viernes, 2 de septiembre de 2022
0610.- Soul Sacrifice - Santana
jueves, 1 de septiembre de 2022
0609 - Evil Ways - Santana
domingo, 28 de agosto de 2022
0605.- Jingo - Santana
Jingo, Santana |
La banda estadounidense Santana, formada por Carlos Santana (guitarra y voz), Dave Brown (bajo), Mike carabello (congas y percusión), Mike Shrieve (batería), Gregg Rolie (piano, órgano y voz) y José Chepito Areas (timbales, conga y percusión), publica el primer álbum, llamado Santana, un disco que contiene la mezcla y fusión de música latina, rock e incluso africana, que está grabado a modo de jam session. Un disco indispensable que contiene temas como el legendario Soul Sacriface, Evil Ways o Persuasion. El disco fue grabado durante el mes de mayo de 1969 en los Pacific Recording estudios de San Mateo, California, bajo la producción de Brent Dangerfield y del mismo grupo, y publicado el 30 de agosto de 1969 bajo la discográfica columbia records. El disco pasó algo más de dos años, concretamente 108 semanas, en la lista Billboard pop Album Chart de Estados Unidos, llegando a alcanzar el puesto número 4 en ese país y el número 26 en las listas de ventas de Reino Unido.
Incluido en este álbum también se encuentra Jingo. Este tema es una versión del famoso tema Jin-Go-La-Ba del famoso baterista nigeriano Babatunde Olatunji, que emigró a Estados Unidos en 1950 y se hizo hueco en el difícil circuito de Jazz americano con su estilo con mezclas y raices de música africana. Jin-Go-La-Ba fue grabado por Babatunde en 1959 e incluido en su disco Drums of Passion. Santana utilizó dos percusionistas y un batería para grabar Jingo. Partiendo de la batería de Mike Shrieve, quien procuró mantener lo más fielmente posible los patrones originales del tema Jin-Go-La-Ba en la batería, Carlos Santana le añadió dos percusionistas como base de esta maravillosa versión, rodeándo el tema con ritmos latinos y luego añadió su inconfundible guitarra. El resultado fue sencillamente espectacular. Jingo permaneció ocho semanas en las listas de ventas de Estados Unidos, llegando a alcanzar el puesto 56 en dicha lista.
Se da la circunstacia de que la banda de Santana recibió una invitación para tocar dos semanas antes de la publicación de este álbum en el mítico Festival de Woodstock, celebrado en agosto de 1969. Dicha invitación la consiguieron gracias en parte a Bill Graham, el cuál era un apasionado de la música latina, y Santana le había tocado la fibra, le encantaban, por lo que les consiguió una invitación para tocar allí. La actuación de Santana en aquel festival fue memorable, para la historia quedan ya sus míticas interpretaciones de temas como Soul Sacriface o Jingo, temas que tocaron antes de que se publicara el disco y que consiguieron un enorme éxito entre el público asistente a Woodstock, lo que ayudó a que una vez publicado su disco debut vendieran más de dos millones de copias.
sábado, 27 de agosto de 2022
0604.- Waiting – Santana
"Los años 1960
fueron un salto en la conciencia humana. Mahatma Gandhi, Malcolm X, Martin
Luther King, el Che Guevara y la Madre Teresa lideraron una revolución de la
conciencia. The Beatles, The Doors y Jimi Hendrix crearon temas de revolución y
evolución. La música era como Dalí, con muchos colores y formas
revolucionarias. La juventud de hoy debe ir allí para encontrarse a sí
misma".
Permitirme salirme un poco de la tónica y abrir el artículo
de esta canción con esa frase, me encanta, es muy visionaria y a la vez expresa
una realidad que estaba ocurriendo, con esta frase damos la entrada a uno de
los grandes guitarristas de la historia, llega el momento de repasar el primer
álbum de Santana. Hablar de Santana es hablar del guitarrista/fundador/líder
Carlos Santana, si bien esto puede sonar redundante, para comprender
verdaderamente la música de Santana, es necesario comprender al hombre, Santana
es el músico mexicano-estadounidense más relevante de las últimas 4 décadas, al
tener raíces mexicanas tenía una fuerte sensibilidad hacia la música latina en
general y estaba particularmente interesado en la música salsa, el jazz latino
y varios géneros cubanos como el guaguancó, la guaracha y similares, estas
influencias estarían se mezclarían con una afición igual por el jazz
estadounidense y el blues, pero es que además a Santana también le gustaba la
música rock, por lo que bandas como The Beatles, The Rolling Stones, Cream, The
Jimi Hendrix Experience y muchas otras tendrían un gran impacto en él. A
sugerencia de su entonces manager, Bill Graham, Santana acogió la idea bajo la
cual ha estado presente por más de medio siglo. Matices de música latina, jazz,
rock y un poco de psicodelia siguen sonando frescos en el lienzo de esta
leyenda que ha sabido además conjugar su vocabulario que aquellos de más
reciente data, manteniendo así una fanaticada leal pero al mismo tiempo ganando
nuevas audiencias.
El primer álbum de Santana abre con el instrumental
“Waiting” que inicia con las congas, batería y órgano de Michael Carabello,
Michael Shrieve y Greg Rollie, respectivamente, y la repetitiva y sólida línea
de bajo de David Brown. Carlos da suficiente espacio a todos los instrumentos para
tan solo descargar hacia final del tema con una sencilla línea melódica y
cerrar con el tema inicial. Es una de las muchas pistas instrumentales del
álbum, y normalmente no me gustan los instrumentales, pero Santana los saca
adelante con gran éxito, ya que la canción está llena de sabor con cada pequeño
estilo o ritmo, y lo muestra excepcionalmente bien. Waiting no es ni la mitad
de alucinante que "Soul Sacrifice", pero la interacción de la banda
es jodidamente emocionante parece que los integrantes casi se comunicaban entre
sí en algún nivel paranormal, sin perder ni una vez el flujo de la canción y sin
perder nunca de vista el ritmo natural, dando a cada músico la oportunidad de
brillar. El clímax de la canción, cuando las notas estiradas de Carlos se
reincorporan a la percusión y Shrieve cambia a ese ritmo galopante, es oro
puro.
martes, 9 de agosto de 2022
0586.- Honky Tonk Woman - The Rolling Stones
sábado, 4 de junio de 2022
0520.- Stray Cat Blues - The Rolling Stones
Stray Cat Blues, The Rolling Stones |
Beggars Banquet supuso el séptimo álbum de estudio en el Reino unido y el noveno en Estados Unidos de la banda británica The Rolling Stones. El álbum fue grabado entre marzo y julio de 1968 entre los Olympic Studios de Londres y los Sunset Sound de Los Ángeles, y publicado el 6 de diciembre de 1968 por el sello discográfico Decca Records para el Reino Unido y por el sello London Records para Estados Unidos. Este álbum es considerado como el primero de los cuatro álbumes considerados como la cima de la obra de los Stones, y al que seguirían Let It Bled (1969), Sticky Fingers (1971) y Exile On Main St. (1972). Este disco cuenta con una base de rhythm & blues con la que la banda regresaba a un sonido más basado en sus raíces, abandonando sus experiencias con los sonidos psicodélicos de sus anteriores trabajos.
Incluido en este álbum se encuentra la canción Stray Cat Blues, escrita por Mick Jagger y Keith Richards, y producida por Jimmy Miller. La canción es muy representativa del estilo característico de la banda británica, y cuenta con Brian Jones tocando el mellotron, Keith Richards tocando todas las guitarras, Mick Jagger a las voces, Bill Wyman al bajo, Charlie Watts a la batería, y con la colaboración al piano de Nicky Hopkins y de Rocky Dijon tocando las congas. La canción se inspiró y uso el sonido de Heroin de The Velvet Underground, por lo que las introducciones de ambos temas son similares. En cuanto a la letra, la canción trata sobre sexo con menores y es contada desde la perspectiva de un hombre que desea tener relaciones sexuales con una groupie de 15 años de edad, argumentando que "it's no hanging matter, it's no capital crime" / "no es cuestión para colgarse, no es un crimen capital". En la gira del grupo por Estados Unidos de 1969 y posteriores Mick Jagger quiso llegar más allá y poner al limite la opinión pública al cantar la canción y redujo la edad de la joven a los 13 años de edad.
viernes, 3 de junio de 2022
0519.- Street fighting man - The Rolling Stones
jueves, 2 de junio de 2022
0518.- No expectations - The Rolling Stones
Cuando el fundador de The Rolling
Stones, Brian Jones, murió en 1969, esta canción adquirió un nuevo significado,
ya que letras como "Nuestro amor es como nuestra música, está aquí y luego
se ha ido" la convirtió en una elegía adecuada. La guitarra slide de Jones
en la canción fue una de sus últimas contribuciones significativas al grupo,
después de años de adicción a las drogas y peleas con la banda, fue despedido
del grupo en junio de 1969 y murió menos de un mes después. Mick Jagger
explicó: "Aquí esta Brian tocando la guitarra, estábamos sentados en
círculo en el suelo, cantando y tocando, grabando con micrófonos abiertos, es
la última vez que recuerdo que Brian estaba totalmente involucrado en algo que
realmente valía la pena". Él estaba allí con todos los demás. Es gracioso
cómo lo recuerdas, pero ese fue el último momento en el que lo recuerdo
haciendo eso, porque había perdido el interés en todo".
"No Expectations" es la
canción por excelencia sobre la soledad y la desesperación... es nebulosa,
etérea, está aquí y luego se va, y siempre se adaptó a la esencia de mi mente
nublada. Cuando no sé qué hacer, o no estoy seguro de cómo me siento, y lucho
con quién debería ser, esta es la canción que siempre busco. “No Expectations”
es adictiva, no ofrece soluciones, se trata de amnesia y olvido, la canción me
traslada a la sombra de los árboles en largas caminatas, y desde ese lado de mi
mente donde he envuelto mis recuerdos con cintas de color azul profundo que
nunca desataré. Siento las lágrimas brotar cuando escucho los dedos frágiles y
fantasmales de Brian Jones deslizarse con tierna gracia, como si casi supiera
que este número sería su canto del cisne, mi mandíbula se aprieta mientras
Nicky Hopkins trina apasionadamente en el piano, casi flotando sobre las
teclas, como si estuviera esperando que la canción se calmara para poder
quedarse dormido... que es más o menos lo que siento. Jagger prolonga su fraseo al más puro estilo
barbitúrico, donde el cuerpo se vuelve deliciosamente pesado, el espíritu más
liviano que el aire, las sonrisas son verdaderas y los ojos medio cerrados
deambulan por la habitación en busca del objeto adecuado para abrazar y
detenerse, antes de que el sueño amorfo consuma todo. Disfrutemos de una de
esas canciones que son tan efectivas, una canción en la que la mayoría de la
gente no piensa cuando alguien menciona a los Rolling Stones... pero yo sí,
porque esta canción ha estado sonando en mi mente desde que la escuche, que fue
días antes de darle el ultimo adiós a mi padre, y tras ese adiós, entendí que
aunque la canción es tremenda el mensaje de que no hay expectivas no es real,
siempre tenemos que seguir para encontrar algo.
miércoles, 1 de junio de 2022
0517 - Sympathy for the Devil - The Rolling Stones
sábado, 21 de mayo de 2022
0506.- Voodoo Chile - Jimi Hendrix
Voodoo Chile, Jimi Hendrix |
El 25 de octubre de 1968 se publica el tercer y último álbum de The Jimi Hendrix Experience, titulado Electric Ladyland. Sería el último trabajo donde Jimi hendrix colaboraría con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. Concebido como álbum doble, es grabado entre los Olympic Studios de Londres y los Record Plant de Nueva York entre julio y diciembre de 1967, enero de 1968, y abril y agosto de 1968, bajo la producción del mismo Jimi hendrix, y publicado el 25 de octubre de 1968 por el sello discográfico Reprise Records y para Europa por Polydor Records.
La grabación del álbum no estuvo exenta de problemas. Después de una complicada gira por Escandinavia e Inglaterra, Hendrix decidió regresar a Estados Unidos. Frustrado por las limitaciones de las grabciones comerciales, decidió crear un moderno estudio de grabación en Nueva York en el que no tuviera ninguna limitación a la hora de expandir su particular visión musical. La construcción de este estudio, llamado Electric Lady, tuvo numerosos problemas y no fue terminado hasta mediados de 1970, por lo que Hendrix acabó grabando gran parte de Electric Ladyland en The Record Plant estudios. Los disciplinados hábitos de trabajo de Hendrix se habían vuelto erráticos, a los que se sumaban unas sesiones interminables y que los estudios solían estar llenos de gente sin nada que hacer más que adular al genial guitarrista. Todo esto hace que Chas Chandler renuncie como mánager de Jimi Hendrix en mayo de 1968.
Incluido en este álbum se encuentra el mítico Voodoo Chile, considerada como una jam de estudio, escrita por Jimi Hendrix, y cuya duración, con casi 15 minutos, hace que sea la más larga grabada en estudio por el guitarrista. La canción está basada en el tema de blues Rollin' Stone de Muddy Waters, pero con letra y música originales. El tema se grabó en los Record Plant estudios de Nueva York, después de una jam sesión nocturna en la que participaron además de Hendrix, Mitch Mitchell a la batería, Steve Winwood al órgano y Jack Casady al bajo.
Voodoo Chile puede parecer una simple jam improvisada, nada más lejos de la realidad, y sobre esto Jack Casady comentaba: "No era tan simple, había una estructura completa en la canción, por lo que era una canción extendida en la que podías improvisar. Tomamos instrucciones a través del lenguaje de la interpretación. Jimi pudo experimentar con su habilidad y con efectos para crear una atmósfera. Voodoo Chile tiene un sonido espeluznante que te coloca en un mundo diferente". Voodoo Chile se convirtió en la base de Voodoo Child (Slight Return), tema de unos 3 minutos de duración que fue grabado por el trío The Jimi Hendrix Experience, el cual también aparece en Electric Ladyland, y que a la postre se convertiría en una de las canciones más conocidas de Hendrix.
viernes, 20 de mayo de 2022
0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix
martes, 10 de mayo de 2022
0495 - Piece of My Heart - Janis Joplin
0495 - Piece of My Heart - Janis Joplin
Piece of My Heart es una canción romántica de amor funk/soul escrita por Jerry Ragovoy y Bert Berns, grabada originalmente por Erma Franklin en 1967.Pero la canción recibió mayor atención cuando Big Brother and the Holding Company junto a Janis Joplin como voz principal de la banda, versionaron la canción en 1968 y obtuvo un éxito mucho mayor que la versión original de la canción.
En 2004, Big Brother and the Holding Company ocupó el puesto 353 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. La canción también está incluida entre las 500 canciones que dieron forma al rock and roll del Salón de la Fama del Rock and Roll.
La canción se convirtió en un éxito pop mayor cuando fue grabada por Big Brother and the Holding Company en 1968 con la cantante principal Janis Joplin. La canción se extrajo del álbum Cheap Thrills del grupo, grabado en 1968 y publicado por Columbia Records.
Daniel
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lunes, 9 de mayo de 2022
0494.- Summertime - Janis Joplin
domingo, 8 de mayo de 2022
0493.- Ball And Chain -Big Brother & The Holding Company
Ball and Chain |
En 1966 Janis Joplin decide entonces mudarse a San Francisco con Chet Helms. Chet era el productor de una banda llamada Big Brother & The Holding Company, y le invita a unirse a la banda, quedando esta conformada por Peter Albin (bajo), Sam Andrew (guitarra, voces), James Gurley (guitarra), David Getz (piano, batería) y la propia Janis (vocalista). Con la Big Brother Janis graba en diciembre de 1966 el primer álbum de la banda y empieza a actuar junto con otros grupos psicodélicos como Jefferson Airplane, The Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service en los famosos locales Avalon Ballroom, Filmore East y Filmore West, y en festivales al aire libre como el Golden Gate Park ó en Hight-Ashbury. En junio de 1967 Janis y la Big Brother actúan en el famoso Fetival de Monterey, compartiendo cartel con artistas de la talla de Jimi Hendrix, The who y Jefferson Airplane entre otros. Sería allí, en aquel festival donde Janis deja a toda la audiencia asombrada con la versión que se marca del tema de Big Mama Thornton Ball And Chain. Producto del éxito de la banda en Monterey deciden publicar aquel primer álbum de la banda grabado en 1966, viendo éste la luz en septiembre de 1967. Han llamado la atención de mucha gente, y uno de ellos es Albert Grossman, productor por entonces de Bob Dylan quien los contrata, además la banda consigue un contrato con la discográfica Columbia Records.
En agosto de 1968 la banda estadounidense Big Brother and the Holding Company, con Janis Joplin como vocalista y miembro de la banda, publica Cheap Thrills. Este sería el último disco del grupo donde Janis participaría. El disco, bajo la producción de John Simon, es publicado por el sello discográfico Columbia Records, llegando a alcanzar un modesto puesto número 60 en las listas de ventas de Estados Unidos. Incluido en este disco se encuentra el referido Ball And Chain, con el que Janis había encandilado a la audiencia un par de años antes. El tema fue Compuesto por la gran cantante de blues y rhythm & blues Big Mama Thornton, una de las grandes influencias Janis. La cantante se encarga de elevar esta versión a cotas increíbles, no en vano se convirtió en uno de sus temas más emblemáticos. En cuanto a la temática de la canción, la imagen de la bola (ball) y la cadena (chain) suele estar asociada a los prisioneros, a los que se les solía poner una bola pesada atada a una cadena al tobillo para evitar que escaparan. Big Mama Thorton también relacionaba y hacía alusión en la canción a esta imagen con la de su pareja, la cual le estaba deprimiendo.
viernes, 6 de mayo de 2022
0491 - White Room - Cream
jueves, 5 de mayo de 2022
0490.- Crossroads - Cream
Crossroads, Cream |
En 1936 el mítico bluesman Robert Johnson escribió y grabó Crossroads, también conocido como Cross road Blues. Robert interpretó la pieza sólo y únicamente acompañado de su guitarra acústica tocada con slide. Durante los años se han realizado multitud de versiones de éste clásico, y una de las que más se recuerdan es quizás la realizada por el power trío británico Cream, compuesto por Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton.
A principios de 1966, y cuando todavía se encontraba con los John Mayall & the Bluesbreakers, Eric Clapton adaptó la canción para una sesión de grabación con un grupo de estudio que había conformado llamado Eric Clapton and the Powerhouse. Este proyecto estaba conformado por Steve Winwoood (voz), Jack Bruce (bajo), Paul Jones (armónica), Ben Palmer (piano), Pete York (batería) y Eric Clapton (batería). Este grupo grabó algunas canciones, concretamente cuatro, y una de ellas permaneció inédita y no se llegó a grabar. Los temas grabados fueron Corssroads (Robert Johnson), Steppin' Out (Magic Slim) y I Want to Know (S. Mcleod). El tema llamado Slow Blues es el que permanece inédito hasta la fecha. Estos tres temas fueron lanzados por el sello discográfico Elektra Records en un recopilatorio llamado What's Shakin', en junio de 1966, junto con canciones de lovin' Spoonful, Al Kooper, Tom Rush y Butterfield Blues Band. El productor de los temas, Joe Boyd, había estado revisando las posibles canciones para grabar junto a Clapton. Clapton quería grabar Crosscut Saw de Albert King, y Boyd quería adaptar un country blues más antiguo y propuso a Clapton grabar Crossroads de Robert Johnson, pero Clapton prefería Traveling Riverside Blues, también de Johnson. Para la grabación final de Crossroads, Clapton realizó un arreglo utilizando letras de ambas canciones con una adaptación de la línea de guitarra de Tavelling Riverside Blues.
Crossroads se convirtió en parte del repertorio de Cream cuando Clapton comenzó a actuar con Jack Bruce y Ginger Baker, ya bajo el nombre de Cream. La versión de Clapton presenta pesados riffs y sólos muy contundentes. Clapton tenía claro que la versión de Crossroads tenía que ser puramente rock, Johnson tocaba el tema con un riff muy definido y con el slide a todo volumen, y Clapton simplificó la línea de guitarra ajustándola a un ritmo más pesado y rockero, y también simplificó y estandarizó las líneas vocales de la canción La guitarra de Clapton y el bajo de Bruce con sus pesados riffs dan un sonido muy contundente al tema. Además de las letras de apertura y cierre de las letras de la grabación original de Robert Johnson de la canción original, agregó dos veces la misma sección de la canción Traveling Riverside Blues. El tema tiene una pausa instrumental, enfocada claramente a las improvisaciones que el grupo realizaría en sus presentaciones en vivo. La canción fue grabada e incluida en el álbum doble Wheels of Fire, publicado en agosto de 1968 por el sello discográfico Polydor Records en el Reino Unido y por el sello Atco Records en Estados Unidos. Atco Records publicó posteriormente el tema como sencillo en enero de 1969, alcanzando el puesto 28 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos.
jueves, 7 de abril de 2022
0462.- Shapes of Things - Jeff Beck
Shapes of Things, Jeff Beck |
En 1968 se produce el debut del guitarrista inglés Jeff Beck con Truth. Este álbum debut es publicado por el sello discográfico EMI, subsidiario de Columbia Records, en Reino Unido y por el sello Epic records en Estados Unidos. Después de dejar The Yardbirds, Jeff había publicado tres sencillos en solitario, y todos habían tenido una gran recepción en las listas de ventas del Reino Unido. Animado por este hecho, decide publicar su primer álbum de estudio, y para ello cuenta con Rod Stewart en la voz principal, Ronnie Wood al bajo, y Micky Waller a la batería.
El disco es grabado entre los estudios Abbey Road, Olympic y De Lane Lea, todos de Londres, entre el 14 y el 26 de mayo de 1968. Incluido en este álbum debut se encuentra el tema Shapes of Things, el cual no era nuevo, pues la canción ya había sido grabada por el mismo Jeff Beck junto con The Yardbirds. La canción había sido publicada en 1966 por el grupo, y presentaba un sonido oriental, un sólo de guitarra cargado de un efecto de ganancia llamado retroalimentación. y unas letras en pro del medioambiente y en contra de la guerra. De hecho este tema está considerado por muchos expertos en la materia como uno de los primeros temas de rock psicodélico. El tema fue escrito y compuesto por los componentes del grupo Jim McCarty, Keith Relf y Paul Samwell-Smith. Jeff Beck decidió grabarla de nuevo en su álbum debut en solitario, y para ello realizó nuevos arreglos. El tema con estos nuevos arreglos fue considerado como uno de los precursores del género heavy metal, y ha sido incluida en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" de "Las canciones que dieron forma al Rock and Roll".
martes, 29 de marzo de 2022
0453.- Jumpin' Jack Flash - The Rolling Stones
jueves, 3 de marzo de 2022
0427.- 2000 Light years From Home - The Rolling Stones
2000 Light Years From Home |
El 8 de diciembre de 1967 The Rolling Stones publican su sexto álbum de estudio, Their Satanic Majesties Request. El disco, grabado entre el 9 de febrero y el 23 e octubre de 1967, y contiene sonidos como acid rock, rock experimental y rock psicodélico. El álbum es producido por el mismo grupo y lanzado por la discográfica Decca Records en Reino Unido, London records en Estado Unidos y ABKCO Records. El título del disco alude al texto que aparece en el pasaporte británico: "Her Britannic Majestic request and requires..." / "su majestad británica, solicita y requiere...". Este sería el último trabajo del grupo donde Brian Jones participaría como integrante de la banda. Fue considerado como uno de los álbumes más controvertidos del grupo, provocando reacciones encontradas no sólo en la crítica y el público, también en el seno del mismo grupo. También fue criticado por considerar que era derivado de la obra contemporánea de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, lanzado a mediados de 1967. Los Stones, tras su lanzamiento, decidieron abandonar el estilo psicodélico y volvieron a sus raíces con el blues. Con el tiempo el disco fue ganando el reconocimiento de los entendidos y de la crítica.
Incluido en este sexto álbum de la banda se encuentra 2000 Light Years From Home, acreditado a Mick Jagger y keith Richards. El tema fue grabado en los Olympic Studios de Londres en julio de 1967 y publicado como sencillo, ocupando la cara B, el 23 de diciembre de 1967. Aunque el disco, tras su publicación, fue un relativo fracaso, esta canción conocida por su atmósfera espacial y por el uso del mellotrón (tocado por Brian Jones), tuvo una buena aceptación. Mick Jagger escribió este tema mientras se encontraba detenido en la cárcel de Brixton, Londres, por un cargo por tenencia de drogas. En este tema, además del grupo, colabora Nicky Hopkins al piano. En esa época el mundo estaba inmerso en plena exploración espacial y muy probablemente esa temática tuvo influencia en esta canción.