sábado, 15 de junio de 2019

La música en historias: El fan

John Frusciante



     john Anthony Frusciante nace en 1970 en Nueva York (Estados Unidos), hijo de un juez y de una cantante, se cria al principio en Tucson (Arizona) para posteriormente acabar residiendo en Florida donde su padre pasaría a ejercer la citada profesión de juez. Más tarde sus padres se separan y John se muda a vivir con su madre a Santa Mónica (California), aunque un año después volverían a hacer las maletas para acabar residiendo en Los Angeles.

     John se interesa a edad muy temprana por la música, y en concreto por el punk rock, de hecho contando con nueve años comienza a escuchar a The Germs (una de sus primeras influencias), banda de punk rock creada en Los Angeles en 1977 y disuelta en 1980 la cuál tiene en su haber un único álbum de estudio llamado Gi y que fue producido por la mismísima Joan Jett. Pues bien, a los 10 años John ya era capaz de tocar casi todos los temas de dicho álbum con la guitarra. Este hecho hace que John dadas sus habilidades empiece a recibir clases de guitarra y descubre a guitarristas como Jimi Hendrix, Jimmy Page, Jeff Beck y Frank Zappa entre otros. Se lo toma tan en serio que es capaz de estar practicando más de 12 horas diarias, y a la edad de 16 años decide dejar los estudios para centrarse en su carrera musical, y para ello se muda al centro de Los Angeles para mejorar sus técnicas de guitarra.

     Cuando John tiene quince años asiste por primera vez a un concierto del grupo Red Hot Chili Peppers y queda impresionado con el grupo, de tal forma que desde ese momento se hace fan del grupo y aprende a tocar las partes de guitarra de los tres primeros discos del grupo.

     Con el tiempo, a base de ir a los conciertos de la banda John se hace amigo del guitarrista de Red Hot Chili Peppers Hillel Slovak (al cuál admira). John también hace amistad con el batería D. H. Peligro, el cuál estuvo un breve temporada tocando con Red Hot Chili Peppers aunque no llegó a grabar ningún disco con ellos. John y D. H. solían tocar e improvisar juntos, y una de esas ocasiones D. H. invitó a una de esas sesiones a Flea el cuál aceptó y estuvo tocando con ellos.
Durante esa época John estaba muy interesado en realizar las audiciones para ingresar en la banda de Frank Zappa, pero desestimó presentarse al conocer que Frank Zappa no toleraba el consumo de drogas en su banda.

     En 1988, la mala suerte se ceba con la banda Red Hot Chili Peppers, y Hillel Slovak fallece por sobredosis, y el batería Jack Irons hundido por ese suceso abandona el grupo. Anthony Kiedis y Flea después de muchas dudas deciden continuar con el grupo y para ello fichan al batería D. H. Peligro y al guitarrista DeWayne "Blackbird" McKnight, el cuál habia formado parte del proyecto Parliament-Funkadelic. A Kiedis y Flea el fichaje del guitarrista Blackbird no acababa de convencerles pues no acababa de cuajar como se esperaban y deciden seguir buscando sustituto, lo que significaba meterse otra vez en pruebas y audiciones, pero en ese momento a Flea le viene a la cabeza aquella improvisación a la que fue invitado por D. H. Peligro y en la que también estuvo John Frusciante, una improvisación de la que Flea había salido más que contento. Así que Flea y kiedis deciden realizar una audición a John, nada más acabar aquella audición, John Frusciante, aquel incondicional fan de Red Hot Chili Peppers y de Hillel Slovak acabaría compartiendo ensayos, composiciones, camerinos y conciertos con ellos.

viernes, 14 de junio de 2019

El disco de la semana 131: Babylon Chat - Bailando con Brando


Babylon Chat - Bailando con Brando (2001)

Algo de culpa debió de tener Marlon Brando en el cambio que este disco supuso para Babylon Chat. Fue bailar con él y abandonar el punk rock de los primeros dos discos, para abrazar un rock de tintes clásicos con el que probablemente entregaron su mejor disco. Debe ser que bailar con Brando tiene ese efecto inspirador, no lo puedo asegurar porque soy lo más alejado de lo que se podría denominar aficionado al baile, pero en este grupo de asturianos el efecto fue más que positivo y evidente.

Bailando con Brando arranca con "Camaleón", contundente tema en el que no faltan los tintes glam al más puro estilo del "21st Century Boy" de T. Rex o del Ziggy de David Bowie, que es en realidad el camaleón al que homenajean en la canción. Le sigue "El último brindis del año", medio tiempo con cierto toque a "Los Secretos" que se alza triunfante como uno de los momentos más brillantes del disco.

Las letras de las canciones son un abanico de referencias a bares, chicas y alcohol, temas icónicos del mundo del rock clásico que destacan especialmente en "Las chicas del Roxy", dónde la influencia de Loquillo es claramente palpable. El propio Loquillo ofreció su versión de este tema en su "Feo, fuerte y formal" (disco de la semana 106 en nuestro blog)

El rock clásico sigue presente en "No tocarme" o "Cara de Ángel", temas en los que se percibe una de las grandes fortalezas del disco, la cuidada producción que permite degustar los momentos más clásicos de una manera limpia y clara. El sonido es igual de nítido y acertado en los momentos más rockeros, como los de la segunda mitad del disco, en la que pisan el acelerador con temas tan contundentes como "Rock and Roll Bar", "Supergirl", "Los chicos de Londres" y "Top Model", en los que nos recuerdan mucho a los Babylon Chat de discos anteriores. Si hablamos de contundencia, en el caso de "Odio el día en que te conocí" viene ya presente desde su directo título.

Tras este bloque de canciones más rockeras, es nuevamente turno para la pausa en la segunda entrega romántica del disco, la brillante y virtuosa "Días de vino y rosas". Es apenas una breve parada, porque "Demasiado deprisa, demasiado salvaje" vuelve a pisar de nuevo el acelerador antes de llegar al cierre del disco.

"Viciosa", interpretada a dúo con Loquillo, es una delicatessen en forma de versión de "Vicious", el tema de Lou Reed que produjo David Bowie en el disco "Transformer", con la que los asturianos se despiden a lo grande.

Termina el tema y todas las piezas encajan. Los bares, el alcohol, la música de rock and roll sonando de fondo y una mítica femme fatale del glam... ¿Cómo no lo habíamos visto venir? Como en el desenlace de una buena película de suspense, ante nuestros ojos se desvela la auténtica verdad: No fue Marlon Brando el culpable de inspirar este gran disco sino la enigmática chica que, mientras sonaba un tema de Bowie en un bar cualquiera de la oscura Babilonia, se acercó a él con descaro para sacarle a bailar y robarle, entre otras muchas cosas, el corazón.

jueves, 13 de junio de 2019

Historia del rock and roll: 1.- Pioneros del Country y la industria musical

Antes de llegar al rock, tenemos que entender de donde viene, y gran parte de la culpa la tiene el blues, mezcla de la música negra y la europea y de ella bebe, ya que el rock and roll es una mezcla de Blues y Country pero hay mas factores que enriquecieron esa música. Ya en 1892 la música popular se convirtió en un negocio y muchos productores y creadores musicales se trasladaron al distrito de Manhattan, concretamente al número 28 de West Street, entre Broadway y la Sexta Avenida  un área que sería renombrada "Tin Pan Alley" (Callejón de la Cazuela de Hojalata). Estos hechos podríamos considerarlos como el principio del negocio de la música popular, al principio mas encarado a la venta de las partituras.


Hart Wand
En 1914 la Sociedad Americana de Compositores (ASCAP) fue fundada para proteger a los autores de canciones. El mismo año, el primer blues fue publicado (Dallas Blues de Hart Wand). Pero la revolucion popular de la musica blanca vino en 1910 cuando John Lomax publicó "Cowboy Songs and Other Frontier Ballads" una recopilación de canciones americanas de los colonos, tambien tenemos que agradecer a Cecil Sharp que recorre los Apalaches entre 1916 y 1918 buscando la pervivencia de baladas inglesas entre los habitantes de esas montañas. Su idealización del montañés, en contacto permanente con la naturaleza y portador de una «sabiduría elemental», estos dos acontecimientos fue clave para rescatar y popularizar esa musica hasta ahora desconocida.
John Lomax



El 1923, John Carson grabó dos canciones "hillbilly", un evento que es a menudo considerado el nacimiento oficial de la música "country". En 1924 Riley Pucket introdujo el estilo de cantar a la "tirolesa" (originalmente de los alpes suizos y austriacos) en la música country, el estilo adoptado en 1927 por la primera estrella de la música country, Jimmie Rodgers, quien lo ligó con la guitarra deslizante hawaiana y, de hecho, inventó el equivalente del blues.




Riley Pucket

En 1925 Carl Sprague se convirtió en el primer músico en grabar "canciones vaqueras" (el origen de la música country actual). Y, en ese mismo año, la primera estación de radio de Nashville (WSM) empezó a transmitir un programa emitiendo y hablando de este tipo de musica. La música country estaba siendo un exito y provocaba el interes del publico, nuevos artistas florecian a lo largo de todo el pais y la industria como veremos a continuacion habia encontrado un negocio rentable, ya que en 1921 se habian llegado a vender 106 millones de discos.



Y es que en 1924 la Music Corporation of America (MCA) fue fundada en Chicago como una agencia de talentos, y la compañía disquera alemana Deutsche Grammophon (DG) fundó la compañía Polydor para distribuir discos en el extranjero. En 1926 General Electric inició la Radio Corporation of America (RCA). En 1928 la Columbia Broadcasting System (CBS) fue creada de 47 estaciones afiliadas. En 1929 Decca fue fundada en Gran Bretaña como una compañía de música clásica, y RCA compró el glorioso Victor Talking Machines. En 1931 EMI, formada por la fusión de Gramophone y la subsidiaria británica de Columbia, abrió el estudio de grabación más grande en el mundo en Abbey Road en Londres. Todos muchos de estos nombres han sido parte imprescindible en la historia del Rock and Roll y siguen siendolo en la actualidad.

Woody Guthrie


Silver Hairde Daddy Of Mine de Gene Autry (1931) popularizó el estilo de música country Kentucky Waltz de Bill Monroe (1933) popularizó el estilo "bluegrass". En 1932 Precious Lord de Thomas Dorsey forjó la música gospel en Chicago. En el mismo año, Milton Brown y Bob Wills grabaron el primer disco de "western swing". Ultimo pero no menos importante, Woody Guthrie escribió Dust Bowl Ballads (1935) y se convirtió en el primer gran cantautor".











miércoles, 12 de junio de 2019

Canciones que nos emocionan: Albatross, Fleetwood Mac

Fleetwood Mac



     En el año 1967 en Londres (Inglaterra) nace la mítica banda Fleetwood Mac de la mano de Peter Green (guitarra y voces), Jeremy Spencer (guitarra y voces), Bob Brunning (bajo) y Mick Fleetwood (batería). 
En 1968 publican su primer disco de estudio, titulado Fleetwood Mac, un disco con el que consiguen un rotundo éxito, colocándose en el puesto número 4 de las listas de ventas Uk Albums Chart del Reino Unido. Poco después del lanzamiento de dicho disco, lanzan dos sencillos, Need Your Love So Bad y el mítico Black Magic Woman (éste último popularizado posteriormente por el genial guitarrista Carlos Santana). 
1968 fue un año muy movido para el grupo pues en noviembre de ese mismo año publican su segundo disco de estudio, Mr. Wonderful, el cuál sigue la buena tónica generada por el disco debut del grupo en cuanto a popularidad y ventas.

     En septiembre de 1968 el grupo había decidido fichar a un tercer guitarrista, de nombre Danny Kirwan, y con él en sus filas el grupo decide grabar el sencillo llamado Albatross, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, un bellísimo tema instrumental de poco más de 3 minutos escrita por el Peter Green.
Este tema fue el primer sencillo del grupo que alcanzó el puesto número 1 en las listas de ventas del Reino Unido.

     Hay quien dice que el tema fue compuesto por Green a raíz de un poema que éste leyó cuando era niño, The Rhyme of the Ancient Mariner escrito por Samuel Taylor Coleridge, un poema donde se hace referencia al Albatros como un ave que según los marineros da mala suerte, de ahí la famosa expresión "Un albatros alrededor de tu cuello".
Sobre este hecho Mick Fleetwood llegó a decir que no sabía realmente por qué Green llamó Albatros a este tema.

     Alguna curiosidad más sobre este tema, en 1957 Chuck Berry compuso un tema instrumental llamado Deep Feeling, el cuál tiene muchas similitudes en cuanto al sonido de la guitarra y del bajo con Albatross. Según alguna que otra biografía editada del grupo se dice que este tema fue compuesto por Green inspirándose en otro tema instrumental llamado Sleep Walk, compuesta por un dúo estadounidense llamado Santo y Johnny en 1959.
En este tema también se inspirarían los mismísimos Beatles, concretamente John Lennon para componer la canción Sun King incluida en el disco Abbey Road y publicado en 1969.

     La verdad es que no se si Green se inspiró en el citado poema de Coleridge al componerlo, tampoco se en que estaría pensando al llamarlo Albatross, pero lo que sí se es que cada vez que me pongo este tema y cierro los ojos me produce una sensación maravillosa que hace que durante poco más de 3 minutos me olvide de todo y sencillamente disfrute de esta maravillosa pieza compuesta por el magnífico Peter Green.

Peter Green

sábado, 8 de junio de 2019

Rock Nacional Argentina: Las Pelotas




La Pelotas

Quien dijo que de una banda de Rock, no puedan salir dos nuevas bandas de rock de tanto renombre como son Divididos y Las Pelotas.

Ya hablamos que Luca (Prodan) aseguro que "Divididos las pelotas" era su visión una vez que el ya no estuviera, así que ahora nos tocara hablar de "Las Pelotas", como sucedió con Divididos, parte de la banda que quedaba luego de que Luca falleciera, decidió tomar caminos diferentes. 

Todos excepto Germán Daffunchio que se queda junto al manager de Sumo Timmy Mckern, donde juntos irían armando lo que luego conoceríamos como Las Pelotas, ellos no estarán solos en esta nueva aventura, Germán (Daffunchio) llamara a otros dos músicos amigos y parte de Sumo, Alberto "Superman" Troglio Alejandro Sokol, junto a otros músicos, pero la banda en un principio no logra consolidarse como tal, sufre cambios, el propio Alejandro Sokol decide no continuar y separarse un tiempo. 

Esta parte de la historia de Las Pelotas me cuesta un poco más, relacionarla con mi historia, quizás porque por esos tiempos estaba más enganchado con otras bandas, de hecho debo confesar que Corderos en la noche su primer disco me sorprenden hoy temas de la banda que nunca había escuchado antes, y esto es lo que me gusta de estar colaborando con 7días7notas el poder seguir aprendiendo, así que descubramos juntos su primer álbum.

Las Pelotas - Corderos en la noche

Luego de estar inactivos la banda decide volver a grabar un disco, que lo titulara Máscaras de sal, donde ya se comienzan a escuchar temas de renombre, como Capitán América una burla al himno de los Estados Unidos, y otros temas como Si Supieras

Las Pelotas - Capitán América 

Las Pelotas - Si Supieras


Con este nuevo disco Las Pelotas lograran llegar a tocar en el Estadio Obras, donde juntan más de 5 mil personas, pero fuera del estadio aun quedarían más personas con ganas de ver la la banda, y esto obliga a la banda a realizar nuevas funciones, todo un éxito, pero un hecho policial, por posición de drogas obliga a la banda bajo una pena de Probation, hacer 4 recitales a beneficio de la Fundación de la lucha contra la droga, el CENARESO y un último recital en el cárcel de mujeres de la ciudad de Ezeiza, todo lo recaudado iría a favor de estas organizaciones. 

Pero el tiempo les tendría una nueva sorpresa a la banda, en el año 1995, Las Pelotas tendría el honor de ser teloneros, ni más ni menos de The Rolling Stones en el estado River Plate de la Ciudad de Buenos Aires. 

Todo esta publicidad le daría a la banda la posibilidad de hacer más y más shows, pero mientras tanto se prepararían para editar su tercer corte "Amor seco", donde sacaran nuevos hit, como Hola que tal?, y reeditaran temas de su primer álbum Shine Sin hilo de su primer disco. 

Las Pelotas - Hola que tal? 

Pero la banda nunca olvida sus orígenes, en en el año 1997, luego de 10 años de la muerte de Luca Prodan, hacen un show junto a Divididos para homenajearlo, en la ciudad de Montevideo - Uruguay. 

Luego de todo esto la banda editará un álbum en vivo llamado La Clave del Éxito, y nuevamente la banda tendrá el privilegio de ser telonero por segundo vez de The Rolling Stones en la argentina. 

La banda no detendrá la maquina de sacar nuevo álbum, y en 1998 edita el disco Para qué?, con un sonido mucho más tranquilo, y sin dejar pasar el tiempo saldría al año siguiente "Todo por un polvo", el éxito alcanzado los llevara a tocar en Uruguay y Chile, de este modo irían consagrando como banda de rock. 

Las Pelotas - Para que? 

Pero para llegar a la consagración como banda definitivamente necesitaban

Esperando el milagro
editar "Esperando el Milagro", la banda alcanzaría la masividad y el reconociendo total del publico, con temas como "Será", y como no hay dos sin tres, The Rolling Stones volverán a convocarlos para ser teloneros en la gira A Bigger Bang. 

Las Pelotas - Será

Las Pelotas volverán hacer el milagro, y en el Festival Quilmes Rock del 2007, se volverá a juntar con los viejos integrantes de Sumo en un show imperdible, al cual tuve el placer de poder ver. 

SUMO - Divididos por la felicidad - Quilmes Rock 2007

SUMO - Crua Chan - Quilmes Rock 2007

SUMO - Disco Baby Disco - Quilmes Rock 2007


Festival Quilmes Rock Logo
En mi adolescencia nunca tuve la oportunidad de poder ir a ver a Sumo en vivo, saber que se sentía el ver a semejante banda de rock encima de un escenario, pero creo que esa noche del Quilmes Rock 2007,tuve la sensación al menos por un rato de que estaba allí, de quien más pudiera estar hablando, no te lo imaginas, te lo he dicho todo el tiempo, claro estoy hablando de él, el incansable Luca Prodan, el que vive aun en el corazón de estas dos GRANDES BANDAS de rock de la argentina, "Divididos Las Pelotas", a fin de cuenta el tenia razón.





Daniel 
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viernes, 7 de junio de 2019

El disco de la semana 130: La Vieja Trova Santiaguera - La Manigua

La Manigua





     ¿Qué es la música? Si nos vamos a la definición de ésta, La música es el arte de combinar en una secuencia temporal atendiendo a las leyes de la armonía , la melodía y el ritmo, o de producirlos con instrumentos musicales. Otra definición válida de música sería el conjunto de sonidos sucesivos combinados según este arte, que por lo general producen un efecto estético o expresivo y resultan agradables al oído.
Si atendemos al concepto de la música atendiendo a su definición nos puede resultar algo frío, pero la música es mucho más que eso. Si nos fijamos bien en la definición, en ésta aparece la palabra arte, porque la música es un arte, es sentimiento, es melodía, es ritmo, y combinándolo todo cómo si de un cóctel se tratara, nos producen una serie de estímulos y sensaciones placenteras en nuestro cuerpo y nuestro cerebro, en definitiva, la música nos hacen un poquito más felices.

     La música tampoco entiende de edades, a lo largo de su extensa historia podemos encontrarnos infinidad de músicos que empezaron a edades muy tempranas, de entre los que nos podemos encontrar a Michael Jackson, Stevie Wonder, Sly Stone, Steve Winwood, Derek Trucks, Joe Bonamassa, Jonny Lang ó Quinn Sullivan, por poner sólo algunos ejemplos. También podemos encontrarnos con músicos que tienen tal pasión por este noble arte que deciden entregarse en cuerpo y alma aunque sean ya abuelos, porque es tal la pasión que sienten por ella que la música les ha sido recíproca manteniendo sus almas jóvenes, fuertes y con ganas, con muchas ganas de seguir haciendo música. Este es el caso del grupo recomendado para esta semana, cinco abuelos, que habiendo dedicado su vida a la música en cuerpo y alma, y cuando todos ellos sobrepasan ampliamente los 60 años, deciden juntarse para seguir, primero disfrutando de su pasión, la música, y segundo hacernos disfrutar a los demás con su buen hacer. Y es que la música no entiende de edades. Con todos ustedes La Vieja Trova Santiaguera.



     La Vieja Trova Santiaguera se funda en el año 1994 cuando deciden juntarse Amado Machado a las maracas, nacido en 1912, que había estado en formaciones cómo Cuarteto Patria y la Estudiantina Invasora; Aristóteles Raimundo Limonta al contrabajo, nacido en 1913,
y que se formó con el mismísimo Compay Segundo; Pancho Cobas a la guitarra y voces, nacido en 1913, que empezó en un grupo que se dedicaba a promocionar guaguas (autobuses); Reinaldo Hierrezuelo "Rey Caney" a la guitarra y las voces, nacido en 1926, fundador de Cuarteto patria y Los Compadres, y luego como solista (Rey Caney); y Reinaldo Creagh Verane a las claves y las voces, nacido en 1918, y antiguo integrante de la Estudiantina Invasora.

     Los cinco, procedentes de la misma región, Santiago de Cuba, deciden juntarse y se hacen llamar La Vieja Trova Santiaguera, consiguen fichar con el sello discográfico Nubenegra, sello fundado curiosamente por un madrileño, el periodista Manuel Domínguez, el cuál se dedica a difundir músicas de otras culturas como la cubana o la saharaui. Bien, cómo decía consiguen fichar en 1994 con Nubenegra y editan su primer álbum de estudio titulado la Vieja Trova Santiguera, a éste le seguiría Gusto y Sabor en 1995. Sería en 1996 cuando Amado Machado decide retirarse ya con 85 años, aunque colabora con el grupo en la grabción del tercer disco de la formación, Hotel Asturias en 1996. Amado después dejaría la formación definitivamente y sería sustituido por Ricardo Ortiz Verdecia (maracas y voz).


     En 1997 durante las giras que realizan ese año, se interesa por ellos la productora de cine Scorpio y rueda una película documental sobre La Vieja Trova Santiaguera llamada lagrimas Negras, la cuál trata sobre ellos, y que se estrenaría en 1998.

     Y llegamos al año 1998, momento en el que se une al proyecto el famoso guitarrista del Buenavista Social Club Manuel Galbán Torralbas (guitarra y voz). Ese año abandonan el sello discográfico Nubenegra y fichan por la todopoderosa Virgin, sello con el que editan su cuarto álbum de estudio, La Manigua, el disco recomendado por 7dias7notas para ésta semana, un álbum dónde sus integrantes nos dan una magistral lección de ganas, clase, estilo y de cómo se toca música cubana. Un disco que comprende 13 temas de auténtico sabor cubano que harán las delicias de vuestros oídos. Aquí en 7dias7notas estamos rendidos a su clase, sus ganas e ilusión por engrandecer el noble arte de la música, un arte que no entiende de edades...............


jueves, 6 de junio de 2019

Rock Nacional Argentina: Divididos



Diego Arnedo - Ricardo Mollo

Divididos

"Divididos las pelotas" esa fue la respuesta de Luca Prodan, cuando un periodista le pregunto como veía el futuro de Sumo cuando el no estuviese.

Y no estuvo muy lejos de la realidad, lo sabrá me imagino, acaso Luca Vive!*, te lo he dicho ya, quizás lo has visto en algún bar o vete al barrio del Abasto en Buenos Aires que seguro te lo cruzas.

Está nueva historia hablara de dos bandas de rock, y comenzaremos con una de ellas, que les diré que soy muy fan, estamos hablando de Divididos.

Como todos sabemos Sumo se disuelve tras la muere de Luca Prodan vocalista y alma de la banda, pero sus miembros no dejarán atrás todo el trabajo y es esfuerzo que fue Sumo y dos de ellos deciden continuar juntos un nuevo proyecto, que se llamara "La División" que con posterioridad re bautizan "Divididos", así que Ricardo Mollo y Diego Arnedo, junto a Gustavo Collado batería de La Sobrecarga, se juntan para seguir adelante con el rock, en parte con el impulso que significo Sumo, la banda logra sacar si primer disco de estudio en 1989, que se titulara "40 dibujos ahí en el piso". 
Acariciando lo áspero

El disco "40 dibujos ahí en el piso" tendrá 11 canciones escritas por la banda y se incluirá en el disco un versión de "Light My Fire" de The Doors y un poema de T. S. Eliot, "Los hombres huecos", debo decir en lo persona, que no fue el primer disco que he escuchado de ellos, sino que Acariciando lo áspero su segundo álbum de estudio donde comencé esta pasión.

Y Acariciando lo áspero, llego con temas como "El 38""Ala Delta", "Sisters", que fueron marcando mi adolescencia yendo a el estadio Obras Sanitaria en el barrio de Belgrano de la Ciudad de Buenos Aires, y ahí comenzaron a resonar sus canciones, y Divididos se llevara el apodo de La aplanadora del rock por sus fans, y me dirán que este apodo les cabe al dedal luego de escuchar estos tres temas. 

Divididos - El 38
https://youtu.be/NUdbS0cYEBM


Divididos - Ala Delta

Divididos - Sisters

Aun no nos hemos situado en el tiempo, pero ya estamos en la década de los '90, ya se había dejado atrás, los años de la represión y los cantos de protesta, este será un nuevo rock, quizás más enfocado en lo social, pero no tanto en lo político, y Divididos dio comienzo a esa nueva revolución en la música Argentina. 

Y vendrán esos cambios en su nuevo álbum de estudio "La era de la boludez" donde se comienzan a fusionar con el Rock los sonidos del folklore Nacional, y se vuelven a suceder nuevos recitales en el Estado Obras, y luego de ello la banda alcanzara a convocar a más de 20 mil almas pero ya en el estadio de Vélez Sarsfield, La era de la boludez lograra alcanzar la cima de los discos más vendidos, y esto obligo a que fuera reeditado.  

Divididos - Que ves?
https://youtu.be/CJkgBc2S5oY


Divididos - El Arriero

Ya no hay limites para la banda y vuelven a editar un nuevo corte Otroletravaladna, donde la banda nuevamente mezcla nuevos sonidos, 1995 trae cambios Gil Sola batería se aleja, en el pasado Gustavo Collado dejaría también la banda y un tercer batería acompañará a Ricardo (Mollo) y Diego (Arnedo), Jorge Araujo seré su nuevo integrante, pero 1995 vendrá con muy buenas noticias también Divididos será reconocido con el Premio Konex a una de las mejores 5 bandas de rock.  

La banda apuesta a lo grande, y firma contrato con BMG en 1998, y edita otro nuevo álbum "Gol de Mujer" en la ciudad de Los Angeles, donde la banda reafirma con un homenaje Atahualpa Yupanqui (referente del floklore Nacional) esa mezcla con lo nacional, y en este mismo álbum también hacen su homenaje a fallecido Luca (Prodan) con un tema que lleva su nombre. 

Divididos - Nenes de antes 

Divididos - Vientito de Tucuman

Y llegara el año 2000 donde graban Narigón del siglo en los estudios Abbey Road de la ciudad de Londres, acompañados nuevamente por Gustavo Santaolalla en la realización del disco. 
Álbum: Narigón del Siglo

Narigón del siglo, será reconocido como mejor álbum del año por diferentes publicaciones, y además la revista Rolling Stones dirá que Spaghetti del rock se encuentra en las mejores canciones de la década. 

Divididos - Spaghetti del rock

Llegara la hora de Vengo del placard de otro, editado en el 2002, este disco contendrá con gran cantidad de instrumentos, los cuales comprenderán doce violines, cuatro chelos, flautas entre los instrumentos usados para la producción del disco.  
Divididos no pierde el afán por el floklore Nacional e Introduce "Guanuqueando" de Ricardo Vilca. 
De este modo Divididos alcanza un nuevo premio Konex Platino 2005 a la mejor banda de la década. 

Divididos - Guanuqueando

Nos acercamos al año 2010, donde la banda decide editar Amapola del 66, con un sonido para mi muy renovado, junto a un nuevo integrante Catriel Ciavarella bateria que remplazara a Jorge Araujo. 
Álbum Amapola 66

El sumun de la banda será en la entrega de los Premios Carlos Gardel 2011 (Los Premios Gardel son los premios a la música más importantes concedidos en Argentina), donde se llevarán el Gardel de Oro, junto a Mejor Álbum de Rock (Amapola del 66), Producción del año, la banda será la más premiada en esta edición. 
En 2015 también volverá a recibir su tercer premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de las últimas tres décadas.

En su 30 Aniversario la banda decide editar "Haciendo cosas raras", una re edición de 40 dibujos ahí en el piso, así que más se puede decir de Divididos, una banda nacida de la separación de Sumo, dos de los artistas más trascendentales del rock nacional, haberlos podido escuchar en el mítico Luna Park, poder volverlos a ver cada vez que paso por Buenos Aires, solo queda agradecer ese tiempo vivido como espectador. 

Daniel 
Instagram: Storyboy 


* Luca Vive!!, te invito a leer nuestro post donde contamos la historia de la banda Sumo

miércoles, 5 de junio de 2019

La musica en el cine: ROCKETMAN ( 2019 )

Nueva entrega de nuestro colaborador Guillermo Navarro, creador del blog sobre cine filmdreams.net, integrante del grupo de Habladecine en esta ocasion vamos con el biopic de Elton John que acaba de llegar a los cines.




SINOPSIS:
La película sigue el fantástico viaje de transformación del tímido prodigio del piano Reginald Dwight a la superestrella internacional Elton John. Esta historia inspiradora, ambientada en las canciones más queridas de Elton John e interpretada por la estrella Taron Egerton, cuenta la historia de cómo un chico normal de un pueblo pequeño se convirtió en una de las figuras más icónicas de la cultura pop.
 ( Fuente sinopsis: Paramount Pictures )
 ( Fuente cartel e imágenes: Image.net-Paramount Pictures )
 ( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Paramount Pictures, IMDb )



CRÍTICA:
En los últimos años se están rodando bastantes películas sobre grupos musicales o cantantes famosos, y uno de esos ejemplos es esta película, coproducción del Reino Unido y Estados Unidos, que nos muestra la vida del cantante, compositor y pianista británico Elton John, desde su infancia hasta un momento clave en su carrera profesional y su vida personal. Para la dirección han confiado en el aparentemente inexperto Dexter Fletcher, ya que el actor inglés hasta la fecha había dirigido únicamente tres largometrajes, pero uno de ellos tiene bastante relación con esta película, ya que " Amanece en Edimburgo ( 2013 ) " es un original largometraje sobre la banda escocesa " The Proclaimers ", y esa película funciona bastante bien tanto a la hora de contar las vidas de los componentes del grupo musical, los hermanos Craig y Charlie Reid, conocida por temas como " Letter from America ", " I'm On My Way " y " I'm Gonna Be - 500 Miles ", y al mismo tiempo nos daba a conocer la evolución de su carrera profesional mientras escuchamos las canciones con unas coreografías muy complejas. 

Centrándonos en " Rocketman ", que tiene muchas cosas en común con el trabajo del director citado anteriormente, la propuesta se inicia con un prólogo en donde el protagonista acude a su primera sesión en un grupo de desintoxicación de alcohol y drogas, y lo que vemos a partir de ahí es los aspectos fundamentales de su vida, que va contando a los asistentes a ese grupo de terapia. La película funciona bastante bien en cuanto al guion, la puesta en escena y el aspecto musical, ya que es valiente a la hora de contar lo fundamental de la vida de Elton John sin rehuir temas escabrosos ni dulcificar lo que nos están contando. Llama la atención que siendo el cantante uno de los productores principales accediera a dar a conocer su vida, sin ningún tipo de cortapisas, y me alegro de esa decisión, ya que es una de los sellos de identidad del proyecto, junto a las excelentes coreografías, y por supuesto poder escuchar las canciones de uno de mis cantantes favoritos de las últimas décadas en la voz de Taron Egerton, que pone su voz a las canciones y lo hace muy bien, con una similitud asombrosa con la voz del compositor y cantante británico.




La película tuvo una presentación en el pasado festival de cine de Cannes, en donde tuvo una buena acogida por parte de la prensa asistente a la Croisette, y después de esa introducción nos presenta al joven Reginald Kenneth Dwigh, que vive con sus padres, que no se llevan bien, lo que le afecta a la infancia del protagonista. La constancia y tozudez de Reginald y su talento para tocar el piano y cantar es lo que hará posible su sueño de un futuro profesional en el mundo de la música. Hay una gran recreación de época, que es otro de los aspectos positivos del proyecto, y de vez en cuando la historia vuelve a ese centro de desintoxicación en donde los asistentes escuchan atentamente lo que está contando el novato en ese escenario.
La dirección de Fletcher es solvente, ya que además de ser clave en que el reparto esté bastante bien por su buena labor de dirección de actores, sabe imprimir el rimo necesario al proyecto e imprime su sello personal a esas coreografías muy bien trabajadas. 


Sabe conjugar de manera acertada una mezcla entre cine comercial y cine de autor, según lo que requiere la trama, aunque en el fondo se acerca más a lo segundo, lo que agradezco, pero que puede hacer que el gran público, especialmente el más joven se aburra, y este detalle importante es uno de los tres que la diferencian con una película de gran éxito estrenada a finales del año pasado, y me refiero a " Bohemian Rhapsody ". 
La película que aborda parte de la vida de Queen y Freddie Mercury es muy convencional y más asequible para el público asiduo a multisalas, las canciones de esa banda son más conocidas que las de Elton John, y el protagonista, y reciente ganador del Óscar, Rami Malek no canta en directo los temas, a diferencia de Taron Egerton. Aquí se queda mi comparación de los dos proyectos, y seguiré analizando " Rocketman " sin citar a la otra película ( me gustan las dos, pero me quedo con la de Elton John ).



A nivel interpretativo el protagonista hace la mejor actuación de su carrera, y está muy bien en las escenas dramáticas y en las musicales. El director vuelve a confiar en él, después de ser el protagonista de su anterior proyecto " Eddie el águila ( 2016 ) ", y el joven actor inglés saltó a la fama con las películas de " Kingsman ", dirigidas por Matthew Vaughn ( uno de los productores de " Rocketman " ). Completan el reparto Jamie Bell, un secundario de lujo, en el papel del letrista y cantante Bernie Taupin ( como pasa el tiempo desde que este actor interpretaba al niño de " Billy Elliot " ), John Madden como el mánager musical John Reid, y Bryce Dallas Howard como la madre del joven Reginald. Tema aparte son los dos niños que interpretan al personaje protagonista, Matthew Illesley en la etapa infantil y Kit Connor en la adolescente, y que están magníficos, cantando incluso las canciones y bailando en las coreografías, y ambos tienen un futuro prometedor.



Hay muchos detalles muy bien insertados, y en algunos casos sobre situaciones que sucederán a continuación o sobre canciones importantes en la vida del cantante, y que en algunos casos sucederán en la etapa posterior de la vida de Elton John, y que este largometraje no aborda ( como ejemplo cuando le escuchamos de adolescente componer el tema candle in the wind ).
Otros aspectos destacados son el montaje de Chris Dickens, por supuesto la música y las canciones, y el diseño de vestuario de Julian Day. Por poner una pega es que nos encontramos ante uno de los casos en donde una mayor duración hubiera favorecido a poder contar mejor algunos aspectos y etapas en la vida del protagonista que se pasan de puntillas.
Una obra cinematográfica magnífica que merecería tener éxito, y que recomiendo a los fans de Elton John, a los que disfrutan con los musicales, a los que quieran conocer su vida personal y profesional, y en general a los aficionados al buen cine.




LO MEJOR: El riesgo argumental a la hora de abordar ciertos asuntos. La interpretación de Taron Egerton. El montaje.
LO PEOR: Es uno de los casos en donde una mayor duración no perjudicaría a la película.

lunes, 3 de junio de 2019

Canciones que nos emocionan: Simple Man Lynyrd Skynyrd

Simple Man, Lynyrd Skynyrd



     Lynyrd Skynyrd es otra de mis bandas fetiches, no en vano ya le hemos dedicado en 7dias7notas espacio para reseñar su magnífico álbum debut del año 1973 Pronunced "Leh-Nerd 'Skin-nerd", cómo también le dedicamos espacio para reseñar uno de los temas que incluyen este disco, Free Bird, uno de los mejores temas de la historia del rock que a su vez incluye uno de los mejores solos de la historia también del rock. En este disco se encuentra un tema que tiene la mala suerte de convivir a la sombra de Free Bird, y que en mi modesta opinión es otro de sus mejores temas de toda su discografía, me estoy refirirendo a Simple Man.

Mama told me when I was young

"Come sit beside me, my only son

And listen closely to what I say

And if you do this it'll help you some sunny day"
"Oh, take your time, don't live too fast

Troubles will come and they will pass

You'll find a woman and you'll find love

And don't forget, son, there is someone up above"
"And be a simple kind of man

Oh, be something you love and understand

Baby be a simple kind of man

Oh, won't you do this for me, son, if you can"
"Forget your lust for the rich man's gold

All that you need is in your soul

And you can do this, oh baby, if you try

All that I want for you, my son, is to be satisfied"
"And be a simple kind of man

Oh, be something you love and understand

Baby be a simple kind of man

Oh, won't you do this for me, son, if you can"
Oh yes, I will
"Boy, don't you worry, you'll find yourself

Follow your heart and nothing else

And you can do this, oh baby, if you try

All that I want for you, my son, is to be satisfied"
"And be a simple kind of man

Oh, be something you love and understand

Baby be a simple kind of man

Oh, won't you do this for me, son, if you can"
Baby, be a simple, really simple man

Oh, be something you love and understand

Baby, be a simple, kind of simple man


     Simple Man tiene el honor de ser la tercera canción más descargada de la historia del grupo sólo detrás de Sweet Home Alabama y Free Bird, habiendo vendido hasta la fecha más de un millón trecientas mil copias sólo en Estados Unidos.

     Un tema que fue compuesto por Ronnie Van Zant y Gary Rossington. La gestación del tema se produjo poco después de la muerte de la madre de Gary Rossington y de la abuela de Ronnie Van Zant. Un día, poco después de estos hechos, Gary se reunió con Ronnie en el apartamento de éste último y allí empezaron a contarse los dos anécdotas de la madre de Gary y la Abuela de Ronnie, total que en ese momento a Gary se le ocurrió tocar unos acordes y Ronnie comenzó a escribir la letra basándose en todos los consejos que tanto su abuela cómo la madre de Gary les habían dado a ambos a lo largo de los años. En una hora estaba el tema escrito.

     Al Kooper, el visionario productor que los decubrió y que los ayudó a lanzar su carrera, no estaba muy de acuerdo en incluir éste tema en el disco y en un principio se negó, pues además de producir el disco Al colaboraba tocando los teclados los coros en el álbum. Pero Ronnie, Gary y compañía sí tenían muy claro que éste tema debía ser incluido en el disco, así que lo que hicieron fue grabar el tema cuando Al no estaba en el estudio y luego le hicieron grabar las partes del órgano que incluía el tema. Posteriormente Al admitiría que con éste tema estaba equivocado. Dicen las malas lenguas que el día que el Grupo grabó Simple Man, Al si se encontraba en el estudio y Ronnie le cogió le llevó hasta su coche y le dijo: hasta luego, y le profirió: "Cuándo hayamos acabado ya te llamaremos", Quién sabe, lo que está claro es que Simple Man es un temazo, una obra maestra que te cala, pues cuándo escuchas el tema, si cierras los ojos parece que es tu mismísima madre o tu abuela la que te está susurrando al oído:

"....ven y sientate a mi lado, mi único hijo
y escucha con atención lo que digo,
y si haces ésto te yudará en un día soleado.
Oh, tómate tu tiempo, no vivas muy rápido, 
los problemas vendrán y pasarán.
Encontrarás una mujer y encontrarás en amor, 
y no te olvides hijo, hay alguien arriba
y se un hombre sencillo........."

     Sencillamente magnífico.....................