1906.- Army Dreamers - Kate Bush

Army Dreamers

     Army Dreamers vio la luz en septiembre de 1980, y lo hizo discretamente. Quizás estemos ante una de las discretas joyas del álbum Never for Ever, el tercer álbum de estudio de Kate Bush. Este disco supuso un punto de inflexión en su carrera. Tras el éxito de The Kick Inside y Lionheart, Bush buscaba emanciparse creativamente, tomar las riendas de su sonido y de su proceso artístico. Este fue el primer disco en el que figuró como productora, unto a Jon Kelly, y también el primero en la historia del Reino Unido en alcanzar el número uno con una mujer firmando la producción. Un logro simbólico que acompañaba una transición sonora. La incorporación de nuevas tecnologías como el Fairlight CMI (primer sampler y sintetizador digital de polifónico de la historia) se entremezclaron con piezas más orgánicas, entre ellas esta canción, una de las más desnudas y emotivas del álbum.

Grabada entre 1979 y 1980, Army Dreamers nació en un periodo de intensa actividad para Bush, que alternaba promoción, giras y largas sesiones de estudio. A diferencia de otras composiciones del disco, más densas en capas vocales y sintetizadores, aquí optó por una arquitectura minimalista, con un tempo lento, unas cuerdas suaves, una percusión discreta y una voz íntima y contenida. Bush consiguió un equilibrio perfecto entre la calculada delicadeza de la canción  y la crudeza del mensaje. Bush se pone en la piel de una madre que llora la muerte de su hijo, un joven soldado que se alistó buscando oportunidades que la vida civil le negó. La melodía, que por momentos parece una canción de cuna, remarca la ironía trágica: una música tierna que envuelve un mensaje devastador. La letra evita la épica militar y la crudeza, deteniéndose en pequeños detalles cotidianos, en decisiones aparentemente insignificantes que podrían haber cambiado el destino del muchacho. Estamos ante un retrato íntimo de la culpa, la impotencia y la inutilidad de la guerra.

Bush se inspiró en historias reales de jóvenes británicos que, en plena recesión económica, veían en el ejército una salida laboral más que una vocación. La canción no señala al soldado, sino al sistema que lo empuja hacia un futuro sin retorno. Toda una protesta silenciosa. El tema alcanzó el número 16 en las listas británicas y se consolidó como uno de los sencillos más recordados de la primera etapa de Bush. Con el tiempo, ha sido reivindicado como una de las canciones antibélicas más sutiles del pop británico. En 2001, la BBC retiró temporalmente la canción de su programación durante la Guerra de Afganistán, un gesto que reavivó el debate sobre su mensaje y confirmó la vigencia de su crítica décadas después de su publicación. Se hizo un videoclip de la canción, dirigido por la propia Bush, donde alterna imágenes de entrenamiento militar con escenas domésticas, en un montaje donde la artista interpreta tanto al soldado como a la madre. Bush explicó que quería mostrar cómo la guerra “se cuela en los hogares”, incluso cuando parece lejana. El videoclip fue considerado atrevido para la época por su crítico tono crítico y su inquietante estética.

1905.- Babooshka - Kate Bush

Babooshka es el mayor éxito de Kate Bush en el Reino Unido desde “Wuthering Heights”, pasarán otros cinco años hasta que Bush supere su posición más alta en el puesto número 5 de las listas británicas con “Running Up That Hill”. La popularidad de “Babooshka” en Europa y Australia es significativa, ya que alcanza el Top 10 y el Top 20 en Francia, Italia e Israel, por nombrar solo algunos. Su lista de actuaciones en televisión no tiene parangón con casi ninguna otra canción de Kate Bush. Bush no fue exactamente una estrella fugaz: había mantenido su presencia en los primeros puestos de las listas después de “Wuthering Heights”. Pero esta canción demostró al público que podía trabajar en otros estilos además de la exuberancia precoz de “Wuthering Heights”. En parte, el éxito de «Babooshka» se explica por su afinidad conceptual con «Wuthering Heights». Al igual que el primer sencillo de Bush, «Babooshka» es una obra de ensoñación literaria que narra la disfunción de una relación a través de imágenes derivadas de una obra preexistente (en el caso de Babooshka, la canción folclórica «Sovay»). Ambas canciones presentan protagonistas femeninas celosas cuyas patologías conducen a una ruptura dramática en sus relaciones amorosas. Sin embargo, aunque las dos canciones comparten esencia, difieren significativamente en su composición y realización. «Wuthering Heights» es mucho más pop que «Babooshka». Es una canción profundamente extraña, pero sigue siendo una balada poderosa por excelencia que termina con un solo de guitarra. La instrumentación de «Babooshka» combina un piano, un sintetizador Yamaha CS-80 y la balalaika de Paddy Bush. La canción tiene elementos pop, como su melodía con toques de jazz, pero "Babooshka" deja entrever su rareza desde el principio.

“Cumbres Borrascosas” fue un reencuentro de amantes. “Babooshka” narra el lento desarrollo de una relación disfuncional, que culmina en un glamuroso brote psicótico. El personaje que da título a la canción actúa como si Bush pretendiera escribir finalmente la obra cumbre de Brontë : una mujer mezquina y celosa arruina su relación con su pareja en un frenético ataque de posesividad. Su plan, por supuesto, es descabellado: Babooshka pone a prueba la lealtad de su marido engañándolo con “cartas perfumadas”, Babooshka usa estas cartas para concertar una conversación íntima entre su marido y su personalidad asumida: “igual que/su esposa/pero como era antes de que pasaran los años”. La canción no aclara si Babooshka es reconocida por su marido, limitándose a sugerir que él cede a sus caprichos (es un sumiso absoluto). El narcisismo autodestructivo de Babooshka destruye su relación, creando un ciclo vicioso en el que el miedo al fin de la relación la termina por sí mismo. Los detalles de la ruptura emocional entre la pareja se expresan vagamente. "Babooshka" se basa en el deseo de su protagonista de "poner a prueba a su marido" y solo proporciona detalles ocasionales sobre la relación de la pareja. Cuando el marido lee las cartas falsas, observa que ella se parece a su esposa "antes de las lágrimas/y a cómo era antes de que pasaran los años". Evidentemente, su matrimonio fue feliz en algún momento, antes de que algún cataclismo lo rompiera y los condenara a una unión sin alegría. Antes de que Babooshka se entregara a la sospecha y los celos, tenía la "capacidad de darle todo lo que necesita" Su plan para reconquistarlo es una expresión del deseo de volver a la alegría de sus primeros años de matrimonio, un acto de nostalgia inútil. La fantasía que ella representa no es simplemente tóxica; es regresiva y lamentable.

1711.- Wow - Kate Bush

«Wow» es una canción escrita por Kate Bush. Se lanzó originalmente en su segundo álbum, Lionheart, y se publicó como segundo sencillo el 9 de marzo de 1979. Según Kate, la canción trataba sobre el negocio de la música y el mundo del espectáculo en general. Existen dos versiones de la grabación de estudio de «Wow»: la del álbum y la del sencillo. Esta última es una versión editada de «Wow», aunque no aparece como tal en la mayoría de las ediciones. En todos los sencillos europeos de «Wow», se han eliminado los primeros 12 segundos de los acordes de sintetizador. Se grabó un video para el lanzamiento del sencillo, en el que Bush interpreta la canción en un estudio a oscuras, con el coro iluminado por focos. Cuando se lanzó una recopilación de videos en 1986 para el álbum recopilatorio The Whole Story, se grabó un nuevo video de "Wow", con un montaje de Bush en vivo.

Estamos ante una pieza inquietante y suave con una letra perspicaz. Las estrofas aún suenan un poco confusas, pero mejoran con la interpretación. Puede ser el single mejor single desde Wuthering Heights a pesar de su producción autocomplaciente y exuberante. En declaraciones a distintos medios destaco lo que disfrutó  grabandola, y de la sastisfaccion con su interpretación vocal. Es el paradigma del entusiasmo a veces descabellado y adolescente de Bush, en la línea de " Violín ". Su coro de "¡wow, wow, wow, wow, wow, WOW! ¡Increíble!" suena como garabatos en la pared de un manicomio, reforzados por el canto de una dama que ha tomado demasiado MDMA. Es casi como si Bush pidiera que se burlaran de ella, con su juego de inocencia con los ojos abiertos ante las maravillas del mundo del espectáculo. Sin embargo, Bush está claramente guiñando el ojo al público, como lo deja claro su actuación demasiado conocedora en el video musical de la canción. En esta era, Bush tiene la costumbre en los videos de mirar directamente a la cámara como si esperara romper el lente con el poder puro de su mirada (más tarde suplanta esta estrategia mirando más allá de la cámara con anhelo). Por muy memorables que sean sus primeros videos, gran parte de su longevidad proviene de la mímica boba de Bush. Quizás por eso el video de "Wow" tiene tanta fama, con Bush agitando los brazos en círculos mientras grita "¡wow!" repetidamente como una loca. La canción es pura locura, como si Nina Hagen se hubiera desatado en el Hammersmith Odeon. «Wow» es una canción sobre la industria musical, no solo el rock, sino el mundo del espectáculo en general, incluyendo la actuación y el teatro algo, que nadie más que su autora sepa con certeza, parece tratar sobre actores en apuros y las decepciones de la fama. En el video, sus versos más famosos —"Él nunca hará la escena/ Él nunca hará el Sweeney/ Ser esa reina del cine/ Está demasiado ocupado golpeando la vaselina"— se expresaban a través de su estilo de baile, imitando la letra con mimos, tan parodiado. La palabra "Sweeney" iba acompañada de ella disparando un arma y "golpeando la vaselina" dándose un golpecito en el trasero. Se invitaba a los espectadores a sacar sus propias conclusiones. Bush tiene un talento tan singular que se ha vuelto demasiado fácil descartarla como una figura excéntrica y periférica. Fue alrededor de la época del lanzamiento de Wow que comenzaron las parodias, la más famosa de Pamela Stephenson en Not the Nine O'Clock News. Pero esos recuerdos no harían justicia a sus logros al forjarse una carrera de completa independencia e integridad artística tras comenzar su adolescencia en un mundo dominado por hombres, bajo la tutela de miembros de la élite del rock progresivo inglés. Su influencia en tantas compositoras (y compositores), músicas e intérpretes desde entonces ha sido enorme, incluso si ellos mismos no lo saben.

1690 - Hammer Horror - Kate Bush

En 1978, Kate Bush acababa de sacudir la escena musical con su debut The Kick Inside. Pero en lugar de ir por lo seguro, decidió dar un giro más oscuro y teatral con Lionheart, su segundo álbum. De ese disco salió “Hammer Horror”, un sencillo que, aunque no llegó a ser un gran éxito en listas, se convirtió en una de las piezas más curiosas y cinematográficas de su carrera.

El título ya es toda una declaración: hace referencia a la mítica productora británica Hammer Films, responsable de películas de terror góticas protagonizadas por figuras como Christopher Lee o Peter Cushing. Aquellos filmes, con sus atmósferas sombrías, castillos embrujados y dramatismo exagerado, sirvieron como telón de fondo para que Kate Bush creara su propia historia de miedo… con un toque muy personal.

La canción cuenta la experiencia de un actor que debe sustituir a su amigo en el papel principal de una obra de terror. El problema: su amigo ha muerto recientemente, y parece que su espíritu no está nada contento con que alguien ocupe su lugar. La narración, más que un simple relato de fantasmas, explora sentimientos de culpa, miedo y obsesión.

Musicalmente, “Hammer Horror” es puro teatro en formato pop. La producción mezcla sintetizadores, guitarras y una base rítmica sólida con arreglos orquestales que recuerdan a las bandas sonoras de las películas de terror clásicas. El resultado es un sonido elegante pero inquietante, como si estuviéramos escuchando la escena final de un filme donde algo terrible está por ocurrir.

Y si hablamos de dramatismo, no podemos pasar por alto la interpretación vocal de Kate Bush. Cambia de tono con una facilidad impresionante: un momento canta con dulzura, al siguiente su voz se eleva como un grito contenido. Es como si interpretara cada línea con la intensidad de una actriz en pleno escenario, reforzando la sensación de estar ante una historia viva.

Cuando salió, “Hammer Horror” no alcanzó el impacto comercial de sus primeros sencillos. Sin embargo, con el tiempo ha ganado un lugar especial entre los seguidores de Kate Bush. Es una de esas canciones que no se escuchan de fondo: exige atención, invita a imaginar la historia que cuenta y nos transporta directamente a un escenario iluminado por luces dramáticas, donde la música y el cine se dan la mano.

“Hammer Horror” es un recordatorio de que Kate Bush nunca fue una artista que siguiera las reglas del pop. Desde el inicio de su carrera, apostó por la originalidad, mezclando música, teatro y narrativa visual para crear mundos propios. Quizá no fue su mayor éxito, pero sin duda es una de sus obras más fascinantes para quienes aman las canciones que parecen pequeñas películas.

Daniel 

Instagram storyboy 

1597.- Wuthering Heights - Kate Bush

Enero de 1978 vio el lanzamiento de uno de los sencillos más inusuales en llegar a las listas británicas. El primero de muchos "primeros", su debut, Wuthering Heights, convirtió a Kate Bush, de diecinueve años, en la primera mujer en alcanzar el número uno con una canción de su autoría. Desbancó del primer puesto a "Take A Chance On Me" de Abba y mantuvo en el segundo puesto el primer éxito europeo de Blondie, "Denis". Y es que estamos ante una canción que desafía cualquier clasificación, lo que sin duda explica la reacción inicial mixta de los periodistas musicales, muchos de los cuales la consideraron una estrella de un solo éxito. El posterior lanzamiento del álbum de Kate, "The Kick Inside", demostró que estaban equivocados y demostró su talento prodigioso, con varios temas escritos en su adolescencia. Kate tuvo que esforzarse mucho para que Wuthering Heights fuera su primer sencillo. Los ejecutivos de EMI querían que otra canción del álbum, James and the Cold Gun, fuera la primera. La biografía de Kate escrita por Rob Jovanovic en 2005 cuenta cómo se sentó entre lágrimas en una oficina de EMI, insistiendo en que Wuthering Heights fuera el primer tema. El ejecutivo en cuestión, Bob Mercer, le dijo: «Francamente, no creo que haya ningún éxito en el álbum, así que la publicaré, chocarás contra la realidad y entonces entenderás de qué hablo. Afortunadamente, Kate ganó la discusión ya que la canción fue un éxito internacional, alcanzando el número uno en varios países europeos, así como en Australia y Nueva Zelanda, aunque tuvo poca aceptación en Estados Unidos, donde Kate solo ha tenido un éxito moderado.

Inspirada en la novela clásica de Emily Brontë del mismo nombre, Cumbres Borrascosas, la canción gira en torno a una escena inicial espeluznante, el Sr. Lockwood cruza los páramos de Yorkshire para visitar la casa de su casero, un hombre irascible llamado Heathcliff, que vive en una mansión aislada llamada Cumbres Borrascosas. Una vez allí, queda atrapado por una ventisca y se ve obligado a pasar la noche allí. El ama de llaves lo lleva a una habitación apartada donde ve tres nombres grabados en una repisa: Catherine Earnshaw, Catherine Linton y Catherine Heathcliff. Encuentra un viejo diario de Catherine y lee un poco antes de quedarse dormido. Durante una noche intranquila llena de pesadillas, oye repetidos golpes en la ventana y, medio dormido, rompe un cristal intentando arrancar la rama del árbol que cree que está allí. En cambio, unas manos heladas agarran las suyas y una voz sollozante suplica que lo dejen entrar. Lockwood intenta zafarse de la mano, obligado a frotar su muñeca contra el cristal roto, mientras las sábanas se cubren de sangre. Grita aterrorizado hasta que Heathcliff entra corriendo en la habitación. En lugar de creer que era una pesadilla, Heathcliff corre hacia la ventana y llama a gritos a Cathy. Ésta, entonces, es la base de la letra, cantada desde el punto de vista del fantasma de Cathy; el espíritu de una mujer obligada a vagar por los páramos hasta que pueda reunirse con el alma de su amante terrenal.

La melodía comienza con un piano tintineante y celeste, que evoca una noche gélida. La impactante voz de Kate, casi operística, da la voz: «En los páramos ventosos y sinuosos…». La inquietante voz de Kate encaja a la perfección con una canción tan singular y es probablemente lo más memorable de esta canción al escucharla por primera vez. Dos estrofas mantienen el ritmo antes de que la música descienda hacia el estribillo. Se utilizan citas directas de la novela: «¡Déjame entrar! ¡Tengo tanto frío!». Intensa, romántica y apasionada, es un brillante intento de condensar la esencia de la novela de las Brontë en cuatro minutos y medio de música. La pieza alcanza un punto álgido casi histérico, tanto musical como líricamente, con gritos de: "¡Oh! ¡Déjame tenerlo! ¡Déjame arrebatarte el alma!", antes de que se repita el estribillo y un imponente solo de guitarra tome el relevo. Este solo se suele atribuir erróneamente a Dave Gilmour de Pink Floyd (quien trajo a Kate a EMI), pero en realidad lo interpreta Ian Bairnson (Pilot/The Alan Parsons Project). La guitarra se impone considerablemente sobre el resto del fundido instrumental. Kate tocó un piano de cola Bosendorfer en la grabación y hay una gran sección de cuerdas, además de un uso extensivo de sintetizadores y percusión orquestal. Kate también trata su voz como un instrumento musical. El panorama post-punk de finales de los setenta fue quizás el momento perfecto para que apareciera esta canción; las cantantes habían tenido más espacio que nunca para experimentar vocalmente, y quizás gracias al punk rock el enfoque experimental y excéntrico de Kate fue más aceptable que en años anteriores.

1590 - Kate Bush - The Man with the Child in His Eyes

1590 - Kate Bush - The Man with the Child in His Eyes

The Man with the Child in His Eyes es una de las canciones más emblemáticas de la carrera temprana de Kate Bush, lanzada en 1978 como parte de su aclamado álbum debut The Kick Inside. Con solo 19 años, Bush demostró una madurez artística sorprendente, combinando una sensibilidad lírica poética con una composición musical delicada y emotiva. La canción no solo consolidó su reputación como una artista única, sino que también reveló su capacidad para transmitir emociones complejas a través de su voz y melodías.  

Musicalmente, la canción es minimalista pero profundamente evocadora. El piano, ejecutado por la propia Kate Bush, es el elemento central, creando una atmósfera íntima y soñadora. Los arreglos de cuerdas, añadidos con elegancia, complementan la melodía sin abrumarla, permitiendo que la voz de Kate domine el espacio sonoro. La producción, a cargo de Andrew Powell, es sutil pero efectiva, enfatizando el tono nostálgico y misterioso de la pieza.  

La letra de The Man with the Child in His Eyes es ambigua pero profundamente sugerente. Kate Bush canta sobre un hombre que conserva la inocencia y la curiosidad de un niño, alguien que existe en un espacio entre lo real y lo imaginario. Algunos interpretan la canción como una reflexión sobre la dualidad en las relaciones, donde un hombre maduro exteriormente guarda una vulnerabilidad infantil. Otros ven en ella un guiño a un amor idealizado o incluso a una figura paternal.  

Versos como "He's here, he's here" y "I hear him in my mind" sugieren que este hombre podría ser una proyección mental, un sueño o un recuerdo. La ambigüedad es una de las grandes virtudes de la canción, permitiendo múltiples lecturas y conectando con el oyente en un nivel personal.  

La interpretación vocal de Kate Bush es magistral. Su voz, etérea y expresiva, fluctúa entre susurros delicados y notas más potentes, transmitiendo una mezcla de ternura y melancolía. Hay una cualidad casi teatral en su entrega, como si estuviera contando un secreto íntimo al oyente.  

Aunque The Man with the Child in His Eyes no fue tan comercialmente exitosa como Wuthering Heights, su impacto artístico es innegable. La canción mostró el lado más introspectivo de Kate Bush, alejándose del dramatismo gótico de su primer éxito para explorar una sensibilidad más íntima. Además, su éxito en el Reino Unido (llegó al puesto #6 en las listas) confirmó que Kate Bush no era un fenómeno pasajero, sino una artista con una visión única.  

Más de cuatro décadas después de su lanzamiento, The Man with the Child in His Eyes sigue siendo una joya en el catálogo de Kate Bush. Su belleza radica en su simplicidad y en la profundidad emocional que logra transmitir en poco más de dos minutos. Es una canción que invita a la reflexión, a la nostalgia y, sobre todo, a apreciar el genio de una de las artistas más originales de la música popular.  

Para quienes buscan descubrir la esencia de Kate Bush, esta canción es un punto de partida perfecto: un viaje a través de la inocencia, los sueños y la eterna búsqueda de lo inefable en el amor y la memoria.

Daniel 

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