sábado, 18 de mayo de 2024
1234 - Kiss - Parasite
viernes, 17 de mayo de 2024
1233.- It's Only Rock 'N Roll (But I Like IT) - The Rolling Stones
It's Only Rock 'N Roll (But I Like IT) |
It's Only Rock 'N Roll es el duodécimo álbum de estudio de la banda inglesa The Rolling Stones. Fue grabado en varias etapa entre 1972, 1973 y 1974, bajo la producción de The Glimmer Twins, y publicado el 18 de octubre de 1974 bajo el sello discográfico The Rolling Stones, propiedad del propio grupo. Fue el último álbum que contó con el guitarrista Mick Taylor. Curiosamente, la canción que da título al disco tuvo una conexión con el eventual reemplazo de Taylor, Ronnie Wood. Es este un disco que combina el sonido del blues y el rock and roll con elementos de funk y reggae. A pesar de no tener tanto éxito como su álbumes anteriores, llegó a alcanzar el puesto número uno en Estados Unidos y el número dos en Reino Unido.
Tras la salida del productor Jimmy Miller, el álbum fue autoproducido por el guitarrista Keith Richards y el cantante Mick Jagger bajo el pseudónimo "The Glimmer Twins". Taylor, el bajista Bill Wyman y el baterista Charlie Watts tocaron en la mayoría de las pistas, mientras que lo colaboradores habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins y Billy Preston contribuyeron con la instrumentación adicional. También contó el disco con la primera colaboración del percusionista Ray Cooper, quien continuó trabajando con los Rolling Stones hasta la década de los años 80.
La canción principal, It's Only Rock 'N Roll (But I Like It), se grabó por separado del resto del disco. La pista rítmica básica había sido creada por miembros del grupo The Faces, incluidos Ronnie Wood, durante una sesión improvisada con Jagger, David Bowie y el bajista Willie Weeks. A Jagger le gustó tanto la canción que le llevó la pista básica a Keith Richards, quien añadió alguns sobregrabaciones de guitarra, y después de pulirla un poco, se incluyó en el álbum tal cual.
Estamos ante una sencilla pero efectiva celebración del rock and roll, en la que el guitarrista de The Faces, Ron Wood, que todavía no estaba en el grupo, tuvo un papel importante. Wood vivía en una finca londinense llamda The Wick, que más tarde compraría Pete Townshend. Fue allí donde surgió aquella improvisada canción con Jagger en la voz, Bowie cantando de fondo, Willie Weeks en el bajo, y el compañero de Woods, Kenney Jones, en la batería, además del citado Woods en la guitarra. Más tarde le serían añadidas al tema algunas guitarras de Keith Richards.
sobre este tema el propio Mick Jagger explicó: "El título ha sido usado muhco por los periodistas, la frase se haconvertido en una gran cosa. Esa versión que está allí es la versión original, que fue grabada a medias en el sótano de Ron Wood, si mal no recuerdo. Ea una Demo. Es una canción muy de Chuck Berry, pero tiene un sentimiento diferente a de una canción de Chuck Berry. En realidad, no puedes hacer imitaciones de las personas. En la pintura, siempre tienes que empezar imitando a algún artista famoso. Siempre comienza siendo un impresionista y luego se convierte en el artista abstracto más famoso. O un actor comienza imitando el estilo de otra persona y luego desarrolla el suyo propio. Y creo que eso es lo que pasó con esta banda y todos los músicos que la componen. Has jugado con él. Comienzas con una cosa y luego mutas en otra, pero aún reconoces el hecho de que estás influencias vienen de aquí y de allí, porque no todos lo saben... Con toda esa música diferente, todo este blues, toda esa música country, todo este jazz, música dance y reggae, ya sabes, haces algo que es tuyo".
jueves, 16 de mayo de 2024
1232.- Ain't Too Proud to Beg - The Rolling Stones
miércoles, 15 de mayo de 2024
1231.- If You Can't Rock Me - The Rolling Stones
martes, 14 de mayo de 2024
1230.- One More Red Nightmare - King Crimson
One More Red Nightmare, King Crimson |
Red es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo King Crimson. Fue grabdado entre junio y julio e 1974 bajo la producción del mismo grupo y publicado el 1 de octubre de 1974 por el sello discográfico Island Records para Reino Unido y por el sello discográfico Atlantic Records para Norteamérica y Japón. Fue grabado en los Olympic Studios de Londres, y algunas de las piezas, como el tema Providence, fueron concebidas durante improvisaciones realizadas por la banda en vivo.
Red contiene un sonido más pesado que sus álbume anteriores, llegando a ser calificado por la prestigiosa revista "Q" como uno de los 50 "álbumes más pesados de todos los tiempos". Esto se realizó con las actuaciones de sólo tres miembros de la banda, el guitarrista Robert Fripp, el bajista y vocalista John Wetton y el baterista Bill Bruford. El denso sonido del disco fue creado mediante el uso de capas, múltiples sobregrabaciones de guitarra y apariciones clave de músicos como los ex miembros del grupo Ian Mcdonald, Mel Collins, el oboísta clásico Robin Miller y el trompetista de jazz inglés Mark Charig.
Unas dos semanas antes del lanzamiento del álbum, el grupo se disolvió. Red resultó ser el álbum con los resultados más pobres en las listas de ventas en ese momento, llegando a ocupar el puesto 45 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto 66 en la lista estadounidense Billboard 200. Sin embargo, fue bien recibido tanto por la crítica como por los fans de la banda, llegando a ser reconocido como uno de los mejores trabajos de King Crimson y ha sido reeditado muchas veces.
Incluído en este álbum se encuentra la canción One More Red Nightmare. Según el cantante y bajista del grupo, John wetton, la canción fue concebida en una época donde el grupo solía volar constantemente, una situación que se alargó durante meses y meses: "No hace alta decir que conocíamos personalmente a las tripulaciones de las aerolíneas, y caminábamos por el avión charlando, 'Oh, hola Joe, hola Cindy, ¿cómo están los niños?'. Es increíble la cantidad de vuelos que hizo esa banda y tuvimos algunas experencias bastante difíciles, One More Red Nightmare es solo eso". Con un duración de algo más de 7 minutos, la canción contiene una mezcla de compases inusuales que significan la discordia de los desafortunados pasajeros de la aerolínea en la letra.
lunes, 13 de mayo de 2024
1229 - Van Morrison - Streets of Arklow
1229 - Van Morrison - Streets of Arklow
"Streets of Arklow" es una joya oculta en el vasto repertorio de Van Morrison. Lanzada como parte de su álbum de 1974, "Veedon Fleece", esta canción se destaca por su delicada instrumentación y letras evocadoras que capturan la esencia de un lugar y un momento específicos.
Desde los primeros acordes de guitarra y la suave armonización de las cuerdas, "Streets of Arklow" te transporta a un viaje emocional a través de las calles de Arklow, una ciudad costera en el condado de Wicklow, Irlanda. La atmósfera que crea Van Morrison es inconfundiblemente melancólica, pero también impregnada de una sensación de nostalgia y belleza atemporal.
La voz distintiva de Van Morrison, rica en matices y cargada de emoción, guía al oyente a través de las imágenes poéticas de la canción. Él pinta un retrato vívido de Arklow, describiendo sus calles adoquinadas, los "barcos de pesca meciéndose" y las "colinas verdes" que rodean la ciudad. A medida que avanza la canción, el oyente se siente inmerso en este mundo de tradición y encanto antiguo.
Una de las cualidades más notables de "Streets of Arklow" es su capacidad para transmitir una sensación de intemporalidad. A pesar de estar arraigada en un lugar específico, la canción trasciende lo geográfico y lo temporal para capturar la esencia misma de la experiencia humana: el anhelo, la belleza efímera y la conexión con nuestras raíces.
La instrumentación meticulosamente elaborada complementa perfectamente la narrativa de la canción. Los arreglos de cuerdas, sutiles pero evocadores, añaden una capa de profundidad emocional, mientras que la guitarra acústica y el piano crean una sensación de atmósfera íntima y nostálgica. Cada nota parece estar impregnada de historia y significado, añadiendo peso y textura a la historia que Van Morrison está contando.
Las letras de "Streets of Arklow" son un testimonio del talento poético de Van Morrison. Su habilidad para capturar la esencia de un lugar y un momento con una precisión casi fotográfica es verdaderamente impresionante. A través de sus palabras, somos transportados a las calles empedradas de Arklow y podemos sentir la brisa marina en nuestros rostros mientras nos perdemos en la narrativa de la canción.
"Streets of Arklow" es una obra maestra de Van Morrison que merece ser redescubierta y apreciada. Con su combinación única de letras poéticas, instrumentación exquisita y la emotiva entrega vocal de Morrison, esta canción captura la esencia misma de la belleza y la melancolía de la experiencia humana. Es una joya musical que perdura a lo largo del tiempo y sigue resonando con aquellos que tienen la fortuna de escucharla.
Daniel
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domingo, 12 de mayo de 2024
1228 - Van Morrison - Linden arden stole the highlights
1228 - Van Morrison - Linden arden stole the highlights
Linden Arden Stole the Highlights: Un Viaje Melódico por la Profundidad Emocional
La música es un medio poderoso para explorar las complejidades del alma humana, y pocas canciones ejemplifican esto mejor que "Linden Arden Stole the Highlights" de Van Morrison. Esta obra maestra, que forma parte de su álbum de 1974 "Veedon Fleece", es un viaje melódico que captura la esencia misma de la nostalgia, el arrepentimiento y la redención.
Desde los primeros acordes de guitarra acústica, somos transportados a un mundo de melancolía y reflexión. La voz única y emotiva de Van Morrison sirve como guía a través de la narrativa de la canción, que narra la historia de un hombre llamado Linden Arden, cuya vida está marcada por las decisiones difíciles y las consecuencias inevitables.
La letra de la canción es una obra de arte en sí misma, con imágenes poéticas que pintan un retrato vívido de los desafíos y las luchas internas de su protagonista. Las letras evocan una sensación de pérdida y desesperanza, pero también contienen destellos de esperanza y redención. A medida que la historia de Linden Arden se desarrolla, somos testigos de sus altibajos emocionales, sus momentos de triunfo y sus caídas.
La instrumentación de la canción es igualmente impresionante. Desde los suaves acordes de guitarra hasta los arreglos de cuerdas exquisitamente elaborados, cada nota contribuye a la atmósfera emocional de la canción. La música se eleva y cae en perfecta sincronía con la narrativa, creando una experiencia auditiva que es tanto conmovedora como conmovedora.
Uno de los aspectos más destacados de "Linden Arden Stole the Highlights" es su capacidad para resonar con los oyentes en un nivel personal. Aunque la historia de Linden Arden puede ser única en su ejecución, las emociones que transmite son universales. Todos hemos experimentado momentos de arrepentimiento y desilusión, pero también hemos encontrado fuerza y esperanza en medio de la adversidad. Esta canción nos recuerda que, a pesar de nuestros errores y fracasos, siempre hay una oportunidad para la redención y el perdón.
Además de su profundidad emocional, "Linden Arden Stole the Highlights" también destaca por su excelencia artística. La habilidad de Van Morrison para contar una historia a través de la música es verdaderamente incomparable, y esta canción es un testimonio de su genio creativo. Cada nota, cada palabra, está cuidadosamente elaborada para transmitir una experiencia emocional única, y el resultado es una obra de arte que perdura en el tiempo.
"Linden Arden Stole the Highlights" de Van Morrison es mucho más que una simple canción. Es un viaje emocional que nos lleva a las profundidades del alma humana, explorando temas de arrepentimiento, redención y la búsqueda eterna de significado. Con su emotiva letra y su hermosa instrumentación, esta canción perdura como un testamento perdurable al poder transformador de la música.
Daniel
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sábado, 11 de mayo de 2024
1227.- Funky President (People It's Bad) - James Brown
viernes, 10 de mayo de 2024
1226 - Tom Waits - New coat of pain
1226 - Tom Waits - New coat of pain
Tom Waits: Un Maestro de la Escena Musical y su Canción "New Coat of Paint
En el vasto panorama de la música contemporánea, pocos nombres evocan la misma sensación de intriga, misterio y autenticidad que el legendario Tom Waits. Con una carrera que abarca décadas y una capacidad única para fusionar una amplia gama de géneros, Waits se ha establecido firmemente como uno de los artistas más distintivos e influyentes de su generación. Entre sus muchas obras maestras, destaca una joya particular: "New Coat of Paint".
"New Coat of Paint" es una canción que encapsula perfectamente el estilo distintivo de Tom Waits. Lanzada en su álbum de 1978, "Blue Valentine", la canción es un testimonio de la habilidad de Tom Waits para crear imágenes vívidas y evocadoras a través de su narrativa lírica y su entrega vocal única. Desde los primeros acordes de piano, se establece una atmósfera de nostalgia y melancolía que permea toda la canción.
La voz áspera y profunda de Tom Waits, comparada a veces con la de un cantante de blues envejecido, añade una capa adicional de autenticidad a la canción. Cada palabra está impregnada de emoción y experiencia, como si Tom Waits estuviera contando una historia arraigada en la realidad cruda de la vida cotidiana. Es esta capacidad para transmitir verdades universales a través de sus letras lo que ha hecho que las canciones de Tom Waits resuenen con tanta gente a lo largo de los años.
"New Coat of Paint" también destaca por su ingeniosa composición musical. La combinación de piano, instrumentos de viento y una sección rítmica sólida crea un acompañamiento que complementa perfectamente la voz distintiva de Tom Waits. El ritmo contagioso y la melodía pegadiza hacen que sea difícil no dejarse llevar por la canción, incluso mientras se reflexiona sobre las complejidades de sus letras.
En términos de contenido lírico, "New Coat of Paint" es una exploración de la idea de comenzar de nuevo, de reinventarse a uno mismo después de la adversidad. Las letras pintan imágenes vívidas de un individuo que busca escapar de su pasado, buscando un nuevo comienzo en un lugar lejano. Sin embargo, a pesar de la aparente esperanza en la idea de un "nuevo abrigo de pintura", hay un matiz de resignación y aceptación de la realidad que impregna la canción. Es esta mezcla de esperanza y desilusión lo que da a la canción su profundidad emocional y su universalidad.
La influencia de "New Coat of Paint" se extiende mucho más allá de su lanzamiento inicial en 1978. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que atestigua su duradera relevancia y su impacto en la escena musical. Desde artistas emergentes hasta leyendas establecidas, "New Coat of Paint" sigue siendo una fuente de inspiración y admiración para músicos de todas las generaciones.
"New Coat of Paint" es una prueba más del genio artístico de Tom Waits y su habilidad para crear música que trasciende el tiempo y el espacio. Con su combinación única de letras profundas, melodías cautivadoras y una entrega vocal inimitable, esta canción sigue siendo una joya inolvidable en el vasto repertorio de uno de los más grandes artistas de nuestro tiempo.
Daniel
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jueves, 9 de mayo de 2024
1225.- Bungle in the Jungle - Jethro Tull
Bungle in the Jnngle, Jethro Tull |
El 14 de octubre de 1974 Jethro Tull publica su séptimo álbum de estudio, War Child, grabado entre dicembre de 1973 y febrero de 1974 bajo la producción de Ian Anderson y de Terry Ellis, y publicado por el sello discográfico Chrysalis Records. Fue lanzado casi un año y medio después del lanzamiento de su álbum A Passion Play (1973). El revuelo que había formado este anterior disco obligó al grupo a dar redas de prensa y explicar sus planes para el futuro. Tras el éxito de Thick as a Brick (1972), el grupo pasó un tiempo en París para grabar Chateau D'isaster Tapes, un proyecto de álbum que nunca se llegó a acabar. Según el líder de la banda, Ian anderson, dicho trabajo inacabado tenía como objetivo centrarse en explorar a las parsonas, la condición humana, a través de analogías con el reino animal. Algunas de esas canciones pensadas para ese álbum acabaron viendo la luz en los posteriores A Passion Play y War Child.
Una de esas canciones que acabó viendo la luz en War Child es Bungle in the Jungle, la cual se convirtió en el más famoso y reconocible del disco. Esta canción presenta una estructura y arreglos más tradicionales, orientados hacia el rock. La canción presenta letras basadas en analogías entre animales y humanos, y fue lanzado también como sencillo, llegando a situarse entre los primeros 20 puestos de las listas de ventas en Estados Unidos y en el top 5 en Canadá. A pesar del éxito de la canción, Ian Anderson la vio como demasiado comercial y una canción menor dentro del exteno catálogo de la banda fuera de Norteamérica.
sábado, 4 de mayo de 2024
1220.- Eldorado - Electric Light Orchestra
viernes, 3 de mayo de 2024
1219.- Lady Marmalade - Labelle
Lady Marmalade, Labelle |
Nightbirds es un álbum del grupo femenino de soul y música disco Labelle, fue grabado en los Sea-Saint Studios de Nueva Orleans, Lousiana, bajo la producción de Allen Toussaint, y publicado el 13 de septiembre de 1974 por el sello discográfico Epic Records. Casi todo el material del grupo estaba compuesto por la componente Nona Hendryx, y hasta la fecha, y tras tres discos publicados, Labelle, Moon Shadow y Pressure Cookin', no había coneguido despegar comercialmente. Los discos anteriormente mencionados habían coqueteado con la música rock mezclada con las raíces soul y cospel del grupo. A pesar de no conseguir despegar comercialmente, ya habían teloneado a artistas como The Who, Laura Nyro o The Rolling Stones. Esto le valió al grupo para que el sello Epic Records se fijara en ellas y acabara fichándolas.
Epic Records asignó para su nuevo álbum al productor afincado en Nueva Orleans Allen Tousaint, y el grupo fue eviado a dicha ciudad para trabajar con el. Nightbirds fue grabado en dos meses, y dieron un giro en su sonido, incorporando elementos de múscia funk y atuendos estilo glam rock en su forma de vestir. El disco se convirtió en el más exitoso hasta la fecha del grupo, convirtiéndose en su primer trabajo en conseguir alcanzar las listas de pop y R&B de Estados Unidos, alcanzando el puesto número 7 en la referida lista de R&B, y todo en parte gracias a su sencillo de corte funk Lady Marmalade, una de las pocas canciones no escritas por Nona Hendryx.jueves, 2 de mayo de 2024
1218.- Whatever gets you thru the night - John Lennon
miércoles, 1 de mayo de 2024
1217 - Shuggie Otis - Inspiration Information
1222 - Shuggie Otis - Inspiration Information
Shuggie Otis es uno de esos músicos que, a pesar de no haber alcanzado la fama masiva, deja una huella indeleble en el mundo de la música. Su álbum "Inspiration Information", lanzado en 1974, es un testimonio duradero de su genio creativo. En particular, la pista homónima "Inspiration Information" es un ejemplo perfecto de su habilidad para fusionar géneros y crear algo verdaderamente único.
La canción comienza con un suave riff de guitarra que establece de inmediato una atmósfera etérea y seductora. La voz de Shuggie Otis entra con una calidad suave y melódica, llevando al oyente a un viaje sonoro introspectivo. La instrumentación es rica y variada, con capas de guitarras, teclados y percusión que se entrelazan de manera experta para crear una textura musical hipnótica.
Lo que realmente destaca en "Inspiration Information" es la forma en que Shuggie Otis fusiona elementos de diferentes géneros musicales. Hay ecos de soul, funk, jazz y rock psicodélico, todo mezclado de manera magistral para formar un sonido distintivo que es verdaderamente único de Shuggie Otis. Su habilidad para navegar sin esfuerzo a través de estos diferentes estilos es impresionante, y demuestra su profunda comprensión de la música y su capacidad para trascender las barreras estilísticas.
La letra de la canción también merece una mención especial. Con líneas como "Tu amor es mejor que cualquier cosa que pueda soñar", Shuggie Otis logra transmitir una sensación de romanticismo y elevación espiritual que se complementa perfectamente con la atmósfera etérea de la música. Sus letras son poéticas y evocadoras, añadiendo otra capa de profundidad a la canción.
Además de su destreza musical y lírica, "Inspiration Information" también es notable por su producción innovadora. Shuggie Otis se desempeñó como productor en el álbum, y su visión creativa se refleja claramente en la calidad del sonido. Cada elemento de la canción está cuidadosamente elaborado y colocado, creando una experiencia auditiva inmersiva que sigue resonando en los oídos de los oyentes mucho después de que la canción haya terminado.
"Inspiration Information" de Shuggie Otis es una obra maestra musical que merece ser redescubierta una y otra vez. Con su fusión única de géneros, letras evocadoras y producción innovadora, la canción es un testamento del talento y la visión de uno de los músicos más subestimados de su tiempo. Si aún no has tenido la oportunidad de escuchar esta joya musical, te recomiendo que lo hagas lo antes posible. Te garantizo que no te decepcionará.
DanielInstagram storyboy
martes, 30 de abril de 2024
1216.- Number 9 Dream - John Lennon
Number 9 Dream, John Lennon |
El 26 de septiembre de 1974 John Lennon publica Walls and Bridges, su quinto álbum de estudio en solitario. Fue escrito, grabado y lanzado durante su separación de 18 meses de Yoko Ono y mientras mantenía una relación sentimental con su asistente personal May Pang. Este periodo de 18 meses es lo que Lennon definió y llamó como su "Fin de semana perdido". Fue grabado ente junio y agosto de 1974 en los Record Plant Studios de Nueva York, bajo la producción del mismo Lennon, y publicado por el sello discográfico Apple Records. El disco consiguió el puesto número uno en las listas estadounidenses Billboard y Record World, y consiguió tener dos sencillos de éxito, Whatever Gets You thu the Night, que fue el primer éxito de Lennon en Estados Unidos y Number 9 Dream, tema en el cual nos vamos a centrar.
Number 9 Dream fue escrita por Lennon y lanzada como sencillo varios meses después del álbum en el que estaba incluída, Walls and Bridges, y consiguió alcanzar el puesto número 9 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 y el puesto número 23 en la lista de sencillos británica. Cuando la canción fue lanzada, una parte de la crítica y la audiencia la describió como una deprimente canción sentimental con un falso coro haitiano. La voz misteriosa que dice el nombre de "John" durante el primer puente de la canción fue interpretada por su amante, May Pang, y en el segundo puente, Lennon invirtió la cinta de ella diciendo nombre. Lennon no convenció a Pang para cantar las voces, ella las cantó porque la vocalista programada para la sesión no se presentó, por lo que sería ella quien acabara grabando dichas voces. En cuanto a la música de la canción, Lennon admitió que tomó prestado el arreglo de cuerdas de la canción Many Rivers To Cross del álbum Pussy Cats (1974) de Harry Nilson y que él mismo produjo. La canción contiene la frase "Ah bowakawa, posse, posse", que eran palabras sin sentido que sonaban extranjeras y que se le ocurrieron a Lennon en un sueño. Más tarde se dio cuenta de que contenían nueve sílabas. John Lennon tuvo durante su vida fascinación por el número 9:
- Nació el 9 de octubre.
- Su primera casa estaba ubicada en el Newcastle Road, Wavertree, Liverpool: tres nombre que contienen en inglés cada uno nueve letras.
- El primer concierto de los Beatles en The Cavern fue el 9 de febrero de 1961.
- Brian Epstein, el mánager de los Beatles, los vio actuar por primera vez el 9 de noviembre de 1961.
- El contrato de los Beatles con EMI fue firmado el 9 de mayo de 1962.
- El sencillo debut de los Beatles, Love Me Do, estaba registrado en Parlophone R949.
- El hijo de Lennon, Sean, también nació el 9 de octubre
- Number 9 Dream alcanzó el puesto número 9 en l lista estadounidense Billboard Hot 100.
- Lennon escribió otras dos canciones que contenían dicho número: Revolution 9 y One After 909.
lunes, 29 de abril de 2024
1215 - Pappo's Blues - Malas compañias
1215 - Pappo's Blues - Malas compañias
Pappo's Blues un viaje sonoro a través del alma del blues argentino, con su distintivo sonido y su capacidad para capturar la esencia del blues argentino, Pappo's Blues ha dejado una huella en la escena musical latinoamericana. Liderada por el icónico guitarrista Norberto "Pappo" Napolitano, la banda se convirtió en un símbolo del rock argentino durante las décadas de 1970 y 1980, fusionando la pasión del blues con la energía del rock para crear una experiencia auditiva inolvidable.
Entre su amplio repertorio, "Malas Compañías" emerge como una joya destacada que encapsula la esencia cruda y apasionada de Pappo's Blues. Lanzada en 1972 como parte del álbum "Pappo's Blues Vol. 3", esta canción destaca por su letra introspectiva y su poderosa instrumentación, que transporta a los oyentes a un viaje emocional a través de las profundidades del alma humana.
Desde los primeros acordes de guitarra, "Malas Compañías" establece un ambiente inquietante y melancólico que sirve de telón de fondo para la voz rasposa y llena de emociones de Pappo. La letra, que aborda temas de soledad, desamor y redención, resuena con una sinceridad que trasciende las barreras del idioma y la cultura. Pappo, con su estilo inconfundible, logra transmitir una sensación de vulnerabilidad y angustia que se graba en la memoria del oyente.
La instrumentación de la canción es igualmente impresionante. La guitarra de Pappo llora y grita en cada nota, expresando una gama completa de emociones que van desde la desesperación hasta la esperanza. El ritmo sólido proporcionado por la sección rítmica añade una profundidad y una fuerza que eleva la canción a nuevas alturas, mientras que los solos de guitarra virtuosos de Pappo demuestran su dominio del instrumento y su capacidad para transmitir emociones a través de la música.
Pero lo que realmente distingue a "Malas Compañías" es su capacidad para trascender el género y conectarse con audiencias de todas las edades y orígenes. A pesar de ser una canción de blues en su núcleo, su mensaje universal y su ejecución magistral la han convertido en un clásico atemporal que sigue resonando con oyentes de todo el mundo.
La influencia de Pappo's Blues en la música argentina y latinoamericana es innegable. A lo largo de su carrera, la banda inspiró a innumerables músicos y sirvió como punto de partida para muchos en su viaje hacia la exploración del género del blues. Su legado perdura hasta el día de hoy, y canciones como "Malas Compañías" continúan siendo veneradas como ejemplos sobresalientes del poder y la belleza del blues argentino.
Pappo's Blues y su canción "Malas Compañías" son testamentos vivientes de la pasión, el talento y la autenticidad que caracterizan al mejor blues argentino. Con su habilidad para evocar emociones profundas y su capacidad para trascender las barreras del tiempo y el espacio, la música de Pappo's Blues sigue siendo tan relevante y poderosa hoy como lo fue en el momento de su creación. Para aquellos que buscan sumergirse en la riqueza del blues argentino, "Malas Compañías" es una parada obligada en el viaje musical.
DanielInstagram storyboy
domingo, 28 de abril de 2024
1214.- You Ain't Seen Nothing Yet - Bachman - Turner Overdrive
You Ain't Seen Nothing Yet |
La segunda formación de Bachman - Turner Overdrive, la de mayor éxito, incluía a Randy Bachman (guitarra principal y voz), Fred Turner (bajo y voz), Robbie Bachman (batería, prcusión, coros) y Blair Thornton (guitarra solista). Esta formación sería la que lanazara Not Fragile, el tercer álbum de la banda. Fue grabado en 1974 en los Kaye-Smith Studios de Seattle, Washington, y en los Sound City Studios de Van Nuys, Los angeles, bajo la producción de Randy Bachman, y publicado en agosto de 1974 por el sello discográfico Mercury Records. Resultó ser el álbum de estudio más popular del grupo y llegó a alcanzar el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200.
En cuanto al título del álbum, Randy Bachman afirmó en una entrevista que usar la palabra "Fragil" como título para un álbum de rock, como había hecho el grupo Yes con su disco Fragil de 1971, era extraño, y pensó que la música de BTO no se podía romper, por lo que, sin pretener faltar el respeto en absoluto a Yes, la banda llamó irónicamente a su álbum Not Fragile. El disco marca el debut del guitarrista Blair Thornton, quien, a diferencia de su predecesor Tim Bachman, aparece en los créditos del ábum como "segunda guitarra solista", lo que va marcar una de las caracteríticas de este trabajo, el sonido de las Twin guitars o guitarras gemelas.
Not Fragile contiene varios temas que se han convertido en himnos, canciones de las más queridas de la banda por parte de sus fans, y uno de esos temas es el inconfundible You Ain't Seen Nothing Yet, además se convirtió en uno de los dos sencillos del álbum y obtuvo un gran éxito. You Ain't Seen Nothing Yet es, quizás, la canción más famosa del álbum, y uno de los mayores éxtios de la banda. Esta es una de las canciones más famosas que contienen un prominente tartamudeo. BTO no planeaba lanzar esta canción con la voz tartamuda. Randy la cantó tartamudeando para burlarse de su hermano Gary, que tenía un impedimento en el habla. Durante las comprobaciones de micrófono la cantó tartamudeando y grabó una versión destinada únicamente a su hermano Gary. Esta versión no iba a ser incluida, ni mucho menos, pero a la discográfica le gustó mucho más que la versión sin tartamudeo y finalmente fue incluída en el disco, resultando ser todo un acierto y un éxito.