1679.- Cornbread Moon - Joe Ely

La carrera musical de Ely comenzó formalmente con los Flatlanders, un grupo formado por sus amigos del instituto Jimmie Dale Gilmore y Butch Hancock. El trío se convertiría en algo así como la Velvet Underground de la música texana: «más una leyenda que una banda», como los describiría el título de una compilación años después. Su sonido cósmico con influencias hippies, compuesto por armonías grupales y koans neobudistas, dista mucho de los estilos rudos y alborotados del trabajo en solitario de Ely. Tras la primera etapa de los Flatlanders, Ely viviría una vida desenfrenada que da pie a la buena música country, impregnando su obra de una ironía absurda y una profunda añoranza. Entre los trabajos esporádicos que mantuvo a mediados de los 70, se encontraba como roadie del Ringling Brothers Circus. Como solista, Ely se forjó en el mismo circuito de bares de mala muerte que bluesmen como ZZ Top y Stevie Ray Vaughan, y esa energía estridente ha permanecido en el centro de su música. Con sus primeros álbumes en solitario, Ely causó sensación en Europa, donde se hizo amigo de los miembros de The Clash durante sus giras. Si escuchas con atención las voces en español de "Should Or Stay or Should I Go", puedes oír la voz de Ely como acompañamiento, la primera de muchas sesiones de improvisación entre ambas bandas. Lo que Glen Campbell fue para los Beach Boys o Dylan para los Beatles, Ely se convirtió para The Clash: almas gemelas cuya mutua sensibilidad a la hora de fusionar géneros fomentó un intercambio orgánico de energías colaborativas. En sintonía con los instintos primarios del punk, Ely también regresaba a los orígenes del rhythm and blues, con un espíritu delincuente y una estética con influencias mod, no muy alejada del cowpunk californiano de X and the Gun Club, mitad peón de rancho y mitad vagabundo de carretera lynchiano.

Su álbum Honky Tonk se le puede definir como Country Rock + un sintetizador Moog... ¿Funciona? Claro que sí, y este álbum es un gran ejemplo de por qué y cómo, un disco apasionado de country que parece impulsar el género por nuevos caminos sin perder la esencia de lo que es: un género estadounidense que representa la vida sencilla de un estadounidense de diferentes maneras. Sí, a veces se desvía hacia cosas diferentes, como aquí, con toda la imaginería del Outlaw Country, pero aun así parece más "simple" (en el buen sentido) que, digamos, los aspectos filosóficos de algunos grupos de death metal de los 90. Es simplemente hermoso y fácil de devorar, a la vez que ofrece lo suficiente como para que un álbum completo no se sienta descuidado ni aburrido. El tema de apertura, "Cornbread Moon", arranca con una enérgica, exuberante y densa canción de country progresivo, coronada por una excelente interpretación vocal de Joe. El acordeón añadido es muy divertido y le da un toque country general. Es una canción muy divertida, eso es todo lo que puedo decir. Quizás intenta demasiado la forma en que crea tensión, pero aun así, es una gran canción.

1676.- Four Strong Winds - Neil Young

Casi todo lo que Neil Young graba lo escribe él, pero esta canción no fue el caso, sino que el autor es un compatriota canadiense llamado Ian Tyson. Ian era un cantante de country que también formó parte del dúo Ian & Sylvia y escribió y grabó Four Strong Winds en 1963 y tuvo mucho éxito en Canadá, pero no consiguió traspasar las fronteras. Una versión de The Brothers Four ese mismo año tuvo un éxito menor, al año siguiente, Bobby Bare le dio un arreglo country diferente. Una versión de The Vanguards tuvo éxito en Europa cuando la grabaron como "Mot Ukjent Sted" y fue un gran éxito en Noruega en 1966. The Hep Stars la grabaron con el mismo título y triunfó en Suecia en 1967. La versión de Neil Young, que incluía los coros de su entonces esposa Nicolette Larson, se considera generalmente la definitiva. Neil explicó cómo la conoció. “Había un sitio al que solíamos ir y por cinco centavos podías poner una canción en la gramola. Esta canción estaba allí y la ponía todo el tiempo porque me encantaba, la escuchaba una y otra vez y es una de las mejores interpretaciones que he escuchado. No hay muchas canciones que cante que no haya escrito yo, pero esto era real, y no creo que haya nada más real que eso”.

¿De qué trataba Four Strong Winds? Bueno, trata sobre una mujer que Ian conoció a mediados de los cincuenta que se llamaba Evinia Pulos. Se conocieron en la Escuela de Arte de Vancouver cuando ella tenía 18 años y él 22, la química fue instantánea, pero surgieron complicaciones y, en 1957, se separaron. Evinia describe lo que pasó: «Ian era un tipo muy guapo y poco después de conocernos teníamos planes de ir a Toronto para ser artistas juntos, y pensé que pasaríamos el resto de nuestras vidas juntos», dijo con un profundo sentimiento de arrepentimiento. Las notas de la canción están ahí en esa descripción: Ambivalencia, arrepentimiento y sobre todo, anhelo. «No voy a volver», le escribió Ian Tyson a Evinia en septiembre de 1960, dos años antes de escribir el clásico folk. La letra, «Pero nuestros buenos tiempos se han ido, y estoy obligado a seguir adelante, te buscaré si alguna vez vuelvo por aquí», todavía la persigue porque, después de todo, ella era la belleza de ojos oscuros que Tyson tenía en mente cuando se encorvó sobre una guitarra en el apartamento de su manager en Nueva York y puso sus pensamientos en música. Incluso años después de su separación, hay algo que los mantiene unidos. En 2012, Evinia declaró en una entrevista desde su casa en Columbia Británica: «Estamos presentes el uno en el otro hasta el último momento. Él se embarca en varias relaciones o aventuras, pero no duran. Siempre vuelve y me llama». Ese mismo año, Tyson describió a Evinia como su «alma gemela» y reconoció que su conexión emocional persistió mucho después de que se separaran. «Llevamos 55 años siendo amantes».

En 2005, la canción folk " Four Strong Winds" de Ian y Sylvia fue la ganadora de un concurso organizado por la emisora de radio canadiense CBC One para determinar la mejor canción canadiense de todos los tiempos.

1310.- Albuquerque - Neil Young

 

El sencillo Albuquerque pertenece al sexto álbum de estudio de Young, Tonight's the Night, publicado en junio de 1975 por Reprise Records. “La característica más notable de esta canción es lo disciplinada que suena la voz de Young”, escribe Johnny Rogan en The Complete Guide to the Music of Neil Young. “Es como si se hubiera vuelto completamente sobrio, aunque la letra habría sonado igualmente apropiada si la hubiera cantado completamente desafinada”. El álbum se grabó entre agosto y septiembre de 1973, pero su lanzamiento se retrasó dos años. Alcanzó el puesto número 25 en el Billboard 200. En 2003, el álbum ocupó el puesto número 331 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

"Albuquerque" es más que una simple canción, es un viaje onírico por el desierto estadounidense, una exploración de la mente y un retrato de la América profunda. Musicalmente, "Albuquerque" es un collage de sonidos que evoca tanto la soledad del desierto como la intensidad de un viaje psicodélico. La guitarra de Young, con su distorsión característica, crea una atmósfera densa y opresiva, mientras que la batería y el bajo marcan un ritmo constante y hipnótico. Los arreglos de cuerdas añaden una capa de melancolía, contrastando con la energía cruda de la base rítmica. Líricamente, la canción es un flujo de conciencia que oscila entre la narración de un viaje real y una exploración del subconsciente. Young pinta imágenes vívidas del paisaje desértico, de las ciudades que atraviesa y de los encuentros casuales que tiene en el camino. Sin embargo, estas imágenes a menudo se ven ensombrecidas por una sensación de desorientación y alienación. El protagonista de la canción es un buscador incansable, un alma perdida que busca un sentido en un mundo caótico. Sus reflexiones sobre la vida, la muerte y la naturaleza humana son a menudo oscuras y pesimistas, pero también hay destellos de humor y de una cierta aceptación de la condición humana. "Albuquerque" se ha convertido en un icono de la contracultura, resonando con aquellos que se sienten marginados o desconectados de la sociedad. La canción ha sido interpretada de diversas maneras, desde una crítica a la sociedad estadounidense hasta una exploración de la psique humana. La referencia al consumo de drogas es evidente, pero la canción va más allá de una simple celebración de la sustancia. El viaje a Albuquerque se convierte en una metáfora de la búsqueda espiritual, un intento de trascender los límites de la realidad y encontrar una conexión más profunda con el universo.

 

A pesar de haber sido publicada en 1975, "Albuquerque" sigue siendo una canción relevante en la actualidad. Su poder evocador y su honestidad brutal la convierten en una obra maestra del rock and roll. La canción ha sido versionada por numerosos artistas, lo que demuestra su influencia en la música popular, una obra maestra que ha resistido el paso del tiempo y que continúa inspirando a nuevas generaciones de músicos y oyentes.