La musica en el cine: BOHEMIAN RHAPSODY (2018)

Segunda entrega de nuestro colaborador Guillermo Navarro, creador del blog sobre cine filmdreams.net, integrante del grupo de Habladecine en esta ocasión y con motivo de su estreno en televisión en la Plataforma Movistar, recuperamos la reseña que realizó para la película Bohemian Rhapsody. Os animamos, seáis fans o no a disfrutarla desde el Viernes 31 de Mayo si aun no tuvisteis la ocasión de verla.

SINOPSIS:
Bohemian Rhapsody es una celebración de Queen, su música y su extraordinario cantante, Freddie Mercury. Freddie desafió los estereotipos y las fracturadas convenciones para convertirse en uno de los artistas más queridos del planeta. La película muestra el ascenso meteórico de la banda a través de sus canciones icónicas y su sonido revolucionario. Alcanzan un éxito sin precedentes, pero en un giro inesperado, Freddie, rodeado de influencias más oscuras, deja Queen en pos de su carrera como solista. Después de haber sufrido mucho sin la colaboración de Queen, Freddie logra reunirse con sus compañeros de banda justo a tiempo para Live Aid. Haciendo frente a una enfermedad potencialmente mortal, Freddie lidera la banda en una de las mejores actuaciones en la historia de la música rock. Queen consolida un legado que continúa inspirando a extraños, soñadores y amantes de la música hasta el día de hoy.
 ( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Fox Spain )
 ( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Fox Spain, IMDb, Wikipedia )

CRÍTICA:
El productor y director norteamericano Bryan Singer saltó a la fama con su segundo largometraje, una excelente película titulada " Sospechosos habituales ( 1995 ) " que fue premiada con dos Óscar, y a partir de ese momento ha ido alternando su faceta en la producción de películas y series de televisión, con la dirección de algunas películas entre las que destacan la mayoría de la saga de superhéroes " X-men ", y a nivel personal le considero uno de los mejores de las últimas décadas en cuanto al cine de acción y ciencia ficción. En la actualidad su vida privada está siendo puesta en entredicho al haber recibido denuncias de supuestos maltratos dentro de la lucha por terminar con los abusos sexuales dentro de la industria cinematográfica.
En esta ocasión el director ha sido el encargado para trasladar a la gran pantalla el drama biográfico sobre Freddy Mercury, una de las figuras más importantes del mundo de la música de la segunda mitad del siglo XX y que este proyecto cinematográfico recrea en una película de ficción su faceta personal y profesional, sin rehuir de los aspectos más polémicos y con una evolución cronológica de su carrera desde el momento que se inicia en el mundo de la música hasta el concierto Live Aid que se celebró en el estadio londinense de Wembley en 1985 con la presencia de los grupos y estrellas más populares de la época cuyo objetivo era recaudar dinero para ayudar a terminar con el hambre en África.



El joven actor norteamericano Rami Malek, conocido por ser el protagonista de la serie " Mr. Robot " por la que logró dos nominaciones a los premios Emmy, ha sido el escogido para interpretar al protagonista, y me parece un acierto su elección ya que, además de su parecido físico, está intenso, irónico y hace que durante todo el metraje su interpretación sea creíble y en muchos momentos parece que estamos viendo al cantante real. La película va de menos a más y no se hacen largas sus más de dos horas, que en esta ocasión me parece una duración adecuada teniendo en cuenta todas las cosas que podía contar tanto en la vida personal como profesional del cantante, el resto de miembros de la banda, y las personas que están a su alrededor, ya sean familiares, amigos o los productores o managers que intentan sacar el máximo partido al talento del grupo.

En los primeros minutos conocemos a la familia de Farrokh Bulsara, un niño nacido en Tanzania, cuando estaban viviendo en Londres e intentaban educar a un hijo rebelde, y con el paso de los minutos, cuando el cantante saltó a la fama, los padres de Freddy tienen poca importancia en el relato y únicamente aparecen en algunas escenas en la parte final.
La película tiene unas buenas interpretaciones, tanto del protagonista como de los secundarios, entre los que destacan los otros tres miembros de la banda: Ben Hardy en el papel del baterista de la banda Roger Taylor, Gwilym Lee como el guitarrista Brian May y Joseph Mazzello en el del bajista John Deacon. Los tres están correctos, y el que tiene una interpretación más contundente es el primero. No me convence la actuación de Lucy Boynton, que interpreta a Mary Austin, la mujer más importante en la vida del cantante, a la que conoció en la sección de ropa de un centro comercial, y cuyo personaje tiene una trascendencia capital en la parte central.

Pero si hay dos actores secundarios que destacan por encima del resto son Allen Leech, que interpreta a Paul Prenter, el mánager personal de Freddy Mercury cuando se separó de la banda y con el que tenía una relación sentimental especial que fue la perdición para el cantante por su vida privada llena de sombras. Ese personaje es egoísta, malo y que engaña al protagonista, y Leech realiza una gran interpretación. Lo mismo podemos decir de Aidan Gillen, en el papel de John Reid, el manager de la banda durante unos años de la década de los 70, un actor más conocido y que vuelve a estar muy bien en un personaje que aunque tiene una menor presencia en pantalla está intenso, sobre todo en una de las escenas claves de la película y de las que más me gustan que se desarrolla en el interior de una limusina.
Una película que tiene bastantes cosas positivos, y me entretuvo, además de disfrutar con una música con las canciones de fondo de uno de los grupos más importantes del siglo XX, y que gustará sobre todo a los fans de la banda, y a los que quieran conocer algo más del personaje y la historia de Queen y al mismo tiempo escuchar casi todos los temas populares, que además están muy bien integrados en la historia, ya sean en conciertos o la grabación de los discos. Los aspectos más negativos son a nivel visual y artístico, ya que tanto la fotografía como la recreación de la época me parecen un poco artificiales, y también falta algo de riesgo a nivel formal. Pero a nivel técnico está muy bien trabajada y destaca por el montaje y sobre todo la música y el sonido de la película.



LO MEJOR: La banda sonora y la actuación de Rami Malek.
LO PEOR: Es bastante mejorable a nivel visual y artístico.

Canciones que nos emocionan: Las 5 canciones de Queen

Dios salve a la reina. Así reza el himno británico, del que Queen hace una versión orquestal al final de "One Night at the Opera", su disco más brillante y ambicioso (el que contiene "Bohemian Rapsody").

Dios salve a la reina es también el título de la canción bandera de los Sex Pistols, lo cuál no vendría tanto a cuento, si no fuera porque Queen y los Sex Pistols coincidieron en el estudio en las fechas en las que los punkies londinenses grababan su primeras canciones de su "Nevermind the Bollocks" (el que contiene "God save the Queen"). Johnny Rotten describe el surrealista encuentro entre dos grupos tan diferentes con la frase que Freddie les dedicó a modo de saludo de despedida:

"Queridos, tal vez algún día podríamos grabar algo juntos"

Eso nunca ocurrió, y de haber ocurrido probablemente ese tema habría estado entre @las5canciones. Del legado que sí nos dejó la reina a lo largo de su brillante carrera, disfrutad queridos de las 5 canciones que habéis elegido como las mejores:


5. Another one bites the dust


Incluida en el disco "The Game" de 1980, a esas alturas de carrera Queen necesitaban un giro en su música, algo que ya habían anticipado en el anterior "Jazz" (1978). Recurrieron a influencias disco y funk en batería y bajo, y utilizaron por primera vez los hasta entonces denostados sintetizadores. Un tema tan rotundo como éste se abrió paso fácilmente hacia el éxito, y llegó tan alto que resultó inalcanzable hasta para Sylvester Stallone, que pensó en ella como primera opción para la música de Rocky pero se le salía de presupuesto, por lo que recurrió a Survivor y su "Eye of the Tiger"



4. Somebody to love


La continuación de "A night at the Opera" (1975) fue "A day at the Races"(1976) y contenía una de las joyas atemporales del grupo, elegante mezcla de estilos rock y gospel con los toques operísticos de su disco antecesor. Es un tema de grandes exigencias vocales en el que Freddie Mercury se luce pero las aportaciones vocales de Roger Taylor y Brian May en el juego de voces in crescendo es también brillante. Una canción que ha tenido infinidad de versiones, siendo las más pintorescas las realizadas por Mocedades ("Un poco de amor" 1981) o Fito Páez ("Las dos caras del amor" 2011)



3. Love of my life


Gran tema del disco "A night at the Opera" (1975). Muy popular en los conciertos de Queen, en los que Mercury dejaba que el público cantara la mayor parte de la letra. En la versión de estudio, Brian May toca el arpa, pero como no era un virtuoso de ese instrumento grabó los acordes por separado para después juntarlos en la edición del tema. Tiene un papel destacado en la película "Bohemian Rapsody", quizá por eso ha cogido peso en el repertorio de Queen y un lugar privilegiado entre @las5canciones.



2. The Show Must Go On


Del disco Innuendo (1991). El cierre épico del último disco de Queen con Freddie Mercury en vida no podía faltar en este lista, y así lo habéis reflejado con vuestros votos. Esta impresionante canción fue escrita por Brian May para Mercury durante los últimos meses de su enfermedad, y la temática no escapa al inminente final que se vislumbra en el horizonte. Pese a todo, "el show debe continuar".

Otra versión es que la canción surgió inicialmente como homenaje al disco "The Wall" de Pink Floyd, ya que comparte título con una de las canciones de aquel disco, y la letra de la canción de Queen comienza con "Empty Spaces..." que es también el título de otra de las canciones del Muro.
Para la grabación, con un Freddie Mercury debilitado y enfermo, se grabó la canción por separado y Roger Taylor asumió las notas altas, pero cuando Mercury llegó al estudio, se tomó un vodka de un trago y dijo: "Yo lo haré completo, queridos".


1. Bohemian Rapsody


Hoy en día y desde hace muchos años, el primer puesto en todas las listas de canciones de Queen está bastante claro y gana por bastantes cuerpos de distancia, pero no siempre fue así. Tras un gran éxito inicial, tuvieron que pasar varios años hasta que el reconocimiento a su grandeza explotara definitivamente. Una escena de la película "Wayne's World", en la que los protagonistas la cantan dentro de un coche, la catapultó de nuevo e hizo que calara hondo en las nuevas generaciones. La siguiente resurrección es más reciente, la hemos vivido todos con el éxito y la repercusión de la película del mismo nombre.

La canción es una auténtica maravilla por su heterodoxa estructura musical, un largo tema barroco y sin estribillo, con varias partes diferenciadas y un despliegue musical en el que cabe prácticamente de todo. Comienza con una introducción a capella, para continuar después por senderos cercanos a las grandes baladas de piano. El cambio más llamativo viene tras el solo central de guitarra, cuando la canción gira abruptamente hacia la ópera y acto seguido se convierte en su desembocadura en una pieza de rock. En la parte final, descubrimos entregados que la canción tiene una estructura cíclica, al retomar el tono y las frases de la balada inicial. Queridos, ésta es a todas luces su obra cumbre, la canción más admirada, la que nos hace hincar la rodilla en tierra y rendir pleitesía a voz en grito: "¡Dios Salve a la Reina!"


También habéis votado:

6 I want to break free 30

7 Who wants to live forever 30

8 Under pressure 28

9 Innuendo 24

10 Don´t stop me now 22

11 Radio gaga 20

12 We are the champions 15

13 I want it all 14

14 Friends will be friends 13

15 Killer queen 13

16 A kind of magic 11

17 Dragon attack 11

18 Hammer to fall 11

19 We will rock you 9

20 Fat Bottomed Girls 8

21 Spread your wings 7

22 39 6

23 In the lap of the gods 6

24 Now I´m here 6

25 Tie your mother down  6

26 Brighton rock 6

27 Flick of the wrist 6

28 Breakthru 5

29 Prophet´s song 5

30 The march of the black queen 5

31 Father to son 4

32 In love with my car 4

33 Mustapha 4

34 Nevermore 4

35 One vision 4

36 Play the game 4

37 You are my best friend 4

38 You take my breath away 4

39 Death on two legs 4

40 Bicycle race 3

41 Crazy little thing called love 3

42 White Queen 3

43 Lazy in Sunday afternoon 3

44 My melancholy blues 3

45 Too much love will kill you 3

46 A winter´s tale 2

47 I was born to love you  2

48 I´m going slightly mad 2

49 Is this the world we created 2

50 It´s a hard life 2

51 Liar 2

52 Prince of universe 2

53 Sweet lady 2

54 It´s late 1

55 Millionaire waltz 1

56 You and I 1

El disco de la semana 129: Camaron - La leyenda del tiempo

El décimo disco de la discografía de Jose Monje Cruz, más conocido como Camarón de la Isla fue un cambio desde dentro del flamenco, si bien había habido acercamientos a este estilo musical desde el rock, (por ejemplo, Triana, o Pedro Iturralde acercando el Jazz al flamenco) es cierto que es la primera vez que desde el flamenco se trata de acercarse a otros estilos musicales y cambiarlos, nace desde el flamenco un nuevo tipo de flamenco. Y en este momento quizás el máximo exponente del flamenco cambia el estilo de esta música.

Colaboran en este disco un sinfín de artistas, Tomatito, Raimundo Amador, Kiko Veneno,  Jorge Pardo, Pepe Roca, Gualberto Garcia o Antonio Moreno "Tacita” por nombrar a algunos.

El disco fue un fracaso absoluto en su momento, algo que Camarón ya predijo, pues sabía que en un principio no entenderían lo que que acababa de hacer y con el tiempo lo comprenderían. Los más puristas del flamenco denostaron el disco y repudiaron de Camarón que volvió con su siguiente disco a un sonido más clásico, pero pasó el tiempo y esta Leyenda del tiempo se convirtió para muchos en el Sgt. Pepper's del flamenco.

La leyenda del tiempo

Utiliza los versos de Federico Lorca, recuperando hasta entonces para el flamenco al gran poeta granadino y que luego Enrique Morente le realizaría distintos homenajes destacando el disco Omega que realizo junto a Lagartija Nick. Una manera de devolverle el favor ya que Federico Garcia Lorca reivindico en su obra al flamenco (Poemas del cante Jondo) y al pueblo gitano. Veremos como la poeta está presente durante todo el disco. Acompaña en este disco al cantaor un jovencísimo Tomatito, y aquí tenemos un teclado, una guitarra eléctrica, una batería… tela, esta es la presentación.

Fue considerada la cuarta mejor canción de la historia del Pop/Rock español, por los lectores de la revista Rolling Stone en su edición española.

Romance del Amargo

Una vez mas el poeta presente en esta canción, en esta ocasión el cantaor rinde homenaje con otra de sus obras, en esta ocasión una buleria.

Homenaje a Federico.

Empieza como una buleria (el palo predilecto del flamenco) y termina con ese solo de batería de Tacita, uno de los pioneros de la fusión en flamenco, algo impensable hasta ese momento en el género. Compuesta por Ricardo Pachon y Kiko Veneno, en homenaje a Federico Garcia Lorca.

Mi niña se fue a la mar

En esta ocasión nos vamos con una Cantiñas de Pinini, que es un palo del flamenco típicamente gaditano. Es quizá el tema mas clásico del disco.

La Tarara

Adaptación de la canción clásica cantada toda la vida por los niños en los colegios y que en su momento fue recuperado por Garcia Lorca en sus canciones populares, este quinto de los cortes, parte de la tonada popular, pero va transmutándose a medida que se apoderan de ella la guitarra de Julio Roca y la sección rítmica, con José Antonio Galicia a la batería y Rubén Dantas a las cajas, momentos de psicodelia con los teclados hasta tomar un pulso de rock mestizo al que Rafael y Raimundo Amador no podían ser extraños.

 Volando voy

Una de las más conocidas canciones de Camarón, compuesta por Kiko Veneno. Es una de las primeras apariciones del cajón en las canciones de Flamenco, uno de los temas donde se ve más claramente la ruptura con el flamenco incluyendo hasta toques de Samba brasileña al final de la misma. Estamos ante un himno de la música de Camarón y una de sus obras más conocidas

Bahía de Cádiz

Alegrías a las que Camarón quería tanto y de nuevo la sorpresa de la batería que hace la función del zapateado. Y mediante las coplas de Fernando Villalón se nos remite a uno de los espacios que mejor encarnan la biografía de Jose Monge: un gran homenaje a esa tierra de margen y confluencia que son las Islas del Guadalquivir y donde vino al mundo.

Viejo mundo

“Viejo Mundo” es una muy libre adaptación de Kiko Veneno a un poema de Omar Khayam, el cual escribió una serie de poemas en lengua persa cuyo tópico era el “Carpe Diem”, ésta en concreto se trata de una canción de desengaño y amargura existencial. Si la escuchamos con detenimiento podemos llegar a la conclusión de que esta canción nos cuenta el drama de la vida humana, donde Camarón, en este caso, se hace las grandes preguntas que nos solemos hacer los humanos sobre nuestra existencia.

Tangos de la Sultana

Tema firmado enteramente por letra de F. Díaz Velázquez, A. de la Casa y R. Pachón, otro de los temas mas clásicos dentro del repertorio del disco donde Camaron da otra exhibición del potencial de su voz

Nana del caballo grande

Otra introducción de un elemento ajeno al flamenco, en esta ocasión Gualberto introduce con maestría el sitar, instrumento procedente de India, que se hace protagonista junto con la voz de Camaron y un acorde de teclado recitando el enorme poema escrito por Federico Garcia Lorca que crea un clima mágico. Es sin duda uno de los temas donde la pasión se desparrama en todos los segundos y el torrente de voz de Camaron llega a estremecerte.

La música en historias: Johnny cogió su guitarra

Hollywood Vampires

     Que Johnny Depp es un actor cómo la copa de un pino está más que claro y demostrado, no voy a ser yo quien descubra al Johnny Depp actor, con innumerables premios de reconocimiento internacional y con más más de 60 películas en su haber, pero sí me voy a detener en el Johnny Depp músico, una faceta suya que pudiera parecer que le ha venido con la madurez, todo lo contrario, pues con 12 años ya se hizo con su primera guitarra eléctrica.

     John Christopher Depp II nace en Ownsboro, Kentucky (Estados Unidos) en 1963, hijo de un ingeniero civil y de una camarera. Cuándo Johnny tenía 12 años su madre le regaló su primera guitarra eléctrica, una guitarra que aprendió a tocar de forma completamente autodidacta escuchando discos en su habitación. A partir de ahí estuvo en varias bandas de garage. Cuando Johnny tiene quince años sus padres se divorcian y su madre se casa con Robert Palmer (sí, el mismísimo Rober palmer), el cuál se convierte en una gran fuente de inspiración para él. A raíz de ese proceso de separación de sus padres Johnny comienza a consumir alcohol y drogas y deja la escuela secundaria con el firme propósito de ser músico. Durante esa época va y viene por numerosas bandas hasta que a principios de los años 80 funda el grupo The Flame, proyecto que tiene que dejar debido sus problemas financieros, y decide dedicarse a la actuación, a partir de aquí su carrera como actor no hace falta que os la cuente, y cómo el mismo reconocería "Nunca pensé en actuar, pero había que pagar facturas, había que buscar alternativas". Bendita alternativa.

     Pero su pasión por la música jamás la abandonó, hasta el punto de que en mayor o menor medida cuenta con innumerables aportaciones y colaboraciones, en 1997 toca la guitarra para el grupo Oasis en sus temas Fade in-Out y Fade Away, en 1999 colabora con Iggy Pop en el tema Hollywood Affair, en 2000 colabora en el disco Bliss de Vanessa paradis componiendo los temas St. Germain y Bliss y tocando la guitarra en Frimaman, ese año también toca la guitarra acústica en la película Chocolat, y en 2007 participa en la banda sonora de la película Sweeney Todd.

También colabora en el tema I Put a Spell on You de Shane McGowan (ex integrante de The pogues). También colabora con Aerosmith en 2012 en el tema Freedom Fighter, con Marilyn Manson en el tema You're So Vain, en el tema Queenie Eye de paul McCartney, y así podría seguir un rato más nombrando algunas más.

     Y llega el año 2015, y Johnny se lía la manta a la cabeza y se junta con Alice Cooper y con el guitarrista Joe Perry y juntos forman el grupo Hollywood Vampires, un grupo que surge para rendir tributo a la música rock de los años 70. Ese mismo año publican su primer álbum de estudio, titulado también Hollywood vampires, y cuentan con colaboraciones de músicos de la talla de Paul McCartney, Dave Grohl, Joe Walsh, Brian Johnson y Orianthi entre otros.

     Lo del Johnny depp músico como podéis comprobar no es fruto de una ocurrencia de verano, es una pasión que él tenía mucho antes de convertirse en actor, pero por suerte la ha podido ir compaginando con su carrera como actor, no sólo cómo músico, también cómo compositor. Y cómo decía mi abuelo "El que vale...vale", y Johnny vale mucho.

Canciones que nos emocionan: Hijos de Caín, Baron Rojo

En un lugar de la marcha, Barón Rojo

     "La Bíblia cuenta una historia

que un Dios terrible dictó

el drama de dos hermanos

el justo y el traidor....."

     Así empieza el que es para mí uno de los mejores temas de la historia de rock español, y por lo tanto merecía un hueco en la sección de Canciones que nos emocionan. 

     Corre el año 1985 y Barón Rojo (compuesto por los hermanos Carlos y Armando de Castro, Jose Luis Campuzano "Sherpa" y Hermes Calabria) publica bajo el sello discográfico Chapa Records el que sería su cuarto álbum de estudio, de título En un lugar de la marcha. Un disco que venía a consolidar más si cabe al grupo dentro del panorama tanto nacional como internacional y que está encuadrado dentro de la época dorada del grupo. Un disco que les sirvió para seguir haciendose grandes dentro y fuera del territorio nacional haciendo extensas giras en Francia y Sudamérica además de en España.

     Dentro del disco nos encontramos con Hijos de Caín, compuesto por nuestro querido Jose Luis Campuzano "Sherpa", un tema que viene a corroborar la maestría compositora que atesora el bajista, cantante y compositor. Para la grabación del tema contaron con la colaboración de José Barta a los teclados, que por entonces tocaba en el grupo Goliath.

La Biblia cuenta una historia

que un Dios terrible dictó

el drama de dos hermanos

el justo y el traidor

Abel mezquino y cobarde

el siervo de su señor

Caín que no entró en el juego

y que se reveló

Te maldigo, truena la voz de su juez

padre nuestro, que nos privó del edén

Caín rompio con un gesto su yugo de esclavitud

huyó del ojo implacable

llevó su propia cruz

Perseguido por quebrantar una ley

que no entiende y que no cuenta con el

Sufriras, moriras

esta es su voluntad

pero aún hay aqui

Hijos de Caín

La estirpe del fugitivo, creció y se multiplico

el signo que los margina ya nunca se borro

te maldigo, claman los hijos de Abel

a la diestra de su señor el poder

Sufriras, moriras

esta es su voluntad

pero aún hay aqui

Hijos de Caín

Oh!

Quizá los hombres seamos a un tiempo Abel y Caín

quizá un día destruya lo oscuro que hay en mi

el destino no está marcado al nacer

yo he elegido ser lo que siempre seré

HIJO DE CAIN

Hijos de Caín

     Hijos de Caín es una obra maestra, donde al escuchar la intro ya sabemos que se nos avecina algo muy grande, y que tras la primera estrofa del tema ya estamos completamente hipnotizados ante la historia que estamos a punto de descubrir. Un tema crítico, muy crítico, donde el grupo pone en tela de juicio los valores y las leyes que aparecen en la Biblia. Un temazo dónde el grupo demuestra por qué es uno de los mejores de la historia del rock de nuestro país, con una letra dónde Sherpa es capaz de hilar tan fino que es capaz de poner contra las cuerdas a las escrituras sagradas. ¿Y si no fuera cómo nos lo han contado durante toda la vida............?

La música en historias: El club de los oídos

     Desde el origen de la música y desde que tenemos conocimiento de los primeros músicos de la historia hasta la actualidad, ésta ha ido evolucionando a pasos agigantados y a través de su historia han surgido infinidad de estilos musicales y músicos que han sabido elevar este maravilloso arte a cotas inimaginables.

     Dentro de ese inunmerable elenco de artistas que han pasado  por toda la historia de la música me voy a detener en ese grupo de músicos que sin tener ni idea de solfeo, sin saber leer una triste partitura y sin haber estudiado en su vida este noble arte ayudaron a engrandecerlo gracias a sus contribuciones.

      ¿Pero cómo puede ser que sin haber dedicado un sólo minuto ni siquiera a aprenderse las notas (ya fuera por falta de medios o porque sencillamente no lo necesitaban) pudieran tocar una sola nota y además a hacerse grandes? Gracias al oído, hay gente que con sólo oir una nota es capaz de reproducirla con una exactitud demoledora, cómo por ejemplo uno de los reyes del blues, nuestro querido Robert johnson el cuál aprendió a tocar la guitarra de oído escuchando temas en la radio y en el fonógrafo. Robert Johnson está considerado cómo el rey del Delta Blues, con todo lo que eso significa.

Robert Johnson

   
     También tenemos al mismísimo Jimi Hendrix, que sin apenas tomar clases de música cambió la forma de entender y tocar la guitarra eléctrica. De él se dice que cuando era joven afinó su guitarra yendo a una tienda de instrumentos y tocando alguna que otra nota de los instrumentos que allí había, quedándose con la copla de las notas tocadas para luego reproducirlas en su guitarra, ya que no tenía recursos ni para tener siquiera un afinador.

     El mismísimo rey del Rock & Roll, Elvis presley grabó su primer disco sin tener ni idea de de leer música ni de interpretar partituras, menos mal. Y que vamos a decir de Django Reinhardt, que empezó tocando la guitarra sin tener ni idea de leer ni escribir, y mucho menos solfeo. Django está considerado como una de las grandes figuras de jazz.

Jimi Hendrix

     Paul McCartney es otro de este selecto grupo, un músico que a pesar de no sabr escribir partituras era capaz de reproducir exactamente lo que quería hacer. Su compañero de grupo John lennon tampoco tenía idea alguna de leer e interpretar partituras. Menos mal, porque lo que hicieron estos dos chicos con George Harrison y Ringo Star con los Beatles forma parte de la historia de la música.

     Mozart, aunque su caso es diferente, pues si sabía solfeo, pero no con tres años, edad a la que ya sabía sacar melodías de oído, todo un genio.  Prince, el cuál fue abandonado por su padre cuando tenía seis años, su padre se llevó todas sus cosas menos un piano, un piano que éste utilizó para sacar melodías de sus series de televisión favoritas, casi nada.

Paul McCartney

     ¿Cómo puede ser que el mismísimo Luciano Pavarotti no tuviera idea alguna de leer partituras? Para aprenderse las canciones tenía a una persona que le enseñaba estas fonéticamente.

     B. B. King es otro de este ilustre y selecto grupo que nunca se molestó en leer e interpretar partitura alguna. Los Bee Gees componían todos sus temas de oído, el mítico guitarrista Pete Townshed, el principal compositor del grupo The Who, aprendió a tocar además de la guitarra eléctrica varios instrumentos de forma completamente autodidacta. Otro que aprendió de forma autodidacta es Rory Gallagher (uno de los mejores y más influyentes guitarristas de blues rock que ha parido madre) el cuál llegó a tocar la guitarra eléctrica, la mandolina, el banjo, la armónica y el saxo.

Pete Townshed

     Y muchísimos músicos más que me dejo en el tintero que sin saber leer una sóla nota han hecho cosas muy grandes en el noble arte de interpretar música.
Sirva este pequeño post cómo homenaje a este grupo de músicos, pues además de demostrar el inmenso talento que tienen o tenían nos han demostrado que nada es imposible y que sólo hay que proponérselo, lo único que hay que hacer es agudizar el oído, ¿Por qué no?