Disco de la semana 238: Danzig - Danzig

 

Danzig, Danzig

     Para la recomendación de esta semana en 7dias7notas, nos vamos a centrar en la figura de Glenn Danzig. Glenn Danzig, nacido en Lodi, Nuev Jersey (Estados Unidos) en 1955, es un músico, cantante, compositor y escritor, fundador de bandas como Misfists y Samhain. Glenn funda Misfits en 1977, banda consierada como una de las bandas referentes del punk contemporáneo de los últimos 30 años. Además del sonido punk rock, este grupo de Glenn se codeó con otros estilos como el hardcore punk o el horror punk. Tampoco hizo ascos a géneros como el heavy metal y el rock and roll.

La ventura de Glenn en Misfits dura hasta 1983, año en el que abandona la formación. Inmediatamente forma Samhain, banda a la que dota de un sonido más oscuro si cabe, más orientado al horror punk, deathrock o el rock gótico. Glenn Danzig había concebido originalmente Samhain como un proyecto paralelo junto con el bajista Eerie Von mientras funcionaba también con Misfits, pero al disolver ésta, Samhain se convirtió en su poryecto principal.

En 1986, se cruza en el camino de Samhain, que lleva ya publicados dos álbumes de estudio, el famoso productor discográfico Rick Rubin, quien anda a la caza de potenciales bandas para su sello discográfico Def Jam Recordings. Inicialmente, Rubin sólo quería firmar a Glenn Danzig, con la intención de convertirlo en el vocalista de un nuevo supergrupo, pero Glenn se niega si no le acompaña en este nuevo proyecto Eerie Von, el bajista de Samhain. Para completar el proyecto Glenn cuenta con John Christ a la guitarra y Chuck Biscuit a la batería. Una vez fichados, Glenn decide seguir el consejo de Rick Rubin para evitar tener que empezar de nuevo ante posibles cambios de formación y cambia el nombre de la banda Samhain, a partir de ese momento se llamará Danzing. 

En 1988 Danzig publica su primer álbum de estudio, de título homónimo, Danzig, bajo el sello discográfio Def American Recording, y bajo la producción del mismísimo Rick Rubin, propietario del sello. El disco es grabado entre septiembre de 1987 y abril de 1988 y publicado en agosto de 1988. En este disco, Danzig da un giro al sonido del grupo, orientándolo hacia el heavy metal, blues rock y hard rock con toque siniestros y oscuros. Un gran disco donde todos los temas menos The Hunter están compuestos por Glenn Danzig. 

El disco contiene material más que interesante, temas como Mother, retitulada posteriormente como Mother 93, que se convertirá a la postre en el sencillo más exitoso de la banda en su historia. Un tema con una letra muy críptica donde una de sus mayores interpretaciones defiende que el narrador está descendiendo hacia las fauces de Satán, y su familia está preocupada, pero él les indica a su padre y a su madre que no intenten ayudarlo. Glenn afirmó que se inspiró para componer el tema en Tipper Gore, quien como miembro del Centro de Recursos para Padres (PMRC) había presionado para que se establecieran regulaciones sobre la música que se consideraba perjudicial para los niños; La magnífica versión de The Hunter, compuesta por Booker T. & the MG's y Carl Wells, y que que había sido originalmente grabada por Albert King en 1967 en su disco Born Under a Bad Sing; She Rides, una canción de simple estructura con un par de pistas de guitarra y casi sin bajo, con una temática sobre el sexo y donde se hacen contínuas referencias al personaje mitológico de Lilith, una diosa asociada a la oscuridad y temida por los hombres, una figura demoníaca en la mitología judía; Twist of Cain, tema que había sido compuesto y grabado originalmente mientras la banda era conocida como Samhain. El tema cuenta con la colaboración a los coros de James Hetfield de Metallica, declarado admirador de la banda y su trabajo, pero por problemas contractuales con su sello discográfico Elektra Records no pudo ser acreditado; Possesion, tema que tiene una curiosidad, para la introducción del tema se usó una pista de piano al revés. El tema también contó con la colaboración a los coros de James Hetfield.

Como hemos comentado anteriormente, el disco estuvo rodeado de cierta polémica, y ya en las ediciones de CD de 1990 a 1998 se insertó la famosa etiqueta de Parental Advisory. Curiosamente este álbum, Danzig es uno de los pocos que fue etiquetado como explícitos a pesar de la virtual ausencia de blasfemias, salvo el uso de la palabra "puta" una única vez. sobre este hecho, Glenn Danzig afirmó que el hecho de que pusieran la etiqueta de advertencia se debía que con su disco estaban haciendo pensar a la gente, y a la gente en Estados Unidos no se la permitía hacer pensar y que cuestionaran al gobierno y a las autoridades.

La música en historias: Neither Fish Nor Flesh - #MesTerenceTrentD'Arby

Neither Fish Nor Flesh, Terence Trent D'Arby

Después de ser coronado como el nuevo príncipe del pop por diversos medios de comunicación y de ganar un premio Grammy a la mejor interpretación vocal masculina de R&B y otro premio Soul Train al mejor nuevo artista por su álbum Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby, el sello discográfico que tiene los derechos del artista, Columbia Records, reedita apenas unas semanas antes del lanzamiento de su nuevo trabajo The Touch, el disco de actuaciones de Terence con la banda The Funk en Alemania, y del cual ya hemos hablado en 7dias7notas.

Apenas unas semanas después, concretamente en octubre de 1989, Columbia Records publica Neither fish Nor Flesh, el segundo álbum en solitario del artista estadounidense. El disco es un compendio de temas donde Terence abarca géneros como el pop psicodélico, el rock, R&B o el funk. Si con su anterior disco Terence había ascendido al Olimpo de los grandes artistas, con éste iba a iniciar el descenso a los infiernos, pues supuso una gran decepción comercial, pasando únicamente cuatro semanas en las listas de ventas del Reino Unido, y gran parte de la crítica fue implacable, definiendo Neither Fish Nor Flesh como un disco autoindulgente y exagerado entre otras muchas cosas.

En mi opinión, la crítica fue implacable y desmedida hacia el artista, pues para Terence, lo fácil y cómodo hubiera sido seguir la línea de su álbum de debut, pero decidió arriesgar, no acomodarse y evolucionar, sacando un disco más intimista y  oscuro y duro en cuanto a sonido. El disco esconde muy buenas canciones, como I Have Faith in These Desolated Times, It Feels so Good to Love Someone Like You, To Know Someone Deeply is to Know Someone Softly, o This Side of Love, tema con un gran ritmo de garaje que ha sido comparado con trabajos de Prince, Grand Funk Railroad o Sly & the Family Stone.

En un principio Terence convence a la compañía discográfica, Columbia, para que no publique ningún sencillo del álbum, pero pasado un mes las ventas no iban como esperaban y la compañía veía como su gallina de los huevos de oro se desangraba, por lo que decide lanzar el tema This side of Love como sencillo del disco para paliar la mala recepción en ventas. 

 

Neither Fish Nor flesh es en líneas generales un buen disco, tuvo la mala fortuna de ser comparado con su antecesor, Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby, una obra maestra. Otro de los factores que no ayudó nada en absoluto fue la poca predisposición de una compañía discográfica que desde un principio mostró su rechazo a este disco, pues esperaba material en la línea del anterior para seguir engordando la saca. De hecho, la maniobra de reeditar The Touch apenas unas semanas antes del lanzamiento de Neither Fish Nor Flesh da una clara idea del escaso apoyo por parte de la discográfica con el el que iba a contar Terence. Como afirmaría posteriormente Terence Trent D'Arby, "Neither Fish Nor Flesh fue el proyecto que literalmente mató a TTD, y de cuyas cenizas fundidas, comenzó la vida de Sananda". Pero eso es otra historia...

Disco de la semana 229: Pyromania - Def Leppard

 

Un producto de su tiempo sin eufemismos, "Pyromania" aprovecha el tsunami que supuso ese debut de Van Halen cinco años antes. Guitarrista tenía para ello con los impresionantes dedos de Steve Clark, aunque eso, una vez más, demuestra no ser garantía de éxito. Y es que el tercer álbum de los británicos puede enmarcarse como el inicio de su éxito a nivel mundial, como la pieza que marca el cambio de su heavy metal a un sonido más radio-friendly . Poco se puede discutir a eso, el problema no está en la apertura de su sonido. Tampoco en la contundencia de sus composiciones. Todo eso, te sientas más o menos cercano al rock duro, es bastante indiscutible. En retrospectiva, hay dos álbumes de Def Leppard que todos los fanáticos del rock deben escuchar, y uno de ellos es Pyromania. Quiero decir, ni siquiera soy un gran fan de Def Leppard, por supuesto que Hysteria ha sonado mucho en mi radio casette y en menor medida, pero también bastante he disfrutado varias veces con Pyromania el otro álbum de Def Leppard que traspasó fans.

Empieza el álbum con Rock Rock (Till you drop) y en ella encontramos una muestra de lo que podemos encontrar en el álbum una composición musical armoniosa que habla al oyente y lo prepara para lo que está por venir, esta canción es la introducción perfecta a lo que vendría después, Photograph, la que es quizás la mejor pista de todo el disco, si no conoces esta canción, has estado viviendo bajo una roca. Una canción clásica pura de Leppard que comienza con un gran riff introductorio. Lo que me encanta de la producción de Lange es el hecho de que podía tomar un riff de heavy metal y convertirlo en una canción de hard rock pop pegadiza, algo que en los años 80 barría allá por donde iba, lo que muchísimo público, no nos engañemos, demandaba. Aquí tenemos una de manual. Ademas la voz de Elliot está en su cúspide absoluta, fue la canción que llevo a la banda a su apogeo y llamó la atención absoluta a principios de 1983 cuando las voces ascendentes sobre el gancho del coro cuentan la historia típica de acecho y envidia que la música impulsa con una pasión de acción. La banda a veces dedicaba esta canción a Marilyn Monroe cuando la interpretaban en vivo, y el video presentaba un parecido a Monroe. Esto llevó a muchos oyentes a la conclusión de que la canción trata sobre la actriz, pero la asociación Monroe se construyó con el objetivo de tener una buena historia. La banda no tenía una inspiración específica para la letra, pero quería expresar su joven lujuria en una canción himno: ¿qué tipo no se ha enamorado tanto de una chica que cada fotografía que ve le recuerda a ella? 

Stagefright es un tema pleno y alegre que funciona perfectamente con el sonido establecido de Pyromania, aparte de algunos efectos de público en vivo falsos, que al final es más un inconveniente para la canción, puedes llegar a vibrar por momentos con este rock. Too Late for love es la típica balada heavy que tanto logra emocionar a los amantes de este género o no, donde la voz de Joe Elliot consigue traspasar la música y es la clave en toda la canción, es una mezcla perfecta, porque no decirlo, con todos los tópicos de este género, pero al final te llena, no sé si de azúcar, pero te deja satisfecho. Cierra la cara A con Die Hard the hunter, su comienzo es claro y directo, mientras escuchas disparos y algo así como el sonido de un helicóptero, lo teclados te los tapa para entrar en un tema bastante insípido y carente de la fuerza que en otros temas, a su manera ha sabido destilar.

 

Foolin funciona como una balada cuasi acústica antes de girar a un arreglo posteriormente más fuerte. El bajo de Savage es más potente que en cualquier otra canción y la progresión de varias partes de la canción hace que te puedas enganchar fácilmente a ella. Rock of ages es un himno en si mismo, incluso le sirvió a Tom Cruise para protagonizar un insípido musical en el cine que trataba del Heavy Metal. El momento más imborrable del álbum y uno de los momentos más destacados de la carrera de Def Leppard. Comienza con una voz que dice algo así como "Gunter Glieben Glauten Globen", no significa nada, el productor Mutt Lange se cansó de contar a la banda con "1, 2, 3, 4 ...", así que empezó a decir esto. La banda a veces inventaba historias cuando se le preguntaba qué significaba. y su título se originó cuando Elliot miró un libro de himnos para niños. Hay algunos encantos en el camino, como las voces de fondo y las risas casi cómicas y la canción termina con mucha fuerza, lo que la convierte en el último gran momento del álbum. Comin’ under Fire podría haber sido otra canción de éxito, con el bajo contundente y el ritmo de patada bajo los acordes de guitarra entrecortados, junto con el canto del coro en toda regla…  pero no, se queda sin alma y parece algo pulcro y preparado, un error. Action Not Words es un cambio refrescante para Leppard en otra composición perfectamente ejecutada, las guitarras añaden la dinámica y sus sutilezas guitarra son excelentes: en pocas canciones son tan perfectas, se utilizan cuando es necesario. Tiene un aire AC / DC británico y, en el mejor de los casos, sucio, la voz de Elliott incluso recuerda un poco al timbre de Brian Johnson. El melodramático Billy's Got a Gun completa un final débil para un excelente álbum e incluye una extraña percusión sintetizada que acaba cansándote y deseando que la canción hubiera durado menos, ¿qué sentido tiene eso?

La música en historias: Loco por incordiar #MesRosendo

Loco por incordiar fue el primer trabajo en solitario de Rosendo Mercado, después de una exitosa carrera tanto de crítica como de público con Leño, decidió dar un paso al frente e iniciar una carrera en solitario que ha durado hasta que en diciembre de 2018, al cumplir 65 años tomo la decisión de dejar su carrera musical. D. Rosendo Mercado Ruiz dejó Ñu porque J.C. Molina decía que la música que componía era un Leño, y tito Rosen, ofendido por ello, en 1978 creó una banda llamada así, Leño, y que supuso una piedra angular de todo el rock español, estuvo marcada por un estilo de música que hasta ahora era muy minoritaria y que puso en solfa el estilo rock urbano arrastrando a gente de todo tipo, con tan solo tres discos de estudio supieron darle una calidad a ese estilo de música minoritario.  El día que nos enteramos que los Leño se separaban, a muchos nos parecía que se acababa el mundo, que llegaban las tinieblas al rock español. Pero no. Año y medio más tarde, ROSENDO hacia su aparición con un álbum donde dejaba claras sus intenciones desde el mismo titulo del mismo: LOCO POR INCORDIAR. Acompañaron a Rosendo para la grabación del álbum, que se hizo en tres estudios en Colonia, Bruselas y Bochum, Sergio Castillo a la batería, Tato Gómez al Bajo, Andreas Schmidgen a los Teclados y Carlos Narea con la percusión y coros, quien también realizó la producción para RCA. Corría el año 1985, quien suscribe tenía 13 años y un vinilo no dejó de sonar en su infancia cuando en nuestra casa de campo los hermanos de mi Vallecano favorito, Vito, lo ponían a todo tronar, hoy en día, cada vez que lo pincho dejo que se me caiga una lagrimilla de ilusión por esta música que tanto amé cuando empezaba a ser un adolescente, el Rock, y si hay alguien que representa sus valores ese es Rosendo Mercado, porque Rosendo Mercado es el ROCK.

El maestro te bloquea en el primer sonido de la primera canción y es que “Agradecido” empieza con un sonido de sintetizador y hasta que no pasan unos segundos, todos aquellos que seguían la carrera de Leño se quedan locos… ¿Qué es esto? Pero tranquilos, es solo un guiño, ha vuelto a sus inicios con cuatro guitarrazos de esa Fender inseparable de Rosendo, batería y ¡caña!, rock and roll en estado puro y lo que tienes delante es una pieza fundamental del rock español, fundamentalísima, es la base, es la punta de lanza. Y ese estribillo al final lo hemos cantado de todas las maneras posibles, convirtiéndose en una de las frases más populares de todo el rock en Español y asistimos al nacimiento de un nuevo héroe. Agradecido es, quizá, la canción más versionada del rock español. Una de las básicas de Rosendo y por supuesto una de mis preferidas del disco. “Corazón” sigue con la cañita rockanrolera, es imposible no recordar a Rory pero al estilo carabanchelero, a su manera, con su chuleria; Con “Y dale!”, nos enseña que además de rock también sabe mezclar otros ritmillos, y encontramos un poquito de funk, matices de reggae que más adelante iba a desarrollar de forma más clara, no todo van a ser rasgar guitarras, esta abierto a nuevas sensaciones en esta nueva etapa y no las va a dejar escapar. Con “Callejones” parece que llega el momento de pausa con ese comienzo melancólico, esa guitarra que tiene eco de romanticismo, pero no, estamos ante otra obra de rock urbano puro, de denuncia y de realidad por partes iguales que seguro ha pasado muy desaparecida para muchos fans, pero que en cuanto te sumerges en ella te encuentras un temazo, con una letra brillante. 

Y todos en pie porque Rosendo es Rosendo y él ha venido aquí “Loco por incordiar”, a su manera, de una forma que nos encanta, un tema que barrió en Tocata y sobre todo en las emisoras de radio que sirvió, además de para crear otro himno carabanchalero, para darle el empujón definitivo y poner en órbita su sonido, la canción termino cantada por miles de personas en miles de noches de fiesta, y sin cambiar un ápice lo que era para él la música, un tema rápido y cañero, que te deja extasiado, aunque con ganas de más, y él, tenlo claro. “Me gusta asi” tranquiliza el ritmo frenético que llevamos, y es que además se marca un tema de reivindicación absoluta, simplemente le sale del corazón y nos lo muestra tal cual. Y tras la calma la tormenta (es al revés, pero Rosendo hace lo que le sale del higo, tenlo claro) y nos da otro himno, otro clásico imperecedero “Pan de higo” es otro de los temas que no hemos dejado de cantar en ningún momento, increíble lo de este tipo, un disco de poco más de media hora y tenemos tres himnos imperecederos del rock español, y es que esta es otra de las que atronaron en las emisoras de radio y en esos programas de RTVE que cuidaba de la música como nunca más se ha hecho por méritos propios. Pan de higo no se si habremos comido mucho aquellos que estáis leyendo esto, pero sin duda hemos crecido y nos hemos hecho grande con ese alimento, y no precisamente entrando en nuestra boca, sino saliendo de forma desgarrada y festiva. 

Con “Cruxificacion” el maestro se nos pone Heavy, es quizás la canción mas fuerte y loca del disco, por momentos no parece firmada por él mismo, pero es detenerte en su letra y te das cuenta que indudablemente tiene su sello. Cerramos el álbum con “Buenas noches” que es una forma de despedir su primera obra en solitario con buenos deseos… la personalidad de Rosendo es tal que después de hacer himnos para el rock Español, se despide de forma suave con una especie de balada instrumental…. Genio y figura, no lo dudéis, este ha sido solo el primer paso en su discografía y ya estamos extasiados, pero no colmados, nos quedan muchas emociones que compartir en el #MesRosendo.

La musica en historias: Perfect Strangers #MesDeepPurple

 

Todo el mundo andaba emocionado cuando se lanzó Perfect Strangers en 1984. La formación volvía a publicar un álbum desde Come taste the band, de 1975 y el mundo del rock andaba entusiasmado, expectante, con muchas ganas de más Deep Purple. No podemos obviar lo transcendental que fue en el mundo del rock de la época ese momento, todos teníamos la esperanza de que aquel grupo no era cosa del pasado y que tenían mucho que dar…. Y lo hicieron. El álbum resultante, Perfect Strangers, era más moderno pero inconfundiblemente Deep Purple. Aprovecharon los estudios de grabación modernos y dio como resultado un álbum con ricos tonos instrumentales. Por muy buenos que fueran los álbumes clásicos de Deep Purple, Perfect Strangers tiene una nueva riqueza y claridad. El órgano de Jon es profundo y hermoso y el sonido de la batería de Ian Paice es monstruoso.

Knocking at Your Back Door fue el tema de apertura y comienza con el teclado siniestro de Jon, que al principio suenan como los tubos de la fatalidad. Entonces Roger comienza a tocar rápido, y Paice golpea la bateria, y piensas,…… ¡Dios mío, Deep Purple está de vuelta!..... Ritchie e Ian se unen a ellos para la primera epopeyadel álbum, ¡y en la primera pista, nada menos! "Knocking at Your Back Door" puede ser una broma líricamente, pero musicalmente es muy seria, es Deep Purple, pero optimizado, han descartado las cosas extrañas, ahora son más elegantes. La única decepción de la canción es en realidad el solo de guitarra, que parece fuera de lugar, hay una interpretación increíble en este solo de guitarra, pero algunas partes parecen muy exageradas. Ya tenemos la presentación con el típico hard rock de Deep Purple y una sensación muy positiva. Under the Gun es una canción que sonaría tan bien en vivo hoy, lástima que no se haya tocado en vivo en 30 años, no llego a entender porque ya que demuestra el ritmo aerodinámico que perseguía Purple en los 80, párate a escuchar la batería de Paicey, es implacable y poderosa, pero lo está haciendo de una forma más simple de lo que solía hacerlo. Nobody's Home le da a Jon Lord una ocasión para vacilar un poco con los sintetizadores, pero es solo un guiño ya que esta pista reescribe "Black Night" y la actualiza a 1984, lo une todo con una pequeña reverencia en menos de cuatro minutos. "¡Tus luces están ardiendo, pero no hay nadie en casa!" canta Ian, ¡por una vez sin hablar de Blackmore! Jon es el centro de atención con un bonito y rápido solo un sonido que no se escuchaba en 1984. Mean Streak cierra la primera cara, tiene una de esas letras extravagantes de Gillan que tanto me gustan. Es una pista de rock genial con un riff ruidoso, siempre una combinación mortal cuando la maneja Deep Purple y cuenta con uno de los solos más geniales de Ritchie en el álbum.

Inicia la cara B con Perfect Strangers que se abre con Jon, en esta ocasión es el viejo y fiel Hammond, y luego la banda choca con el riff para matar todos los riffs escuchados hasta ahora. Creo que, en algunos aspectos, esta canción se ha convertido en "Kashmir" de Deep Purple, especialmente cuando se toca en concierto. Ha evolucionado para volverse más exótico desde que se grabó por primera vez, las letras son ambiguamente hermosas. Blackmore la llamó su canción favorita de Deep Purple. Es una decisión difícil, pero Top Five seguro. No puedo sobrevivir sin esta canción en mi vida. A Gypsy's Kiss es lo más cercano a capturar la sensación de la alineación MK II de principios de los 70 y es maravilloso escuchar a Blackmore y Lord creando un nuevo combate de marca registrada. Wasted Sunsets es del tipo de balada poderosa que había demasiado en el panorama musical de la década de 1980. La contribución de Purple a esta dudosa categoría es típica de casi todas las canciones de este tipo. Letras cojas y obvias con imágenes obvias torpes, un acompañamiento musical "emocional" cursi… pero son Deep Purple. Para finalizar Hungry Daze contiene otro riff brillante de Blackmore, letras geniales y evocadoras junto con una sensación real de que la banda disfruta trabajando juntos (aunque ese no haya sido el caso), terminan el disco con fuerza como una retrospectiva de rock optimista de los primeros años de la banda. Aquí las voces de Gillan son más dinámicas y Paice proporciona una gran sección de batería durante una sección psicodélica extendida.

 

En general podemos hablar de un gran regreso y sirvió justo para lo que se necesitaba, agregar combustible a cualquier fiesta de verano en el patio trasero de la época. Ciertamente, el álbum era mucho más potente y rockero de lo que estaban creando bandas como Uriah Heep o Jethro Tull en esa época tiempo. Fue el último hurra para Purple como los reyes que habían sido. Un poco más comedidos aquí y allá, pero ya sabes, eran VIEJOS en el 84.

Disco de la semana 223: The dream of the blue turtle - Sting

 

La composición de Sting creció a pasos agigantados mientras The Police estaban juntos. Pero lo que creció más fue su paleta musical, ya que la policía pasó de una banda que tocaba un estilo de música (esencialmente poppy art punk-reggae) a una variedad de estilos. Básicamente, la policía nunca se llevó bien entre ellos, pero, en algún momento, Sting decidió que había superado a los otros dos musicalmente. Y entonces se fue solo y le dio al mundo ... esto. 

Sting izó su bandera de la libertad en junio de 1985, declarando "Si amas a alguien, déjalo en libertad". Para muchos, este primer disco de Sting como solista no coincidía con lo que conocíamos hasta ahora de él con Police: allí su imagen era la de príncipe arrogante, no un trovador reflexivo y seductor al frente de una banda de músicos consumados que, la mayoría de las veces, parecían estar creando la música alrededor de Sting. Janice Pendarvis y Dolette McDonald fueron las primeras voces que se escucharon en el álbum: "Free, Free ... déjelos libres", Branford Marsalis adornó cada frase con un saxofón fluido, Omar Hakim proporcionó florituras rítmicas que aún tocaban las habilidades de Stewart Copeland, Kenny Kirkland infundió jazz y gospel en los sonidos con su asombroso dominio de los teclados, y Daryl Jones manejó acertadamente el bajo, dando rienda suelta al propio instrumento de Sting. Aquí había algo nuevo, algo diferente y, después de escucharlo por primera vez, algo emocionante. Desde el principio, The Dream of The Blue Turtles se elevó por encima de The Police, por encima de la turbia nueva ola y me llevó a una nueva apreciación de Sting como letrista y compositor.

 

Y desde el minuto uno del álbum con los primeros acordes y palabras de If You Love Somebody Set Them Free hace un perfecto llamamiento a valorar en libertasd y dignidad a todo ser humano con el respeto que se merece, la canción repite la frase “libre, libre, liberalos” y durante todo el tema repasa muchas formas de esclavitud que podemos tener en la modernidad, la gran denuncia es que si te aferras a tu único pensamiento seguramente estés necesitado de una liberación, de mirarte en un espejo y ver lo que realmente eres. Sting dice que escribió la canción como un «antídoto» de «Every Breath You Take» de The Police. «Si amas a alguien, déjalo libre», frente a «Cada vez que respiras te estaré controlando», ten claro que por mucho que ames nunca podrás encerrar el corazón de una persona y convertirlo en tu posesión, tienes que dejar que el control lo tenga cada uno y si amas a alguien, dale la libertad incluso aunque en su libertad te diga que no. Love Is the Seventh Wave, tiene un ritmo claramente caribeño donde Sting nos describe cómo el amor es la séptima onda, o la ola más fuerte, eliminando todos los problemas. Existe una leyenda, extendida en la cultura popular de muchos pueblos que dice que cada seis olas llega una séptima que es especial, única, capaz de modificar lo que nos perturba y aportar algo nuevo… y con este fondo nos entrega una canción muy simpática y que te arranca una sonrisa en el rostro. Russians fue escrita en plena guerra fría, en una época donde tanto Estados Unidos como Rusia (y de golpe el mundo entero) se veían amenazados por los misiles nucleares, Sting se pregunta retóricamente, si los rusos también aman a sus hijos no tiene sentido entrar en una guerra de este tipo. La melodía está inspirada en un Romance de Sergei Prokofiev titulado Lieutenant Kije y Sting tuvo la idea de grabar la canción en Rusia con la orquesta estatal de Leningrado, sin embargo, las tensiones entre los países se lo impidieron. En la letra de la canción se menciona al físico nuclear Robert Oppenheimer, al líder Nikita Khrushchev o al presidente Ronald Reagan, como podéis comprobar, el mensaje de Sting era directo y sin medias tintas y si te lo hace con una canción de esta belleza, sin duda llega mejor, porque no olvidéis que no existe “una guerra ganable”.

Children’s Crusade es un gran tema donde hay que destacar por encima de todo el solo de saxo de Brandford Marsalis, una canción con una dedicatoria especial para los adictos a la droga, para todas aquellas personas que han perdido todo al caer en ese abismo, y para ello conecta con un hecho histórico, la cruzada de los niños sucedida en 1212 cuando miles de niños de Francia y Alemania iniciaron un viaje a tierra santa para recuperar Jerusalén de las manos de los turcos. Este acontecimiento le sirve para compararlo con todos los jóvenes que durante la Primera Guerra mundial perecieron de forma estúpida en una guerra sin sentido, y como mencionamos al principio con todos aquellos que los años ochenta, en gran parte por la estupidez de la sociedad y la falta de información, perecieron bajo el yugo de las drogas. Shadows in the Rain es un remake de un tema de The Police homónimo del disco «Zenyatta Mondatta». Kenny Kirkland bombea acordes de órgano sobre los pisotones de Omar Hakim; mientras, Sting y Marsalis esquivan síncopas alrededor de la línea de bajo. Comienza de forma divertida y entra Sting con un tono de voz áspera para convertir inesperadamente la canción en una melodía exuberante, optimista, a través de una mezcla de jazz y soul que te deja boquiabierto…. temazo! We Work the Black Seam habla de una huelga de unos mineros ingleses, la canción contiene un ritmo de casi música industrial mientras la voz de Sting va recitando su mensaje, hasta que llega el estribillo que casi se convierte en una especie de oración. Muy buen tema. Consider me gone es un tema oscuro, blues y jazz… con un final a golpe de caja del gran Hakim. La canción fue escrita en 1980 con intención de incluirla en el álbum Zenyatta Mondatta pero el resto de componentes no estaban de acuerdo y en su primer disco en solitario Sting la reivindicó.

 

The Dream of the Blue Turtles, corte que da título al disco, es una pieza instrumental de jazz progresivo. Las risas que se escuchan al final, cuentan las malas lenguas, son los músicos del disco descojonándose de la precariedad de Sting tocando la guitarra. En Moon over Bourbon Street Sting se luce en la voz y en el contrabajo, magnífica composición con arreglos inmejorables. La canción está inspirada en la novela de Anne Rice, Entrevista con el vampiro, que posteriormente se llevó al cine. Sting estaba fascinado por el personaje de Louis, un vampiro con conciencia que tiene que vivir con la idea de ser un vampiro y un depredador y que se arrepiente todo el tiempo de su existencia porque sabe que hay algo malo, como dice la canción “¿Cómo puedo llevar esta vida? Estoy rezando al Dios de arriba ya que tengo que amar lo que destruyo, y destruyo todo lo que amo. Moon Over Bourbon Street es una de las míticas calles de Nueva Orleans, una calle con nombre de alcohol está condenada a que sea el centro de la fiesta. El álbum cierra con Fortress Around Your Heart, tema inspirado en el divorcio de Sting. El dolor que sentía cuando se rompió su primer matrimonio lo llevó a escribir algunos de sus más grandes éxitos. Aquí lo que busca es una canción de reconciliación, utiliza una fortaleza abandonada dentro de una ciudad amurallada como metáfora de una relación que ha pasado por una guerra pero que dejan atrás para unirse de nuevo y construir un puente

La música en el cine: Eye of the Tiger (Survivor) - Rocky III

 

Eye of Tiger, survivor

     El 29 de mayo de 1982 el grupo estadounidense Surivor publica, bajo las discográficas Emi y Scotti Brothers, la canción Eye of the Tiger. El tema se incluyó en el disco del mismo nombre que fue publicado el 8 de junio de 1982. Esta canción se ha convertido en una de los tema más reconocidos del cine, pues fue escrita a petición de Sylvester Stallone para la película Rocky III. 

Para la música de la película Rocky III, Stallone quería desmarcarse de la música que había utilizado para sus dos anteriores películas de la saga de Rocky, que estaba formada por temas más conocidos. Creía que era el momento de ir a por un mercado más joven, y necesitaba un grupo más moderno y actual. 

Tony Scotti, que era el presidente del sello discográfico de Survivor, Scotti Brothers Records, envía a Stallone algunos temas del disco anterior de Survivor, Premonition. Scotti pensaba que el sonido, el estilo de escritura y el estilo de la banda podían encajar con lo que el actor estaba buscando. Jim Peterik y Frankie Sullivan, los compositores principales de la banda, recibieron con sorpresa días después en sus contestadores automáticos un mensaje de Stallone pidiéndoles que participaran en la composición de la banda sonora de su nueva película, Rocky III.

Una vez aceptado el reto, recibieron una copia de la película, para que viéndola se inspiraran y pusieran música a las escenas requeridas. Había una parte de la película, considerara por Stallone como la más importante, donde quería que la música fuese la coreografía de las imágenes. En la copia que Peterik y Sullivan recibieron, aparecía insertada la canción Another One Bites the Dust, de Queen. Según Peterik y Sullivan, la canción quedaba muy bien con la escena, y así se lo hicieron saber a Stallone, diciéndole que no debería cambiarla. El actor fue sincero con ellos y les contestó que a él también le parecía perfecta, pero le había sido imposible conseguir los derechos de la canción de Queen.

Peterik y Sullivan se pusieron manos a la obra y empezaron creando el mítico riff de guitarra que secuenciaba perfectamente los puñetazos de los boxeadores. Para la letra utilizaron algunas frases de la primera película de Rocky. En un sólo día tenían ya compuesta la mayor parte de una canción que acabaron completando en los dos siguientes días.

En cuanto a la temática que utilizaron, los compositores se vieron perfectamente reflejados, pues al igual que Rocky, que es animado por su amigo Apollo Creed para que deje la mala vida, luche porque vuelva su mirada de tigre y vuelva triunfar, ellos también luchaban por triunfar a pesar de las dificultades que se encontraban por el camino. 

La música en historias: Around The World In A Day - #MesPrince

 

Around The World In A Day, Prince

Con Purple Rain, publicado en 1984, Prince había alcanzado por fin el estatus de super-estrella, un titulo reservado a un pequeño grupo de artistas. Con dicho disco vendió nada menos que 13 millones de copias en Estados Unidos, permaneciendo 24 semanas consecutivas en el puesto número 1 de la lista estadounidense Billboard 200. Pero además, la película de dicho álbum, ganó un premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original y recaudó más de 68 millones de dólares en Estados Unidos.

La discográfica de Prince, Warner Bros., se frotaba las manos esperando su próximo disco de éxito, imaginando algo parecido a una continuación de Purple Rain. Pero Prince tenía otros planes, y estos no tenían nada que ver con los de Warner. El genio de Minneapolis ya había conquistado el mundo, y en vez de consolidar esa conquista, decidió que era el momento de progresar creativamente y abrirse a nuevas tendencias e influencias. Prince decide apartarse del funk clásico y se marca un disco caleidoscópico, se aparta del sonido más comercial del género y experimenta con otros estilos más psicodélicos y otras texturas para enriquecer su sonido. 

Prince va macerando los temas que compondrán este álbum entre febrero y diciembre de 1984 en diversos estudios entre Minneapolis y Los Ángeles. El resultado es Around The World In A Day, trabajo publicado paralelamente por Warner Bros, y por la discográfica creada por el propio Prince, Paisley Park, en abril de 1985, y bajo el nombre de Prince and The Revolution, incluyendo así en la autoría a su banda de acompañamiento. Fue deseo expreso de Prince, que se negó, a sacar single previo al lanzamiento del álbum, para que según él, el disco fuera entendido como un todo. Por ese motivo, el primer sencillo del disco estuvo retenido hasta casi un mes después del lanzamiento del álbum. 

Around The World In A Day, debido a su estilo caleidoscópico y psicodélico, y a su portada llena de personajes del universo Prince, fue considerado por la crítica como el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de Prince, pero su autor siempre negó esa comparación con los Beatles, apuntando hacia otros lados las influencias del disco. En cuanto a la portada, fue obra del artista estadounidense Jim Warren, conocido por las ilustraciones de portadas de libros y el arte de fantasía surrealista. Prince simplemente tomó la decisión pensando que la gente estaría cansada de verle la cara a él en las portadas de sus discos. Como ya hemos comentado, la relación entre la discográfica y Prince siempre había tenido tiras y aflojas, y en esta ocasión no iba a ser menos. Ya había dejado claro su parecer, desoyendo los consejos y recomendaciones de la discográfica y marcándose un disco completamente diferente a lo que Warner esperaba. La discográfica echaba en falta hits más claros y con mayor carga de guitarras, pero la idea de Prince era la de jugar con sonidos más experimentales, con percusiones a base de darbukas y tamborinas, y con cellos, violines y flautas salpicando la práctica totalidad de las canciones.

Para muestra, la anécdota del día que Prince presentó el trabajo a la discográfica. Ese día, Prince se presentó en limusina y toda la parafernalia que aquello conllevaba en el recinto donde iba a presentar el material a Warner, los invitados tomaron asiento, se apagaron las luces, y el trabajo de Prince empezó a sonar. Una vez acabó la última nota y se encendieron las luces, los directivos de la compañía observaron incrédulos como Prince ya no se encontraba allí. El mensaje estaba claro: "Este es el material de mi nuevo disco, y no es negociable, es lo que hay". La discográfica quedó en una situación bastante incomoda y tuvo que tragar. Pero la relación, como ya comentaremos más adelante, se iba a tensar aún más. A pesar de la escasa promoción del álbum, y del material que contenía mismo, no muy comercial precisamente, el disco se vendió realmente bien, convirtiéndose después de Purple Rain, en el segundo disco del artista en alcanzar el puesto número 1 en la lista Billboard Hot 200. Dos de los cuatro sencillos lanzados posteriormente, Raspberry Beret y Pop Life, alcanzaron el top 10 en la lista Billboard Hot 100. 

Paisley Park

Entramos en materia, y el primer tema que abre el álbum es precisamente el que da título al mismo, Around the World In a Day, tema que está acreditado a David Coleman, hermano de Lisa Coleman e integrante de la banda The Revolution, a John L. Nelson, padre de Prince, y al propio Prince. Esta fue una de las únicas canciones que el artista no escribió por su cuenta. El tema partió de una canción grabada por Coleman, al cual Prince dió como regalo de cumpleaños algo de tiempo de grabación en los estudios Sunset Sound de Los Ángeles. Posteriormente Prince re-elaboró la canción manteniendo el título de la misma. También acreditó en el tema su padre, pues incluyó melodías y matices que recordaba habérselos oído a él, y era una forma de agradecérselo. En este tema Prince nos invita a a mirar más allá de uno mismo y a no ponernos limitaciones, ¿Realmente no se puede dar la vuelta al mundo en un día?, en tu mente tu puedes, y nos lo recordaba diciendo "Abre tu corazón, abre tu mente".

Paisley Park, el tema fue uno de los cuatro sencillos que se lanzaron posteriormente, y Prince se encargó de interpretar toda la canción excepto el violín (Novi Nvog) y los coros (Wendy y Lisa). El tema es uno de los únicos que se asemejan y acercan algo al estilo de su anterior disco, Purple Rain. Si nos fijamos en algunas notas de la solapa del álbum, nos dice que algunas canciones del disco fueron grabadas en Paisley Park, lo que en aquel momento era una fantasía de Prince, pero que en 1988 se haría realidad, pues Paisley Park pasaría a ser la mítica casa, estudio, sala de conciertos y cuartel general de artista donde centralizaría todas sus futuras operaciones.

Raspberry Beret

Condition of the Heart, es un tema al que Prince le da un enfoque de música clásica barroca y exhuberante con una primera parte instrumental a piano. En el tema muestra su interés por la historia de Hollywood, de ahí sus claras referencias a la famosa actriz estadounidense de los años 20 Clara Bow. También se dice que el tema fue compuesto para la cantante y compositora Susannah Melvoin, quien era hermana de Lisa, y que para Prince fue una musa que inspiró muchos de sus grandes trabajos. Raspberry Beret, uno de los grandes clásicos de Prince y que se editó también en single. De este tema Prince hizo una versión extendida donde incorporó instrumentos de cuerda, platillos de dedo del Medio Oriente y una armónica. El tema habla de la primera experiencia sexual de un adolescente con un chica. El joven es un humilde empleado de una tienda, y tiene una difícil relación con su jefe. De repente, entra esta chica, alegre, alocada y rebelde por la puerta de la tienda portando en la cabeza una llamativa gorra de color frambuesa.

America

 

Tamborine, es el tema que cierra la cara A del álbum. Quizás el tema más raro del disco, de corte muy experimental, con percusiones a base de darbukas y tamborinas. Todos los instrumentos de este tema son tocados por prince. America se encarga de abrir la cara B, el tema más guitarrero del disco, con una base rock and roll donde va incorporando toques étnicos. De este tema hay una versión extendida de más de 20 minutos donde la melodía principal de rock and roll desaparece y comienza una explosión de puro funk. Este fue otro de los cuatro sencillos que se publicaron del disco.

 

Pop Life

Pop Life, fue junto a America, Raspeberry Beret y Paisley Park el otro de los únicos cuatro temas del disco que fueron editados en single posteriormente. Como muy bien dice el título, el tema es el de corte más pop del disco, y alcanzó el puesto número 7 en las listas de ventas de Estados Unidos, convirtiéndose en el octavo éxito de Prince en colarse entre los diez primeros en un lapso de de dos años. La canción incluye una parte que representa el sonido de una campana en un combate seguido por el sonido de una multitud inquieta. Se rumoreaba que esto fue sacado de un concierto en Los Ángeles en 1981 donde Prince abrió para los Rolling Stones. En realidad fue sacado de una biblioteca de efectos de sonido.

The Ladder, es junto el tema que da título al disco, el otro tema donde Prince acredita a su padre, John L. Nelson. En éste tema también incorporó matices que recordaba habérselos escuchado a su padre. Se trata de una balada donde mete una extraña distorsión y donde Prince nos canta una historia medieval, un tema lleno de pura psicodelia. y cierra la cara B y por tanto este gran disco Temptation, un tema de algo más de ocho minutos donde Prince nos regala una primera parte muy cañera que va transformando en pura psicodelia en la segunda parte. En cuanto a la letra del tema, aquí Prince mantiene una conversación con Dios el cuál acaba perdonando al artista al final de la misma. Quien no perdonaría al artista sería su discográfica, Warner Bros., que esperando otro disco superventas al estilo Purple Rain, se encontró con algo completamente diferente. La cuerda se seguía tensando...

El disco de la semana 218: Brothers in Arms - Dire Straits

 

Brothers in Arms, Dire Straits

     A comienzos  la década de los 80 el grupo británico Dire Straits, tras cuatro álbumes de estudio, ya gozaba de bastante éxito, pero lo que se les avecinaba con la publicación de su quinto disco de estudio, Brothers in Arms, estaba a alcance de muy pocos, alcanzar el estatus de superestrellas.

Entre octubre de 1984 y febrero de 1985 el grupo británico conformado por entonces por Mark Knopfler (guitarra y voz), John Illsley (bajo y voz), Alan clark (teclados), Guy Fletcher (teclados y voz), Omar Hakim (batería) y Terry Williams (batería), se encierra en los AIR Studios de la isla de Montserrat, ubicada en el caribe y perteneciente al Reino Unido, para grabar el material que sunpondrá su quinto álbum de estudio, Brothers in Arms. El álbum se publica el 13 de mayo de 1985 bajo el sello discográfico Vértigo Records, y se convierte en uno de los primeros en ser grabados en formato CD, ayudando al éxito de este novedoso formato gracias a su gran éxito en ventas. El disco vende más de 4'3 millones de copias, alcanza el puesto número 1 en las listas británicas en las cuales permanece un total de 228 semanas consecutivas, el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard Hot 200 durante 9 semanas, y el puesto número 1 también en países cómo Australia. El grupo, que venía de hacer un sonido más rockero con improvisaciones jazzísticas, evidentes en su cuarto álbm de estudio, Love Over Gold (1982), orientó Brothers in Arms hacia un sonido más pop-rock, siendo uno de los factores que influyeron en el sorprendente éxito internacional que el disco alcanzó.

Durante la grabación se considera que la contribución del batería de la banda por entonces, Terry Williams, no está siendo la adecuada para el sonido del álbum, por lo que es reemplazado para las sesiones de grabación por el baterista Omar Hakim, quien vuelve a grabar todas las partes de batería. La única contribución en las grabciones de estudio de Williams la podemos escuchar en los crescendos improvisados de Money is for Nothing y Walk of Life. Terry Williams se incorporaría después para los vídeos musicales y la gira mundial de presentación del disco. ambos baterístas están acreditados en el álbum.

El disco, aparte de otras temáticas, tiene un marcado sabor antibélico, fruto de los cuatro últimos temas del disco, que hacen referencia a las guerras civiles y la crudeza de guerras, como la de las Malvinas, El salvador o Nicaragua. El primer tema que abre el novedoso CD de la época es So Far Away, compuesta por Mark Knopfler, donde nos relata el modo de vida que lleva siempre viajando de un lado a otro, y casi siempre alejado de sus seres queridos. Knopfler comentaba sobre este tema que no era autobiográfico, pues era aplicable a cualquier persona, y que la primera idea del tema surgió sobre llevar una relación por teléfono, algo que no podía alargarse mucho en el tiempo, pues ambas partes acaban cansándose. Le sigue uno de los trallazos del álbum, Money is for Nothing, compuesta por Mark Knopfler y Sting, quien además colabora en las voces en el tema. El tema trata sobre la vida fácil de las estrellas de rock y sus excesos, nada comparable con la vida y trabajo de la gente normal. Mark escribió el tema cuando se encontraba en una tienda en Nueva York, después de escuchar los lamentos de unos trabajadores sobre sus trabajos mientras veían el canal de televisión MTV. Muchas de las letras que escribió eran frases que los trabajadores decían. Walk of Life, compuesta por Knopfler, al igual que el resto de temas que vienen a continuación. La canción fue compuesta para rendir homenaje a los músicos callejeros, y en concreto a un músico llamado Johnny Mathis, de ahí las referencias a canciones como Be-Bop-A-Lula y What'ad I say, temas que solían estar en el repertorio de cualquier músico callejero. Siempre he pensado, al igual que el productor del álbum, Neil Dorfsman, que este tema no casa con el resto del álbum, pues rompe la atmósfera creada por los demás temas. Dorfsman pensaba que el tema no estaba a la altura del resto y se negó a incluirlo, pero al final tuvo que ceder ante las presiones de la banda que sí querían incluirlo. 

Your Latest Trick, tema con tintes jazz que tiene un curiosidad, en la versión del CD podemos escuchar una intro de trompeta, la cual es tocada por el trompetista estadounidense de jazz, rock y R&B, Randy Brecker, la cual no está incluida en la versión en vinilo. La magnífica introducción de trompeta es seguida por una introducción de saxofón del saxofonista y compositor de jazz estadounidense Michael Brecker. Why Worry, tema que se compone de una primera parte donde Knopfler consuela a un ser querido en términos ciertamente poéticos, y una brillante segunda parte instrumental, ideal para cerrar los ojos y dejarse llevar. Ride Across the River, magnífico tema con tintes antibélicos que contiene unos rítmos selváticos, y donde la guitarra de Knopfler nos deja absolutamente hipnotizados. Y llegamos a los tres últimos temas del disco, también con temática antibélica que nos relatan la crudeza de las guerras civiles, The Man's Too Strong, One World, y Brothers in Arms. Mención especial para éste último, Brothers in Arms, para mí, sino el mejor, sin duda uno de los mejores temas del grupo. Knopfler se inspiró en la Guerra de las Malvinas, y habla de un soldado que mientras se está muriendo en el campo de batalla, sus compañeros se encuentran a su lado mientras se le escapa la vida. El título del tema se le ocurrió a Knopfler a raízde una conversación con su padre sobre la citada guerra. su padre describía a los rusos y los argentinos "Broters in Arms / hermanos en armas", ya que consideraba que ambos tenían ideologías similares. Las ganancias de las ventas de este single fueron destinados por Dire Straits a un programa dedicado a traer de regreso a los soldados británicos de la guerra, y ayudarlos a afrontar el temido trastorno por estrés traumático.

Canciones que nos emocionan: Wonderful Tonight, Eric Clapton

Eric Clapton, Just One Night

 

      En esta ocasión voy a hablar de un tema de Eric Clapton, Wonderful Tonight, tema incluido en su quinto álbum de estudio, Slowhand, en 1977. Este tema lo compuso Clapton en honor a la que era entonces su esposa Pattie Boyd.

     Wonderful Tonight es un tema lento, con una melodía de guitarra que invita a sentarse en el sofá, cerrar los ojos y dejarse llevar por la imaginación mientras Clapton  nos cuenta cómo ella se prepara y maquilla para acompañarle a una fiesta y le pregunta a él: ¿Que tal me ves? y el le contesta que está maravillosa, y mientras van de camino a la fiesta el le sigue regalando a ella maravillosas palabras, entonces ella le pregunta a él que tal se encuentra a lo que él responde que esa noche se encuentra maravilloso  a su lado. Una letra magnífica para una melodía maravillosa que invita a soñar.

It's late in the evening; she's wondering what clothes to wear

She puts on her make-up and brushes her long blonde hair

And then she asks me, Do I look all right?

And I say, "Yes, you look wonderful tonight

We go to a party and everyone turns to see

This beautiful lady that's walking around with me

And then she asks me, Do you feel all right?

And I say, "Yes, I feel wonderful tonight"

I feel wonderful because I see

The love light in your eyes

And the wonder of it all

Is that you just don't realize how much I love you

It's time to go home now and I've got an aching head

So I give her the car keys and she helps me to bed

And then I tell her, as I turn out the light

I say, "My darling, you were wonderful tonight

Oh my darling, you were wonderful tonight

     Pero hay una versión de ese tema que me parece sublime, la versión en directo que aparece en el directo de Clapton llamado "Just One Night", grabado en 1979 en el teatro Budokan de Tokio (Japón) y que vió la luz en 1980. En este tema se juntan como comenté anteriormente una melodía maravillosa, con una letra magnífica y una interpretación en directo llena de sentimiento, delicadeza y sensibilidad. Un tema que si ya es una delicia en su versión de estudio editada en Slowhand, en directo pasa a la categoría de obra de arte gracias a la magnífica interpretación de Clapton.

   

Canciones que no soporto: Still of the Night, Whitesnake

Whitesnake, Whitesnake (1987)

     Whitesnake, es un grupo británico liderado por el genial vocalista David Coverdale, el cuál lo forma a finales de los años 70 al abandonar Deep Purple. En 1987 edita el que sería su séptimo álbum de estudio, titulado con el nombre del grupo, Whitesnake.
El disco en cuestión fue un gran éxito de ventas tanto en el viejo continente cómo en Estados Unidos. Para hacernos una idea, solamente en Estados Unidos vendieron más de ocho millones de copias.

     En el disco podemos encontrar temas cómo Here I Go Again y Is This Love, que alcanzaron los puestos numero 1 y 2 respectivamente dentro de la famosa lista Top 10 de Billboard.  El disco alcanzaría la certificación de disco doble de platino.

     Este disco vino a certificar la línea ascendente de popularidad y ventas de la banda en el mercado americano. Un mercado que desde principios de los años ochenta se había propuesto conquistar David Coverdale.

     En dicho disco también podemos encontrar el tema titulado Still of The Night, con el que alcanzaron el puesto numero 18 en las listas de ventas en Estados Unidos y el 16 en el reino Unido. En el año 2009 fue nombrada en el puesto nº 27 de la lista a la mejor canción de todos los tiempos por la cadena VH1.

     El problema que tengo con este tema en particular es porque representa y define perfectamente el cambio de sonido que el grupo comenzó a experimentar progresivamente desde comienzos de los años 80, pues como comenté anteriormente, uno de los objetivos del grupo era triunfar en Estados Unidos. Y lo consiguieron, a base de sacrificar el sonido de los primeros discos, que era un sonido más basado en el blues, el soul y el rock por un sonido mucho más contundente, un sonido más pesado, basado casi exclusivamente en el Hard Rock que imperaba en la época, un sonido que vendía discos como rosquillas.

     Está claro que el objetivo fundamental de un grupo que se precie es vender discos, porque también tienen la fea costumbre de pagar facturas, alimentarse y vivir, pero donde quedó ese sonido que Whitesnike imprimió en discos como Trouble ó  Love Hunter.

El disco de la semana 109: Bon Jovi - Slippery When Wet

Hoy vamos a recordar uno de los discos que mas éxito tuvo en los años 80, un trabajo que acabó siendo el álbum mas vendido de 1987 y que mas numero de fans arrastraron durante aquellos años, al compás de los movimientos de la melena de su cantante. Nos estamos refiriendo a Bon Jovi y el pelotazo que supuso su tercer trabajo Slippery When Wet. Lo primero que me gustaría comentar es que el álbum es un mano a mano entre los dos integrantes mas famosos del grupo, es decir, Jon Bon Jovi y Richie Sambora, ya que ambos fueron los encargados de realizar la composición de todas las canciones del disco, con la ayuda de Desmond Child, un reconocido hitmaker que creó muchas de las canciones que harían famosos a artistas como Kiss, Cher, Aerosmith y Alice Cooper.
Pasan los años, y si bien yo fui uno de los locos que tenia el cassette a todas horas en el Walkman y atormentaba a mis padres cuando podía hacerme con la cadena musical que teníamos en el salón comedor, ahora le puedo encontrar mas de una costura rota a las canciones, pero después de tanto tiempo este revival me ha servido para darme cuenta de que aquellas sensaciones que me trasmitía el trabajo de Bon Jovi, siguen indemnes en mi espíritu, he disfrutado oyéndolo de nuevo y espero que vosotros también lo hagáis.

Como curiosidad la portada con la que finalmente se presenta el disco no era la que el grupo había decidido, sino otra con un alto componente sexual que fue censurada y que finalmente decidieron cambiar para evitar problemas comerciales.
Para finalizar os dejo un dato, el Salón de la Fama del Rock and Roll lo ubicó en el lugar 44 dentro de los 200 mejores discos de la historia. Un lugar más que destacado en la memoria musical del mundo.... a pesar de los prejuicios no parece mal disco, vamos a ello.....


Let it rock

El comienzo no puede ser mas desconcertante y es que se mezcla un órgano gótico con los teclados de David Bryan, que se marca una intro espectacular dejándonos fuera de lugar durante un minuto hasta que revientan la canción los coros y la voz de Jon Bon Jovi. Pasa a ser un tema rápido, casi Hard Core y como iréis viendo según vayan cayendo las canciones no es ni mucho menos el tono que el disco tiene, aun así tiene su puntito comercial que hace que nos salga el bicho mas Heavy que tenemos dentro y nos dejamos llevar por ella. Suena fuerte en este inicio, será un espejismo, pero nos ha servido para poner las orejas de punta.


You give Love a Bad Name

Ya en el segundo corte nos encontramos el primer pelotazo y que sirvió de single presentación del disco, una canción que casi se ha convertido en un himno de la época y del disco. La voz de Bon Jovi en este tema roza la perfección, una musicalidad extraordinaria con distintos cambios de tono sin olvidar la dureza del rock. La canción esta dedicada a la actriz Diane Lane, su ex pareja, ya que Jon dejo a su novia de toda la vida para tener una relación con ella, descubriendo que no era lo que esperaba, decidió pedir perdón y volver con su novia de toda la vida, el titulo se lo deja a claro a la bellisima Diane Lane... "Le das mal nombre al amor". Pero curiosidades aparte, la canción es un autentico trallazo ochentero, unos grandes riffs, una estribillo popero que se cuela en tu cerebro, unos teclados que dan una conjunción perfecta y un solazo a la guitarra de Richie Sambora que se te clava en la garganta...

Intentas mostrar una sonrisa de ángel
Me prometiste el cielo y me hiciste pasar un infierno
Cadenas de amor me atan
Cuando la pasión es una prisión, no puedes escapar.

Eres un arma cargada
No tengo un lugar a donde correr
Nadie puede salvarme
El daño está hecho

Tiro directo al corazón
Y es tu culpa
Tu le das mala reputación al amor
Yo interpreto mi papel y tu juegas tu juego
Le das mala fama al amor
Le das mala fama al amor


Livin' on a prayer

El segundo single del disco no podía defraudar despues de You give love a bad name y desde luego que no lo hizo, volvemos al mismo patrón que el anterior tema pero regado de coros y de un estribillo si cabe aun mas pegadizo, otro que de nuevo te hace saltar y menearte. En un principio este tema no iba a ser incluido en el disco, ya que a Jon Bon Jovi no le encontraba ningún potencial, fue entonces cuando Richie Sambora decidió hacer un cambio y meterle mediante un Talk Box un efecto conocido como Tubo de Vidrio que consigue modificar el sonido. Visto el nuevo toque de la canción Jon decidió incluirla e incluso presentarla como single. Pero curiosidades aparte, estamos quizás ante uno de los temas mas conocidos de la historia del rock y quien mas quien menos se ha encontrado cantándola con su grupete de amigos, ademas, tiene la virtud que se convierte en una canción optimista y que a todos nos encanta gritar su estribillo. “Livin’ On A Prayer” comienza como un cuento, como una historia que sucedió ‘no hace mucho tiempo’, pero con un sentido bastante realista. Los protagonistas son Tommy y Gina, una pareja que está teniendo algunas dificultades. Al parecer, Tommy se ha quedado sin trabajo y el salario de Gina como camarera no es suficiente como para que ambos vivan sin preocupaciones, es partiendo de esta premisa donde construyen este himno a la rebeldía, a no conformarse y a luchar por lo que quieres conseguir


Social disease

Quizás uno de los temas mas flojos del álbum, aun así es muy agradable de escuchar, tiene algún riff interesante pero no deja de ser uno de los temas de relleno, al menos no desentona para nada con el conjunto del disco.

Wanted dead or alive

En un principio este era el tema destinado a ser el titulo del disco (incluso hicieron la portada vestidos de cowboys) y la baza fuerte que iban a jugar para lograr conseguir el éxito que en los dos anteriores discos le había sido esquivo, una canción con toques de Country-Rock-Balada-Blues, con una brutal estética del Oeste Americano, realizada para lucimiento absoluto de Richie Sambora y que en un disco plagado de coros desaparecen aquí dejándolo casi todo al potencial de la voz de Bon Jovi, que poco a poco y al ritmo de la canción va creciendo. Este tema se hizo muy famosa tras su aparición en la película protagonizada por Mickey Rourke, Harley Davidson and The Marlboro Man (en españa fue titulada como Dos duros sobre ruedas), un film que fue un fracaso pero que ha quedado como película de culto para muchos espectadores (como Nevermind) y el solo de la guitarra, es considerado uno de los mejores solos de guitarra de toda la discografía de esta banda.

A veces duermo, a veces no es por el día
La gente que me encuentro siempre vamos por caminos separados 
A veces paso  el día bebiendo de la botella 
Los momentos en los que estoy solos todo lo que hago es pensar 

Soy un vaquero sobre un caballo de acero me paseo 
Me quería (quería), vivo o muerto 
Me quería (quería), vivo o muerto 


Raise your hands

En este tema el protagonismo es absoluto de la guitarra, puede que no sea el tema mas comercial o que mas fácilmente se queda en la retina de uno, pero es una canción muy estimable con una temática de sexo y fiesta muy apropiada y que nos vuelve a sacar del lado mas comercial del disco


Without Love

Y si antes hablábamos de la huida de la parte comercial, agárrense porque en los próximos tres temas el grupo se pone meloso y van en busca de conquistar el corazón de las jovencitas y jovencitos con 3 baladas con distintos resultados. Esta primera es posiblemente la mas plana de las tres y sin duda la mas comercial y menos conseguida, con un aire pastelero que no se puede ni aguantar, un borrón absoluto.


I'd Die for you

El comienzo con los teclados nos recuerda enseguida a la brillantisima "Runaway" pero en esta ocasión se queda a medias, no tiene la fuerza y la velocidad de esa canción y no deja de ser otra canción de relleno, una canción de factoría con estribillos sencillos, muy coreables, con letras simples, un tanto mas energética que la anterior pero no consiguen que sea una pretendida cancion Heavy para aquellos que no toleran muy bien el rock mas duro.


Never say goodbye

Y dentro de este trío, esta es la mas redonda, si, la mas comercial también pero la mas redonda y la que te deja un mejor poso, una verdadera "Ballad Power" que tan bien han sabido recrear con los años, una canción para disfrutar con los ojos cerrados mientras piensas en la chica de tu vida y te sumerges en la letra que no es mas que la relación entre dos jóvenes amantes, y su deseo de permanecer juntos, que nunca me diga adiós, porque soy feliz. Una gran banda sonora para una historia de amor feliz.

Recuerdas en la graduación esa noche 
Tú y yo tuvimos una pelea
Pero la banda toco nuestra canción favorita 
Y te sujete en mis brazos con fuerza 
Bailamos tan cerca
Bailamos tan lentos
Y jure nunca dejarte ir
Juntos por siempre
Nunca decir adiós, nunca decir adiós 
Tú y yo y mi viejo amigo
Deseando que nunca termine
Nunca decir adiós, nunca decir adiós

Wild in the streets

Es la despedida de un álbum, que resultó mas redondo de los esperado y una vuelta al metal no exento de comercialidad, no se clava tanto como los hits del disco pero es otra gran propuesta del grupo con los típicos coros marcando la voz del solista y el grito que todos cuando cantamos rock queremos dar, y con otro gran solo de guitarra de Richie Sambora, un buen cierra para un disco mítico donde los haya.