miércoles, 11 de diciembre de 2019

El Detective del Rock: Descubriendo a Link Wray



Los detectives a veces nos topamos con algunas pistas por casualidad. Indagando para otro caso, no recuerdo bien cuál, lanzando búsquedas aleatorias en Instagram para encontrar cuentas de músicos o personas con iniciativas interesantes a las que seguir desde 7dias7notas, me topé con la cuenta de @belindawraymuth.

Enseguida comprendí que había algo oculto en la extraña combinación de publicaciones de aquella cuenta. Normalmente, las personas que buscamos "especializan" sus cuentas en un tema concreto, aquel que más les gusta o interesa compartir. Seguimos cuentas de personas a las que les encantan los vinilos, que muestran sus discos favoritos o intentan posar representando las portadas de los discos mas míticos. Seguimos a músicos que comparten su música, o publicitan su nuevo trabajo o su próximo concierto, pero todos ellos se centran solamente en eso, sin compartir otros aspectos de su vida, sin fotos de platos de comida o de lugares que visitaron en sus ratos libres.

Pero la cuenta de Belinda Wray ocultaba un gran misterio. Podría haber pasado de largo por sus bellas fotos de coloridas flores, por sus fotos familiares o los talentosos dibujos hechos por ella misma, pero mi instinto de detective me hizo sospechar de la combinación de aquellas publicaciones con otras fotos en blanco y negro, en las que siempre aparecía un guitarrista, en lo que parecían ser los años 70. Leyendo los comentarios de las publicaciones, descubrí que se trataba de Link Wray, pionero guitarrista rock que hasta llegó a trabajar con Bruce Springsteen.

¿Y cuál era la conexión entre aquel guitarrista y las flores de Belinda? De nuevo a través de las leyendas de las fotos, descubrí que se trataba de su padre. Los comentarios de Belinda Wray desprendían tanto amor y orgullo por la figura de su progenitor y su legado musical, que me pareció un bonito tema sobre el que escribir. Pero cómo todo indicaba que me había topado ante un gran guitarrista que no tuvo la repercusión que merecía, decidí llamar a nuestro experto en las grandes figuras de las seis cuerdas, para que me ayudara en la investigación, y le diera a este homenaje el nivel de detalle técnico que yo no podría darle. Por eso cedo el testigo de esta narración a Jorky, que buceó en la trayectoria de Link Wray, rescatando con gran mimo y cuidado los logros de este interesante guitarrista.



DESCUBRIENDO A LINK WRAY

"Cuando Nevermind me llamó y me contó su casual encuentro con Link Wray inmediatamente le dije que sí, me pareció excitante indagar en la figura de éste guitarrista, que si bien nos puede sonar más bien poco, tuvo una gran importancia para la evolución del sonido de la guitarra eléctrica.


Link Wray nace en 1929 en Dunn, Carolina del Norte, hijo de padres nativos Shawnee, originarios del Norte de Estados Unidos. Sus primeros escarceos con la música fueron junto a sus hermanos Vernon y Doug, con los que formó su primera banda de música. En 1950, Link es reclutado por el ejército estadounidense, con el que sirve en la Guerra de Corea durante 3 años. Durante el conflicto bélico contrajo tuberculosis, enfermedad que le tuvo hospitalizado durante casi un año, y por la que sufrió la extracción de uno de sus pulmones. Los médicos le dijeron que no podría volver a cantar más, hecho que marcaría que la mayoría de sus composiciones fuesen instrumentales.

Mucha gente considera el tema "You Really Got Me" el primer tema en el que aparece la distorsión de guitarra, ya que para la grabación los Kinks rasgaron con una botella rota el amplificador de la guitarra. Pero el pionero, seis años antes, no fue otro que Link Wray con su tema de "Rumble" de 1958, canción que tuvo un nacimiento de lo más interesante.


Durante un concierto de Link Wray con su banda, The Raymen, se produjo una pelea mientras se encontraban en el escenario. Su representante, Milt Grant, viendo que aquellos se les iba de las manos, pidió a Wray y compañía que tocaran un Stroll (género consistente en un baile lento de rock & roll), concretamente el tema "The Stroll" del grupo The Diamonds. El problema es que Link no se sabía los acordes de aquél sencillo tema, por lo que se puso a improvisar con la guitarra sobre la base de batería de los Diamonds. El éxito de aquella improvisación fue tal que, en medio de la pelea, tuvieron que tocarla varias veces más.








En un primer momento ese tema se llamó "Oddball", posteriormente se acabaría llamando "Rumble" (En jerga "pelea callejera"). Tras el éxito de la versión en vivo, lo lógico era grabarla en el estudio, pero para lograr el efecto deseado por Link, hubo que hacer agujeros en el amplificador de la guitarra con un lápiz, para conseguir aquél zumbido característico, similar al de un abejorro gigante revoloteando por la sala. La fuerza y la potencia del tema hicieron que fuera prohibido en algunas ciudades de Estados Unidos y en muchas emisoras de radio, que alegaban que era un tema que incitaba a la violencia. "Rumble" incorporaba además los llamados "Power Chords" o "acordes en quintas", y de nuevo son muchos los que consideran a Link Wray el primero en incorporarlos y popularizarlos. Esta forma de tocar acordes acabaría posteriormente marcando el sonido del heavy metal y el punk.


Con el tiempo, la distorsión se ha convertido en uno de los recursos más explotados de la música rock. Jimi Hendrix, Iggy Pop, Jimmy Page, Neil Young, Jeff Beck, Marc Bolan o Bob Dylan, entre otros muchos, han reconocido la influencia de Link Wray. Pete Townsend reconoció que de no ser por Link, nunca hubiera cogido una guitarra, y el mismísimo Quentin Tarantino, del que es conocido su particular y afinado tino para seleccionar temas para sus películas, lo puso en el lugar que merecía al incluir Rumble en la banda sonora de su obra maestra Pulp Fiction en 1995.


No quiero despedirme de este fantástico viaje, por la biografía musical de este animal de las seis cuerdas, sin comentar una última curiosidad. El 13 de abril de 2018 se cumplieron 60 años del lanzamiento de Rumble, y para la ocasión el sello discográfico Easy Eye Sound lanzó el tema "Son of Rumble", tema compuesto por Wray y que nunca antes había sido publicado".

Después de la profunda investigación de Jorky, y las abrumadoras pruebas que ha proporcionado, doy por cerrado el caso del Instagram de Belinda Wray. No sólo es que nos gustan sus flores y sus dibujos, es que tiene razones más que sobradas para sentirse orgullosa de la gran aportación de su padre al crecimiento y desarrollo de la música rock.

lunes, 9 de diciembre de 2019

Canciones que nos emocionan: La Grange, ZZ Top

La Grange, ZZ Top



     Corría el año 1973, y los componentes de la formación de rock sureño ZZ Top, Billy Gibbons (guitarra y voz), Dusty Hill (bajo y coros) y Frank Beard (batería y percusión) se embarcan en una nueva aventura que se materializa en julio de 1973 con la publicación de su tercer álbum de estudio, Tres Hombres.

     El álbum es publicado por el sello London Records bajo la producción de Bill Ham, el productor de confianza del grupo hasta el año 1996 donde las funciones de producción las empezaría a realizar el mísmo Gibbons. El título del disco es una clara alusión a los tres componentes de la formación, con un sonido basado en el blues rock con toques de rock & roll y boggie rock. En su momento fue declarado por la crítica especializada como el mejor álbum de la formación de la década de los años 70, teniendo también una buena repercusión comercial, la mejor de la banda hasta el momento, alcanzando el puesto número 8 en la lista estadounidense Billboard 200.

Rumour spreadin' 'round

In that Texas town

About that shack outside La Grange
And you know what I'm talkin' about
Just let me know if you wanna go
To that home out on the range
They got a lot of nice girls
Have mercy

A haw, haw, haw, haw, a haw

A haw, haw, haw
Well, I hear it's fine

If you got the time

And the ten to get yourself in
A hmm, hmm
And I hear it's tight
Most ev'ry night
But now I might be mistaken
Hmm, hmm, hmm
Have mercy

     Incluido en ese álbum nos encontramos con el tema La Grange, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. compuesto por los tres componentes, Gibbons, Hill y Beard, el tema hace referencia a un burdel llamado Chicken Run, el cuál se encontraba situado en las afueras de la ciudad de La Grange, Texas. El burdel Chicken Run también era conocido como La casa de huéspedes de la señorita Edna. Al parecer las señoritas de compañía del burdel tenían visitas semanales con el médico para prevenir cualquier tipo de enfermedad, pues a la señorita
Edna le gustaba llevar el negocio en condiciones, preocupándose también por el futuro de la comunidad, pues cuando la ciudad necesitó dinero para la construcción de un nuevo hospital, Edna también fue la primera en hacer una donación, siendo ésta la más grande con diferencia del resto.

     El burdel Chicken Run fue abierto en 1905, y sería definitivamente cerrado en 1973, ya que un Reportero de televisión de Houston puso su objetivo sobre éste local, iniciando una cruzada personal hasta conseguir que el Gobernador de la ciudad ordenara su cierre definitivo. En la actualidad, el edificio que albergara Chicken Run, y que fue motivo de inspiración para Gibbons y compañía, se encuentra abandonado.

sábado, 7 de diciembre de 2019

La música en historias: El día que Raimundo tocó con B B

Raimundo Amador y B B King


     Año 1995, y Raimundo se disponía a grabar su primer álbum en solitario, Gerundina, de título cómo el nombre de una de sus guitarras.
Dicho disco lo iba a grabar con la discográfica MCA Records. Para la grabación del disco quería contar con la colaboración, entre otros, del mismísimo B B king, pues se había enterado que éste pertenecía a la misma discográfica que él. La primera vez que se lo propuso B B King le dijo que no, no estaba muy interesado. Pero a Raimundo se le había metido en la cabeza que tenía que colaborar  B B king en su disco, por lo que entonces decidió enviarle una cinta en la que Raimundo tocaba encima de la música de B B King. Raimundo tenía muchas cintas así, cogía material de alguno de los grandes que le inspiraban y tocaba encima de la música de éstos, era su forma de progresar y aprender. Gracias a esa cinta que Raimundo envió B B King al final aceptó. De ahí surgiría en la posteridad una gran amistad que se consolidaría encima de los escenarios con multitud de colaboraciones entre ambos. No en vano B B King alabó en numerosas ocasiones el estilo de Raimundo, pues le gustaba mucho, y siempre le decía lo mismo, que no cambiara ni su forma de ser ni su forma de tocar, que fuera siempre él mismo.
Raimundo se acababa de coronar entre los grandes de la guitarra por méritos propios, unos méritos que se fue ganando paso a paso y a pulso hasta llegar al Olimpo de la guitarra.

     Raimundo Amador nace en Sevilla en 1959, de origen gitano, se cría y pasa su juventud y adolescencia en el barrio sevillano de Las 3000 Viviendas. Su padre le enseña a tocar la guitarra, y Raimundo con tan sólo 12 años ya se buscaba la vida por las calles de Sevilla con la guitarra. Comienza su carrera artística en los tablaos flamencos, lo que le llevaría a conocer a Paco de Lucía y a Camarón de la Isla.
   
     En 1977 junto a Kiko Veneno y su hermano, Rafael Amador forma el grupo Veneno, un grupo que ese mismo año publica su primer y único disco, de título como el grupo, Veneno, en un primer momento éste disco tuvo escasa repercusión tanto en ventas como en reconocimiento público, Sin embargo con el tiempo este disco ha sido considerado por la crítica como uno de los mejores discos de la historia de las músicas urbanas en España, siendo elegido por las revistas Rockdelux y Efe Eme el mejor disco español del siglo XX.
El grupo acabaría disolviéndiose un año después, en 1978, lo que no impidió que este grupo influyera en las siguientes generaciones de músicos andaluces, además de demostrar que había tendencias musicales minoritarias a las que se le podían sacar mucho más partido y conseguir más repercusión.

     Tras la disolución del grupo Veneno en 1978, forma junto a su hermano Rafael Pata Negra, grupo que fusiona el género flamenco con el blues y el rock. El propio grupo llega a definir su estilo musical como "Bluslería". Mientras está en Pata Negra, Raimundo colabora y forma parte del elenco de músicos que graban el álbum La Leyenda del Tiempo, el disco de Camarón que revolucionó la forma de entender el flamenco y lo evolucionó,  y que en un primer  momento contó con muchos detractores, si bien en la posteridad ha sido considerado cómo un clásico y una obra maestra indispensable.
Tras cuatro álbumes de estudio y uno en directo, Raimundo decide abandonar Pata Negra en 1990 debido a diferencias con su hermano Rafael. Deja tras de sí un estilo que volverá a marcar el camino a las siguientes generaciones de músicos, con esa brillante fusión de estilos, flamenco, rock y blues, regalándonos para deleite de nuestros oídos discos como Blues de la Frontera, editado en 1987 y considerado por la crítica como uno de los mejores discos publicados de la historia de la música española en la década de los años 80.

     Depués de abandonar Pata Negra, se junta con el ex miembro y guitarrista del grupo Guadalquivir (formación que basaba su sonido en el rock andaluz y el jazz-rock. Este grupo pasaría a formar parte de la corriente del llamado Rock andaluz que inciaron grupos cómo Triana, Alameda ó Iman) Luis Cobos "El Manglis", y juntos forman Arrajatabla, grupo de blues flamenco con el que publican en 1992 un único álbum de estudio, Sevilla Blues.

     En 1995, como se puede ver, Raimundo es un músico con una trayectoria más que meritoria a sus espaldas, y decide iniciar su carrera en solitario, preparando la grabación de su primer disco, de nombre Gerundina, disco con el que comencé esta reseña. Además de B B King, colabora en la grabación del disco Andrés Calamaro.
Con la grabación de Gerundina se inciaría una bonita y duradera amistad entre Raimundo Amador y B B King, que tendría como punto culminante la colaboración de Raimundo durante todas la gira española de B B King en el año 2004. Para la retina quedan momentos mágicos los que Raimundo nos ha regalado, como por ejemplo la interpretación en vivo del tema Bolleré en el que colabora B B King, tema compuesto por la maravillosa compositora Cathy Claret "La canastera", una de las pioneras de la fusión del flamenco con otros estilos musicales, como la rumba, bossa nova, pop ó el reggae entre otros.

     En 7dias7notas queremos rendir homenaje al genial músico Raimundo Amador, que tanto con su obra con Veneno, Pata Negra y Arrajatabla, cómo con su obra en solitario, con 8 discos de estudio a sus espaldas, nos ha dejado una magnífica y brillante fusión de estilos, siendo además referente de infinidad de generaciones de músicos posteriores.

viernes, 6 de diciembre de 2019

El disco de la semana 155: La Vela Puerca - A contraluz






El disco de la semana 155: La Vela Puerca - A contraluz 


Hoy les quiero traer una banda de rock que es de un pueblo muy querido que es el pueblo Uruguayo, y muy vecino mio. 

Esta banda Uruguaya la cual se llama La Vela Puerca, nacida en la ciudad de Montevideo tiene mucho que ofrecer y una de sus ofertas es este disco que hoy estamos recomendando "A contraluz".


El disco fue producido por Gustavo Santaolalla. Para algunos de sus fans fue la manera de conocer a la banda y para otros, la arruinó, pero no vamos hacer un juicio de valor.  

Lo cierto es que “A contraluz” muestra una realidad, que va desde lo personal a lo social; y es una confirmación del estilo de la banda. 

En el arte del disco se pueden ver dibujos con reminiscencias a Picasso y a Dalí intercalados con las letras de las canciones que recorre el disco, que demuestran que sin perder sus raíces uruguayas, se puede agregar toques de ska, reggae, rock… 

Este será su tercer disco, el cual ya es disco de oro en ventas, y los a llevado a diferentes lugares para demostrar que existe, recorriendo el mundo desde Europa, pero siempre la banda se hace un lugar para pasar por Argentina.  

En el 2000 empezaron sus visitas a la Argentina y la semilla está dando frutos cada vez más grandes, sus fans los han adoptado muy bien. 





Según mi parecer el disco se divide en los temas que se destacan y en los que son para rellenar. Y esa creo que es mi mayor crítica a Santaolalla. Entre los temas para rellenar están: “Clarobscuro”, “Caldo precoz”, “En el limbo” y “Doble filo”.

El tema que abre, “Llenos de magia”, empieza con trompetas anunciando la llegada de La Vela para seguir con “Sin palabras”, que es muy tranquila musicalmente, pero su letra tiene mucho contenido poético y de porro. 


El tema que sigue (“Dice”) es mucho más tranquilo que el anterior y trata sobre el síndrome de abstinencia. El corte de difusión, “De atar”, lo eligieron bien: la escuchás una vez y no parás de tararearla. En “Va a escampar” describen la vida de alguien muy famoso que hace lo que sea por permanecer en su posición, y los demás siempre esperan todo de él. “Escobas” intercala ritmos rock con una especie de ska. “Zafar” ya era un clásico de la banda en vivo, pero todos estaban esperando que se edite. 

Ahora va a quedar registrada esa oda al cuelgue que en vivo atraviesa el humo del público. “Haciéndose pasar por luz” es un ska con letra con contenido social que califica a los poderosos de esclavizantes del pueblo. “Un frasco” empieza oscura para después brillar y volverse oscura otra vez. El disco termina con “A lo verde”, que se encuentra en una situación parecida a “Zafar”: es conocida por los seguidores de la banda en vivo, pero ahora se extiende para todos los oyentes de discos; y también habla sobre un fumador, que no soporta que haya otra forma de empezar a envejecer.

La banda está en su etapa de adultez, ya pasó la etapa de los caprichos de sus otros discos. Ahora ve todo desde otro punto de vista, desde la sensatez, aunque no perdió sus baches de cuelgues para volar.

Les dejo las canciones del Disco para que la puedan disfrutar. 


1) Llenos de magia
2) Sin palabra
3) Dice
4) De atar
5) Va a escampar
6) Escobas
7) Clarobscuro
8) Zafar
9) Caldo precoz
10) Haciéndose pasar por luz
11) En el limbo
12) Un frasco
13) Doble filo
14) A lo verde


Daniel 
Instagram: Storyboy

jueves, 5 de diciembre de 2019

Canciones que nos emocionan: Mejores que el original (III)





En la anterior entrega de "Mejores que el original" contábamos como el maestro David Bowie reconocía abiertamente que la versión de Nirvana de su "The man who sold the world" superaba a la suya. Y aunque aquí vamos a hablar de "Friday on my mind" de The Easy Beats, una canción que Bowie versionó, (y podríamos discutir si mejoró o no) en su disco de versiones "Pin ups", en realidad la versión que mejora radicalmente al original es la de Gary Moore en el disco "Over the hills and far away". Moore la convierte en un tema mucho más rockero y trepidante que sus antecesores, y roba el premio tanto a los creadores originales, como al inquieto y admirado camaleón.



Ya que hablamos de autores originales que comentaron su opinión sobre una versión posterior de su trabajo inicial, tenemos que mencionar aquí a Nine Inch Nails y su tema "Hurt". Trent Reznor comentó, al escuchar por primera vez la versión que de su tema hizo Johnny Cash en sus "American Recordings": "Lo escuché y fue muy extraño. Era otra persona habitando mi canción más personal. Yo sabía dónde estaba cuando la escribí, en qué estaba pensando y cómo me sentía. Escucharla fue como si alguien más besara a tu novia" Aunque hablamos de una canción que habla de sentimientos y emociones muy personales del autor, la voz ajada y descarnada de Cash la lleva a un nivel de intensidad mayor que el original.



Empezamos a hilar fino con el siguiente tema, ya que aunque consideramos mejor una de ellas, para disipar nuestras dudas tuvimos que recurrir al "VAR". En una decisión "difícil de manejar", creemos que el "Hard to handle" de los Black Crowes supera a la canción original de Otis Redding. La diferencia es mínima, porque el toque soul de la canción de Otis es brillante, y nos hace cerrar los ojos y disfrutar como al escuchar el dulce canto de un jilguero, pero el matiz rockero que le dan los cuervos negros nos emociona mucho más y nos hace mover los pies y practicar el "air guitar" con una escoba o lo primero que tengamos a mano.



Cerramos esta tercera entrega con un grupo relativamente desconocido fuera de los confines de la Gran Bretaña. The Zutons grabaron, en su segundo disco, la canción "Valerie" en clave de brillante pop rock, pero en este caso hacemos el camino a la inversa, y nos quedamos con la versión soul que de la canción se marcó la malograda Amy Winehouse. Recurriendo esta vez a la "photo finish", Amy se alza vencedora por meter la cabeza primero sobre la línea sin soltar su copa de vino tinto, y aunque los Zutons están a la altura, en la imagen congelada vemos que el añorado y enorme tupé de la Winehouse cruza primero, por centímetros, la línea de meta.

miércoles, 4 de diciembre de 2019

La música en historias: El Reloj del Apocalipsis






     El Reloj del Apocalipsis, también llamado Reloj del Juicio Final, es un reloj simbólico, creado y mantenido por el Bulletin of the Athomic Scientitsts (Boletín de Científicos Atómicos) de la Universidad de Chicago, Estados Unidos. El bulletin of the Athomic Scientists fue creado en 1945 por un grupo de investigadores que estaban inmersos en el Proyecto Manhattan de la Universidad de Chicago. Dicho proyecto se encargó de producir las primeras armas nucleares, y estaba liderado por Estados Unidos, que contaba con la colaboración de Reino Unido y Canadá.
Estos investigadores crearon la revista del Bulletin para alertar a la humanidad de los peligros que entrañaban la energía nuclear y las armas de destrucción masiva.

     El reloj siempre aparece con la hora a minutos de la medianoche, siendo ésta la que representa la destrucción total y catastrófica de la humanidad. Desde que fue concebido, el reloj siempre ha aparecido en todas las portadas del Bulletin of the Athomic Scientists, siendo su primera aparcición en 1947, cuando el cofundador de la revista, Hyman Goldsmith, le pidió a la artista Martyl Langsdorf que diseñara una portada para la edición de la revista de junio de 1947.

     El número de minutos para la medianoche es el encargado de medir el grado de amenaza nuclear, ambiental y tecnológica, siendo la medianoche el máximo peligro.
Originalmente, en su fundación en 1947, el reloj se situó a 7 minutos de la medianoche. En 1953 tanto Estados Unidos como la extinta Unión Soviética estaban experimentando con bombas de hidrógeno, lo que hizo que el reloj se situara en las 23:58 horas, a sólo dos minutos de la media noche, lo más cerca que el reloj llegó a estar del peligro. Recientemente el peligro vuelve a acecharnos sobremanera, pues en el año 2017 el reloj se situó a 3 minutos para la medianoche, llegando a alcanzar los 2 minutos para la medianoche en el año 2018. Los investigadores del Bulletin llevan tiempo advirtiendo a toda la humanidad que si seguimos así, el final está cerca y no estamos siendo conscientes de ello.

Kill for gain or shoot to maim

But we don't need a reason

The Golden Goose is on the loose

And never out of season
Blackened pride still burns inside
This shell of bloody treason
Here's my gun for a barrel of fun
For the love of living death

The killer's breed or the demon's seed

The glamour, the fortune, the pain

Go to war again, blood is freedom's stain

Don't you pray for my soul anymore
Two minutes to midnight

The hands that threaten doom

Two minutes to midnight

To kill the unborn in the womb
The blind men shout "let the creatures out

We'll show the unbelievers"

The napalm screams of human flames

Of a prime time Belsen feast, yeah!
As the reasons for the carnage cut their meat and lick the gravy
We oil the jaws of the war machine and feed it with our babies

The killer's breed or the demon's seed

The glamour, the fortune, the pain

Go to war again, blood is freedom's stain

Don't you pray for my soul anymore
Two minutes to midnight

The hands that threaten doom

Two minutes to midnight

To kill the unborn in the womb
The body bags and little rags of children torn in two

And the jellied brains of those who remain to put the finger right on you

As the madmen play on words and make us all dance to their song

To the tune of starving millions to make a better kind of gun
The killer's breed or the demon's seed

The glamour, the fortune, the pain

Go to war again, blood is freedom's stain

don't you pray for my soul anymore
Two minutes to midnight

The hands that threaten doom

Two minutes to midnight

To kill the unborn in the womb
Midnight

Midnight

Midnight

It's all night
Midnight
Midnight
Midnight
It's all night
Midnight, all night


     Quienes si parecen ser conscientes de los peligros que conllevan las amenazas, ya sean nucleares, ambientales ó tecnológicas, son nuestros amigos de Iron Maiden, que ya en 1984 se hicieron eco de este hecho en su quinto álbum de estudio Powerslave. En dicho disco nos encontramos con el tema 2 Minutes to Midnight, un tema que compusieron Adrian Smith y Bruce Dickinson como protesta y en contra de la carrera y la guerra nuclear. En dicho tema nuestros amigos hacen referencia al Reloj del Juicio Final, el simbólico reloj del Bulletin of the Athomic Scientists.

     Bruce Dickinson llegó a declarar que este tema trataba de la relación amor / odio con la guerra, pues al igual que nos sentimos fascinados en cierto modo por ella, también la repudiamos. Curiosamente 2 Minutes to Midnight es uno de los pocos temas donde Steve Harris no aparece en los créditos de composición del tema.

2 minutes to Midnight, Iron Maiden

lunes, 2 de diciembre de 2019

La música en el cine: Blaze of Glory, Jon Bon Jovi





     En 1990, debido al éxito de la película Arma Joven, se estrenaba en las salas de cine de todo el mundo la secuela de ésta, titulada Arma Joven II (intrépidos forajidos). La película, filmada en la localidad de Los Cerrillos, Nuevo México, fue dirigida por Christopher Cain, con guión fue escrito por John Fusco y protagonizada entre otros por Emilio Estévez, Kiefer Sutherland, Lou Diamond Phillips, Christian slater ó Viggo Mortensen entre otros.

     Ambientada en el oeste, para la banda sonora de la película, al parecer Emilio Estévez había solicitado que apareciera el tema Wanted Dead or Alive de Bon Jovi, tema que estaba incluido en el álbum de la banda Slippery When Wet, publicado en 1986. Un tema que había sido compuesto por Richie Sambora y Jon Bon Jovi, y que fue lanzado como tercer sencillo de la banda en 1987. El tema es un homenaje a a los héroes del Viejo Oeste, pues según Jon Bon Jovi la vida de estos era similar a la de las bandas de rock, pues ambos cabalgaban y viajaban de ciudad en ciudad, en busca de fama, chicas y dinero y bebían hasta el amanecer.

     Si embargo Jon Bon Jovi creía que Wanted Dead or Alive no quedaría bien para la banda sonora, pues la letra del tema no hablaba exprésamente del Viejo Oeste. Jon Bon Jovi por entonces se encontraba tomándose un descanso de la banda, y tenía proyectado mientras grabar su primer álbum en solitario. Así que Jon se presentó un día en Los Cerrillos, Nuevo México, donde se estaba grabando la película, y armado con una guitarra acústica tocó el tema Blaze of Glory delante del guionista de la película, John Fusco. John Fusco quedó maravillado y decidió que ese tema sería el que se incluiría en la banda sonora de la película. Jon Bon Jovi aparte de escribir el tema de la banda sonora, también hizo un cameo apareciendo en la película.

     El argumento del tema versa sobre un forajido que está decidido luchar con todo hasta su muerte, sabiendo que será recordado por su enorme valentía. El tema fue nominado para los premios Oscar en la categoría de mejor canción original de 1991, pero el premio se los acabo llevando Sooner or Later, tema de la banda sonora de Dick Tracy e interpretado por Madonna.

I wake up in the morning

And I raise my weary head

I've got an old coat for a pillow
And the earth was last night's bed
I don't know where I'm going
Only God knows where I've been
I'm a devil on the run
A six gun lover
A candle in the wind
When you're brought into this world

They say you're born in sin

Well at least they gave me something
I didn't have to steal or have to win
Well they tell me that I'm wanted
Yeah, I'm a wanted man
I'm a colt in your stable
I'm what Cain was to Abel
Mister catch me if you can
I'm going out in a blaze of glory

Take me now but know the truth

I'm going out in a blaze of glory
Lord I never drew first
But I drew first blood
I'm no one's son
Call me young gun
You ask about my conscience

And I offer you my soul

You ask if I'll grow to be a wise man
Well I ask if I'll grow old
You ask me if I've known love
And what it's like to sing songs in the rain
Well, I've seen love come
And I've seen it shot down
I've seen it die in vain
Shot down in a blaze of glory

Take me now but know the truth

'Cause I'm going down in a blaze of glory
Lord I never drew first
But I drew first blood
I'm the devil's son
Call me young gun
Each night I go to bed

I pray the Lord my soul to keep

No I ain't looking for forgiveness
But before I'm six foot deep
Lord, I got to ask a favor
And hope you'll understand
'Cause I've lived life to the fullest
Let this boy die like a man
Staring down a bullet
Let me make my final stand
Shot down in a blaze of glory

Take me now but know the truth

I'm going out in a blaze of glory
Lord I never drew first
But I drew first blood
And I'm no one's son
Call me young gun
I'm a young gun
Young gun, yeah yeah yeah
Young gun

     Jon terminaría grabando su primer álbum (titulado Blaze of Glory) y proyecto en solitario con temas inspirados en la película Arma joven II. El álbum fue lanzado una semana después del lanzamiento de la película, y vendió la nada despreciable cantidad de dos millones de copias.
Blaze of glory fue el primer sencillo que Jon bon Jovi lanzaría en solitario y alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. También alcanzó dicho puesto durante seis semanas en Australia.

     Al parecer, Jon escribió la letra en una servilleta del restaurante del set de rodaje de la película mientras cenaba junto a algunos actores y personal entre los que se encontraba Emilio Estévez. La servilleta se encuentra enmarcada en una pared de la casa de Emilio.

domingo, 1 de diciembre de 2019

Canciones que nos emocionan: Highway Song, Blackfoot

Blackfoot


     Blackfoot es el nombre de la formación de rock sureño fue fundada en 1970 por Rickey Medlocke (guitarra y voz), Charlie Hagrett (guitarra), Greg T. Walker (bajo) y Jakson Spires (batería).
En 1969 Medlocke y Walker se juntaron con Hagrett y fundaron una banda llamada Fresh Garbage. Para ese proyecto inicial fichan a los teclados a Ron Sciarabasi. En otoño de ese año, 1969, Fresh Garbage se disuelve debido a que Sciarabasi es enviado a Vietnam. Medlocke, Walker y Hagrett tras la marcha de Sciarabasi deciden formar otra banda a la que llaman Hammer, y fichan al batería Jakson Spires, a
DeWitt Gibbs a los teclados y Jerry Zambito como guitarrista.
El grupo se acaba mudando a Gainesville, Florida, ya que allí encuentran trabajo tocando a diario en un famoso local de topless llamado Dub's.

     A principios de 1970 la banda se muda a Manhattan, Nueva York, ya que consideran que allí pueden tener más oportunidades de salir adelante. Es en esa época que se enteran que una banda de la costa oeste de Estados Unidos tienen el mismo nombre que ellos, por lo que deciden cambiarlo y llamarse Blackfoot, debido a las raíces indias de la mayoría de los miembros del grupo. El padre de Ricky Medlocke era Lakota Sioux y Blackfoot indian, y su madre tenía ascendencia creek / Cherokee, escocesa e irlandesa. Greg T. Walker tenía ascendencia de una tribu de Florida, la tribu Eastern (Muskogee) Creek. Jakson Spires tenía un padre cheyenne / francés y una madre cherokee. Y Charlie Hagrett era el único de los 4 componentes originales que no tenía ascendencia india, pues poco antes Gibbs y Zambito habían abandonado la banda.

     En 1971 Medlocke y Walker son invitados a unirse a Lynyrd Skynyrd, oferta que aceptan, por lo que Blackfoot sufre su primera disolución, volviendo a reflotarse en 1972, cuando vuelven Medlocke y Walker. A partir de ese momento Blackfoot sufre infinidad de cambios de componentes, disoluciones y reformaciones, si bien a día de hoy el grupo sigue dando guerra.

     La década de los años 70 y principios de los 80 supone la época dorada del grupo, con discos publicados como Flying High (1976), Strikes (1979), Tomcattin' (1979) y Marauder (1981).
Me voy a detener en el álbum Strikes, disco que contiene temazos como Train Train, compuesto por el abuelo de Medlocke, "Shorty" Medlocke, una gran versión de Wishing Well de Free, o Highway Song, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan y en el que me voy a centrar.

Another day, another dollar

After I sing and holler
Oh it's my way of livin'
And I can't change a thing
In another town is drawing near

Oh baby I wish you were here
But the only way I can see you darlin'
Is in my dreams
It's a highway song

You sing it on and on
On and on
Yeah the hurt you leave behind

Is the hurt that's on your mind
Oh and last night sure took it's toll on me
Well the city lights fly by me

As I lay my body in my bed
Oh and dreams of you flash through my head
It's a highway song

You sing it on and on
On and on
Highway song
It's as long as
As the road I'm on
Yes these big wheels are ready to roll

We've been flyin' high I'm so low
And all in all this madness
Ain't as crazy as it seems
Everywhere they stop and stare

I'm just a stranger on this road
I stand alone only in my dreams
Highway song

You sing it on and on
On and on
Highway song

It's as long as
As the road I'm on
Highway song

Sing it on and on
On and on
Highway song

It's as long as
As the road I'm on, on uh


     Highway Song fue compuesta por Ricky Medlocke y por el batería Jakson Spires. Medlocke tuvo la idea de componer este tema cuando se encontraban de viaje por la Ruta 81, una carretera que discurre por la parte este del país y que va hacia el norte, a Nueva Jersey. No era el sitio o carretera más inspiradora para un tema, pero fue el lugar donde a Medlocke se le ocurrió y empezó a tocar algunos acordes, concretamente cuando se encontraba el grupo cerca de Winchester, virginia. A partir de ahí Medlocke y Spires trabajarían en el tema hasta regalarnos este tema, un tema lento que poco a poco va cogiendo velocidad hasta llegar a la parte final con un sólo de guitarra demoledor. La letra del tema, en su tercer verso hace alusión a los dos primeros álbumes del grupo, No Reservations (1975) y Flyin High (1976).