1121 - Steve Miller Band - The Joker

1121 - Steve Miller Band - The Joker

"The Joker" es una icónica canción de la Steve Miller Band que ha dejado una huella imborrable en la historia del rock desde su lanzamiento en 1973. Con su distintivo sonido y letras ingeniosas, la canción se ha convertido en un himno atemporal que ha perdurado a lo largo de las décadas.

Desde los primeros acordes de la guitarra, "The Joker" establece su tono único y relajado. La melodía, que combina elementos de rock, blues y pop, captura la esencia del sonido característico de la Steve Miller Band. La guitarra de Miller es la protagonista, con sus riffs suaves y su estilo distintivo que le da a la canción un toque de frescura y energía.

La letra de "The Joker" es un viaje surrealista a través de imágenes poéticas y referencias culturales. La famosa línea "Some people call me the space cowboy, some call me the gangster of love" se ha convertido en una de las más reconocibles en la historia del rock. La canción es una mezcla de metáforas y juegos de palabras que crean un ambiente lúdico y misterioso. Las referencias al Tarot, como el "midnight toker" (consumidor de marihuana a medianoche), añaden un toque de misticismo y misterio a la narrativa.

A medida que la canción avanza, se revela una sensación de libertad y desenfado. La letra refleja la actitud despreocupada de los años 70 y encapsula el espíritu contracultural de la época. La figura del "Joker" simboliza la rebeldía y la individualidad, personificando la filosofía de vivir la vida sin preocupaciones y disfrutar del momento presente. Esta actitud hedonista y liberadora resuena en la letra y se combina perfectamente con la melodía relajada de la canción.

La instrumentación, además de la destacada guitarra de Miller, incluye una armoniosa combinación de teclados y percusiones que contribuyen a la riqueza sonora de la canción. La producción impecable realza cada elemento musical, creando una experiencia auditiva envolvente.

"The Joker" ha trascendido el tiempo y ha mantenido su relevancia en la cultura popular. Su inclusión en películas, programas de televisión y anuncios ha asegurado que nuevas generaciones descubran y aprecien esta obra maestra del rock. La canción ha sido versionada y reinterpretada en varias ocasiones, pero la versión original de la Steve Miller Band sigue siendo la definitiva y la más querida por los fanáticos.

En conclusión, "The Joker" es mucho más que una simple canción; es un hito en la historia del rock. Con su combinación única de sonido, letras ingeniosas y actitud desenfadada, la Steve Miller Band creó una obra maestra que sigue resonando con oyentes de todas las edades. La canción es un recordatorio intemporal de la importancia de la individualidad, la diversión y la libertad en la experiencia humana.

Daniel
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Disco de la semana 362: Souvlaki - Slowdive

Souvlaki , lanzado en 1993, es el segundo álbum de la banda británica de dreampop/shoegaze Slowdive, el álbum trata temas que van desde la soledad y la alienación hasta el consumo de drogas y la sedación. Siguiendo la tradición de los géneros dreampop y shoegaze, la instrumentación a lo largo del álbum explora un paisaje sonoro de otro mundo, plagado de distorsión de guitarra y sintetizadores atmosféricos, es importante señalar que los miembros Neil Halstead y Rachel Goswell se separaron poco antes de que se creara el disco, y Halstead había escrito algunas de las canciones de forma aislada, lo que parece haber influido mucho en el tema del álbum.

Alison probablemente sea mi canción favorita del disco y una de mis canciones favoritas de shoegaze/dream pop, es una canción PERFECTA en mi opinión, preciosa y una excelente introducción a lo grandioso y deprimente que puede ser este álbum. Todo te impacta aún más una vez que sabes que los cantantes y guitarristas Neil Halstead y Rachel Goswell terminaron recientemente una relación y cómo les afectó a ambos, especialmente a Neil, quien también escribió la mayoría de las canciones de Souvlaki. El fascinante riff de guitarra distorsionado (que sube y baja en un patrón cíclico que refleja la naturaleza cíclica de la adicción a las drogas y las relaciones codependientes) y la voz suave y casi somnolienta de Neil están presentes en todo el tema de la canción, que se escribió después de que Neil tuviera un sueño bajo el efecto de las drogas. "Alison" cuenta la relación del cantante con una chica llamada Alison, quien tiene un problema con las drogas, al principio, parece decidido a salvarla de su adicción a las drogas, sin embargo, queda claro que Alison no tiene intención de renunciar, ha quedado atrapada en ese mundo impulsado por las drogas, libre de responsabilidades y no puede imaginar una vida sin los placeres a los que se ha acostumbrado mientras estaba drogada. Quizás por amor a Alison, el cantante decide entregarse a su "mundo desordenado" en la segunda mitad de la canción es cuando parece que ya no reconoce a Alison como la chica que una vez conoció. Al final, él sucumbe al mismo destino que ella y trata su caída con falta de cuidado mientras pronuncia la frase final: "Supongo que ella está por ahí en alguna parte". "Machine Gun", es una canción menos intensa, crea una atmósfera ondulada a través de capas de distorsión espacial de guitarra. La letra, que indica que el cantante se siente como si se estuviera ahogando en el agua y convirtiéndose en uno con ella, sirve como metáfora de una vida de abuso de drogas, siguiendo el ejemplo de los temas introducidos en "Alison". Rachel Goswell tiene una de las voces más encantadoras y majestuosas que he escuchado jamás y en Souvlaki la utiliza en todo su potencial, superando su debut “Just for a Day”, la canción te arrastra a esta melodía etérea y suena tan soñadora que me dan ganas de abrazar fuerte a alguien o abrazar fuerte mi almohada y llorar hasta quedarme dormido, la canción significa muchas cosas para mí. Cuando Neal entra y esas guitarras comienzan a sonar y regresa la voz de Rachel, parece que llegas al cielo. 

40 Days se mueve más en la dirección del shoegaze que del dreampop, cantada con una armonía engañosamente optimista entre Goswell y Halstead, la letra habla de una persona que vive en el pasado, no puede seguir adelante con su vida porque están desconsolados por el fin de su relación. El título se suma al tema del dolor de la canción, ya que cuarenta días es el tiempo habitual que la gente espera antes de celebrar un servicio religioso en memoria de alguien que ha muerto. En el momento de escribir la canción , Neal se sentía desolado por su ruptura, lo cual es muy lógico pero le dio el impulso creativo Neal hizo un viaje de dos semanas a Gales, donde escribió algunas canciones del álbum, como la tranquila Here She Comes, la maldita y deprimente Dagger, y la siguiente canción, Sing que se despoja de la distorsión de la guitarra y opta por un ritmo de batería instrumental combinado con sintetizadores de ensueño, es una de las dos pistas del álbum que fueron escritas parcialmente por Brian Eno, donde hace un gran trabajo al decantarse por el ambient y alejarse del shoegaze. La suave voz de Goswell se superpone cuidadosamente a los instrumentos de una manera que tiene un parecido sorprendente con la voz de Elizabeth Fraser, la cantante de Cocteau Twins. Siento como si estuviera en lo profundo del océano explorando los arrecifes de coral y viendo pasar los peces exóticos, es simplemente hermoso, cuando entran las guitarras retrasadas, los sintetizadores se vuelven más prominentes, todo sale a la luz y brilla de la manera más luminosa posible. Here She Comes nos muestra a Neil, desconsolado y miserable, esta canción salió de su escapada de dos semanas a Gales, la veo casi como un limpiador de alma, todo es tan sutil, el instrumental se siente como una canción de cuna y Neil está cantando lentamente para alejar su dolor anhelando alivio. Puedes imaginarte esta banda sonora mientras contemplas tu amor perdido evitando desmoronarte.

“Souvlaki Space Station” ofrece un cambio de ritmo, pero bienvenido, a mitad del álbum, la canción es fiel a su título y crea un paisaje sonoro industrial que uno podría imaginar fácilmente en alguna estación espacial futurista. Hasta el momento, ninguna canción del álbum encapsula el sonido shoegaze tan bien como “Souvlaki Space Station”, una canción que agrega más y más capas de distorsión de guitarra a medida que avanza. La letra, entregada por Goswell, es bastante críptica, pero parece describir a una persona que lucha contra un ex amante, negando su existencia y negándose a aceptar el pasado tal como es. La percusión tartamudeante, las guitarras deslizantes y también las líneas de bajo que llenan cada espacio vacío que pueda haber, una canción extraordinaria me hace sentir como si estuviera en un psicodélico. When the Sun Hits comienza con riffs de guitarra superpuestos que se alternan con una fuerte distorsión de guitarra a lo largo de la canción, aproximadamente un minuto después, la distorsión estalla inesperadamente y la batería suena cuando Halstead pronuncia las palabras: "Importa dónde estés". La dinámica entre estos dos tonos le da a la canción una cualidad épica, casi apocalíptica. De hecho, al mirar la letra, la canción parece comparar una ruptura con el fin del mundo, el fin de la relación del cantante significa para él tanto como el fin del mundo. Siente que el dolor que experimentaría si su amante lo abandonara lo consumiría por completo, del mismo modo que el sol quema todo lo que entra en contacto. Probablemente su canción más popular hasta la fecha es deprimente, encantadora, romántica, y tiene uno de los mejores riffs de shoegaze que he escuchado, todo se siente como una fantasía, otra canción estelar en un álbum estelar. 

Altogether suena agridulce, pero feliz y jodidamente deprimente, siento como si estuviera recibiendo el abrazo más cálido de la persona que amo y eso simplemente llena mi corazón de calidez, pero también tristeza. Neil simplemente se siente acabado con la vida mientras canta, lo único que quiere es amor, un abrazo, un beso o simplemente la sensación de saber que tienes a alguien que te está esperando. Mellow Yellow es muy extraña, Neil suena relajado pero casi como si se hubiera rendido, no relajado como si estuviera bien, gran trabajo el de Nick Chaplin y sus relajantes líneas de bajo, que pueden ser simples pero encajan todo perfectamente y sin él, este álbum no sería tan bueno como es, una buena canción que te prepara para el golpe final. Dagger se siente como un puñal en el corazón, Neil en este punto suena completamente fuera de la vida, está entumecido, no se siente herido, simplemente no quiere sentir nada. Esta es la parte menos shoegaze/dream pop del álbum, pero no desentona. La guitarra acústica produce una de las progresiones de acordes más melancólicas que he escuchado y en el segundo verso donde ese piano atraviesa tu alma una y otra vez, puede ser deprimente, muy deprimente, y esto representa el estado de Neil al momento de escribir esto, ya que esta fue la última canción que escribió durante su escapada a esa cabaña galesa después de su separación con Rachel, realmente estaba desconsolado, deprimido y se sentía un miserable. Sigue siendo un cierre excelente, especialmente porque los últimos 10 segundos son de silencio, lo que te permite digerir todo y, para algunas personas, probablemente es hora de llorar y contemplar sus relaciones fallidas… brillante.

1120.- Daughter of the Everglades - Rory Gallagher

 

Daghter of the Everglades, Rory Gallaghr

     Blueprint es el tercer álbum de estudio del genial guitarrista irlandés Rory Gallgher. Fue concebido originalmente como disco de vinilo, grabado en diciembre de 1972 en los Marquee Studios y Polydor Studios, ambos en Londres, bajo la producción del guitarrista, y publicado en febrero de 1973 por el sello discográfico Polydor Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido. 

Después de trabajar con la fórmula de Power Trío, Rory decide apostar por la inclusión de teclados en sus grabaciones incluyendo al teclista Lou Martin, y reemplaza en la batería a Wilgar Campbell, siendo sustituido por Rod de'Ath. Estos dos nuevos miembros se unen al guitarrista y a su inseparable bajista Garry McAvoy, llegando a consolidarse como una de las formaciones más exitosas con las que llegó a trabajar Rory, de hecho, compartieron andanzas durante cinco años. 

Este álbum muestra la versatilidad y maestría de Rory fusionando elementos de blues, rock y folk. Destacan canciones como la cautivadora Daughter of the Everglades, donde el guitarrista se sumerge precisamente en dicha fusión fusión. Su habilidad para mezclar géneros crea una experiencia auditiva y emocional única. Las letras de la canción evocan imágenes vividas en algún lugar misterioso, y la narrativa sigue los pasos de una figura enigmática, conectado con la naturaleza y la esencia misma de las Everglades (región de humedales tropicales que se encuentra en el sur del estado de Florida, Estados Unidos, y donde e encuentra en Parque Nacional de los Everglades, el parque subtropical más grande de los Estados Unidos). Y para la narrativa, Rory utiliza la guitarra como hilo conductor, la interacción entre la guitarra y la voz del artista nos envuelven en un cúmulo de cautivadoras sensaciones y emociones. La canción ha sido interpretada como una metáfora de la búsqueda de la identidad y conexión con la naturaleza, estamos ante una canción que transporta al oyente a un viaje a través de diversos paisajes sonoros, y todo ello a través de la guitarra y la voz de Rory.

Echoes, Patience and Grace - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

Descubriendo la Magia de "Echoes, Patience and Grace": Un Viaje a Través del Último Clásico de Foo Fighters

En 2007, Foo Fighters nos regaló un tesoro sonoro que ha resistido el paso del tiempo y ha dejado una huella imborrable en el panorama del rock: "Echoes, Patience and Grace". Este sexto álbum de estudio, liderado por la incomparable presencia de Dave Grohl, se erige como una obra maestra que fusiona la energía cruda del rock con la madurez lírica y artística de una banda en la cima de su juego.

Desde el épico inicio con "The Pretender", un himno que establece el tono con su potente riff de guitarra y la inconfundible voz de Grohl, hasta la emotiva despedida con "Home", cada pista de este álbum es un viaje por la maestría musical de Foo Fighters.

- "Let It Die" nos sumerge en una introspección melódica, con su cautivadora melodía y letras reflexivas, marcando un contraste perfecto con la energía de la canción anterior.

- "Erase/Replace" nos golpea con la potencia característica de la banda. Los riffs de guitarra abrasadores y la entrega apasionada de Grohl hacen de esta pista un himno de rock enérgico.

- "Long Road to Ruin" destaca con su melodía pegajosa y letras que exploran los desafíos en la vida. La combinación de la voz melódica de Grohl y los arreglos instrumentales sólidos la convierten en una de las pistas más destacadas del álbum.

- "Come Alive" muestra la versatilidad de la banda, comenzando suavemente y construyendo gradualmente hacia un clímax emocional. Los arreglos orquestales adicionales agregan una capa de profundidad, destacando la habilidad de Foo Fighters para experimentar con su sonido.

- "Stranger Things Have Happened" es una balada acústica que revela la destreza compositiva de Grohl. La vulnerabilidad de la letra y la emotividad en la interpretación vocal hacen de esta pista una joya introspectiva.

- "Cheer Up, Boys (Your Make-Up Is Running)" añade una dosis de energía al álbum con sus riffs de guitarra y ritmo enérgico, equilibrando la introspección con la potencia del rock.

- "Summer's End" evoca una sensación de nostalgia y reflexión, explorando la fugacidad del tiempo con una melodía suave y letras emotivas.

- "Ballad of the Beaconsfield Miners" es una pieza instrumental y emotiva que rinde homenaje a los mineros atrapados en Beaconsfield, Tasmania, destacando la habilidad musical de la banda.

- "Statues" es una canción acústica que presenta letras poéticas y una melodía suave, mostrando la versatilidad de Foo Fighters en la exploración de diferentes estilos y emociones.

- "But, Honestly" combina fuerza y vulnerabilidad, destacando la habilidad de la banda para fusionar letras significativas con un sonido potente.

- "Home" cierra el álbum con una conclusión reflexiva, ofreciendo una melodía suave y letras emotivas.

Foo Fighters demuestra su versatilidad con este álbum, explorando desde la energía cruda del rock hasta momentos de reflexión y experimentación sonora. "Echoes, Patience and Grace" es una amalgama de estilos y emociones que se entrelazan para crear una experiencia musical completa.

El álbum no solo cautivó nuestros corazones; también se apoderó de las listas de éxitos. Debutó en el número uno en múltiples países y las ventas globales superaron millones, consolidando a Foo Fighters como iconos del rock contemporáneo.

Este álbum es más que una colección de canciones; es un testimonio del genio musical de Foo Fighters. Con su capacidad para fusionar letras significativas con poderosos riffs, han creado una obra que no solo se destacó en su tiempo, sino que continúa inspirando a nuevas generaciones de amantes del rock.

En conclusión, "Echoes, Patience and Grace" es un viaje musical que merece ser explorado y celebrado. Una pieza clave en la historia del rock que sigue resonando con la misma intensidad y relevancia que el día en que fue lanzado. Así que, ¿por qué no sumergirse en este clásico atemporal y redescubrir la magia de Foo Fighters? La recompensa es una experiencia musical que perdura, mucho después de que las notas hayan dejado de sonar.

Daniel
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1119 - Genesis - Frith of Fifth

 

1119 - Genesis - Frith of Fifth

"Frith of Fifth" es una joya progresiva que se erige como un pilar fundamental en el legado musical de la icónica banda británica Genesis. Lanzada en 1973 como parte del álbum "Selling England by the Pound", la canción es un viaje auditivo que fusiona virtuosismo instrumental, letras poéticas y una narrativa musical envolvente.

Desde los primeros acordes de piano interpretados por Tony Banks, "Frith of Fifth" establece un tono melancólico y evocador que cautiva de inmediato. La habilidad de Banks para crear paisajes sonoros complejos se destaca, y su piano sirve como el hilo conductor a lo largo de la canción. La introducción instrumental es una obra maestra en sí misma, con cambios de tiempo y arreglos que demuestran la destreza técnica y la creatividad del tecladista.

La entrada de la guitarra de Steve Hackett agrega capas adicionales a la composición, fusionando a la perfección con la rica paleta sonora creada por Banks. Los solos de guitarra de Hackett son intrincados y emotivos, contribuyendo a la complejidad emocional de la canción. La sección instrumental, en particular, es un despliegue impresionante de la maestría musical de Genesis, con cada miembro de la banda aportando su talento de manera única.

El componente lírico, a cargo del carismático vocalista Peter Gabriel, agrega una dimensión narrativa profunda a "Frith of Fifth". Las letras son poéticas y enigmáticas, tejiendo una historia que invita a la reflexión sobre temas como el tiempo, la realidad y la búsqueda de significado. La voz distintiva de Gabriel transmite las emociones encapsuladas en las letras, complementando la complejidad instrumental de la canción.

La sección central de la canción, a menudo conocida como "Los Desfiles de Euterpe", es un punto culminante que destaca por su atmósfera etérea y su enfoque en la improvisación instrumental. Este segmento muestra la capacidad de la banda para fusionar elementos clásicos y progresivos, creando una amalgama única de estilos musicales.

"Frith of Fifth" es un testimonio del enfoque experimental y la ambición artística de Genesis en la era de los setenta. La habilidad para fusionar elementos clásicos con el rock progresivo, la complejidad técnica y la profundidad lírica hacen de esta canción una obra maestra atemporal. Su impacto perdura a lo largo de las décadas, consolidándola como una pieza fundamental en el vasto catálogo de Genesis y como una referencia ineludible en la historia del rock progresivo.

Daniel
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1118 - Elton John - Bennie and the Jets

1118 - Elton John - Bennie and the Jets

Elton John, un ícono indiscutible de la música pop, ha dejado una huella imborrable en la industria a lo largo de décadas. Su habilidad para fusionar letras profundas con melodías pegajosas ha consolidado su lugar en la historia musical. Una de sus piezas más emblemáticas, "Bennie and the Jets", encapsula la genialidad creativa que define su carrera.

Lanzada en 1974 como parte del álbum "Goodbye Yellow Brick Road", "Bennie and the Jets" es un testimonio de la diversidad artística de Elton John. La canción se destaca por su distintivo sonido retro-futurista, una amalgama única de piano, sintetizadores y la inconfundible voz de Elton John. Desde los primeros acordes, la pista transporta a los oyentes a una época donde la música pop experimentaba con nuevos sonidos y estilos.

La letra de "Bennie and the Jets" agrega otra capa de complejidad a la canción. La historia ficticia de Bennie, una estrella de glam rock, y su banda, narrada en un tono de espectáculo en vivo, refleja la fascinación de Elton John por la cultura pop y su habilidad para crear personajes entrañables a través de la música. Las líneas enérgicas y la repetición del nombre "Bennie" crean un estribillo pegajoso que ha perdurado en la memoria colectiva.

El rendimiento vocal de Elton John en esta pista es inconfundible. Su entrega apasionada y su capacidad para transmitir emociones han sido un sello distintivo a lo largo de su carrera, y "Bennie and the Jets" no es la excepción. La canción destaca la versatilidad de su voz, desde sus tonos más suaves hasta momentos de intensidad dramática.

La influencia de "Bennie and the Jets" trasciende las décadas. Su impacto se ha sentido en múltiples géneros, desde el pop hasta el rock y más allá. La fusión de elementos clásicos y vanguardistas en esta pista ha inspirado a generaciones de músicos, consolidando la posición de Elton John como un referente musical perdurable.

En términos de producción, la canción exhibe la maestría de Elton John y su colaborador Bernie Taupin. La combinación de arreglos intrincados, cambios dinámicos y la experimentación con sintetizadores crea una experiencia auditiva envolvente. La producción atemporal de "Bennie and the Jets" es un testimonio de la habilidad de John para adelantarse a su tiempo.

En conclusión, "Bennie and the Jets" no solo representa un hito en la carrera de Elton John, sino que también encapsula la esencia de una era musical vibrante. Con su mezcla única de estilo, narrativa y producción innovadora, esta canción sigue siendo un testimonio duradero de la genialidad artística de Elton John y su impacto perdurable en la música popular.

Daniel 

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1117.- Candle in the wind - Elton John

La mayoría de oyentes relacionara esa canción del maestro Elton John con la princesa Diana, más concretamente con el fallecimiento de la princesa Diana de Gales, ya que en 1997 hubo un resurgimiento de este tema publicado 24 años antes a causa de este luctuoso acontecimiento.

La canción original “Candle In The Wind” no tenía nada que ver con la princesa Diana, que tenía 12 años cuando salió la canción por primera vez. Elton y su antiguo colaborador Bernie Taupin escribieron “Candle In The Wind” sobre Marilyn Monroe, que había muerto cuando Elton tenía 15 años. La canción es un conmovedor tributo a alguien a quien no se le concedió mucha dignidad durante su vida, y es también una especie de meditación sobre la fama. Años más tarde, Taupin le dijo a Rolling Stone que nunca se había sentido especialmente atraído por Marilyn Monroe, pero que ella constituía un vehículo eficaz para expresar lo que quería decir con la letra de la canción: “En realidad se trataba de los excesos de la celebridad, la temprana desaparición de celebridades y 'vive rápido, muere joven y deja un cadáver hermoso'”. Había tomado el título de algo que Clive Davis había dicho una vez sobre Janis Joplin. Bernie Taupin quedó impresionado por la personalidad de Marilyn Monroe tan accesible que parecía extenderse más allá de cualquier barrera en particular. Después de coescribir "Tiny Dancer", publicada en el álbum de estudio de 1971, Madman Across the Water , cuyo vídeo se realiza un homenaje a Monroe, Taupin siempre había querido escribir una canción sobre ella, le dijo a BBC News, “pero nunca encontré la manera correcta de hacerlo sin ser increíblemente vulgar”. Por mucho que “Candle in the Wind” sea sin duda una dedicatoria a Marilyn Monroe, habla de una tema mucho más punzante, ya que habla sobre las presiones que se ejercen sobre las celebridades. “Creo que el mayor error acerca de [esta canción] es que yo era un fanático rabioso de Marilyn Monroe, lo cual realmente no podría estar más lejos de la verdad”, ha dicho Taupin. "Es sólo que la canción fácilmente podría haber sido sobre James Dean o Jim Morrison, Kurt Cobain". También sugirió que fácilmente podría haber representado las vidas trágicas de autores tan innovadores como Sylvia Plath y Virginia Woolf. “Me refiero, básicamente, a cualquier persona, cualquier escritor, actor, actriz o músico que murió joven y se convirtió en esa imagen icónica de Dorian Gray, esa cosa en la que simplemente dejó de envejecer. Es una belleza congelada en el tiempo”, dijo.

 A Elton John le pidieron que cantara en el funeral de Diana en la Abadía de Westminster y él quería cantar una nueva canción. El libro de Bronson afirma que Elton llamó a Taupin a Los Ángeles y le pidió que escribiera algunos textos nuevos, y también mencionó que “Candle In The Wind” había estado recibiendo mucha difusión en la radio desde la muerte de Diana. Taupin “no entendió” y pensó que Elton le estaba pidiendo que escribiera una nueva letra para “Candle In The Wind”, así que eso fue lo que hizo. Taupin pasó dos horas adaptando “Candle In The Wind” para hacer frente a estas circunstancias cambiantes. Una canción sobre una celebridad corrosiva se convirtió en una despedida cariñosa y sentimental, y "adiós, Norma Jeane" se convirtió en "adiós, la rosa de Inglaterra".

Marilyn Monroe y la princesa Diana eran damas blancas bonitas y glamorosas que murieron a la edad de 36 años, pero no tenían mucho en común más allá de eso. En cierto nivel, es bastante cómodo reescribir una vieja canción querida, eliminando todos los matices y aplicando todo el sentimiento a una persona completamente diferente. Pero a la princesa Diana siempre le había encantado “Candle In The Wind” y había llegado a identificarse con la imagen de fama de la canción. Desde esa perspectiva, entonces, la reescritura fue Elton honrando a un amigo reutilizando una de sus canciones favoritas. Podría haber sido cómodo, pero no fue cínico.

1116.- The Real Me - The Who

The Real Me ("Mi yo real") o “Can You See the Real Me” ("Puedes ver mi yo real"), título con el que su autor Pete Townshend se refiere siempre a ella, fue el tercer single publicado por The Who en Estados Unidos y Canadá, con "I´m One" en la cara B, para promocionar su película y disco de ópera rock Quadrophenia, tras los singles "5:15" y "Love, Reign o’er Me". Se publicó también una versión del single para el mercado francés, en esa ocasión con "Doctor Jimmy" en la cara B.

En la letra, como en muchas de las canciones que conforman el doble álbum conceptual de Quadrophenia, el personaje del adolescente Jimmy es el protagonista, debatiéndose entre sus diversos conflictos internos  y su búsqueda de su propia identidad ("Mi yo real") entre las cuatro personalidades que se enfrentan y chocan en su interior, y que Pete Townshend construyó basándose en cada una de las personalidades y características de los miembros del grupo.

La banda al completo está excelsa en este tema, pero si hay algo que destaca muy por encima del conjunto, y que ha hecho de esta canción un tema mítico del grupo, es la línea de bajo de John Entwistle, surgida a modo de broma en la primera toma de la canción. El resto del grupo, en lugar de decirle a Entwistle que se tomara su parte en serio, alabo el resultado de aquella interpretación, y decidieron usarla para la versión definitiva de The Real Me.

In Your Honor - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

One by One, el trabajo anterior de Foo Fighters, fue un trabajo bueno pero, en todo caso, demostró que la banda se había vuelto un poco obsoleta, en algún momento entre el lanzamiento de One by One y In Your Honor, Dave Grohl decidió que quería ser un trovador, pero con ese disfraz no podía no hacer un disco de rock, asi que se le ocurrió Your Honor , una trabajo de dos CD, uno "ruidoso" y otro "no tan ruidoso", de esta manera, Grohl pudo hacer su trabajo de trovador y las masas obtuvieron otro álbum de rock. Vamos a ver cómo le salió la jugada.

La primera mitad de In Your Honor es ruidosa, Grohl lo deja claro desde el primer minuto gritando "¿¡PUEDES OÍRME!? ¡OÍRME GRITAR!?" de una manera bastante consciente en la canción de apertura. Y sí, escuchamos a Dave gritar, durante 10 pistas seguidas, sin apenas un espacio entre ellas. Y este es, en última instancia, el defecto del álbum este ritmo implacable en todo momento, casi sin descanso y podría haber estado bien si tuviéramos algo crudo, peroesta bastante pulido. Grohl tiene ahora la idea de poder cerrar cada canción con alguna frase repetida hasta el infinito (funcionó en "All My Life" pero no lo ha hecho desde entonces). Hay algunas buenas ideas en algunos lugares, el verso y el riff de "DOA", el coro de "The Deepest Blues are Black", la batería de Taylor Hawkins en general también es buena. El sencillo principal "Best of You" es bueno, principalmente porque es muy exagerado y realmente tenso. El punto más bajo de esto es "End Over End", que intenta ser una conclusión exagerada, pero termina siendo la peor canción de Foo Fighters hasta la fecha. Tiene un estribillo terriblemente repetitivo que Grohl decide repetir (sí, repitiendo lo repetitivo, imagínate) una y otra vez hasta el punto en que seguramente ya nadie pueda molestarse. Sin embargo, In Your Honor Disco 1 tiene mas luces que sombras: las primeras cuatro canciones del disco son algunas de las mejores de Foo Fighters, una cadena momentáneamente ininterrumpida de material contundente y impactante que prospera en su simplicidad. El enorme espacio abierto y la atmósfera distorsionada del grandilocuente "In Your Honor" encaja perfectamente en "No Way Back", una pista espectacular reforzada por su guitarra oscilante, la batería contundente y  los gritos de fuego del himno de Grohl con mucha reverberación. Hay algo repugnantemente contagioso en "Best of You", su gancho de mantra de locura, pegadizo y a todo pulmón, "DOA" es un éxito subestimado: la batería de Hawkins es lo más destacado coloca un un ritmo de fondo contundente y pesado que complementa perfectamente los ritmos gruesos de guitarra y bajo que se pavonean a través de los versos con una sorprendente cantidad de arrogancia. Parte del mejor material que los Foo Fighters han publicado está presente aquí: la dicotomía entre el eruptivo coro grunge y los versos oscuros y descendentes de "Free Me" es una combinación asesina plagada de tensión cautivadora.

El lado acústico de In Your Honor no sólo es sorprendentemente sólido, sino que el material se siente genuino y legítimo. La voz áspera de Dave Grohl agrega una interesante capa de calidez a las pistas de ritmo lento, cambiando su estilo de himno y canto por algo sorprendentemente dulce. "Still" lo abre con arpegios suaves y es sutil, algo que falta por completo en el primer disco. "Friend of a Friend", una canción sobre la relación de Grohl con Kurt Cobain cuando eran compañeros de banda de Nirvana, tiene una sensación de aislamiento y soledad, mientras que "Over and Out" tiene voces y guitarras muy melódicas. Todas estas son cualidades que se suman a la seriedad de Grohl, que en sí misma no es una cualidad que pueda abarcar un álbum completo. Si bien es muy criticada "Virginia Moon" una sorprendente desviación de la norma, con una bossa nova simplificado a ritmo completo con una acústica relajada y de jazz, un bajo vertical tarareante, adornos gélidos de piano y una voz de acompañamiento excepcional de Norah Jones (una de mis favoritas), cuya voz suave y susurrante es una compañera inesperadamente maravillosa del tono más rico y erizado de Grohl. Sin embargo, la banda logra guardar lo mejor de este disco para el final. 

"Cold Day in the Sun", cantada por Taylor Hawkins en lugar de Grohl, tiene un aire de country alternativo y "Razor" es realmente fantástico. Con la ayuda de Josh Homme como guitarrista extra, hay un punteo de guitarra magnífico, con una sensación oscura y discreta que tal vez no se extienda lo suficiente al resto del álbum. "Miracle" es una excelente pista de pop acústico: es agradablemente cursi e inspiradora, con la guitarra acústica folk y la melodía vocal pop de Grohl respaldada por un ritmo de batería constante y bajo, un piano ligero como una pluma y cuerdas ricas. Todos estos elementos funcionan maravillosamente en conjunto, sin competir nunca por llamar la atención ni pasar a un segundo plano. La cálida instrumentación de "What If I Do?" inunda al oyente como una agradable tarde de verano, acentuada por la suave voz de Grohl, Estamos ante el proyecto vanidoso de Grohl el que en realidad termina siendo la mejor mitad de este álbum y tal vez demuestra que si hubieran podido mezclar lo acústico con lo pesado y cortar el álbum a la mitad, o incluso simplemente lanzar la parte acústica y desechar el disco ruidoso, guardando "Best of You" y "The Sign" para otro álbum que también habría funcionado. Al menos ha mostrado otra cuerda del arco de Grohl, aunque necesita mucho refinamiento.

Foo Fighters - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

El post-grunge es un género que muchos no disfrutan pero siempre ha habido una banda que sobresale del resto, una que es la principal excepción a la regla. Por supuesto, estoy hablando de Foo Fighters, un proyecto en solitario iniciado por Dave Grohl , famoso por Nirvana . Aunque la mayoría de las veces se los considera como otra banda genérica de hard rock, hubo un momento en el que, lo creas o no, eran una banda realmente buena con un gran potencial que, en su mayor parte no exploto como debería hacerlo. Si Nirvana fueron los Beatles de la Generación X, entonces Foo Fighters fueron definitivamente los Wings, las similitudes son muy fáciles de encontrar si comparas a los dos grupos uno al lado del otro: bandas formadas después de la traumática explosión de una banda más grande e influyente, alineaciones en constante cambio, una gran cantidad de éxitos que absorben toda la difusión radiofónica de rock clásico para el punto de volverse omnipresente e ineludible. Incluso el proceso de grabación de sus primeros discos es similar, es decir, el álbum debut de los Foo Fighters no es técnicamente un disco de banda, es un álbum solista de Dave Grohl, que es exactamente el mismo enfoque que adoptó Paul McCartney en su primer álbum de McCartney después del repentino fin de los Beatles. Ahora bien, eso no quiere decir que a nivel sonoro Foo Fighters recuerde a McCartney de alguna manera, el álbum de Paul era una extraña colección de demos de canciones y garabatos instrumentales que transmitían un tipo simple de encanto rústico a través de su deleite con los placeres simplistas de la domesticidad casera. El álbum de Dave es un conjunto logrado de canciones que claramente ha pasado algún tiempo puliendo a la perfección para poder probarse mejor como líder y compositor mientras intenta emerger de la gran sombra que se avecina de Kurt Cobain.

Grohl escribió la mayoría de las canción del álbum debut de Foo Fighters mientras todavía estaba en Nirvana y muy cerca de Cobain, por lo que no hace falta decir que recibió una gran influencia de su antiguo compañero de banda en términos de construcción de canciones y dinámicas cambiantes. Si estás buscando ese "sonido clásico de Nirvana" de guitarras eléctricas distorsionadas y voces estridentes tocando melodías pop con versos suaves y estribillos salvajes y enojados, seguramente lo encontrarás aquí. Y diablos, incluso iría un paso más allá y diría que hay algunas cosas aquí como "Alone + Easy Target" y la joya pop del sencillo "Big Me" que podrían haber sido excelentes temas de Nirvana si la banda hubiera permanecido junta por mucho tiempo, el suficiente para que Grohl se imponga como socio creativo de Cobain. Pero al mismo tiempo, la mayor parte de lo que hay aquí es simplemente una especie de rock alternativo genérico de mediados de los 90 que podrías haber escuchado de cualquier otra persona en 94-95. Durante un período en el que grupos como Pearl Jam y Soundgarden estaban haciendo algunos de sus materiales más memorables, y bandas como Green Day, Weezer, Oasis, Smashing Pumpkins y Radiohead estaban en ascenso, no hay nada que realmente hiciera destacar a los Foo Fighters entre la multitud aparte del rumor de que ésta es "la nueva banda del baterista de Nirvana". 

La canción que abre, “This Is a Call”, es en realidad una de las canciones más recientes escritas por Grohl y, desde el principio, su sentido de la melodía y la accesibilidad son evidentes junto con su inclinación por el rock descarado y duro. La canción comienza con algunas voces dobles encima de un rasgueo eléctrico antes de que la canción explote en un arreglo de rock completo e intenso,  la incómoda mezcla sobre el papel tiene la sensación de ser lo mejor de muchos mundos en la realidad. No es punk duro, pero tampoco es rock convencional. Mientras tanto, la voz de Grohl varía desde suavemente melódica hasta intensa y al borde del grito. “I'll Stick Around” se parece más a una canción tradicional de Nirvana con riffs rotativos y una sensación casi punk, el tono vocal de la canción varía desde un gemido indiferente hasta una perorata emocional y la música sigue perfectamente en todo momento. Comenzando con un increíble relleno de batería, luego nos muestra ese riff increíblemente contundente con platillos fuertes y estridentes para respaldarlo todo. El trabajo de batería, como era de esperar, es realmente bueno, pero el trabajo de guitarra, por otro lado, está en otro nivel. Creo que el contenido lírico de este se refiere a algún tipo de batalla legal en la que se vieron envueltos Grohl y la esposa de Cobain, Courtney Love, ese pequeño chillido de respuesta durante el primer verso es magnifico. “Big Me”, muestra un tercer tipo distinto de talentoso estilo musical de Grohl, vemos su faceta como compositor de una cancion pop tranquila y melódica, la pista muestra una habilidad especial para el uso efectivo de la repetición y los arreglos para transmitir el mensaje de la canción de una manera rápida y efectiva. Sólo trata de escuchar "Big Me" un par de veces seguidas y luego pasa el resto del día sin tararear esa melodía vocal repetitiva pero gloriosamente sinuosa. “Alone + Easy Target” se remonta a 1991 y es otro buen tema, aunque no tan innovador como las tres primeras canciones, una de las canciones más ruidosas de este proyecto y quizás también una de las más agresivas, especialmente con las voces y guitarras trabajando juntas en el coro ayudando a lograr este efecto.

“Good Grief” está impulsado por una batería constante y alegre y texturas de guitarra perforadoras y los estribillos se vuelven un poco punk intensivos, la canción tiene ese tono post-hardcore/emo convencional, especialmente cuando se trata de los temas melódicos que nos presentan casi de inmediato, creando esta interesante mezcolanza de ideas, con el coro de repente volviéndose súper rápido y violento mientras las guitarras y la batería golpean armoniosamente. “Floaty” contrasta con una agradable introducción acústica de 12 cuerdas antes de lanzarse a un balanceo de rock constante y empapado de bridas durante los versos. “Weenie Beenie” se lleva la palma por ser una de las mejores canciones del disco y realmente me dejó atónito al escucharla. Retroalimentación, un rápido asalto total de riffs duros y pistas casi disonantes, baterías grandilocuentes y, para colmo, Grohl gritando y gritando mientras se ahoga en la distorsión hasta el punto en que su voz es casi ininteligible. Es realmente increíble y rápidamente se convirtió en una de mis canciones favoritas de Foo Fighters. “Oh, George” regresa al hard rock melódico y es un homenaje a George Harrison, a quien llama su “Beatle favorito”, una canción que no pasara a la historia.  “For All the Cows” es otra canción al estilo Nirvana, comienza como este extraño tipo de jazz o blues, con las guitarras y la batería actuando, antes de convertirse finalmente en una canción puramente de rock alternativo en sus momentos finales. El final hace que todo valga la pena. “X-Static” se destaca como la única pista con un músico externo, ya que Greg Dulli de Afghan Whigs toca la guitarra. “Wattershed” es una improvisación punk con voces casi a gritos que critican a los carteros, los bancos, los contratos discográficos y otros temas divergentes, es el único tema que me siento tentado a saltarme repetidamente), pero ¿de qué sirve la coherencia si hay muy poca sustancia que justifique escuchar todo el relleno? ? Es un álbum poblado de ideas ligeramente subdesarrolladas y decisiones de producción confusas. “Exhausted” cierra las cosas y funciona muy bien con su título como tema final de esta colección grabada rápidamente. La pista se destaca por una sección de “retroalimentación” extremadamente larga en el medio, antes de que el riff musical principal reaparezca para guiar el álbum con algunos riffs pesados ocasionales que se incluyen en algunos puntos. Todos estos elementos contribuyen en gran medida a la calidad general de la canción.

Foo Fighters obtuvo bun gran exito en todo el mundo y fue promocionado a través de varias giras a nivel nacional e internacional. Estas giras sirvieron para consolidar a los miembros como un “grupo” adecuado y les seguiría mucho éxito, comenzando con el segundo álbum de 1997, The Color and the Shape , y continuando hasta bien entrado el siglo siguiente. El debut homónimo de Foo Fighters es un gigante absoluto, compuesto casi en su totalidad por riffs duros, baterías ruidosas y canciones que sin duda están increíblemente subestimadas y merecen tener su lugar dentro del canon del rock de los 90. Es honestos, quiza lo mejor que la banda ha lanzado jamás, aunque si merece o no exactamente los elogios que recibió depende de a quién le preguntes. Justo cuando creo que ya no tengo una banda y he pasado a cosas más grandes y mejores, siempre hay algo como esto que me recuerda por qué me enamoré de ellos en primer lugar. Este disco encaja perfectamente en ese aspecto, y me hace pensar que tal vez, sólo tal vez, haya algo más en estos chicos de lo que había pensado anteriormente: no son solo papá rock.

1115.- Love Reign O'er Me - The Who

Love, Reign o’er Me fue el segundo single extraído de la ópera rock Quadrophenia (1973) del grupo británico The Who, publicado el 27 Octubre de 1973 en Estados Unidos y Canadá, en una versión más corta (3:07 minutos) que la que estaba incluida en el disco (5:48 minutos), y con la canción Water como cara B. Esta versión alcanzó el puesto 76 del US Billboard Hot 100 y el 31 de las listas de ventas canadienses. Posteriormente, se publicó de nuevo como single en el mercado europeo (Bélgica y Países Bajos) con el tema Is It In My Head? en la otra cara.

Son muchas las diferencias entre la canción que se publicó como single y la que se incluyó en el disco, no solo porque en la versión corta de Love, Reign o’er Me se eliminaran los efectos de sonido de lluvia del inicio y la intro de piano para reducir su duración, sino porque hay también cambios en las letras y en la instrumentación. La versión del álbum culmina en un rotundo solo de batería, acompañado de guitarras, metales y hasta un gong, mientras que la versión editada para el single llega a su fin entre sintetizadores y teclados.

En cualquier caso, y con independencia de la versión que escuchemos, Love, Reign o’er Me es uno de los momentos álgidos de Quadrophenia y de la carrera de The Who. En el disco y la película, la canción está fuertemente ligada a Jimmy, el personaje principal, y a su crisis de adolescencia y sus pensamientos de suicidio, pero en su origen, Love, Reign o’er Me surgió en 1972 como parte de "Rock Is Dead – Long Live Rock!", un proyecto abandonado de ópera rock, que acabó siendo el germen de lo que finalmente sería Quadrophenia.

1114.- Red Baron - Billy Cobham

 

En 1973, los conflictos comenzaban a aparecer en la máquina Mahavishnu, una agenda de giras agotadora e implacable combinada con el resentimiento de algun miembro por el control dictatorial de John McLaughlin sobre el grupo estaba causando que aumentaran las tensiones en la banda, ya que muchos de los otros miembros sentían que no tenían salida para sus propias composiciones. En medio de todo esto, el baterista Billy Cobham de alguna manera encontró su momento para grabar un álbum en solitario, el titulo “Spectrum” que sigue siendo el mejor y más interesante álbum en solitario hasta el día de hoy de Cobham, un álbum de fusión con una fuerte inclinación hacia el rock y el funk que elimina algunos de los excesos espirituales más floridos de la orquesta en favor de un sonido mucho más centrado en el groove pero con presagios del sonido que los jóvenes DJ hambrientos en busca de samples pronto explotarían. Cobham reunió una banda eléctrica pobr,  compuesta por el miembro de Mahavishnu Jan Hammer en los teclados, el bajista de sesión Leland Sklar y el héroe de la guitarra que podría haber sido un contendiente Tommy Bolin, quien estaba entre períodos reemplazando a Joe Walsh en James Gang o Ritchie Blackmore en Deep Purple.

“Red Baron” abre con una digna línea de bajo funk de Bootsy-in-the-JB y una fuerte batería de Cobham mientras los teclados y la guitarra duplican el tema principal. La guitarra suena más blues que en el resto del album aquí, un tono menos crujiente pero aún punzante. Los teclados de Hammer también suenan más terrenales que en las otras pistas, e incluso cuando abusa del modulador en anillo, sigue siendo más funky de lo habitual. Mientras tanto, el bajo y la batería están tan encerrados como siempre, Cobham solo rompe el ritmo para agregar algunos redobles y rellenos y acentuar los pasajes al unísono. Una muy buena flauta , arreglos de saxo soprano y fliscorno completan la mezcla. Después de un final falso, la banda continúa con el ritmo antes de que la pista se desvanezca lentamente, llevando el álbum a un buen final.

Aunque Cobham escribió todas las pistas y fue el líder indiscutible de este álbum, siempre me sorprende la atención que brinda a los otros músicos, Cobham logra la hazaña de mostrarle al oyente lo genial que es como baterista sin que nunca sienta que está presumiendo. En cierto modo, este álbum es en realidad más un esfuerzo colaborativo que Mahavishnu, y una parte de mí no puede evitar preguntarse qué habría resultado si Cobham, Hammer, Sklar y Bolin hubieran decidido permanecer juntos. Pero claro, la historia del rock está llena de "¿Y si?", ¿no es así? Poco después del lanzamiento de “Spectrum”, la Orquesta Mahavishnu original se disolvió y Cobham comenzó una larga y variada carrera en solitario. A pesar de varios buenos momentos, ninguno de sus álbumes en solitario igualó la potente mezcla de actitud rockera, virtuosismo del jazz y puro groove de su debut que sólo un baterista podría aportar como líder de banda, y sigue siendo uno de los mejores álbumes de fusión de todos los tiempos, antes de que el alcahuete comercial ahogara el vida de un género que alguna vez fue prometedor.

Disco de la semana 361 - All things must pass - George Harrison

Muchas cosas tuvieron que pasar para que el "primer" disco en solitario de George Harrison tras la separación de The Beatles viera la luz, y entre ellas, la publicación previa de dos proyectos (la banda sonora "Wonderwall Music" y el disco experimental "Electronic Sounds") mientras los "fab four" aún seguían juntos, lo que, siendo precisos, situaría realmente a "All Things Must Pass" ("Todas las cosas deben pasar") como el "tercer" álbum de estudio de Harrison sin The Beatles.

Publicado por Apple Records en noviembre de 1970, y grabado bajo la producción de Phil Spector, fue el primer gran esfuerzo de Harrison por publicar un álbum elaborado y completo, y el resultado fue un disco que sacó a la superficie todo el talento creativo acumulado por el guitarrista, que repescó buena parte del material acumulado tras varios años de componer canciones que nunca encontraban hueco en los discos de su banda de origen, pero también un disco claramente influenciado por el momento por el que pasaba el músico británico, y la variada paleta de colaboraciones y tendencias tanto musicales como espirituales en las que por entonces estaba interesado.

El camino que le llevó a dar forma a todo el material acumulado, hasta convertirlo en la que fue su obra maestra, comenzó en los estudios Abbey Road en mayo de 1970, solo dos meses después de la separación oficial de The Beatles, pero ya desde las sesiones de grabación del disco "Let it be" (1969) de The Beatles (en las que se grabó una demo de la canción "All things must pass" que daría nombre al disco), a Harrison le rondaba la idea de publicar su primer proyecto serio en solitario. Había acumulado canciones desde 1966, y había compuesto un par de canciones junto a Bob Dylan, además del material que había creado para otros artistas, así que tenía más que suficiente para completar varios discos, si hubiera querido espaciar en el tiempo aquella buena cosecha. Pero él quería sacarlo todo, porque "Todas las cosas deben pasar".

Tal era la cantidad de buen material que George Harrison había acumulado en las alforjas que, viéndolo en perspectiva, y aunque sea compararlo con una obra muy posterior, podría decirse que estamos ante "El Salmón" de George Harrison, un disco triple compuesto de dos vinilos con material original y un tercero de temas extras ("Apple Jam") compuesto de improvisaciones musicales y ensayos que no quiso desechar del conjunto. Phil Spector explicó como nadie, años después en una entrevista, la magnitud de la inmensa producción musical de Harrison en aquella  época:  "George me dijo: Tengo unas cuantas cancioncillas para que las escuches. ¡Era interminable! Tenía literalmente centenares de canciones y cada una era mejor que el resto." 

ALL THINGS MUST PASS

El disco comienza con la primera de las grandes joyas que lo conforman, "I'd Have You Anytime", compuesta por Harrison junto a Bob Dylan, con una letra que encaja como un guante con la magnitud y características del disco: "Todo lo que tengo es tuyo, todo lo que ves es mío". Le sigue la excelsa "My Sweet Lord", una curiosa combinación de música góspel y referencias "Hare Krishna" que, junto a "All things must pass" fue ofrecida a Billy Preston, que las grabó para su álbum "Encouraging Words" (1970) sólo dos meses antes del lanzamiento de "All Things Must Pass", dónde finalmente Harrison decidió incluirlas, siendo además a "My Sweet Lord" el primer single promocional del álbum.

En las tensas sesiones de grabación de "Let it be" y en concreto en una discusión con Paul McCartney, se basó Harrison para la composición de "Wah-Wah", un intenso tema de guitarras, un instrumento por el que en este disco recuperó el interés que hasta entonces había perdido en beneficio del estudio del sitar. La triunfal cara A del disco cierra con la monumental y beatleliana "Isn't It a Pity", glorioso tema de más de siete minutos que está entre lo mejor del disco y de su discografía, y cuya composición se remontaba a 1966. Quizá consciente de la importancia de este tema, decidió incluir una segunda versión, que suena hacia el final del segundo vinilo.

La cara B comienza con "What Is Life", que Harrison compuso durante el trayecto en coche a una sesión de grabación de un disco de Billy Preston en el que estaba colaborando, y con la excelsa "If Not for You", una canción que Bob Dylan le regaló para el disco. La influencia del trovador de Minnessotta es grande a lo largo del álbum, y en "Behind That Locked Door", compuesta la noche anterior a la participación de Dylan en el Festival de la Isla de Wight tras el accidente de moto que sufrió en 1966, su amigo Harrison le transmite fuerza y ánimo. La cara B termina con "Let It Down", otro de los temas que aparecieron como bocetos primerizos en las sesiones de "Let it be", y "Run of the Mill", escrito posteriormente pero basado también en esa época, y en la deteriorada amistad entre los miembros de The Beatles y las constantes discusiones dentro de Apple Corps.

El segundo disco comienza con la intensa y oscura balada "Beware of Darkness", que abre una cara C constituida en su mayor parte por canciones compuestas y grabadas en 1970, y con la divertida y ligera "Apple Scruffs", una de las últimas canciones compuestas para el álbum, y todo un homenaje a un grupo de acérrimos seguidores de The Beatles que, día y noche, se apostaban delante de las oficinas de Apple. "Ballad of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)" es un guiño al anterior propietario de su mansión de Friar Park, en cuyos jardines se realizó la foto de la portada del disco, en la que Harrison aparece sentado junto a cuatro gnomos de jardín, en lo que todo el mundo interpretó como una ácida referencia a The Beatles. Igualmente interesante resulta "Awaiting on You All" por ser, junto a "My Sweet Lord", la canción que más refleja la influencia del movimiento Hare Krishna en la música de Harrison. Tras los cánticos religiosos de este tema, la rescatada canción titular "All Things Must Pass" suena en la voz de su autor más profunda e intensa que en la versión de Billy Preston.

La cara D comienza con "I Dig Love", un interesante ejercicio de guitarra que surgió de un ensayo de Harrison con su guitarra slide. Tras ella, el siguiente plato fuerte de esta cara es la intensa "Art of Dying", el segundo de los temas que Harrison rescató entre sus composiciones de 1966 tras "Isn't It a Pity", que suena a continuación en su segunda versión del disco, antes de echar el cierre a una descomunal colección de grandes canciones con "Hear Me Lord", la última de las canciones rescatadas de las sesiones de "Let it be".

APPLE JAM

Con los dos discos que conforman la parte "ortodoxa" de "All Things Must Pass" ya habría sido suficiente, y en la inclusión de un tercer disco de improvisaciones y ensayos quizá sea dónde este disco colosal muestra sus pies de barro, con temas en su mayor parte instrumentales que poco aportan a un conjunto que ya contaba con suficientes armas para convertirse en el mejor disco de su carrera. Así, "Out of the Blue" está basada en un único y repetitivo riff de guitarra, y temas como "Plug Me In", "I Remember Jeep" y "Thanks for the Pepperoni" tienen una estructura muy básica y mínimos cambios de acordes, y aún así resultan interesantes por los extensos solos de guitarra de George Harrison, Dave Mason y Eric Clapton.

Para completar este deslavazado conjunto, la única canción provista de letra es "It's Johnny's Birthday", que copia el ritmo de "Congratulations" de Cliff Richard, una broma de menos de un minuto que fue grabada para el 30 cumpleaños de John Lennon. Cuesta no plantearse si, entre las más de 20 canciones que fueron descartadas para el disco, no habría otras que merecieran más ser incluidas. De éstas últimas, el propio Harrison acabó grabando algunas de nuevo, como "Try Some, Buy Some" (1973) o "You" (1975), y otras acabaron incluidas en discos posteriores ("Beautiful Girl" y "Woman Don't you Cry for Me" formaron parte de "Thirty Three & 1/3", y "I Live for You" se incluyó como extra en la reedición de "All things must pass" de 2001).

¿Habría sido aún mejor disco con estas canciones? En el fondo ya no importa, porque cada disco tiene su momento, y pretender rehacerlo sería como negar que, como todas las cosas, lo que se hizo en ese momento es lo que tuvo que pasar, y lo que pasó fue algo muy grande y extravagante, que alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos de numerosos países, entre ellos el UK Albums Chart y el Billboard 200 estadounidense, donde el álbum estuvo durante siete semanas en el primer puesto. Como último dato curioso, en 2011 se desveló que el disco había vendido hasta esa fecha más discos que los históricos Imagine (Lennon) y Band on the Run (McCartney) juntos, superando a los dos grandes enanitos de jardín que, durante años, relegaron las composiciones de Harrison al fondo del armario, y haciéndolo con la aparente tranquilidad y la calma con la que, sentado en su jardín, George Harrison nos mira desde la portada de All Things Must Pass.

1113.- 48 Crash - Suzie Quatro

Susan Kay, más conocida como "Suzie Quatro" tiene el honor de ser la primera mujer bajista en convertirse en una estrella mediática del rock, cuando durante la década de los setenta encadenó varios éxitos con canciones como "Can the Can" (que llegó a ser número 1 en ventas en Europa y Australia), "Daytona Demon", "Devil Gate Drive" o "48 Crash", que fue el tercer single publicado por la artista estadounidense, y que aparece además en su disco de debut "Suzi Quatro" (1973), publicado con el nombre de "Can the Can" en la edición australiana.

Escrita y producida por Mike Chapman y Nicky Chinn, la letra de "48 Crash" ha sido casi siempre interpretada como una reflexión sobre la crisis de la mediana edad, aunque una teoría alternativa la atribuye a una bravuconada de la pareja compositora, que jactándose de su habilidad para escribir sobre cualquier tema, asumieron el reto de escribir una canción sobre un tema tan áspero como el de la crisis económica de los Estados Unidos en 1848.

"48 Crash" alcanzó como single el tercer puesto de las listas de ventas del Reino Unido, y llegó a lo más alto en las listas de Australia, donde se mantuvo en el primer puesto durante una semana. Alcanzó también puestos relevantes en las listas de varios países europeos, un hecho curioso porque tanto el éxito de "48 Crash" como del resto de sus sencillos de los setenta no lograron que triunfara en su Estados Unidos natal, donde no llegó a oídos del gran público hasta 1977, con su participación en la serie de televisión "Happy Days", en la que interpretaba precisamente el papel de una chica que tocaba el bajo en un grupo.

One By One - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

One By One, Foo Fighters

     One by One es el cuarto álbum de estudio del grupo de rock estadounidense Foo Fighters, Fue grabado entre abril y mayo de 2002 en los estudios 666 de Alexandria, Virginia (Estados Unidos) bajo la producción del grupo, de Adam Kasper y de de Nick Raskulinecz, y publicado el 22 de octubre de 2002. La producción del disco fue bastante problemática debido a que las sesiones de grabación iniciales fueron consideradas insatisfactorias y las tensiones entre los miembros de la banda aumentaron debido a este hecho. Este álbum fue el primero que fue grabado con Crhis Shiflet (guitarra) como parte de la banda, que se unió a Dave Grohl (voz, guitarra y piano) quien no tocó la batería ya en este trabajo, Nat Mendel (bajo) y Taylor Hawkins (batería y percusión).  El disco fue un éxito comercial, encabezando las listas de éxitos en Australia, Irlanda y Reino Unido, vendiendo además más de un millón de copias en Estados Unidos.

El líder de la banda, Dave Grohl, comenzó a trabajar en este material para la banda en el año 2000 durante la gira de promoción de There Is Nothing Left to Lose (1999). Después de la citada gira, la banda empezó a componer canciones para un disco que debería haber salido a comienzos de 2001, pero el disco comenzó a demorarse por varios motivos. En agosto de 2001 una sobredosis deja fuera de juego a Hawkins, quien tuvo que tomarse un tiempo para su recuperación, y durante ese periodo Grohl aceptó una oferta para tocar la batería para Queens of the Stone Age. En octubre de 20001 el grupo se reunió para continuar con la composición del disco, trabajando con el productor de su álbum anterior, Adam Kasper y también con el ingeniero de sonido de dicho disco Nick Raskulinecz. Las sesiones de grabación fueron consideradas insatisfactorias debido, según Hawkins a que "nadie tenía sus habilidades de estudio juntas". Grohl consideraba que la banda tenía una carencia de entusiasmo y estaba demasiado centrada en la producción, añadiendo también que sentía que las mezclas en bruto "absorbían gran parte de la vida de las canciones y sonaban como otra banda tocando canciones nuestras". Todo esto hacía que las tensiones fueran creciendo desembocando en falta de entendimiento, mala actitud y desgana por parte de los miembros del grupo.

Lógicamente el resultado de esas sesiones no estuvo a la altura y el grupo de mostró decepcionado con las diez canciones resultantes de aquellas sesiones. El baterista Hawkins definió las pistas terminadas como "Demos de un millón de dólares", que es el importe de dinero que habían empleado precisamente para realizar dichas sesiones de composición y grabación. Al grupo, sólo le convencieron cinco de los diez temas, y pensó que los oyentes disfrutarían de las otras cinco de todos modos, sin embargo Grohl tenía miedo de promocionar el álbum debido a su falta de confianza en el mismo. Después de que el mánager Johm Silva escuchara las grabaciones, llegaron a la conclusión de que estas no representaban en absoluto a la banda, por lo que esta decidió descartar todas las grabaciones y tomarse un descanso. 

Después, cada uno de los miembros comenzó proyectos individuales, hasta abril de 2002, cuando el grupo se junta para un concierto programado en el Festival de Música y Artes del Valle de Coachella. Grohl sentía que podría ser el último concierto del grupo, ya que durante los ensayos las tensiones estallaron en grandes peleas, especialmente entre Grohl y Hawkins. Finalmente la banda decide tocar en Coachella antes de decidir si seguirán tocando juntos o no. Esto marcará un punto de inflexión en el grupo, ya que vuelve a disfrutar encima del escenario y decide mantenerse unido y volver a grabar de nuevo el álbum. Después de un breve periodo de descanso Grohl visita a Hawkins para reelaborar las canciones que ya se habían hecho y mostrarle nuevas composiciones, y después los dos se marchan a Virginia para rehacer las pistas de batería, voz y guitarra durante doce días. Mendel y Shiflett fueron llamados más tarde para grabar sus partes en un estudio de Los Ángeles. Por fín veía la luz el cuarto álbum de estudio de Foo Fighters.

One By One fue considerado el álbum más pesado de la banda, ya que el sonido tenía un enfoque más oscuro y agresivo en contraposición al sonido habitual de la banda hasta ese momento. El grupo había decidido ser más experimental y se nota en las letras, que son más introspectivas. El disco consigue capturar la esencia cruda y la potencia de la banda, fusionando su distintivo sonido grunge con una exploración más profunda de texturas y emociones. Tiene un comienzo explosivo con All My Life, que establece el tono visceral y enérgico que se extenderá por todo el disco. La fuerza de las guitarras distorsionadas y la pasión que Grohl pone en el apartado vocal se combinan para crear un sonido impactante que sumerge al oyente en un mundo de emociones internas. La diversidad musical se hace evidente en canciones como Times Like These, donde la banda muestra su habilidad para equilibrar melodías emocionales con momentos de pura energía y potencia instrumental. La profundidad de las letras se entrelazan con la música, creando una experiencia única para el oyente. También muestran un lado más reflexivo en canciones como Tired of You y Come Back, donde la intensidad se transforma en melancolía, destacando la versatilidad del grupo para explorar diferentes estados emocionales a través de su música. 

Estamos ante un disco que estuvo marcado por multitud de altibajos que culminaron con la insatisfacción de la banda con las grabaciones originales, por lo que decidieron rehacer todo el trabajo. Este disco es el resultado de esas luchas internas, de la búsqueda de la perfección, y de como el grupo fue capaz de sobreponerse y capturar toda la fuerza de su música y plasmarlo en One By One, un viaje emocional que llevará al oyente a través de una montaña rusa de sensaciones.

1112.- Can The Can - Suzi Quatro

Can the Can, Suzie Qatro

 

Suzi Quatro es el primer álbum de estudio en solitario de la cantante, compositora y bajista estadounidense del mismo nombre. Fue grabado en el Audio International Studio de Londres bajo la producción de Mike Chapman y Nicky Chinn, y publicado en octubre de 1973 bajo los sellos discográficos Bell Records en Estados Unidos y Canadá, EMI Records en Japón, Columbia Records en algunos países europeos, y Rak Records en el resto de países. En Australia el álbum fue titulado Can the Can. El disco, orientado hacia el glam rock, con toques de hard rock, fue todo un éxito comercial y de crítica, llegando a alcanzar el top 50 en las listas de varios países, como el número 32 en Reino Unido, el 4 en Alemania, el 5 en Países Bajos o el 2 en Australia.

La mayoría de los lanzamientos fuera del Reino Unido incluyeron el tema Can the Can, sin embargo, las ediciones posteriores en el Reino Unido también incluyeron dicho tema. Esta canción era el segundo sencillo que publicaba Suzi Quatro, y el primero en alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas del Reino Unido. También alcanzó dicho puesto en varios países europeos y en Australia. Australia fue el mercado donde Suzi mayor consistencia con su trabajo. 

Para Can the Can, suzi había organizado su propia banda, que había realizado una gira por Estados Unidos teloneando a Slade y Thin Lizzy. la cantante y bajistai tenía además nuevos compositores y productores, Mike Chapman y Nicky Chinn, para la ocasión. Su primer sencillo, Rolling Stone, no había tenido apenas éxito, por lo que se le pidió a los nuevos productores que escribieran y produjeran un tema impactante, el resultado fue Can the Can, que se convirtió en un gran éxito al instante. Esta canción ayudó a Suzi a convertirse en parte de la revolución del glam rock. 

Sobre la el significado de la canción, Nicky Chinn afirmaba que "Significa algo que es bastante imposible, no puedes meter una lata dentro de otra si son del mismo tamaño, así que estamos diciendo que no puedes poner a tu hombre en la lata si está fuera y no está dispuesto a comprometerse. La frase sonaba bien y no nos importaba que el público no entendiera el significado de la misma". Este sencillo convirtió a suzie Quatro en la primera bajista femenina en convertirse en una gran estrella de rock, y, por lo tanto, ayudó a romper barreras para la participación de las mujeres en la música rock.

1111.- Moonshake - Can

 

El álbum de Can de 1973, Future Days, tiene como puesta en escena bocinas y sirenas antiaéreas que se desvanecen en las profundidades de una caverna acuosa, remando por el túnel, con estalactitas goteando, Fuego que quemaba las hojas de los árboles mojados y el calor tembloroso del radar se sentía a través del suelo. Aves jugando con el agua de una manguera de jardín rociada perezosamente sobre hojas grandes y llenas, joyas brillando desde la acera, voces apagadas de amigos hablando al otro lado de una puerta en una tarde calurosa y atontada; agua de una boca de riego que chisporrotea en la calle…. esos son los primeros minutos.  En Future Days encontramos a un grupo que sonaba mucho más relajado en una serie de temas extendidos y marca el tercer año en estas listas del Krautrockers alemanes aunque es su cuarto álbum y el último que presenta al vocalista Damo Suzuki. Esta vez no hay ninguna historia loca sobre su grabación, lo cual es una pena, pero el álbum es interesante en la dirección más ambiental que toma. Centrándose en, como dice el crítico Anthony Tognazzini, “crear paisajes sonoros nebulosos y expansivos dominados por ritmos filtrados y capas evocadoras de claves”.

 

Existen muy pocas canciones perfectas en el mundo, y Moonshake es una de ellas, como curiosidad empiezo diciendo que el título es simplemente perfecto, no se me ocurre mejor manera de describir la música aquí, especialmente el extraño solo de efectos de sonido que aparece en el medio de la pista. Esta es también la única pista que realmente permite a Suzuki estar en el centro de atención, pero incluso en esta hay momentos sin voz que permiten que dominen las extrañas travesuras de la guitarra y las teclas. Future Days es un álbum sobre la noche, así que tiene sentido que una de las cualidades definitorias de la noche sea una canción tan hermosa pero sencilla como es. La forma en que Damo Suzuki canta con nostalgia en un estilo que es tan suyo, pero que no ha sido mencionado antes en la discografía de la banda, la escasez del arreglo sin dejar de crear una sensación de tamaño, la belleza abrumadora... todo encaja. Moonshake es pop en la forma en que mejor sabe hacer pop, pop maravilloso, divertido, perfecto y muy adictivo. Es una locura que sea una canción tan básica: el instrumento más destacado es la batería, y la sección central está formada por un interesante collage sonoro. El bajo y la batería avanzan pesadamente mientras la guitarra de Michael Karoli suena a su alrededor como un extraterrestre funky alrededor de un poste, (cierto, es una imagen extraña), Suzuki susurra algunas tonterías características de una manera que de alguna manera es pegadiza. Es un fabuloso ejemplo de 3 minutos de cuán singular, inventivo y tremendamente efectivo es Can. Trato de ponerle este tema a mis amigos cuando vienen a casa y a casi todos les encanta, eso si es una lástima de la versión cortada que encontramos en el album Future Days, la forma en que se desvanece en la versión del álbum da para una serenidad total atento a la forma en que el ritmo te encierra en un estado hipnótico de calma. Cualquier versión cortada de la canción será genial, pero nunca podrá ser tan buena como la original.