Soda Stereo - Signos (Mes Soda Stereo)

No hay un modo
No hay un punto exacto
Te doy todo

Y siempre guardo algo..

Estamos hablando de Signos el tercer álbum de estudio de la banda Soda Stereo, que fue grabado en 1986, este sera uno de los mejores álbum de la historia de la banda, y el que dio paso a una gira que permitió que la banda lograra un mayor reconocimiento. 

La gira se extendió no solo por Argentina sino que por Chile, Paraguay, Perú, Bolivia, Ecuador, Colombia, Costa Rica, México y Venezuela., el poder que había alcanzado Soda Stereo se podría decir que su fama ya los etiquetaban como una leyenda del Rock en toda latinoamérica. 

Pero no seria todo color de rosa, en esta gira, comenzarían con mal pie, ya que uno de los primeros conciertos de la banda en la ciudad de San Nicolás de los Arroyos, en la discoteca Highland Road mientras la banda realizaba su show, se desprendió un balcón donde murieron 5 de los espectadores otros resultaron heridos. 

Este terrible accidente, no desmotivo a la banda quien luego se presentaría en la ciudad de Buenos Aires, en el Estadio Obras Sanitarias, este show dio paso a la presentación del disco Signos el 8 y 9 de mayo de 1987. 

Nada de lo ocurrido detendría a la banda, cuya gira habría comenzado en la ciudad de Quita, Ecuador el 3 de diciembre de 1986, y terminaría en la ciudad de Villa Gessel, Provincia de Buenos Aires, Argentina, pero esta gira por toda latinoamérica, dejaría uno de los álbumes de la banda en vivo (Ruido Blanco) que fuera grabado en diferentes conciertos, durante toda la gira. 

Signo México 1987 - Gira Signos

Signos había alimentado la maquina viviente, que venia creciendo por toda latinoamérica, Soda Stereo, había dejado de ser una banda local, para convertirse en aquella banda de rock que los jóvenes y adolescentes de toda latinoamérica querían ser, demostrando que el rock latino había llegado para quedarse. 

Ya hemos dicho que pocas bandas de Rock de la época habían alcanzado semejante fama, como lo habían hecho estos tres jóvenes nacidos en la ciudad de Buenos Aires, Gustavo Cerati diría que  "Escribí todas las letras de un solo tiro. Vivíamos al palo, parecía que estábamos lejos del arte y, sin embargo, fue uno de nuestros discos más profundos, quizás porque no la estábamos pasando bien."

Punta Arenas, Chile 1987 Gira Signos

Desde luego pienso que no se imaginaria junto a sus compañeros de grupo (Charly Alberti y Zeta Bosio), el éxito que alcanzaría Signos, no solo por la monumental gira que la banda haría por toda latinoamérica, y la huella que dejaría en ella, sino que entre las canciones del álbum se encuentran muchas de las canciones que son historia en la discográfica de Soda Stereo. 

No solo Signos, corte que da nombre al disco, sino temas como Persiana Americana, Prófugos, El rito, verdaderos clásicos de la banda que hoy en día siguen sonando en las radios, permiten soñar con aquella gira monstruosa por todo latinoamérica.

No cabe duda que Soda Stereo se ha ganado su fama, esa Sodamania que se generaba a cada paso que daba la banda.  

Signos no es un álbum más en la historia de Soda Stereo, es el comienzo de una nueva época para el Rock Latino, Soda Stereo ya había surcado los rumbos en esta latinoamérica que quería cada vez más tener su identidad dentro de la música del Rock, un rock que hasta el momento no se hacia escuchar, y Soda Stereo llevo ese sonido a cada rincón del continente. 

Así que te invito a descubrir Signos un verdadero culto a la música, en el #MesSodaStereo. ... Signos Uniendo fisuras Figuras sin definir Signos, oh...


Daniel 
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Canciones que nos emocionan: Boom Boom, John Lee Hooker

Boom Boom, John Lee Hooker

     En esta ocasión me voy a centrar en otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, y que se ha convertido por derecho propio en uno de los estandartes de este artista y del género blues, ni más ni menos que Boom Boom de John Lee Hooker.

     John Lee Hooker nace en 1912 en una granja de Clarksdale, Mississippi (Estados Unidos), en 1928 sus padres se separan y el queda a cargo de su madre. Su madre se vuelve a casar con un músico de blues llamado william Moore. Es William quien enseña a tocar la guitarra a Hooker cuando este tenía 13 años.

     En 1931 Hooker decide mudarse al norte de Estados Unidos, primero Memphis, donde estuvo tocando y trabajando en cines locales. Posteriormente se marcha a Cincinnati, donde alterna trabajos de limpiabotas o acomodador en teatros con actuaciones en grupos de gospel. En 1943 acaba instalandose en Detroit, consiguiendo un trabajo en a industria de automóvil y cantando en bares de los suburbios.

   En 1948 comienza la carrera musical de Hooker al conseguir su primer éxito con el tema Boogie Chillen. Hooker solía tocar sólo o como mucho acompañado de un segundo guitarrista. En la década de los 50 grabó con varios nombres diferentes antes de hacerlo como John Lee Hooker, tales como Delta John ó Birmingham Sam entre otros. Pero eso cambiaría a partir de 1955, cuando acaba contrato con la discográfica Modern Records y ficha por la compañía Vee-Jay, de Chicago. Esta compañía disponía de músicos de sesión que ponía a disposición de sus artistas para que grabaran. Así se gesta en 1962 la grabación del tema que el mismo compone Boom Boom.

    John Lee Hooker solía tocar en un bar de Detroit llamado Apex Bar, y siempre solía llegar tarde, algo que la banda de acompañamiento que tocaba con él siempre le recriminaba. En aquel bar trabajaba una camarera llamada Luilla (hay quien dice que se llamaba Willa), que siempre que veía llegar tarde a Hooker le decía "Boom Boom, llegas tarde otra vez". Hooker pensó que aquello que le decía la camarera podía ser el nombre de un tema, tenía gancho. Una noche de camino a casa se puso a darle vueltas al asunto en cuestión, y al día siguiente se puso a escribirla. Una vez que la tuvo hecha se la mostró a cierta gente, y esta alucinó, así que lo siguiente que hizo fue enviarla a Washington DC y registrar los derechos de autor. Una vez registrado como autor del tema ya podía tocarla en el bar y y mostrarla a Luilla que en cierto modo y sin saberlo le había inspirado y le había dado aquella canción .

El disco de a semana 172: Iñigo Coppel - El hombre que mató a Iñigo Coppel

Iñigo Coppel

     "tenía dieciocho años y estaba tumbado en mi habitación leyendo una biografía de Elvis Presley. Contaba una anécdota muy graciosa: al parecer, después de uno de sus primeros conciertos en un bar de Memphis, cuando aún era adolescente, se le acercó un tipo (una especie de estrella local) y le dijo: Chico, te he visto tocar y voy a decirte algo: deja la música, no vales para esto. Recuerdo que cerré el libro y solté una carcajada pensando ¡Qué bien! ¡A mí también me dicen eso! ¡Me dicen lo mismo que a Elvis! No hay duda, estoy en el camino correcto.

     Esta anécdota la relataba hace un tiempo Iñigo Coppel, la cual define muy bien el carácter inconformista y luchador de este músico de Getxo, un músico que en su juventud llegó a conocer junto a sus amigos a sus ídolos Burning después de un concierto, y tras invitarles a pasar una noche de bares por el casco viejo de Bilbao, el miembro de la banda Johnny les dejaba una interesante reflexión "Chicos yo sólo soy el hijo de un taxista, vosotros también podéis hacerlo." Desde aquél momento Iñigo Coppel tuvo más claro si cabe, que no habría nada que le pudiera impedir que se dedicara a su gran pasión, la música.

     Iñigo Coppel recuerda haber visto en sus niñez cantando en televisión a Joaquín Sabina y también a Bob Dylan, y descubrir a Bruce Springsteen. Entonces empeieza a aprender a tocar poco a poco a tocar la guitarra, la armónica y a cantar, y a pasar las tardes en la tienda de discos de su pueblo escuchando música. A los quince años recuerda haber dado su primer concierto, y también como empieza a descubrir a gente como Leonard Cohen, Javier Krahe, Eddie Cochran, Hank Williams y Paul Westerberg.

     En 2003 Iñigo ficha por el grupo The Zodiacs, y se hace cargo de la guitarra y las voces. La colaboración de Iñigo con The Zodiacs dura sólo un álbum, el segundo de estudio de la formación, publivado en 2004 y titulado Golpe de calor, con el que la banda comienza a recibir buenas críticas y empiezan a destacar en el panorama musical.

     Ya en solitario, Iñigo publica en 2007 su primer álbum de estudio, Perdón por existir, un álbum al que le seguirá en 2010 El hombre que mató a Iñigo Coppel, el disco recomendado para la ocasión en 7dias7notas. Un álbum donde todas las composiciones corren de su cuenta y donde se aprecia la madurez artística y la evolución del músico, el cuál se mueve entre el folk y el rock clásico. Nos encontramos con un disco con temas cañeros como Madrid para cuerdos y bienhechores, temas donde el rock clásico tiene cabida en temas como Fuera de mí, el blues como en Mi perdición, y temas acústicos como Esto es lo que parece. Pero también disfrutamos de unas letras muy buenas, como en Canción para Woody Allen, donde realiza un homenaje a los personajes de Woody, Blues hablado sobre el mayor fan de Bob Dylan del mundo, donde no sólo se muestra como lo que es, su mayor fan, pues sabe sacarle partido y reirse de él mismo como fan, ó Tal como ella cree, donde a ritmo de tango nos regala una preciosa letra.

     Es El hombre que mató a Iñigo Coppel un álbum muy bueno, e Iñigo Coppel un músico que se ha hecho a sí mísmo, reponiendose desde sus inicios a las adversidades y demostrando a toda esa gente que le advirtió que estaba equivocada, al igual que aquel ídolo local que advirtió a Elvis Presley que no servía para esto.

La música en historias: El Hippie

Wilson Pickett & Duane Allman

     Los FAME Studios son unos estudios con mucha historia, fundados en la década de los años 50 por Rick Hall, y ubicados en 603 East Avalon Avenue, de Muscle Shoals, Alabama (Estados Unidos). Estos estudios fueron indcluidos en el Registro de Monumentos y Patrimonio de Alabama en 1997 y en el Registro Nacional de Lugares Históricos de Estados Unidos en 2016, lo que nos da una idea de la importancia de estos estudios. Rick Hall además está considerado como el padre de la Sección de Ritmo de Muscle Shoals, también conocida como The Swampers, que posteriormente fundaron los Muscle Shoals Sound Studios, que rivalizaron con los FAME Studios, y de los cuales ya dedicamos espacio en 7dias7notas.

     Por los FAME Studios han pasado infinidad de artistas, como The Rolling Stones, Otis Redding ó Wilson Pickett entre otros. Fue Aretha Franklin la que marcó el punto de inflexión a mediados de los 60 marcando el despegue de los estudios. Si bien había una feroz competencia, el éxito de los estudios se fundamentó en el hecho de que era un lugar donde tanto músicos blancos y músicos negros podían trabajar en armonía sin ningún tipo de restricción ni problema.

     Durante su larga existencia han ocurrido infinidad de historias y anécdotas, y me voy a centrar en una que ocurrió a finales de los años 60. Hubo un músico, guitarrista para más señas, que en 1968 montó una tienda de campaña en el estacionamiento de FAME Studios, su idea era estar cerca de las sesiones de grabación que allí acontecían. Este guitarrista durante su estancia se hizo amigo del dueño Rick Hall y de Wilson Pickett. Durante un almuerzo en el que coincidieron, este guitarrista enseñó a Wilson Pickett una versión del tema Hey Jude de los Beatles, que había hecho tocando él la guitarra solista. Aquella versión de Hey Jude empezó a circular por los estudios, y la gente de la discográfica Atlantic Records se interesó por aquella versión y empezó a indagar y a preguntar quien era el guitarrista que había grabado aquello, pregunta que fue contestada por Rick Hall por medio de una nota escrita a mano donde rezaba "Un gato hippie que ha estado viviendo en nuestro estacionamiento". Al guitarrista le ofrecen un puesto como músico de sesión en FAME Studios, trabajo que acepta, y en noviembre de 1968 graba la versión de Hey Jude junto a Wilson Pickett, siendo publicada esta versión en 1969. El gato hippie que había grabado aquella versión con la que todo el mundo alucinaba no era ni más ni menos que Duane Allman.

La música en historias: El proyecto Vida (Mes Soda Stereo)

Cartel Concierto Vida

     El 21 de diciembre de 1988 fallecía en Buenos Aires (Argentina) Federico José Moura, uno de los más influyentes y reconocidos músicos de rock argentino. Federico fue líder de otra de las bandas más importantes del rock argentino, Virus, fundada junto a sus hermanos Juio y Marcelo. El futuro de la banda argentina tras el fatal desenlace de Federico no estaba claro. Unos días después el resto de la formación decide rendirle tributo dando un concierto en el pub La Casona de Lanús (Argentina). Aquel concierto, además de ser homenaje a la figura de Federico también era la presentación de su álbum recientemente grabado Tierra del fuego, un disco donde participó Federico a pesar del avanzado estado de su enfermedad. y Allí, encima del escenario, junto con los componentes de Virus se congregaron artistas como Soda Stereo, Andrés Calamaro, Luis Alberto Spinetta, Patricia Sosa ó Fito Paez, que no quisieron perderse tal homenaje.

     Sin embargo, Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti, o lo que es lo mismo, Soda Stereo, querían que su banda hermana siguiera viva, y que mejor que junto a ellos. No en vano fue Federico Moura quien apostó por ellos y produjo el primer disco de Soda Stereo cuando la banda se llamaba todavía Los Estereotipos y eran apenas conocidos en la escena musical argentina. y así, un año después de la muerte de Federico Moura nacía la banda Vida, compuesta por los componentes de Soda Stereo Gustavo Cerati (guitarra y voz), Zeta Bosio (bajo) y Charly Alberti (batería), y los componentes de Virus Marcelo Moura (teclado y voz) y Julio Moura (guitarra).

     Para la retina queda ya su mítico concierto en la ciudad de La Plata dentro del festival aniversario de la Fundación de La Plata que se celebró en 1995. Dicho concierto se celebró en Plaza Moreno, la plaza principal de la ciudad de La Plata, Argentina, ante más de 30.000 seguidores. Vida se mantendría activa paralelamente a los proyectos de Soda Stereo y Virus, desde su creación en 1989 hasta 1997, año en el que también se disolvió Soda Stereo.

Imagenes Paganas - Vida (Soda Stereo & Virus) | La Plata - Argentina | 1995

Canciones que nos emocionan: Mannish Boy, Muddy Waters

Mannish Boy, Muddy Waters

     A unos de los padres del blues de Chicago, Muddy waters, ya le hemos dedicado espacio en 7dias7notas, y seguiremos haciéndolo, pues su importancia, aportación e influencia en la historia del blues es muy grande. En esta ocasión vamos a desgranar uno de sus temas, Mannish Boy, otro de esos que a mí tanto me emocianan. Mannish Boy se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes himnos del blues moderno, y además ha sido fuente de inspiración para otros temas, como por ejemplo Whole Lotta Rosie de AC/DC.

     Pero para hablar de Mannish Boy, nos vamos a remontar primero al tema Hoochie Coochie Man, compuesta por Willie Dixon, y que Muddy grabó por primera vez bajo el sello Chess Records. Este tema hacía referencia a elementos mágicos y espirituales del Hoodoo, creencias espirituales afroamericanas procedentes del África occidental. El protagonsita de la letra se jacta de su buena fortuna y su suerte con las mujeres con la ayuda del Hoodoo.

     En abril de 1955, Bo Diddley publica I'm a Man, tema compuesto por el mismo. Diddley se inspira en Hoochie Coochie Man para componer este tema, y con la arrogancia que le caracteriza nos relata su destreza sexual, y que el sí es literalmente un hombre, y por si no ha quedado claro nos lo deletrea: un H-O-M-B-R-E. Un tema que también ha servido de inspiración en otros músicos, como por ejemplo George Thorogood, que se basa en su riff para su Bad To The Bone.

    Y la respuesta de Muddy no podía hacerse esperar, y el 24 de mayo de 1955 graba Mannish Boy y se publica en junio de 1955 bajo el sello Chess Records. Aunque hay quien entendió este tema como un tema político, el tema fue una clara contestación a I'm A Man de Bo Diddley. Los afroamericanos que crecían en el sur habitualmente eran referidos como niños, nunca como hombres, y Muddy aparte del alarde sexual del que hace gala en el tema, nos deja bien claro que él es un hombre, y se burla del I'm a man de Diddley. La letra dice algo así como "¡Yeah!,se deletrea H-O-M-B-R-E. eso significa hombre ¡Yeah!, no N-I-Ñ-O que significa niñato. ¡Soy un hombre! ¡Yeah! un hombre hecho y derecho. ¡Soy un hombre! ¡Yeah! soy un amante nato."
     Mannish Boy sería grabado en una nueva versión para el álbum de Muddy Waters Hard Again en 1977, un álbum que contó con la producción de Johnny Winter.

Oh, yeah

Oh, yeah

Everything gonna be alright this mornin'

Now, when I was a young boy

At the age of five

My mother said I was gonna be

The greatest man alive

But now I'm a man

I'm age twenty-one

I want you to believe me, honey

We having lots of fun

I'm a man (yeah)

I spell M

A, child

N

That represent man

No B

O, child

Y

That spell mannish boy

I'm a man

I'm a full-grown man

I'm a man

I'm a rollin' stone

I'm a man

I'm a hoochie-coochie man

Sittin' on the outside

Just me and my mate

I'm made to move

Come up two hours late

Wasn't that a man?

I spell M

A, child

N

That represesnt man

No B

O, child

Y

That spell mannish boy

I'm a man

I'm a full-grown man

I'm a man

I'm a rolllin' stone

I'm a man

Full-grown man

Oh, well

Oh, well

Soda Stereo - Doble vida (Mes Soda Stereo)

Doble vida, Soda Stereo

     Quien me iba a decir a mí que acabaría hablando de rock argentino. He de confesar que hasta hace mas bien poco, el que aquí escribe, tenía escasos conocimientos de música argentina. Que hoy pueda hablar de este tema es gracias a nuestro querido Storyboy, auténtico especialista de la escena musical argentina, y que en su momento decidió unirse a nuestra aventura de 7dias7notas. Storyboy desde el primer momento se puso al servicio de 7dias7notas y empezó con nosotros un viaje por los entresijos de la música argentina, un viaje que no ha hecho nada más que empezar y del cual los demás no podemos nada más que estar agradecidos.

     Entró el mes de abril, y con él el siguiente grupo, Soda Stereo. En el reparto Storyboy creyó conveniente que yo reseñara el cuarto álbum de estudio de la formación argentina, Doble vida. Este disco significó un punto de inflexión en la banda de Gustavo Cerati y compañía, pues siendo quizás ya la banda más importante latinoamericana, decidieron que era hora de lanzarse a la conquista del mercado internacional.

     Lo primero era encontrar un productor de entidad para este trabajo, y para ello Gustavo Cerati (voz, guitarra y percusión), Zeta Bosio (bajo) y Charly Alberti (batería y percusión), sondearon dos nombres, el primero Mark Knopfler les hizo saber que en esos momentos se encontraba bastante ocupado, sin embargo el segundo candidato mostró interés en el proyecto desde el primer momento, este candidato era Carlos Alomar, el guitarrista, puertorriqueño-estadounidense que había trabajado durante años con el mismísmo David Bowie. Pero Carlos no sólo se había fogueado con Bowie, también los había hecho con artistas de la talla de Paul McCartney, James Brown, Iggy Pop ó Mick Jagger entre otros.

     Para la grabación de Doble vida, Carlos Alomar preparó un concienzudo y elaborado proceso, quería grabar al estilo estadounidense, ya que que Carlos, gracias a sus trabajos con Bowie y demás estrellas ya había trabajado así, y de eso sabía y mucho. Lo primero que hizo fue hacer que Cerati y compañía se desplazaran a Nueva York, concretamente a los Sorcerer Sound Studios, conviritiendo a Soda Stereo en una de las primeras formaciones de latinoamericanas en grabar en Estados Unidos.

     Pero sacar aquel disco no fue nada fácil. Gustavo Cerati había instalado en su casa de Belgrano, en un edificio de la calle José Hernández, un estudio para poder trabajar en el siguiente disco, y que a la postre se convertiría en Doble vida. Tenía temas muy avanzados, En la ciudad de la furia, Lo que sangra y En el borde. Mientra trabaja en ese material Gustavo Cerati decide viajar a Nueva York, su idea era la de aporvechar la visita de ocio para comprar guitarras y equipos que utilizaría en la grabación del disco. Y es allí y en ese viaje cuando se produce el primer encuentro entre Gustavo Cerati y Carlos Alomar. En ese encuentro Gustavo le entrega una maqueta a Carlos, que se muestra interesado desde el primer momento. Una vez gestado el fichaje de Carlos Alomar los chicos de soda Stereo se encontraron con un obstaculo que salvar, CBS Argentina, la compañía que tenía los derechos de Soda Stereo no estaba dispuesta a correr con los gastos del fichaje de Carlos y ni mucho menos financiar una excursión de los argentinos para grabar en Nueva York. Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti se mantuvieron firmes, y tras unas duras negociaciones con la matriz argentina de CBS, consiguieron salirse con la suya y poder grabar en Nueva York con Carlos Alomar. Y así, de esa alianza, el 23 de septiembre de 1988 nace y se publica Doble vida, un álbum que marcaría la madurez de la banda, y el punto de inflexión de la misma.

     Un disco donde podremos disfrutar de temas como En la ciudad de la furia, uno de sus grandes éxitos de siempre, que es uno de los apodos por los que se conoce a la capital argentina, Buenos Aires. Tema marcado con una intrigante letra que nos adentra en un relato mítico sobre un joven alado; Lo que sangra (la cúpula), sobre éste tema los expertos creen que este tema habla de la fama y la política, aunque otra teoría que ronda sobre este tema es que Gustavo Cerati la tristeza y la rabia por el derrumbe de la discoteca Highland Road en la ciudad argentina de San Nicolás de Arroyos mientras Soda Stereo se encontraba allí tocando Persiana Americana el 2 de mayo de 1987; En el borde, compuesta por Gustavo Cerati y Zeta Bosio con letra de Richard Coleman, tema donde se aprecia claramente la influencia que la banda cogió de su experiencia en Nueva York trabajando con Carlos Alomar, con una base funk y donde es el propio Carlos el que se marca un rapeo en inglés; ó Corazón delator, una balada compuesta por Cerati donde nos habla de la locura de una persona desde el punto de vista reflexivo. Cerati se inspiró en el relato El corazón delator de Edgar Allan Poe, que trata de un joven que no soporta la mirada de una persona que tiene un ojo enfermo, por lo que decide matarla y esconder el cuerpo en el hueco del suelo madera.

     Soda Stereo se caracterizó por ser una banda a la busqueda constante de nuevos sonidos, inspirados en la inquietud creativa de Gustavo Cerati. Una de sus influencias principales durante toda su carrera fue el new wave, si bien a finales de los ochenta el grupo empezó a recibir influencias pop y rock, y con el fichaje de Carlos Alomar, e influenciados por éste, se lanzaron a la exploración de sonidos funk y soul, incluso hasta el rap (que Carlos Alomar se marca en inglés en En el borde). Dicha alianza entre Carlos Alomar y Soda Stereo y la influencia y mezcla de estilos y sonidos queda reflejada en este disco, que permitió a la banda argentina en la primera banda latinoamericana en conquistar el difícil mercado musical estadounidense.

Ruta 77: Las 7 canciones de Fran "@fbarrospalacios"

El viaje continúa, y Storyboy es quién, en esta ocasión, está al volante. Estamos llegando a Asturias, para cubrir el siguiente capítulo de nuestra aventura por la Ruta 77.  La hoja de ruta de esta nueva aventura tiene como punto final Pola de Lena, una villa fundada en 1266 por Alfonso X el Sabio como paso entre Oviedo y León. En el siglo XIX, vivió una fase de gran desarrollo demográfico gracias a la explotación de la hulla, consolidándose en el siglo XX y llegando hasta nuestros días con una población de unos 8.700 habitantes, repartidos en varios barrios y zonas a lo largo de sus 31 km² de extensión.

Aparcamos el coche frente a la estación de ferrocarril de Pola de Lena, principal estación del concejo de Lena. La estación dispone de servicios de media y larga distancia, así como una línea de Cercanías Asturias, pero no tenemos planeado un viaje en tren. La idea es encontrarnos con nuestro amigo Fran en el primer andén, por lo que nos dirigimos hacia el interior de la estación. Mientras cruzamos la calle en dirección a la entrada, vemos una densa niebla acercarse desde los cerros de detrás de la estación.

Atravesamos la estación y salimos puntuales al andén, pero no hay nadie esperándonos. Por la megafonia de la estación, nos llega el sonido lejano de "QE2", el tema de Mike Oldfield que da título a su disco de 1980. Las últimas notas de esta canción se entremezclan con los primeros compases de "Platinum", de su disco de 1979. Pasan los minutos, y ambas canciones siguen sonando en bucle, mientras Fran sigue sin aparecer por ningún lado. Mis compañeros comienzan a impacientarse, y para matar el tiempo se alejan caminando hacia un extremo del andén, observando la vieja estación y haciendo algunas fotos. Yo espero sentado en un banco de la estación, y ojeo un periódico local que alguien ha dejado abandonado sobre el banco. La fecha de la primera página indica que es un periódico de hoy, 23 de julio de 2020. Mientras estoy distraído leyendo los titulares de las noticias locales, la niebla ha bajado desde los verdes cerros y se ha tragado completamente las vías, deteniéndose momentáneamente junto al borde del andén, como si de un dique se tratase.

Algo inquieto, llamo a Jorky y los demás, que se giran al oír mi llamada, y dan unos pasos para acercarse, pero en ese momento la niebla invade el andén, y en cuestión de segundos lo cubre completamente, impidiéndome ver nada más allá de la distancia que abarcan mis brazos estirados. Dejo el periódico en el banco, y me giro hacia el lado contrario hacia el que deberían aparecer mis amigos. Una brillante luz intenta abrirse paso entre la niebla, y un potente silbato anuncia la llegada de un tren a la estación. Con la entrada del tren, la niebla se disipa ligeramente, y compruebo para mi asombro que la locomotora es un modelo de vapor de finales del siglo XIX. Sorprendido, vuelvo a mirar la primera página del periódico abandonado, y en un acto reflejo me levanto apresuradamente del banco. Bajo el título del periódico, la fecha ha cambiado. Sigue siendo 23 de julio, pero de 1874.

La portezuela del primer vagón se abre, y un revisor perfectamente uniformado desciende la pequeña escalinata. Como si asumiera por mi boca abierta que no voy a ser capaz de mediar palabra, decide tomar él las riendas de la conversación: "Bienvenido al @fbarrospalacios Express, en el viaje inaugural tramo Pola de Lena - Gijón. Si no se apresura, va usted a perder el tren" - dice, al tiempo que, con un gesto de la mano, me invita a subir al vagón.

No sin reparos, y echando varias miradas furtivas hacia el otro lado del andén, para comprobar que ninguno de mis tres acompañantes aparecía entre la espesa niebla, decido subir al vagón. Una vez dentro, el revisor hace sonar su silbato y levanta un farol hacia la locomotora, para darle la señal de partida. Al cerrar la portezuela tras de sí, amablemente me invita a seguirle hasta mi asiento. El tren se pone lentamente en marcha, y poco a poco va tomando velocidad. Los sonidos de Mike Oldfield se hacen cada vez más pequeños, hasta hacerse inaudibles, y así deduzco que hemos dejado la estación, ya que con la niebla es imposible ver nada más allá de los cristales del pasillo del tren.

El revisor me conduce hasta el vagón restaurante, indicándome que me siente en una de las elegantes mesas. En el interior del vagón suena "El Zenzontle pregunta por Arlen" de Carlos Mejía Godoy, dotando a la escena de un toque bohemio, al que también colabora la densa humareda del vagón. "No había espacios sin humos en 1874" pienso para mí. En la mesa de al lado, tres personas conversan amigablemente. Al notar mi curiosidad por los otros ocupantes del vagón restaurante, el revisor se acerca y me susurra al oído: "El señor de la derecha es Vital Aza, escritor, comediógrafo y humorista. Los dos señores que se sientan frente a él son Juan Muñiz Zapico "Juanin", minero y sindicalista muy querido en la zona, y José Manuel Castañón, escritor. Los tres son personajes ilustres de Pola de Lena, pero no tanto como quién le acompañará durante la cena. Espere aquí solo unos instantes".

Tal y como prometió el revisor, y apenas termina la canción de Carlos Mejía Godoy, mi misterioso anfitrión aparece, justo al mismo tiempo que el intérprete del siguiente tema entra en acción por los altavoces del vagón. Y una gran sonrisa ilumina mi rostro al reconocer a ambos. De pie frente a mí, el protagonista de nuestra aventura, Fran para los amigos y @fbarrospalacios para todo el que quiera conversar con él en Twitter. Cantando en directo en el Budokan, Bob Dylan y su clásico Mr. tambourine man.


Me levanto para saludarle y nos damos un abrazo, y reconozco que ver por fin una cara amiga ha hecho que me tranquilice en una situación tan extraña. El vino que nos sirven también ayuda lo suyo, y en condiciones tan agradables comienza una distendida charla, en la que Fran confiesa que, tras haber leído los artículos anteriores de la ruta 77, imaginó al detalle un viaje en tren en el que ir contando los momentos de su vida asociados a cada una de las 7 canciones. Así, QE2 y Platinum sonaban seguidos una y otra vez, como en la semana que pasó en los Lagos de Covadonga, con 12 o 13 años. Está a punto de contarme las razones por las que ha elegido a Carlos Mejía Godoy y a Dylan, pero en ese momento ha empezado a sonar "Agotados de esperar el fin" de Ilegales, en una versión en directo de un concierto al que asistió hace años, en el que probablemente el alcohol corrió en mayores cantidades que en nuestra cena, y eso que un camarero acaba de reemplazar una botella vacía por una llena. Fran cuenta con emoción aquel episodio, y nos echamos unas risas que duran hasta la llegada del siguiente tema: "Te recuerdo Amanda" de Víctor Jara.

Estando ya en los postres, y en una increíble versión en directo del "Layla" de Eric Clapton, el silbato del tren ruge en la noche, anunciando la próxima parada del trayecto. Fran apura su copa y, tras dejar su servilleta sobre el fino mantel, dice: "Esta es tu parada, Nevermind, gracias por compartir conmigo esta velada musical". Intento sin éxito pagar la cuenta, pero Fran se niega y el camarero zanja la discusión con un "La casa invita, hacía tiempo que en este tren no sonaba una música tan buena". Nos damos un nuevo abrazo final, y el revisor me acompaña por el pasillo hacia la portezuela del vagón. El tren va reduciendo la velocidad, hasta detenerse por completo. La densa niebla sigue dificultando la visión, así que tengo cuidado con los escalones, tal y como el revisor me ha recomendado. Ya en el andén, veo como el revisor levanta de nuevo el farol, y cierra la portezuela tras tocar el silbato. El tren se pone en marcha y se pierde poco a poco entre la niebla. No puedo ver nada a mi alrededor, pero no hace falta, sé exactamente dónde estoy. Por la megafonía de la estación suenan QE2 y Platinum, una detrás de otra, una y otra vez. Avanzo hacia el banco en el que había estado sentado, y recojo de nuevo el periódico usado, correspondiente a la edición de hoy 23 de Julio de 2020.

"¿Dónde te habías metido?" - pregunta la voz de Chema entre la niebla, mientras mis amigos de 7dias7notas se acercan al banco. "Es una larga historia, mejor os la cuento en el camino de vuelta".

Nota final: Y eso es lo que hemos intentado hacer en este artículo, contar de la mejor manera posible las 7 canciones favoritas de @fbarriospalacios, al que agradecemos que nos haya compartido momentos personales y las canciones que los acompañaron, quedando grabadas a fuego en su memoria.

"De esto va la Ruta 77, y por eso nos gusta tanto".

El disco de la semana 171: Antonio Vega - No me ire mañana

Es sin duda alguna uno de los mitos de la música en España, uno de los que iniciaron la movida madrileña y la explosión de diferentes sonidos que a primeros de los años 80 tiño nuestro país. Me estoy refiriendo a Antonio Vega, cuyos comienzos musicales se produjeron de la mano de Nacha Pop, donde además de componer diferentes canciones tocaba la guitarra y compartía junto a Nacho Garcia Vega la voz. Nacha pop durante los años 80 llenaron de música el panorama nacional y fue considerado uno de los mejores y más reconocidos grupos en España, si bien el ambiente en el grupo estaba enrarecido y decidieron disolverse e iniciar carreras por separado, Nacho Garcia Vega junto a Carlos Brooking crean un grupo llamado Rico, Antonio Vega decide continuar su camino en solitario, sin que nadie le imponga la dirección de sus pasos, encaminados a un lugar donde su creatividad no tenga ningún muro que la detenga. Y asi durante 18 años y cinco albums estremeció los corazones de muchos admiradores, vivió a su manera, sin ninguna regla que un tercero le impusiera y se fue despacio, en silencio, cuando todos en el horizonte teníamos cuál era su destino, nos estrujo el corazón como él solo sabía hacer y aquel 20 de abril de 2009 una lagrima de dolor pero a la vez de satisfacción por lo que nos había entregado rodo por nuestra mejillas, con la satisfacción de haber disfrutado de un artista como pocos quedaban o vendrán y con el buen gusto que él también disfruto a su manera……

En 1991 publica su primer álbum en solitario del que vamos a hablar, con el título de “No me iré mañana”, comienza su camino, un álbum a la vez pop y con muchos rasgos de la canción de autor y sentimental de la que alardea Antonio Vega. El disco comienza con “Háblame los ojos” y esa guitarra que se va rasgando esta presentación se mueve claramente en un ambiente pop, pero donde también podemos descubrir, esa poesía, esa trascendencia que empezaba a repartir hacia todos los lados…

Quiero decirte,

quiero decirte que mi adiós

quiero decirte que mi adiós no fue, huir del follón.

Quiero que entiendas,

quiero que entiendas que ha de haber

quiero que entiendas que ha de haber un par para ser dos...

y jugar...

Y no le tengo miedo al tiempo que se va, no

yo sé que se parecen sueño y realidad, lo podría jurar.

“Esperando nada” es un absoluto pelotazo, muy cercano al rock and roll y con un estribillo que te permite una queja al viento a viva voz….. reflejo de una inspiración, el camino tortuoso para poder encontrar y mirar a las musas cara a cara, todo aquel artista en busca de su tesoro se ha visto en la misma situación que el protagonista de esta canción. En el tema también podemos disfrutar de una guitarra maravillosa. “Lo mejor de nuestra vida” es otro pelotazo, otro himno, una cancion maravillosa que te da un puñetazo en el estómago, la historia de una ruptura, el dolor, el alivio, el arrepentimiento y la añoranza y de nuevo siempre mas cerca del rock and roll que del pop que nos tenia acostumbrados… y pónganse en pie, el nivel estaba siendo altisimo pero llega el momento de la cancion de autor y esta pequeña joya titulada “Tesoros”, se abre paso la delicadeza y la guitarra en acústica acompaña la voz en una letania dolorosa hasta que la musicalidad hace presencia en el estribillo mientras la voz trata de arrinconarla porque el dolor está por encima de todo… y es que fue la primera canción que compuso después de la disolución de Nacha Pop

“…Suena un despertador

Y él da la vida sin ser Dios por una antigua vocación,

Qué haría mi animal si comprendiera que es genial

No dejaría de pensar, no.

Cuál sería el menor,

Cuál de mis tesoros el mayor,

Me inclino por dudar

De los adjetivos la verdad…”

Con “Síguelo” encontramos una rara avis en el disco y en la carrera de Antonio Vega, me parece un tema muy cercano al british pop de los años 80, un intento de explorar nuevas sensaciones y ritmos, aun lo exótico de lo que pueda parecer en voz del Madrileño, queda una cosita muy apañada…  “La ultima montaña” es también extraña, una mezcla metafórica que no queda mal, pero se queda bastante lejos de lo que hasta ahora nos había ofrecido, una canción totalmente popera pero con esa guitarra tronando. Retoma la senda de la gloria con ese clásico titulado “Se dejaba llevar” y es que vuelve a su intimidad, a su canción de autor, donde se sabe manejar a la perfección y con el que consigue tocar la fibra del oyente, que delicadeza disfrutamos en este tema… “…Se dejaba llevar, se dejaba llevar por ti. No esperaba jamás, y no espera si no es por ti. Nunca le oyes hablar, sólo habla contigo y nadie más. Nada puedes sufrir, que él no sepa solucionar… “si esto no es amor incondicional yo me he perdido. Disfrútenlo con los ojos cerrados. Con “Guitarras” vuelve el rock and roll, y la guitarra de nuevo se hace con él, no solo en el título, no solo en el homenaje que le hace a todo aquel que ha tratado de hacer música de disfrutar con la música

“Yo era uno más que un día aprendió de otro más,

encontré un grosor de púa y un sonido fiel,

luego es tener uno mismo una forma muy propia de hacer, tocar, sonar.

¡Oigo guitarras, quiero guitarras, suenan guitarras, oigo guitarras!

Continua el álbum con otro pelotazo este “Mis dos amigos”, una canción dedicada a su hermano un claro homenaje a lo que significa para el autor su hermano y su pareja, y un estribillo demoledor… que dice "Me gusta verlos cuando está detrás el sol, me corta la respiración, su fuerza es la del halcón, laten sus cuerpos con el mismo corazón". Que bellísimo homenaje para un hermano, un amigo. Termina el álbum con el tema que da título al disco, “No me ire mañana” otro tema lleno de metáfora y pop, dulce colofón para una obra maestra.

La música en historias: Hablemos de Soda Stereo (Mes Soda Stereo)

Hablemos de Soda Stereo

Ya hablamos de la cronología del rock nacional, de que pasó y cuando, con la exactitud apenas de lo vivido, y el sentimiento del rock.

Por ello, me gustaría ahora revivir ese mismo sentimiento desde cada uno de los protagonistas del rock, no les prometo hablar todas las semanas, porque para eso están mis amigos de 7dias7notas, a quienes les vuelvo a agradecer la oportunidad de contar mi historia.

Pero sin más les quiero contar sobre uno de los protagonistas de ese rock que, con su música, conquistó mi adolescencia, y diría que con su "cuando pase el temblor" los conocí y hasta ahora ese temblor hace que sigan resonando sus canciones, porque no ha parado y sigue ahí sonando aún más fuerte. Sí amigos, voy hablar de Soda Stereo.
 

Cuando pase el temblor

https://youtu.be/ZNzYr4U7Zs8

No pretendo ser una Wikipedia, por ello solo diré seguramente lo que todos ya sabemos, para mi lo importante acá es mostrar su música. Soda Stereo es de esas bandas que se formaron en la década de los 80, más presisamente en el año 82. Sus integrantes fueron Gustavo Cerati (guitarra y voz) , Zeta Bosio (bajo) y Charly Alberti (batería).

Sus comienzos me hacen pensar en el dark y en la "música divertida" (*), género que para ser honesto no conocía, pero no hay como leer y aprender, y como contábamos en mi anterior historia, el ADN del rock nacional se formó en una sociedad gobernada por militares y la rebeldía del rock fue su medio de expresión. El mundo iba a cambiar de una forma abrupta por esos tiempos, por una guerra de Malvinas sin sentido, pero no quiero detenerme en la historia como tal. La historia es apasionante pero vinimos para hablar de rock, y en esos tiempos Soda Stereo invade el panorama con su música y conquista Latinoamerica en todas sus latitudes.

Su segundo disco de estudio, "Nada Personal" (1985) encierra canciones como la ya mencionada "Cuando pase el temblor" o la propia "Nada personal" que da nombre al disco. Me detengo especialmente en "Juego de seducción" brillante tema de apertura del lado B del disco. Amigos de la música, los lados B han encerrado casi siempre cosas maravillosas, quizás pocos sabrán de qué hablo.

Juego de seducción

https://youtu.be/OlZMpJFWceI

Ya con esto Soda Stereo conquista el festival Viña del Mar en Chile, y comienza a estar presente en México, Colombia o Perú. Argentina sale al mundo de la mano de Soda Stereo.

Y ahora sí, vendrán nuevos discos de estudio, cada vez más fuertes y más marcados, y también el cambio de ese Dark de sus comienzos a un rock electrónico de sus finales, aunque quiero pensar que no hay finales, que la música es eterna.

Discos de Estudio sacados por la banda

Soda Stereo (1984)

Nada Personal (1985)

Signos (1986)

Doble Vida (1988)

Canción Animal (1990)

Dynamo (1992)

Sueño Stereo (1995)

Y como he dicho, los cambios vendrían y para mi ese mayor cambio se dió en su álbum "Canción Animal".

Séptimo Día

https://youtu.be/QCmosflE5P4

Canción Animal rompe todos los moldes, consagra ese estilo que hace que Soda Stereo sea una de las mejores bandas de rock nacional. Y lo que vendrá será mejor aún incluso en la carrera de solista de Gustavo Cerati.

Como verán les he venido incluyendo links a algunos videos en medio de mi historia, para que se viva esta experiencia con casi todos los sentidos. Espero que estén presentes el oído, la vista y hasta el tacto, y dejo a la imaginación del lector el gusto y el olfato, seguramente algún lector apasionado se deleitará con un buen vino mientas lee 7días7notas.

Y una tarea más para mis queridos amigos, los invito a buscar y escuchar canciones de Soda Stereo como:

De Música Ligera
Corazón Delator

La ciudad de la Furia

Persiana Americana

Canción Animal

Té para tres

Hombre al agua

Quiero destacar también algunas rarezas que merecen la pena ser escuchadas, como una versión que se hizo con la intención de conquistar el mercado estadounidense, que vale la pena ser escuchada.

Cuando pase el temblor versión en inglés

https://youtu.be/2fw_XdmFBqc

Pocos artistas han tenido la fuerza de Soda Stereo y su reconocimiento en versiones como Sinfónico, llegando a escenarios del Teatro Colón de Buenos Aires.

Un millón de años luz

https://youtu.be/dXvOx94WrmQ

En incluso el Cirque Du Soleil, a través de su espectáculo "Séptimo Día", han mostrado que Soda Stereo es y será ETERNO!!!

Séptimo Día

https://youtu.be/QDEKuc1WPuY

Para el final decir que Soda Stereo para mi es de esas bandas de rock nacional que marcan una esencia, un tiempo con la satisfacción de haberlo vivido, y vuelvo a no ser exacto en mis palabras porque me baso en mi historia y mi tiempo como espectador.

La lista de canciones a mencionar sería también eterna, pero los dejo que ustedes mismos sean los dueños de su destino.

Nota (*) "La música divertida", es el nombre con el que se identifica a un movimiento dentro del rock argentino de primeros de los 80, marcado por un sonido bailable con influencias de la música ska y el twist de los locos años 60. Se caracteriza por las letras de corte picaresco e irreverente, que disparan sus críticas contra la sociedad, la política y los militares.