World. No sería hasta la entrada del nuevo siglo, el año 2000 que la banda se decidiera a empezar a incluirla en sus directos. Sentaros, poneros cómodos y disfrutar de esta obra de arte, y si podéis escuchar la versión acústica que hacen en el directo llamado Acoustica grabado en directo durante unas actuaciones en el Convento do Beato de Lisboa en 2001, sencillamente espectacular.

La música en historias: Fear of the Dark o las Olimpiadas

cantante Bruce Dickinson

     Corría el año 1992 y España cuatro años atrás había recogido el testigo de Seúl (Corea del Sur). España había estado trabajando muy duro, preparando infraestructuras y medios y preparando concienzudamente deportistas por medio de sus ambiciosos programas olímpicos.

     Barcelona se ponía de largo, ya que desde el 25 de julio hasta el 9 de agosto se iban a celebrar los Juegos Olímpicos, y desde luego que con la ambición de que a la clausura se oyera la famosa frase de que se habían celebrado los "mejores juegos de la historia".

     Un evento para el que había inscritos un total de 9356 atletas pertenecientes a 169 países diferentes. Un total de 28 deportes se iban a celebrar.

     Todo atleta olímpico sabe lo que cuesta llegar a participar en unos juegos, por lo que durante cuatro años habían hipotecado sus vidas, olvidándose de cualquier lujo o placer , para por medio de contínuo sacrificio, sufrimiento, trabajo y constancia, competir y con su participación hacer honor a dichos juegos. Cuatro años donde nada se deja al azar y todo está enfocado y programado para darlo todo el día de la tan ansiada competición, superarse a uno mismo, al rival, al crono y si todo sale como está previsto "ganar".

     Bruce Dickinson, el famoso vocalista de Iron Maiden es un consumado practicante de esgrima, modalidad que llevaba practicando durante años atrás, compitiendo en la misma. Antes de los Juegos Olímpicos de Barcelona Bruce estaba clasificado en el puesto número siete del ranking británico de esgrima, por lo que dicha federación le hizo llegar una invitación para competir en Barcelona, una invitación que Bruce no tuvo más remedio que declinar pues estaba inmerso en la promoción y gira del disco que Iron Maiden acababa de publicar, "Fear of the Dark". Una auténtica lástima que Bruce no participara en aquellos juegos pues a buen seguro que lo habría hecho muy bien.

Esgrimista Bruce Dickinson

     Pero por si eso no fuera suficiente para Bruce, además de ser el vocalista de la legendaria banda Iron Maiden también escribe novelas y guiones de películas, es piloto de aviones (llegando a ocupar el cargo de Comandante para la desaparecida compañía aerea Astraeus), es dueño de una empresa de mantenimiento de aviones, presentador para diferentes programas de radio y televisión de la BBC y Discovery Channel y dueño de la conocida marca de cerveza The Trooper.

     Todo esto indica que Bruce es un portento físico y mental, como si no se pueden emprender tantos proyectos y todos con éxito. reflexión que siempre lleva aparejada unas preguntas que rondan en mi cabeza: ¿En que he estado perdiendo yo el tiempo? ¿Es posible realizar tantas cosas? ¿Los días de Bruce Dickinson tienen más de 24 horas?.

Comandante Bruce Dickinson

Canciones que nos emocionan: Summer Song, Joe Satriani

Joe Satriani

     Hay días en los que es mejor no levantarse de la cama. Quién no ha tenido uno de esos días en los que no da una a derechas y le sale todo mal. De camino al trabajo he decidido no coger el abrigo pues no tiene pinta de llover y me pongo una simple y fina chaqueta. Pues bien, durante ese trayecto empieza a llover inténsamente con lo cuál mi periplo al trabajo (ya que voy en transporte público) se convierte en una odisea. Ya en el trabajo parece que soy el único objetivo del jefe, cual francotirador tiene puesta su mira en mi persona como objetivo, buscando el acoso y derribo.

 
     Una vez acabada mi jornada laboral, de camino a casa sigue haciendo un tiempo de perros, y para colmo pierdo el autobús  ya que al llegar se estaban cerrando las puertas del mismo y el conductor no ha querido abrirme y dejarme entrar aunque esté cayendo "La mundial". Depués de mi accidentado y penoso día por fín llego a casa completamente calado de agua, con un buen resfriado y con la moral por los suelos después de, me vais a permitir la expresión, "un día de mierda". Lo único que quiero es darme un buen baño de agua caliente y relajarme antes de irme a la cama, es entonces cuando descubro que se me ha estropeado la caldera, por lo que tengo que sustituir ese relajante baño de agua caliente por una espídica y tortuosa ducha de agua fría. Después de tan desagradable  experiencia en la ducha se me han quitado hasta las ganas de cenar, cojo el camino de mi habitación, me meto en la cama y me acuesto física y moralmente reventado.

     Suena el despertador y con él un nuevo día, pero esta vez he decidido que todo va a ser diferente, y para ello lo primero que hago nada más levantarme es ir a por los cascos de mi reproductor musical y me pongo un tema que siempre me ha funcionado, un tema que me da un extra de energía, que me ayuda a ver las cosas de otra forma y a afrontar las cosas con un extra de motivación y positividad, entonces doy al play de mi reproductor y escucho Summer Song de Joe satriani.

     Summer Song es un tema instrumental que vió la luz allá por el año 1992, incluido en el cuarto disco del genial guitarrista de Nueva York Joe Satriani. Tema instrumental de unos cinco minutos de duración, donde Satriani hace gala de su perfecto dominio de la guitarra sumergiéndonos en una vorágine de solos encadenados increibles.
Un tema que se ha utilizado mucho tanto en radio como en televisión para temas relacionados con el automovilismo. Un tema que alcanzó el puesto número 5 en la famosa lista de Billboard Mainstream Rock de Estados Unidos. En definitiva, es un tema que siempre me ha funcionado, un tema que me carga las pilas cada vez que lo escucho y me da ese extra de atrevimiento, motivación y energía que necesito.


   

     

Canciones que no soporto: Layla (Unplugged), Eric Clapton

Eric Clapton, Unplugged



     Corría el año 1970, y Eric Clapton decide formar una nueva banda de Rock. Para tal aventura además de él a la voz y la guitarra, decide contar con Bobby Whitlock a los teclados, Carl Radle al bajo, y jim Gordon a la batería. Por cosas del destino Clapton conoce poco después  a Duane Allman y acaba fichandolo para este proyecto (pero eso es otra historia), quedando conformado el grupo con estos cinco músicos. 

     El grupo se acaba llamando "Derek and The Dominos",  y ese año edita el único disco que cuenta en su haber , "Layla and Other Assorted Love Songs", que si bien no obtuvo unas ventas muy buenas, si fue muy bien recibido y valorado por la crítica. 

     En ese disco podemos encontrar el tema llamado "Layla", compuesta por Clapton y el batería Gordon, está basado en la historia de un poeta clásico persa llamado Nezami, que cuenta la historia de una princesa que es obligada por su padre a casarse con una persona diferente al joven que realmente ama. Clapton junto con Gordon, compuso este tema para referirse a Pattie Boyd, quien por aquel entonces era la mujer de George Harrison, de la cuál estaba enamorado y con la que se casaría posteriormente. Un tema con mucha historia, interpretado por dos guitarristas geniales, Clapton y Allman.

     El tema original es para mí una auténtica Delicatessen, una obra maestra. Es un tema que a lo largo de su historia ha sido versionado en multitud de ocasiones. En 1992, Eric Clapton rodeado de un pequeño grupo de público, en los Bray Studios de Windsor (Inglaterra), graba y despues edita un directo totalmente acustico titulado "Unplugged", un buen disco que además tengo en vinilo, y que tiene piezas muy buenas como por ejemplo una versión del "Walkin' Blues de Robert Johnson, la versión de San Francisco Bye Blues, o la delicada Tears in Heaven, compuesta en honor a su hijo fallecido.

     En este disco también se encuentra una versión acústica de "Layla", versión que nunca me ha acabado de entrar. En la versión original las guitarras de Clapton y Allman se salen, y  la historia es contada con una desgarradora fuerza, lo que lo convierten en un tema brutal, magistral,  mientras que para mí, a la versión del Unplugged de Clapton le falta todo, el tema me resulta insípido, se carga la magia de un tema espectacular...........

El disco de la semana 50: OK Computer, Radiohead

Radiohead estrenó su tercer álbum de estudio en Julio de 1997 , para este disco se basaron en un álbum de Miles Davis, y según palabras de Thom Yorke "es un disco de música que crece y se arma y se desarma, que crece se eleva y se derrumba, ese es el punto de partida de lo que quisimos hacer, queríamos hacer un disco que el que lo escuchara llegara a un estado de shock". Para ello, abrieron su repertorio de instrumentos, metiendo piano eléctrico, cuartetos de cuerda, melotron o Glockenspeil. Las letras del disco fueron escritas por Thom Yorke y los temas que trata son absolutamente inconformistas.

Abre el disco el tema Airbag, comienza con un riff de Jonny Greenwood y se cierra con el mismo riff con la base de una batería electrónica xampleada digitalmente, y con apariciones del bajo que empieza y se detiene de forma inesperada, encontramos el sonido de un cascabel y para cerrar el circulo una guitarra gime y se retuerce de forma antiarmonica, la otra nos deja sonidos dulces y melódicos, es por ello un tema muy cambiante, con momento s completamente melódicos y otros que nos mete en una locura de descontrol que hace especial a este tema. Escuchar el comienzo del disco y darte cuenta de que estamos ante algo distinto de lo que hasta ahora había hecho el grupo. Tema inspirado en un accidente de trafico que tuvo Thom Yorke. Termina el tema y sin solución de continuidad 4 beeps nos mete de lleno en una de las mejores canciónes, Paranoid Android, el tema mas largo del disco, y aunque la duración original era de quince minutos, finalmente para la edición final del disco se redujo hasta los 6:23 que todos conocemos. Un tema inspirado en Bohemian Rhapsody de Queen, en el tema se entremezcla tres canciones distintas compuestas por tres miembros del grupo y colocadas en cuatro partes que se diferencia haciéndose la competencia entre ellas, cada una en un extremo. Una canción compuesta tras una desagradable noche en un bar cuando vio la violenta reacción de una mujer después de que otra persona derramara una bebida sobre ella. No es una canción agradable, una canción que pueda entrar por el oído fácilmente, sin embargo fue la elegida para ser el primer single y es una autentica maravilla. Subterranean Homesick Alien su titulo esta inspirado en una canción de Bob Dylan de 1965, Subterranean Homesick Blues, teclados eléctricos para emular a Mile Davis, aun asi, las guitarras son las que ponen la calidad en una canción que habla sobre alguien que se cree que ha sido abducido por extraterrestres.

Y nos encontramos con otra de las joyas del disco Exit Music (For a Film), una canción inspirada en Romeo y Julieta de Shakespeare, los primeros compases sirven a modo de homenaje al Johnny Cash de At Folsom prisión, pero también podemos escuchar voces electrónicas, un bajo distorsionado, y el constante build-up del resto de los instrumentos, hacen de esta pieza una de las más oscuras de la banda. El clímax de la canción nos ofrece un bajo fuzz y una desgarradora interpretación vocal. Cabe destacar las últimas líneas vocales de Thom Yorke, cantando al borde del llanto “We hope that you choke” en este tema compuesto para la edición moderna de la película «Romeo + Julieta» (Baz Luhrmann, 1996). Let down es sin duda una canción de guitarras que se van sobrepasan una a otra durante el tema, aparentemente suena muy positiva, pero nada mas lejos de la realidad el asunto del tema es la decepción, el dolor, el abandono. Pasamos a Karma Police, uno de los temas mas famosos de Radiohead, y de las que mas controversia levanta….¿Qué significa eso de «policía del karma» y qué intenta decirnos con su letra onírica? Según ellos, todo era una broma… guitarra y piano se entremezclan de forma magistral, esta pieza fue inspirada por la canción Sexy Sadie de The Beatles. Desde la mitad de la canción en adelante, llega a nuestros oídos una de las melodías más reconocibles e icónicas de la banda.

Fitter Happier es una rareza dentro del álbum, una letra experimental basada en anuncios que Thom ha recopilado y una melodía de cencerro y guitarra, como curiosidad es correcta, pero desentona con lo escuchado hasta ahora, será un capricho de los chicos de Radiohed. Electioneering es la canción mas política del álbum, una critica feroz al sistema político actual donde los candidatos no hacen mas que decir mentiras para conseguir tu voto y una vez lo tiene olvidarte en el cajón, es una canción dura, áspera, como lo que cuenta, unos desenfrenados riffs que nos suben la adrenalina de forma instantánea, al igual que la enérgica batería de Phil Selway. Climbing up the walls nos regala una espectacular composición a capas de cuerda a cargo de Jonny y una sencilla melodía que relaja el tono del álbum pero al final la intensidad va en aumento hasta llegar a un salvaje solo de guitarra ejecutado por Ed O’Brien, el cual es seguido por las quejumbrosas vocales de Thom Yorke, el cual finaliza el tema con un grito completamente inesperado y desgarrador.

No surprises con su melodía sencilla (en comparación con el resto del disco) y sus decenas de interpretaciones hacen de ella una joya, puede parecer mas cerca del pop que de este rock que nos estaban regalando, pero es absolutamente mágico el climax de la misma, Jonny Greenwood ejecuta un glockenspiel de forma impecable, de igual forma como lo hace el resto de la banda, luciéndose en cada detalle. Este es sin duda un clásico inmortal de Radiohead que, al igual que muchos otros, es un de las grandes apariciones en cada concierto que la banda realiza. Lucky creada en septiembre de 1995 por encargo de Brian Eno, posee un mensaje mucho más optimista que otras canciones anteriores, hablando sobre cómo nuestra suerte podría llegar a cambiar, al igual que como se habla de querer ser rescatado de un accidente aéreo. Y terminamos con The Tourist una canción muy tranquila que en su esencia nos recuerda a Pink Floyd. Thom nos muestra una analogía de la vida moderna con la de un turista, es decir, haciendo todo de forma muy apresurada y sin tiempo para contemplar las cosas simples y bellas de la vida. La atmósfera lograda en el transcurso de la pista final culmina con un cristalino sonido de una pequeña campana, dándonos el mensaje de que todo ha terminado.