Grandes éxitos y tropiezos: Helloween

 

Heloween

     Esta semana cambiamos radicalmente de estilo, y para ello traemos a una de las bandas más grandes de Metal de todos los tiempos, considerada como los padres del power metal, siendo además una de las bandas más influyentes para el desarrollo de éste género musical, Helloween. Si en sus comienzos su estilo estaba orientado hacia un sonido como el speed metal, fueron virando en su estilo hasta convertirse en una de las bandas más influyentes de la historia del power metal. Como siempre, en esta sección vamos a indicar nuestras recomendaciones si queréis navegar por la amplia discografía de esta banda alemana, que atesora nada menos que 17 álbumes de estudio y 6 en directo. 

Estás tardando en compralo:

Keeper of the seven keys: part II (1988); Estamos hablando de uno de los discos más importantes de la historia del power metal, un álbum en el que muchas bandas se inspiraron posteriormente. Este brutal trabajo está repleto de himnos como Rise And Fall, March Of Time, Dr. Stein,  I Want Out, Eagle Fly Free o Keeper Of The Seven Keys. Keeper of the seven keys: Part I (1987); Si la segunda parte de éste álbum está considerado como la obra cumbre, no menos importante es este primero de la saga. No olvidemos que el I y II fueron concebidos como un álbum doble y no llegó a salir por la negativa del sello discográfico, por lo que el material salió dividido en dos partes. Un gran disco con mucho peso e influencia en el Metal de los años 80, con temazos como Future World, A Little Time, I'm Alive o Twilight Of The Gods, éste último tema caracterizado por la utilización de sólos de guitarra de gran técnica donde Kai Hansen incluye por primera vez en la historia del power metal la técnica del barrido, llamado sweep Picking, consiguiendo que los 17 sólos de guitarra a dúo de esta canción la conviertan en una obra maestra.  The Dark ride (2000); Es el disco más oscuro y potente de la carrera del grupo, con una excelente producción que corrió a cargo de Roy Z y Charlie Bauerfeind. La banda apostó por un sonido más agresivo que sus anteriores trabajos. Contiene temazos como Mr Torture, I Live For Your Pain y If I Cold Fly. Este disco marcó el final de una época, pues ese sonido potente, rápido y oscuro del álbum generó disputas internas que acabó con la expulsión de la banda de Uli Kusch y Roland Grapow.

Si te queda pasta, llévate también:

Better Than Raw (1998); Un disco con una producción muy cuidada y con un sonido muy atípico para lo que venía haciendo el grupo. El grupo explota muy bien la creatividad con un sonido crudo y unas muy buenas composiciones, entre las que encontramos I Can y Hey Lord entre otras, que hacen de este disco muy apetecible y recomendable. Master Of The Rings (1988); Disco en el que debutaron el vocalista Andi Deris y el baterista Uli Kusch. Una época de cambios no sólo en la formación, también en el sonido del grupo que regresó a las raíces del power metal, estilo que habían abandonado en los trabajos anteriores y que dominan a la perfección. Straight out of hell (2013); Trabajo con un excelente producción, grabado en los estudios Mi Sueño en Tenerife, donde ya habían grabado anteriormente. Contiene otros tantos buenos temas como Nabatea o Wanna Be God, este último dedicada a la figura de Freddie Mercury. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Chameleon (1993); El último trabajo de la primera etapa de Michael Kiske en la formación, y la salida del baterista Ingo Schwichtenberg. Un disco donde la tónica fue la experimentación musical. Dicha experimentación musical pasaría factura, ya que no fue del agrado de gran parte de la crítica ni de los fans de la banda, donde no gusto ni siquiera la portada del disco. Abandonar el power metal y apostar por otros estilos como el rock, el funk o incluso el pop, no fue una idea muy buena. Keeper Of The Seven keys: The Legacy (2005); Estar a la altura de la las partes I y II de Keeper Of The Seven Keys no era tarea fácil, y con esta tercera parte no se acercaron ni de lejos. Esta tercera parte, concebida más de quince años después, con otro cantante y en una etapa en claro declive de la banda, sólo puede ser entendida con un objetivo puramente comercial. El tema Light The Universe, cantado por Andi Deris a dúo con Candice Night, integrante del grupo Blackmore's Night, es de lo poquito salvable del álbum. Gambling with the devil (2007); Un disco no puede ser juzgado por su portada, pero en este caso no se cumple esa premisa. Este álbum, con esa portada no ayuda, y está relleno de temas normalitos. Esta banda sabía hacerlo mucho mejor, como ya habían demostrado en tantas ocasiones, y así había que exigirle.

Si por otra parte te interesan temas sueltos de la banda, amén de la infinidad de listas que circulan por ahí, recomendamos nuestras cinco canciones top:

1. Eagle Fly Free

2. If I could Fly

3. Ride The Sky

4. I Want Out

5. Dr. Stein

El disco de la semana 294: Blackout - Scorpions

 

Blackout, Sorpions

     A finales de 1981 y depués de cerrar dicha gira exitosa, Scorpions decide regresar a Alemania para preparar y grabar el que sería su octavo álbum de estudio Blackout. El grupo se mete en los Dierks Studios de colonia (Alemania) propiedad de Dieter Dierks que además sería el productor del disco.

Durante la grabación del disco sucedió un hecho que puso en peligro la grabación el disco e incluso la continuidad del grupo. El vocalista Klaus Meine empezó a tener problemas en su voz que le impedían mantener su registro y mantener tonos altos, llegando incluso momentos en los que no podía ni pronunciar palabra. Klaus preocupado por los problemas de su voz decidió acudir a un médico, el cuál tras valorarle le dijo que no tenía solución y que lo mejor que podía hacer era cambiar de profesión. Klaus hundido y frustrado por el diagnostico decide reunir a la banda y les plantea la posibilidad de renunciar al grupo para que buscasen otro vocalista. Sobre éste hecho Rudolf Schenker siempre afirmó que nunca se les pasó por la cabeza reemplazar a Klaus y que esperarían el tiempo que hiciera falta para que éste se recuperara, no importaba si el disco se retrasaba o incluso si la banda se tenía que separar, pues tenían muy claro que Scorpions sólo seguirían con Klaus Meine como vocalista, al que consideraban una pieza fundamental del grupo.

Animado por el apoyo de sus compañeros Klaus decide buscar una segunda opinión médica, y para ello acaba viajando a Austria y se pone en manos de un doctor que estaba especializado en tratar a varios cantantes de ópera. Después de dos cirugías vocales y un riguroso y metódico entrenamiento pudo volver a trabajar con sus compañeros, consiguiendo además después del tratamiento tener una voz mucho más cristalina y un rango vocal mucho más amplio.

Así nace Blackout, el octavo disco de estudio y uno de los mejores trabajos del grupo germano. El disco es grabado en los Dierks Studios de Colonia durante el año 1981, bajo la producción del mismo Dieter Dierks, y publicado el 29 de marzo de 1982 por el sello discográfico Harvest/EMI y unos días más tarde por el sello Mercury Records únicamente para el mercado norteamericano. La portada del disco fue obra del artista austriaco Gottfried Helnwein, y se trata de un autorretrato de él mismo, donde se le ve utilizando una bandana en su cabeza y tenedores en ambos ojos. El álbum tuvo un gran éxito nada mas ser lanzado en Europa, y en Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista Billboard 200.

Un disco redondo de los alemanes en el que podemos disfrutar de temas como el cañero Dynamite, el trallazo inicial de Blackout, uno de los temas buque insignia de la banda y que fue compuesto por el grupo tras una fiesta en la que estuvieron con los guitarristas KK Downing y Glenn Tripton de Judas Priest y los chicos de Deff leppard y en el que tras la misma Schenker sufrió un apagón (blackout en inglés) al no recordar nada a partir de cierto momento de la noche; la gran Can't Live Withoutn You con una apertura y un riff de guitarra es brutal, tema dedicado a los fans. La letras fueron escritas por Klaus Meine y la música fue obra de Rudolf Schenker, un tema que trata sobre las bandas de rock y sobre que no pueden vivir sin sus fans; o la clásica No One Like You, otro de los grandes iconos y éxitos de la banda que logró alcanzar el puesto número 1 en la famosa lista Mainstream de Estados Unidos. Curiosamente el tema originalmente fue compuesto primero en alemán y modificado y traducido posteriormente al inglés. Al igual que el tema anterior, obra de Meine y Schenker, y la temática trata sobre un hombre que perdió a su amor y como trata de recuperarla. 

Blackout forma ya parte de los grandes clásicos del heavy metal, un disco que hay que escuchar al menos una vez en la vida.

El disco de la semana 289: British Steel - Judas Priest

 

British Steel, Judas Priest

     En abril de 1980 la banda británica Judas Priest publica su sexto álbum de estudio, British Steel. Este trabajo sería el que consagraría definitivamente a la banda en todos los mercados mundiales. El disco fue grabado en los Starling Studios de Ascot, Reino Unido, propiedad de Ringo Starr, bajo la producción del productor discográfico e ingeniero de sonido británico Tom Allom, y publicado el 14 de abril de 1980 por el sello discográfico Columbia Records. La grabción del álbum fue realizada en tan solo 28 días, entre enero y febrero de 1980. Este sería el primer álbum con el baterista Dave Holland, quien reemplazaba a Les Binks. El resto del grupo eran los ya conocidos Rob Halford (voz), Ian Hill (bajo), K. K. Downing (guitarra) y Glenn Tipton (guitarra).

Este álbum les consagra en todo el mundo, llegando tras su lanzamiento al cuarto puesto en las listas de ventas del Reino Unido, vendiendo allí en poco más de un mes más de 60.000 copias. Para la promoción del disco el grupo se embarca en una extensa gira llamada British Steel Tour, contando con Iron Maiden como teloneros en sus conciertos en Reino Unido, mientras que Estados Unidos tuvieron como teloneros a bandas como Def Leppard y Scorpions. Para la mayoría de la crítica este trabajo, además de consagrar a la banda, colocó al heavy metal en la escena musical de principios de los 80, y además es considerado como el punto de inflexión que encabezó el llamado NWOBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico).

Durante la grabción del material del álbum, tanto el productor Tom Allon como la banda quisieron agregar diversos efectos a sus canciones, pero como por entonces todavía no existían maquetas de ellos, tuvieron que crearlos. Dichos efectos se aprecian por ejemplo en Metal Gods, donde simulan el sonido de un látigo con el cable de una guitarra golpeando una maleta sobre una mesa. Los truenos que se escuchan al principio fueron creados por el vaivén de una puerta que se cerraba de golpe. El sonido que simula una marcha de robots se hizo balanceando unos tacos de billar en el aire. En la canción Breaking The Law se realizo el efecto de unos vidrios que se rompen los cuales fueron hechos con botellas de leche y cerveza que fueron rotos en el porche de lo estudios propiedad de Ringo Starr, y el sonido de la sirena de policía que podemos escuchar fue creado con el trémolo de la Fender Stratocaster de K. K. Downing, posteriormente Tom Allom se encargó revertir y comprimir el sonido en el estudio. 

Al final del proceso de grabación del álbum fue creado un rumor por Tony McBrain, agente de la empresa de relaciones públicas London PR, dicho rumor consistía en afirmar que las cintas de las grabaciones habían sido robadas. El rumor, que llegó incluso hasta los medios de comunicación, fue inventando sin consentimiento de la banda ni del equipo de producción. Precisamente fueron los medios de comunicación los encargados de alimentar el rumor, afirmando incluso que la banda ofrecía una recompensa por la recuperación de las cintas y que la gira promocional corría peligro. Al final la banda tuvo que dar numerosas conferencias para desmentir y afirmar que todo había sido un montaje a sus espaldas.

La portada del disco fue creada por Rolav Szaybo, quien al conocer el título, se basó en la empresa siderúrgica del mismo nombre, British Stell Corporation, que se dedicaba a la fabricación de acero inoxidable para la elaboración de hojas de afeitar. Curiosamente el guitarrista Glenn Tipton trabajó durante cinco años en dicha empresa. Para ello Rolav colocó en una mano una hoja de afeitar con el logo de la banda en el interior de la misma, y en ambos costados el título del álbum. 

Abre la cara A del álbum Breaking The Law, compuesta al igual que todos los temas del álbum por K. K. Doning, Glenn Tipton y Rob Halford. En el tema introdujeron los ya mencionados efectos de vidrios quebrados y la sirena de policía hecho con el trémolo de la guitarra de Downing. Estamos ante una de las canciones más famosas de la historia del heavy metal. La letra habla de un hombre cansado de llevar una ordinaria y aburrida vida, esto le llevará a arriesgarse y a comenzar a romper la reglas violando la ley. Rapid Fire, una canción con un frenético e implacable ritmo que nos habla sobre le fín del mundo. Metal Gods, tema donde usaron tacos de billar balanceados al aire para simular la marcha de robots. La temática está clara, los Dioses de Metal (Metal Gods), son robots que se han revelado y vienen a destruirnos a todos. Grinder, Rob Halford escribió la letra como una crítica de como los gobiernos y las grandes corporaciones trataban a las personas como pedazos de carne, explotándolas para sus propios medios. La canción también era una forma de expresar la tensión sexual que Halford sentía como un hombre gay encerrado, buscando "carne" y esforzándose por mantener discretas citas por el temor a que su secreto saliera a la luz. Cierra la cara A United, llamada por Halford como "Un himno de nosotros contra el mundo". Inspirada en la impopularidad del gobierno conservador del Reino Unido a principios de la década de los años 80. También era una llamada a los metaleros en un país donde el movimiento punk predominaba sobre todos los demás. 

La cara B se encarga de abrirla Living After Midnight, otro de los grandes temas de la banda. La canción trata sobre la vida nocturna de una estrella de rock que  deambula por la ciudad a la 1 de la madrugada y hasta el amanecer. El título surgió a raíz de un incidente cuando el cantante Rob Halford estaba tratando de dormir un poco. Una noche, sobre las 4 de la madrugada, Glenn Tipton configuró su amplificador y empezó a trabajar en riffs de guitarra. Arriba de la sala se encontraban los dormitorios, y Rob Halford, que se encontraba durmiendo, se despertó a causa del ruido, por lo que bajó, le pidió a Tipton que bajara el volumen del amplificador y le dijo: "¡Vas a vivir después de la medianoche aquí abajo, Si!", Tipton respondió emocionado que aquella frase era un gran título para una canción. Halford escribiría la letra de la canción ese mismo día. You Don't Have To Be Old To Be Wise, canción que al igual que Breaking The law nos invita romper las reglas establecidas, a revelarnos contra los poderes que en todo momento nos programan y nos dicen que hacer en todo momento. The Rage, otra canción con carácter reivindicativo. El comienzo e la canción es algo atípico por sus primeros 40 segundos con su ritmo reggae. Cierra la cara B  Steeler, una gran forma de cerrar este memorable e imprescindible álbum con esta canción con un salvaje ritmo y los grandes y poderosos riffs de guitarra de Tipton y Downing.

El disco de la semana 274: War Eternal - Arch Enemy

 

War Eternal, Arch Enemy

     Para la recomendación de este semana nos vamos a la localidad sueca de Halmstad, donde se formó allá por 1995 la banda de death metal melódico Arch Enemy. Sus primeros componentes provenían de contrastadas bandas como Carcass, Armageddon, Carnage, Mercyful Fate, Spiritual Beggars, The Agonist, Nevermore y Eucharist. El grupo fue fundado por el por entonces guitarrista de Carcass Michael Amott junto con Johan Liiva, que asumirá las tareas de vocalista de Arch Enemy. durante su historia, la banda ha sufrido numerosos cambios en su formación, como la de su vocalista, pues Johan Liiva sería sustituido por la cantante Angela Gossow, que permanecería en la banda hasta marzo de 2014, siendo reemplazada por la cantante canadiense Alissa White-Gluz.

En 2014 Arch Enemy, que en ese momento está conformado por Michael Amott (guitarra), Nick Cordle (guitarra, teclados), Sharlee D'Angelo (bajo), Daniel Erlandsson (batería, teclados) y la recién llegada Alissa White-Gluz (vocalista), publican su noveno álbum de estudio, War Eternal. Alissa llegaba a la banda para sustituir a Angela Gossow, quien había renunciado a sus funciones como vocalista para convertirse en la mánager de la banda. La baja de Angela podría haber supuesto un duro golpe para la banda, pero lejos de montar un drama, el grupo se puso manos a la obra y siguiendo la recomendación de la propia Angela terminaron audicionando a Alissa, que acabaría conectando con la banda de inmediato.

El álbum es grabado entre 2013 y 2014 en varios estudios, los Fascination Street Studios (Varberg, suecia), los West Coast Songs y Sweetspot Satellite (Halmstad, Suecia) y los Riksmixingsverket (Estocolmo, Suecia) bajo la producción de la misma banda, y publicado el 6 de junio de 2014 bajo el sello discográfico Century Media. La portada del álbum fue diseñada por el artista rumano Costin Choireanu, quien según Michael Amott, líder de la banda, fue capaz de captar la visión que tenía sobre lo que debía ser la portada del disco. Las temáticas del grupo suelen las que vienen desarrollando durante su carrera, letras donde nos hablan de rebelión, críticas a la sociedad y a la religión, en concreto la cristiana. 

Una de las dudas de este álbum era sí Alissa encajaría en la dinámica del grupo y si sería capaz de sustituir a Angela. Alissa quizá no tenga ese punto de agresividad que Angela tiene, pero lo suple con creces con una capacidad de moverse por registros mucho más variados que Angela, siendo capaz de pasar de voces guturales a voces nítidas y limpias con una facilidad pasmosa. El grupo liderado por Michael Amott sigue fiel a su estilo dentro del death metal melódico y después de un par de trabajos bastante discretos, The Root of All Evil (2009)  y Khaos Legions (2011), nos regalan un gran trabajo, a la altura de discos como Heartwork, Burning Bridges, Stigmata o Wages Of Sin. Michael Amott parece recuperar la inspiración en un disco donde comparte tareas de composición con Alissa White-Gluz. La banda se atreve, y con muy buen criterio y resultados, a incorporar elementos orquestales en temas como You Will Know My Name, Avalanche o Time Is Black. Tampoco faltan temas llenos de fuerza y velocidad como Tempore Nihil Sanat (Prelude In F Minor), No More Regrets, o Stolen Life, melódicos como War Eternal, Ass The pages Burn o You Will Know My Name, acústicos, como Graveyard Of Dreams o instrumentales, como el tema que además cierra este notable trabajo, Not Long For This World. 

War Eternal volvía a colocar al grupo liderado por Michael Amott en el lugar que le corresponde. La vuelta de la inspiración de Amott, junto con la llegada de Alissa White-Gluz que además compone, sacaban al grupo del estancamiento en el que estaban inmersos para regalarnos un gran álbum de death metal melódico.

0470.- In A Gadda Da Vida - Iron Butterfly

Iron Butterfly no les debió poner nada fácil a los locutores y DJ's de los programas de radio fórmulas de 1968 la presentación y programación de su, por entonces, nuevo tema. Con el extraño título de In-A-Gadda-Da-Vida y sus 17 minutos de duración, parecía un auténtico reto que la canción pudiera convertirse en un gran éxito, y el desafío se hizo extensible al álbum del mismo título, en el que In-A-Gadda-Da-Vida ocupaba toda la segunda cara.

El extraño título surgió de lo que conocemos como un "teléfono escacharrado", cuando el baterista Ron Bushy, mientras escuchaba el tema a través de unos auriculares, preguntó a Doug Ingle por el título que tendría aquella canción.  Con la música atronando por los auriculares, Ron no escuchó bien la respuesta de Doug, y convirtió In the Garden of Eden ("En el jardín del Edén") en In-A-Gadda-Da-Vida. Aquella anécdota les hizo tanta gracia, que decidieron que ese sería el título de aquella larga e intrincada canción en la que Adán declaraba su amor por Eva.

In-A-Gadda-Da-Vida es una de las primeras canciones del género "heavy metal" y una de las obras cumbre de la "Mariposa de Hierro", con un memorable y distintivo riff de guitarra y bajo, mantenido a lo largo de todo el tema, y actuando como base rítmica para extensos y elaborados solos de órgano y guitarra. La canción incluye también, en su tramo central, uno de los solos de batería más recordados de la historia del rock. Junto a Black Sabbath, abrieron la puerta al heavy metal y al rock progresivo y psicodélico, géneros que nos han regalado algunas de las obras más relevantes de la historia de la música, aunque muchos nunca hayan llegado a entenderlos del todo, perdiendo la oportunidad de pasar un buen rato "En el jardín del Edén".

Grandes éxitos y tropiezos: Metallica

Metallica

     Si la semana pasada en la sección de Grandes éxitos y tropiezos estuvimos en Nueva York, en esta ocasión no cambiamos de país pero sí de sitio, concretamente San Francisco, donde esta banda originaria de Los Ángeles, estableció su base allá por 1983, no podía ser otra que Metallica. Allí se forjó y creció una banda que lleva dando caña desde 1981, habiendo vendido hasta la fecha más de 120 millones de copias de sus discos y habiéndose ganado a pulso la consideración de una de las grandes bandas del trash metal, sino la mejor. Metallica nos ha deleitado con su gran calidad no sólo con sonidos trash metal, también con otras vertientes del género, como el heavy metal, speed metal o el hard rock. Tras una trayectoria que abarca ya más de cuarenta años se esconde un amplísimo material, y si estás interesado en comprar algo de ese extenso trabajo, vamos a intentar aportar un poco de luz sobre que discos deberías comprar primero si estás empezando a indagar sobre esta banda y que discos dejar para el final, pues además de grandes trabajos también tiene algún que otro tropiezo.

Estás tardando en comprarlo:

Podemos comenzar tranquilamente con Master Of Puppets (1986), considerado uno de los mejores discos del grupo, sino el mejor, y también uno de los mejores álbumes de metal de la historia. Un disco que supuso además el primer disco de oro de la banda tras vender 500.000 copias, cifra que con el tiempo llegaría a las 6.000.000 millones de copias vendidas. Todo un clásico del trash metal que contiene temas que ya se han convertido en himnos de la banda y del género, tales como Master of Puppets, Orion, Battery o Damage Inc. Otro discazo que deberías llevarte bajo el brazo es ...And Justice For All (1988). Y es que la banda seguía enchufada y en plena ascensión hacia el éxito, pues con este álbum ganó la friolera de ocho discos de platino al vender nada menos que unos ocho millones de copias. Para la historia queda ya la mitica portada donde aparece la estatua de la Dama de la Justicia agrietada, atada con cuerdas, con los pechos al descubierto y con su balanza llena de dólares, y con las palabras "...And Justice For All" escritas en el lado derecho. Con este disco la banda muestra una clara evolución a la hora de la composición, mostrando temas más complejos que los vertiginosos temas a los que nos tienen acostumbrados, temas como ...And Justice For All o la obra maestra One. Kill 'Em All (1983) es otro de esos discos que no nos puede faltar. Este es el disco preferido de muchos de los más fieles seguidores de la banda, quizás porque además de ser el primero fue el que marcó claramente las señas de identidad del grupo, unas señas que a día de hoy todavía se mantienen. Ya desde su publicación llamó la atención de la crítica por su innovación dentro del género trash metal, y es que esa mezcla de punk y metal a un ritmo frenético acabaría marcando escuela para multitud de bandas que llegarían con posteridad. Ride The Lightning (1984) es otro de esos discos que no pueden faltar. Segundo disco de estudio del grupo, es otro de los discos clásicos del grupo, considerado además por la crítica como uno de los mejores álbumes de de metal de todos los tiempos. Con Kirk Hammett asentado como solista del grupo, mantiene la esencia y la velocidad de su álbum debut, Kill 'Em All, y marcaría la esencia y los pasos a seguir de sus siguientes trabajos. Disco que contiene trallazos como Fight Fire With Fire, For Whom The Bell Tolls o Fade To Black.

Si te queda pasta, llévate también: 

Metallica (1991), disco que apostó por un cambio de sonido más contundente, perdiendo parte de esas raíces que provenían del trash metal. Con un cuidado extremo en la producción, el disco contó con varas innovaciones técnicas para aportar un sonido que se acercara lo máximo posible al directo. En un principio este disco recibió malas críticas de un sector que no entendió el cambio de estilo de la banda, más cercano al hard rock, pero con el tiempo se ha convertido en un disco que suele figurar en los puestos más altos en todas las listas que circulan por ahí de los mejores trabajos del grupo. Temas como Enter Sandman, Nothing Else Matters o The Unforgiven han pasado a ser parte imprescindible en la historia de la banda e hicieron que una nueva legión de adeptos se fijaran en la banda y pasaran a seguirla de forma incondicional. S&M (1999), no es un disco de estudio, es en directo, pero merece la pena que te lo lleves si todavía te queda algo de dinero. Estamos hablando de un disco doble en directo grabado con la Orquesta Sinfónica de San Francisco. El título S&M fue elegido por ser un juego de palabras que aludía a Sinfonía (S) y a Metallica (M). La banda demuestra todo su potencial en directo y su perfecta adaptación, que nunca es fácil, para trabajar con una orquesta sinfónica. Muy destacables lo arreglos orquestales, hechos por Michael kamen, director de la Orquesta Sinfónica de San Francisco en aquel momento. 

Vuelve a dejarlo en el expositor: 

El hecho de juntar a dos grandes estrellas no es siempre garantía de éxito, y es precisamente lo que sucedió con Lulú (2011), grabado por la banda junto con el difunto amigo de ésta, el gran Lou Reed. Curiosamente éste fue el último trabajo de estudio de Lou Reed en estudio antes de su fallecimiento en 2013. El disco se basó en la ópera Lulú, la cual estaba inspirada a su vez en los escritos del dramaturgo alemán Frank Wedekind. Los estilos de Lou Reed y de Metallica no acaban de encajar en este trabajo, es como si cada uno hiciese la guerra por su cuenta. A pesar de tener alguna que otra crítica positiva, casi todas fueron en este sentido, negativas. Dos artistas de la talla de Lou Reed y Metallica podían habernos dado más, mucho más. St. Anger (2003), la banda llevaba unos seis años sin sacar nada nuevo desde Reload (1997), y este trabajo era muy esperado por parte de los fans. La banda apostó por un estilo basado en el Metal Alternativo y el Nu-Metal. Esta sería la primera y la última vez que tocaran algo así, no volverían a hacerlo. Casi nadie entendió este cambio de estilo. Para cualquier otro grupo St. Anger podría llegar a ser un disco correcto, incluso bueno, pero no para Metallica si lo comparamos con sus otros grandes trabajos. La baja de Jason Newsted, la falta de guitarras contundentes y de sólos de guitarra, los problemas de alcoholismo y adicciones de James Hetfield que hicieron que se suspendiera indefinidamente la grabación al entrar éste en rehabilitación, y apostar por un sonido más moderno y una producción más cruda, quizás nos da la explicación de este extraño y fallido proyecto. No cabe duda que se equivocaron. 

Si por el contrario, lo que quieres es empezar a conocer a Metallica a través de sus canciones, te recomendamos que empieces por:

Nuestro TOP 5:

1.- One

2.- Creeping Death

3.- Orion

4.- Seek And Destroy

5.- The Unforgiven

Grandes éxitos y tropiezos: Guns and Roses

 

En esta nueva entrega de Grandes Éxitos y Tropiezos, le llega el turno a una de los grupos más grandes de finales de los 80 y primeros de los 90, los angelinos Guns and Roses. Armas y Rosas, delincuencia y estrategia de marketing, talento e irreverencia, y otros muchos términos contrapuestos que se nos podrían ocurrir, y que servirían todos para describir a una banda que parecía no tener techo y que, asfixiada por los conflictos internos, acabó por devorarse a sí misma, hasta convertirse en la mercenaria reunión de viejas glorias que, hoy en día, pasa la gorra (y se la lleva llena de billetes verdes) de festival en festival. ¿Quieres comprar un disco de Guns and Roses? Pues deja que te orientemos en esta sección, porque en eso tampoco escapan a esa dualidad a la que nos referíamos anteriormente, coleccionando grandes éxitos, pero también sonoros tropiezos.

Estás tardando en comprarlo:

Axl, Slash y compañía debutaron en 1987 con el mayúsculo Appetite for Destruction. Jóvenes, rudos y derrochando talento a raudales, entregaron uno de los mejores discos de rock de la historia, con temas que forman parte del cancionero universal de la banda como Welcome to the Jungle, Paradise City, Sweet child of mine o Rocket Queen. Un disco casi perfecto, que podría haber sido aún mejor si tenemos en cuenta que, entre sus descartes se encontraban temas como You could be mine o Back off Bitch, que acabarían siendo trallazos de discos posteriores. Todo lo que necesitas de Guns and Roses está en Appetite for Destruction, sin aderezos ni instrumentaciones añadidas, solo el derroche sonoro de unos descarados debutantes, dispuestos a disputarle el trono del rock a cualquiera que se les pusiera delante.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Cuatro años después de este fulgurante debut, y con el paréntesis de Lies (1988), un disco refrito de una actuación en 1986 y de cuatro memorables temas en acústico por las que merecería la pena llevárselo (Patience y One in a million están a la altura de lo mejor del grupo), entregaron simultáneamente Use your Illusion I y II, dos desmesurados e intensos discos dobles en los que, casi literalmente, vomitaron todo lo que les quedaba dentro. Los excesos de una vida de rock stars y de carretera, y las continuas confrontaciones internas, les habían llevado casi al límite de su relación, y todos peleaban por incluir su material en el siguiente disco.

El resultado son dos discos enormes, plagados de hits tan memorables como Don't Cry, November Rain o la ya mencionada You could be mine, junto con acertadas versiones de clásicos como Live and let die (Paul McCartney) o Knocking on heaven's door (Bob Dylan). Hacia afuera, el brillo de los nuevos temas les hizo alcanzar sus mayores cotas de popularidad y reconocimiento de mega estrellas, mientras de puertas para adentro, el grupo había perdido la frescura y el peligro que rezumaban las pistolas humeantes de Appetite for Destruction, y se desangraba por los pinchazos de los tallos de las rosas con las que intentaban aderezar y evolucionar su sonido.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Pocas veces, en esta sección, estarán tan claros los discos que deben ocuparla. Tanto nos dieron (y se dejaron) en los Use your Illusion que, cuando tuvieron que volver al estudio, solo les quedaba agotamiento y resquemor entre unos y otros. Intentaron salvar el compromiso con un disco de versiones de temas punk, pero The Spaghetti incident (1993) es desidioso y desacertado ya desde la portada. El batiburrillo de espaguetis tiene su continuación en el interior del disco, con temas mal escogidos, en los que ni la banda ni la voz de Axl Rose encuentran oportunidad de brillar o reivindicarse. Ninguna de las versiones mejora los originales, y cometen tropiezos tan evidentes como dejar fuera del disco el Simpathy for the devil de los Rolling Stones (que grabaron para la película Entrevista con el Vampiro), que cumplía la máxima de ser versión, y que estaba muy por encima de lo que entregaron en este disco.

La cosa podría quedar aquí, pero Axl Rose se ganó con Chinese Democracy (2008), firmado como Guns and Roses cuando ya era el único que quedó achicando agua en un barco a la deriva, un lugar privilegiado en esta sección de tropiezos. Muy lejos quedaban ya los brillos de tiempos pasados, y después de muchos años de idas y venidas, obsesionado por encontrar el sonido perfecto, acabo entregando un disco megalómano y sobre-producido, que solo desprende un olor parecido al de la pólvora y las rosas de antaño en temas como Better, Street of dreams o There was a time) y que tiene en la balada This I love el único momento realmente excelso, que te pueda hacer dudar cuando te decimos que lo dejes de nuevo en el expositor.

Nuestro TOP 5

 

1.- Welcome to the Jungle

2.- You could be mine

3.- November Rain

4.- Estranged

5.- Paradise City

Grandes éxitos y tropiezos: Whitesnake

 

Whitesnake

     Como cada semana aprevechamos esta sección de Grandes éxitos y tropiezos para profundizar un poco más en el artista elegir. Una sección que te puede interesar si estás empezando a ecuchar al artista elegido y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. Y si te engancha el artista saber que dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. Y el grupo que proponemos en esta ocasión, Whitesnake, además de grandes álbumes, también tiene alguno que otro menos deseable. Así que nos ponemos manos a la obra y nos dirigimos a nuestra tienda virtual con la intención de aportar un poco más de luz a la hora de que discos elegir, que discos evitar o simplemente que deberíamos llevarnos y que no si tenemos un presupuesto limitado:

Estás tardando en comprarlo:

Trouble (1978), considerado el  primer álbum de estudio de la banda a pesar de que un mes antes de su lanzamiento, en setiembre de 1978, la compañía discográfica decide promocionar el EP Snakebite, al cual se le añadieron a los cuatro temas originales otros cuatro para editarlo en formato LP y que pertenecían al segundo disco en solitario de David Coverdale, NorthWinds. Trouble es un excelente disco de los pies a la cabeza, empezando por lo músicos, y acabando por el sonido del grupo, donde Coverdale apuesta por indagar en las raíces de la música negra, mezclando el hard rock con el blues y el soul con una gran maestría. El segundo álbum de estudio, Lovehunter (1979), es otro que no puede faltar. Disco que continúa con la fórmula de su primer disco. Sin embargo, y a pesar de su creciente éxito en Europa y Reino Unido, el grupo no acaba de explotar en el mercado estadounidense. La falta de éxito en el país americano quizás viene marcado por la negativa de Coverdale a acelerar el sonido de la banda y seguir apostando por bajar la cadencia y jugar con los ritmos para segir apostando por la fórmula de mezclar hard rock con el blues y el soul. La portada del disco, una mujer desnuda en una postura muy provocadora y montada en un enorme reptil provocó una fuerte polémica, aunque nunca llegó a ser ceensurada. Whitesnake (1987), es el séptimo disco de estudio de la banda y el más exitoso a nivel comercial y popular de la banda. Este álbum en Estados Unidos se tituló Whitesnake, en Europa 1987 y en Japón Serpens Albus. Con este disco, con un sonido más endurecido y pesado, Coverdale consiguió alcanzar la popularidad que venía persiguiendo desde hace algunos años y que tanto se le había resistido en Estados Unidos, donde llegó a lacanzar el puesto número 2 en la lista Billboard Hot 200 llegando a vener hasta la fecha más de ocho millones de copias. En Reino Unido se mantuvo en las listas de éxitos durante 57 semanas. Todo los sencillos publicados se posicionaron en los dos rankings más importantes del mercado estadounidense: Billboard Hot 100 y Mainstream Rock Tracks. 

Si te queda pasta, llévate tembién:

Ready An' Willing (1980), tercer disco de estudio de la banda de Coverdale. Un disco que continuaba con el éxito pogresivo de la banda en Reino Unido y Europa. El disco contiene uno de los temas más importantes en la historia de la banda, Fool For Your Loving, primer sencillo del grupo, y con el que consiguieron un gran éxito en Reino Unido y buenas cifras también en Estados Unidos. Este fue el primer disco de la banda en conseguir entrar en la lista estadounidense Billboard 200, y en conseguir también el Disco de Oro en Reino Unido. Muy recomendable también su directo, Live...In The  Heart Of The City (1980), el cual contiene material de su primer directo editado únicamente para el mercado japonés, "Live At Hammersmith", y que contiene material grabado en el Hammersmith Odeon de Londres en 23 y 24 de noviembre de 1980, y el 23 de noviembre de 1978. Disco que demuestra el poderío y el gran estado de forma que atravesaba la banda en aquél momento, con grandes interpretaciones de temas como Ain't No Love in the Heart of the City, Take Me With You o Mistreated.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Restless Heart (1997), noveno álbum de estudio de la banda. Disco grabado con una formación completamente desconocida a excepción de Adrian Vandenberg, que continúa junto a Coverdale. Está considerado com el disco más flojo de del grupo, no en vano a pesar de tener una aceptable repercusión en Europa se desinfló rápidamente, y sus tres singles editados, Too Many Tears, Don't Fade Away y All in the Name of Love, no alcanzaron los objetivos mínimos deseados. En Estados Unidos ni se publicó, donde a día de hoy sigue siendo un álbum apenas conocido. Slip Of The Tongue (1989), disco que cuenta con Steve Vai y con la colaboración de un Glenn Hughes, que no se encuentra precisamente en su mejor momento debido a su adicción a las drogas, para colaborar en los coros, y que hace que en ese estado su aportación apenas se note. El disco, octavo del grupo, fue grabado bajo una fuerte presión por parte de la discográfica, Geffen Records, que quería repetir el gran exito de su anterior disco, Whitesnake, y también bajo grandes problemas personales en el seno del grupo, y eso se nota. El resultado es un álbum algo monótono y falto de fuerza. A pesar de todo ello, en Reino Unido llegó a alcanzar el Disco de Oro. En españa se llegó a colar en las listas de discos más vendidos y todos sus sencillos fueron radiados constántemente por la famosa cadena Los 40 Principales. 

Si buscas canciones sueltas: Nos encontramos con muchísimas canciones, desde los temas con raíces de blues y soul de sus comienzos hasta temas con un sonido más endurecido y contundente, pero podríamos ir empezando por estos cinco temas para ir abriendo boca: 

1. Fool For Your Loving

2. Take Me With You

3. Here I Go Again (2 versiones: 1982 y 1987)

4. Love Ain't No Stranger

5. Is This Love

Grandes éxitos y tropiezos: Rainbow

 

Rainbow

     Como cada semana, toca darnos una vuelta por la sección de Grandes éxitos y tropiezos de 7dias7notas, y en esta ocasión nos vamos a detener en la obra de Rainbow, la banda liderada Ritchie Blackmore. Es cierto que la banda del genial guitarrista nos ha regalado álbumes memorables, pero también nos ha dejado algún que otro disco con aires muy comerciales producto de su obsesión por conquistar el mercado estadounidense. No se hable más, una vez que estoy en la tienda virtual me pongo a buscar entre la infinidad de discos perfectamente ordenados por nombres y géneros musicales, y justo frente a mí observo una solapa de cartón que hace las veces de separador, la cual tiene dibujado un arcoíris y debajo la palabra Rainbow, así que sin más dilación me dirijo allí con la ardua misión de comprar material suyo. El problema surge cuando no disponemos de dinero suficiente para comprar todos, ¿Qué hacer entonces?, ¿Cual comprar y cual dejar?...

Estás tardando en comprarlo:

Rising (1976), Segundo álbum de estudio de la banda, con Blackmore y Dio acompañados de Cozy Powell a la batería, Jimmy Bain al bajo y Tony Carey a los teclados. Un álbum que muestra la conexión y perfecta compenetración entre Blackmore y Dio en labores de composición, y nos regalan una obra maestra del género. Seis temazos entre los que se incluyen el que es para mí el mejor tema de toda su carrera, Stargazer. Tampoco podemos irnos sin llevarnos Ritchie Blackmore's Rainbow (1975), el disco debut de la banda. En un principio fue concebido para ser el estreno en solitario de Ritchie Blackmore. Disco que ya da muestras de la gran conexión que iban a tener Dio y Blackmore. Long Live Rock 'N' Roll (1978), el tercer disco de la banda y último que grabaría Dio con la misma. El disco no es tan homogéneo como Rising pero nos deja grandes destellos como Long Live Rock 'N' Roll todo un himno, o Kill the King y Rainbow Eyes. Tampoco está de más llevarse el directo On Stage (1977), contiene grabciones de conciertos en Japón y Alemania y es una muestra del gran potencial que tenía por aquel entonces la banda.

Si te queda pasta, llévate también:

Straight Between the Eyes (1982). En este trabajo, con Graham Bonnet en las tareas vocales, Blackmore decide dar un paso atrás, abandona los aires comerciales de sus anteriores trabajos y regresa a la senda del hard rock clásico, algo muy de agradecer. Si todavía te queda algo de pasta puedes llevarte también Down to Heart (1979), álbum donde Blackmore ya había iniciado un giro dándole a su sonido aires más comerciales, y Difficult to Cure (1981), donde el giro de sonido más comercial ya es evidente. En estos dos discos el vocalista es Joe Lynn Turner, y a pesar de su giro de sonido son buenos discos y sus temas han envejecido bien.

Vuelve a dejarlo en el expositor: 

Si apenas te queda dinero o simplemente no quieres gastarte todo, no te molestes en llevarte Bent Out of Shape (1983), del cual queda apenas ya algún que otro matiz del auténtico sonido Rainbow, y donde Blackmore abraza completamente la comercialidad transformando la banda en un grupo AOR (rock orientado al público adulto). Tampoco te lleves Stranger In Us All (1995), octavo y último álbum de la banda, grabado tras la enésima marcha de Blackmore de Deep Purple. Para su grabación se rodea de músicos desconocidos y cuenta con la colaboración de Candice Night, quien se convertirá en su cónyuge posteriormente. Un álbum extraño, Inconexo y falto de garra y personalidad. 

Si lo que buscas son canciones sueltas:  

Puedes comenzar con estas cinco canciones, indispensables para adentrarse en el mundo Rainbow: 

1- Stargazer

2- Catch the Rainbow

3- Long Live Rock 'N' Roll

4- Tarot Woman

5- Temple of the King

Disco de la semana 238: Danzig - Danzig

 

Danzig, Danzig

     Para la recomendación de esta semana en 7dias7notas, nos vamos a centrar en la figura de Glenn Danzig. Glenn Danzig, nacido en Lodi, Nuev Jersey (Estados Unidos) en 1955, es un músico, cantante, compositor y escritor, fundador de bandas como Misfists y Samhain. Glenn funda Misfits en 1977, banda consierada como una de las bandas referentes del punk contemporáneo de los últimos 30 años. Además del sonido punk rock, este grupo de Glenn se codeó con otros estilos como el hardcore punk o el horror punk. Tampoco hizo ascos a géneros como el heavy metal y el rock and roll.

La ventura de Glenn en Misfits dura hasta 1983, año en el que abandona la formación. Inmediatamente forma Samhain, banda a la que dota de un sonido más oscuro si cabe, más orientado al horror punk, deathrock o el rock gótico. Glenn Danzig había concebido originalmente Samhain como un proyecto paralelo junto con el bajista Eerie Von mientras funcionaba también con Misfits, pero al disolver ésta, Samhain se convirtió en su poryecto principal.

En 1986, se cruza en el camino de Samhain, que lleva ya publicados dos álbumes de estudio, el famoso productor discográfico Rick Rubin, quien anda a la caza de potenciales bandas para su sello discográfico Def Jam Recordings. Inicialmente, Rubin sólo quería firmar a Glenn Danzig, con la intención de convertirlo en el vocalista de un nuevo supergrupo, pero Glenn se niega si no le acompaña en este nuevo proyecto Eerie Von, el bajista de Samhain. Para completar el proyecto Glenn cuenta con John Christ a la guitarra y Chuck Biscuit a la batería. Una vez fichados, Glenn decide seguir el consejo de Rick Rubin para evitar tener que empezar de nuevo ante posibles cambios de formación y cambia el nombre de la banda Samhain, a partir de ese momento se llamará Danzing. 

En 1988 Danzig publica su primer álbum de estudio, de título homónimo, Danzig, bajo el sello discográfio Def American Recording, y bajo la producción del mismísimo Rick Rubin, propietario del sello. El disco es grabado entre septiembre de 1987 y abril de 1988 y publicado en agosto de 1988. En este disco, Danzig da un giro al sonido del grupo, orientándolo hacia el heavy metal, blues rock y hard rock con toque siniestros y oscuros. Un gran disco donde todos los temas menos The Hunter están compuestos por Glenn Danzig. 

El disco contiene material más que interesante, temas como Mother, retitulada posteriormente como Mother 93, que se convertirá a la postre en el sencillo más exitoso de la banda en su historia. Un tema con una letra muy críptica donde una de sus mayores interpretaciones defiende que el narrador está descendiendo hacia las fauces de Satán, y su familia está preocupada, pero él les indica a su padre y a su madre que no intenten ayudarlo. Glenn afirmó que se inspiró para componer el tema en Tipper Gore, quien como miembro del Centro de Recursos para Padres (PMRC) había presionado para que se establecieran regulaciones sobre la música que se consideraba perjudicial para los niños; La magnífica versión de The Hunter, compuesta por Booker T. & the MG's y Carl Wells, y que que había sido originalmente grabada por Albert King en 1967 en su disco Born Under a Bad Sing; She Rides, una canción de simple estructura con un par de pistas de guitarra y casi sin bajo, con una temática sobre el sexo y donde se hacen contínuas referencias al personaje mitológico de Lilith, una diosa asociada a la oscuridad y temida por los hombres, una figura demoníaca en la mitología judía; Twist of Cain, tema que había sido compuesto y grabado originalmente mientras la banda era conocida como Samhain. El tema cuenta con la colaboración a los coros de James Hetfield de Metallica, declarado admirador de la banda y su trabajo, pero por problemas contractuales con su sello discográfico Elektra Records no pudo ser acreditado; Possesion, tema que tiene una curiosidad, para la introducción del tema se usó una pista de piano al revés. El tema también contó con la colaboración a los coros de James Hetfield.

Como hemos comentado anteriormente, el disco estuvo rodeado de cierta polémica, y ya en las ediciones de CD de 1990 a 1998 se insertó la famosa etiqueta de Parental Advisory. Curiosamente este álbum, Danzig es uno de los pocos que fue etiquetado como explícitos a pesar de la virtual ausencia de blasfemias, salvo el uso de la palabra "puta" una única vez. sobre este hecho, Glenn Danzig afirmó que el hecho de que pusieran la etiqueta de advertencia se debía que con su disco estaban haciendo pensar a la gente, y a la gente en Estados Unidos no se la permitía hacer pensar y que cuestionaran al gobierno y a las autoridades.

Un país, un artista: Reino Unido & Irlanda del Norte - Black Sabbath

 

Black Sabbath

     Elegir entre la infinidad de grandes artistas y grupos que ha concebido a lo largo de la historia Reino Unido & Irlanda del Norte es una misión imposible, no obstante había que elegir un artista de dicho lugar, y en 7dias7notas nos hemos decantado en esta ocasión de uno de los grandes precursores del heavy metal, Black Sabbath, formación creada en Birmingham allá por 1968.

Corría el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward acaban de dejar el fallido proyecto del grupo Mythology, entonces deciden formar su propia banda y se lanzan a la búsqueda de músicos para completar su nuevo grupo. Iommi y Ward acaban fichando al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, quienes venían ambos de tocar en otro grupo llamado Rare Breed, al guitarrista Jimmy Philips y al saxofonista Alan Clarke. A este nuevo grupo deciden llamarle The Polka Tulk Blues Company, nombre que sacan de una compañía textil india, aunque poco tiempo después acortan el nombre y queda como Polka Tulk. Jimmy Philips y Alan Clarke abandonan el proyecto al poquito de su formación, por lo que el grupo queda conformado por Iommi, Ward, Geezer y Osbourne, quienes deciden cambiar el nombre al grupo y lo llaman Earth. 

El grupo por aquel entonces hace versiones de blues y rock, y se caracteriza por realizar largas improvisaciones bluseras. A finales de ese año, Tony Iommi, tentado por Ian Anderson, abandona Earth y se marcha a Jethro Tull, aunque la experiencia dura apenas un par de meses y Iommi regresa a Earth. Una vez estabilizada la formación, sus componentes se dan cuenta que les están confundiendo con otra banda de rock que tiene el mismo nombre, por lo que deciden cambiarlo. 

Un día se encuentran los cuatro músicos en el local donde ensayan, y Geezer Butler se fija en el cine que hay enfrente del local, en ese cine había una cola enorme para ver una película de Mario Brava. Mario Brava fue un reputado director de cine italiano de terror y uno de los máximos exponentes junto a Dario Argento de la denominada corriente de cine Il Giallo, basada en un característico estilo de películas de terror, suspense, misterios y asesinatos que se producían en Italia. Butler se fijó que la película que tenía esa cola tan larga para ser vista era I Tre Volti Della Pura (Las tres caras del diablo), proagonizada por Boris Karloff y cuyo título se había traducido al inglés como Black Sabbath. Al darse cuenta que la gente acudía en masa y pagaba por ver películas de terror, Geezer Butler decide escribir una canción a la que llama Black Sabbath, inspirado en una visión que había tenido sobre una figura encapuhada que se había postrado a los pies de su cama, y también en los trabajos del escritor ocultista Dennis Wheatley, autor de muchísimos best seller en las décadas de los 50 y 60. El grupo tenía claro ya el nombre de la banda: Black Sabbath. 

Para la composición de la música de la canción Blak Sabbath y de tantas otras que le seguirán y que acabarán marcando a tantos y tantos grupos posteriores que se ven influenciados por su trabajo, el grupo hace famoso el uso del tritono, también conocido como intervalo del diablo, quedando el tema con una música y unas letras muy oscuras. El tritono ya había sido rechazado en la época medieval por su dificultosa entonación, considerando su sonido muy siniestro, lo que hizo que ya en el Renacimiento fuera considerado como inestable y fuera rechazado por la mayoría de los teóricos y eruditos musicales. Butler, Iommi, Ward y Osbourne acaban de encontrar su propio y característico estilo, un estilo que apuesta por un sonido y unas letras más oscuras, y que va en contra de las corrientes musicales que imperan en ese momento, el folk, el flower power y la cultura hippie. 

En febrero de 1970, el grupo consigue publicar bajo la discográfica Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consigue acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco obtiene la certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se niega, pero al parecer son maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy Osbourne les fabrica a cada uno de los integrantes una cruz de plata que deben llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo. Con Paranoid el grupo se acaba de sacar de la manga una auténtica obra maestra, un álbum que les posiciona a lo grande dentro de la élite musical y a la cabeza de de los grupos pioneros del heavy metal. 

El grupo inicia a partir de aquí una impresionante carrera que abarca desde 1968 hasta 2006, y posteriormente una reunión en 2011 y un gira de despedida que comienza en 2014 y que finaliza en 2017. El grupo nos ha dejado a lo largo de su historia un impresionante legado de 19 álbumes de estudio, 7 en directo, 1 EP y 45 sencillos editados. Black Sabbath a lo largo de los años también ha sufrido muchos cambios en su formación, y a los fundadores Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería), Tony Iommi (guitarra) y Ozzy Osburne (voz), hay que sumar miembros posteriores y colaboradores que han grabado o bien tocado en directo con Black Sabbat: Dave Walker (voz), Ronnie James Dio (voz), Geoff Nicholls (guitarra y teclados), Vinny Appice (batería), Ian Gillan (voz), Bev Bevan (batería), David Donato (voz), Eric Singer (batería), Dave Spitz (bajo), Jeff Fenholt (voz), Glenn Hughes (voz), Bob Daisley (bajo), Ray Gillen (voz), Jo Burt (bajo), Tony Martin (voz), Terry Chimes (batería), Laurence Cottle (bajo), Cozy Powell (batería), Neil Murray (Bajo), Rob Halford (voz), Bobby Rondinelli (batería), Mike Bordin (batería), Adam Wakeman (guitarra), Brad Wilk (batería) y Tommy Clufetos (batería). 

Por todo ello, creemos que Black Sabbath es un más que digno representante del país en cuestión, primero por ser una banda que buscó y encontró su propio estilo y sonido, después por ser una de las grandes bandas pioneras del heavy metal, y por último, por el legado y la influencia que la banda ha dejado en multitud de grandes bandas que posteriormente han aparecido en la escena del heavy metal a lo largo de los años.