El disco de la semana 364: Nonagon Infinity - King Gizzard and The Lizard Wizard

 

El sentido de exploración sonora sin restricciones de King Gizzard & The Lizard Wizard hace que sea fácil confundirlos con una reliquia olvidada o unos frikis sin vergüenza alguno que idolatran y homenajean la explosión psicodelica de los años 60. Con un sonido extravagante que, a veces, apenas se siente como uno solo, King Gizzard evoca la experimentación de rock ecléctico de los primeros trabajos de Frank Zappa con Mothers of Invention , el sentimiento de todo vale de Flaming Lips y el júbilo demente. de un oscuro grupo aleatorio de los años 60 extraído de una compilación de Pebbles mientras siguen sus vuelos de fantasía musicales dondequiera que los lleven. Formada en 2010 en Melbourne, Australia, por un grupo de amigos que tocaban con frecuencia y luego decidieron por ocio tocar en un espectáculo, la formación estaba formada por el vocalista y guitarrista Stu Mackenzie, el armonicista y cantante Ambrose Kenny-Smith, los guitarristas Cook Craig y Joey. Walker, el bajista Lucas Skinner y los bateristas duales Michael Cavanagh y Eric Moore, en 2012, lanzaron su álbum debut, 12 Bar Bruise. Su carácter prolífico les llevó a editar álbumes a un ritmo frenético; su intenso deseo de buscar nuevos sonidos, desde jazz-rock expansivo ( Quarters de 2015 ) hasta baladas semiacústicas ( Paper Mâché Dream Balloon del mismo año ), y desde ciencia ficción progresiva ( Murder of the Universe de 2017 ) hasta garage alucinante. rock ( I'm in Your Mind Fuzz de 2014 ) y seguir nuevos caminos significó que cada uno de sus múltiples lanzamientos sonaba diferente al anterior, y valía la pena echarle un vistazo a cada uno de ellos. Algunos de sus álbumes, especialmente Nonagon Infinity de 2016, están hombro con hombro con el mejor rock psicodélico jamás creado, y es en este álbum donde nos vamos a detener.

En Nonagon Infinity, los chicos de Gizz emplean el concepto de un álbum de bucle infinito, donde la primera y la última pista están conectadas entre sí y aparentemente crean dicho bucle infinito. Y si quieres una introducción a lo que hace King Gizzard, a todos sus trucos en su música - sus característicos"wah-wah's", los tonos de guitarra, la voz de Stu y, lo más importante, su rareza y experimentación sonora - entonces no busques más que este álbum: te enganchará desde la primera canción hasta la última. Las primeras 4 canciones del álbum: Robot Stop, Big Fig Wasp , Gamma Knife y People-Vultures fluyen perfectamente entre sí, sin perder un momento para golpearte en el estómago con algo nuevo para bendecir tus oídos, estamos ante una experiencia fantástica de álbum, en la que cada canción se filtra hábilmente en la siguiente, pintando un río interminable de riffs y solos de rock locos. La mitología del álbum tiene sus raíces en una especie de historia críptica sobre el infierno y la apertura de "La puerta". Este álbum comienza con la obra maestra enérgica y de sonido crudo Robot Stop, es pura locura y está perfectamente compuesta, rápidamente te enfrentas a ella con una sincronización estándar en muchos de los versos, pero en el estribillo "My body's overworked..." se desliza sin esfuerzo en un compás de 7/4 haciendo que la música se sienta escalonada e interrumpida, pero de una manera que sugiere más caos, mi parte favorita de Robot Stop está cerca de la mitad de la canción, donde se toman su tiempo para poner alrededor de 6 riffs diferentes para algunos compases. Big Fig Wasp comienza justo donde terminó la primera canción y proporciona una de las transiciones musicales más satisfactorias que he escuchado, el lirismo es igualmente extravagante, pero sigue siendo muy emocionante, me voy a detener y elogiar específicamente la batería en estas pistas, ya que dan una especie de ritmo motorik de tempo extraño inspirado en el krautrock. 

A continuación, en este bucle de cuatro canciones viene probablemente la canción más divertida y pegadiza del disco: Gamma Knife, que continúa la vibra alegre del tema anterior, pero con un gran gancho en el estribillo. Tiene algunas partes de armónica realmente geniales y también algunos solos de batería locos. Sin embargo, las cosas toman un giro diferente con People-Vultures, es la cancion más melancólica, con algunas secciones de voz y guitarra muy intensas. Tiene una sección solista absolutamente sorprendente que se modula en un tono diferente en un momento dado, lo que podría ser lo más retorcido que estos chicos hayan lanzado jamás. Es un momento increíble y una canción increíble.

 

Después del comienzo ruidoso y emocionante del álbum, Mr. Beat baja un poco el nivel, pero lo compensa con una odisea psicodélica, es una canción más relajada, muy groovy (como lo demuestra el título), igual que todo el álbum, para ser honesto. Todo el álbum se parece mucho a una sesión improvisada de 42 minutos en la que los miembros de la banda estaban bajo la fuerte influencia de drogas psicodélicas. ¡Lo cual posiblemente no sea mentira! Después de una muy buena salida en Mr. Beat, la agresividad del álbum se recupera con el tema más largo del álbum, Evil Death Roll donde se presenta una vez más la línea de apertura del álbum, Nonagon Infinity open the door, así como algunos otros fragmentos de canciones del álbum. Es una buena canción, pero definitivamente es el peor corte del álbum, principalmente debido a su duración, ya que parece quedarse un poco obsoleto a medida que avanza la duración. Invisible face y Wah Wah nos lleva de vuelta a las vibraciones del rock psicodélico de Mr. Beat, ralentizándonos nuevamente, y en los próximos 6 minutos de nuestras vidas, se nos presentarán esencialmente dos sesiones improvisadas: la parte de jazz al final de Invisible Face es maravillosa, y Wah Wah es esencialmente la banda on fire donde muestra los tonos y melodías de guitarra que usan en su música con frecuencia, probablemente estamos ante una de las pistas más “King Gizzard” que jamás haya aparecido en uno de sus discos. El cierre del álbum, Road Train, es una canción gigantesca que solo se puede describir escuchando la canción junto el visionado de la primera persecución en la película Mad Max: Fury Road. Es la canción más dura de todo el álbum, en este momento era lo más metal que Gizz había hecho en su carrera, la voz de Stu en esta canción es una locura y realmente transmite mucho, lo que hace que esta canción funcione, además la última parte de la canción es un crescendo épico y desalentador de aceleración hasta el riff inicial que se presentó en Robot Stop, y luego boom. Robot Stop comienza de nuevo y el ciclo se completa.

Realmente no hay principio ni final para Nonagon Infinity, técnicamente puedes comenzar donde quieras y terminar el álbum donde quieras. King Gizzard logra presentar una idea escandalosa y luego la ejecutan magistralmente, a poco que conectes vas a amar el álbum eternamente. Este disco demuestra que King Gizzard no tiene miedo de probar algo nuevo. Nonagon Infinity es el álbum emblemático de King Gizzard y vale la pena dedicarle tiempo. He escuchado a gente decir que la mezcla de este álbum es un poco confusa, pero si eres como yo, realmente no te importa y solo quieres rock. En general, Nonagon Infinity es el álbum esencial de King Gizzard que todo el mundo debería escuchar, contiene las mejores cualidades de la banda y si quieres entrar en la banda esta podría ser tu mejor opción. Solo una advertencia justa: cuando presiones reproducir, es posible que no quieras detenerte.

Disco de la semana 363: La dicha en movimiento - Los Twist

Disco de la semana 363: La dicha en movimiento - Los Twist 

"La dicha en movimiento" se alza como una joya musical en la rica historia del rock argentino, siendo el debut triunfal de Los Twist en 1983, un año crucial para la evolución de la escena musical del país. Este álbum, lanzado por SG Discos-Interdisc y producido por el renombrado Charly García, no solo consolidó a Los Twist como pioneros del rock divertido, sino que también sirvió como un puente musical entre dos épocas distintas.

Charly García, una figura influyente en la escena musical argentina, desempeñó un papel clave en la creación de "La dicha en movimiento". El proceso de grabación, llevado a cabo en un asombroso lapso de tres días en 1983, destaca la eficacia y la creatividad en su máxima expresión. García, en su papel de productor, instó a la banda a tocar el repertorio completo de manera continua. Después de la ejecución, añadió sus propios toques con teclados y guitarras, dando forma a un álbum que se convertiría en un fenómeno.

El álbum no solo es un testimonio de la velocidad y la destreza creativa de Los Twist, sino que también encapsula la energía y la vitalidad de la escena musical argentina de la época. Temas como "Jugando hulla-hulla", "Cleopatra, la reina del twist" y "El primero te lo regalan, el segundo te lo venden" resuenan con melodías contagiosas y letras ingeniosas que capturan la esencia del rock divertido.

Con 120.000 copias vendidas, "La dicha en movimiento" no solo fue un éxito comercial sino también un referente cultural. La revista Rolling Stone de Argentina, en su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino en 2007, posicionó esta obra maestra en el lugar 15, subrayando su impacto duradero en la música del país.

Una de las canciones que sobresale en este álbum es "Pensé que se trataba de cieguitos". Esta pista no solo se convirtió en un hit, sino que también se erigió como un himno del rock en español. Clasificada en el puesto 56° en el ranking de los 100 mejores temas del rock argentino por Rolling Stone Argentina y MTV en 2002, así como en el puesto 44° en un ranking similar por Rock.com.ar en 2007, demuestra la perdurable influencia de Los Twist en la escena musical.

La portada del álbum también es digna de mención, ya que su historia revela una conexión intrigante con el pasado y la cultura pop de la época. Originalmente concebida como una imagen festiva con músicos, sofás, copas de martini y serpentinas, la portada fue modificada tras la trágica muerte de una de las chicas que figuraba en la foto. El cambio a serpentinas rojas sobre un fondo amarillo intenso, inspirado en una promoción de Pepsi en ese momento, no solo simboliza la adaptación a las circunstancias, sino que también resalta la creatividad en la toma de decisiones artísticas.

Veinte años después de su lanzamiento, la portada fue seleccionada como un ícono gráfico de los años '80 en una muestra sobre la cultura de la Fundación Proa. Este reconocimiento posterior refuerza la importancia cultural de "La dicha en movimiento" no solo como una obra musical, sino como un símbolo visual de su tiempo.

Los Twist, formados en 1982 por Pipo Cipolatti y Daniel Melingo, emergieron como una fuerza revolucionaria en el movimiento del rock divertido. Su capacidad para infundir humor e ironía en sus letras, junto con melodías contagiosas, los estableció como líderes en una escena musical que estaba en constante evolución. Además de Cipolatti y Melingo, nombres como Fabiana Cantilo, Hilda Lizarazu y Polo Corbella contribuyeron a la riqueza musical y diversidad de la banda.

"La dicha en movimiento" no solo es un álbum musical, sino un fenómeno cultural. Su legado perdurable se manifiesta en la manera en que ha dejado una huella imborrable en la historia del rock argentino. La fusión de estilos, el ingenio lírico y la producción magistral de Charly García convergen para crear un álbum que sigue siendo una celebración de la diversión y la autenticidad en la música.

"La dicha en movimiento" es más que un álbum debut; es un testimonio de la creatividad desenfrenada de Los Twist, de la visión artística de Charly García y del espíritu vibrante de una época en la que la música argentina experimentó una transformación significativa. A medida que el tiempo avanza, este álbum se erige como un faro que ilumina la rica historia del rock en español y la contribución invaluable de Los Twist a ese legado. Así que te invitamos en esta propuesta a que lo busques y escuches.

Daniel 

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Disco de la semana 362: Souvlaki - Slowdive

Souvlaki , lanzado en 1993, es el segundo álbum de la banda británica de dreampop/shoegaze Slowdive, el álbum trata temas que van desde la soledad y la alienación hasta el consumo de drogas y la sedación. Siguiendo la tradición de los géneros dreampop y shoegaze, la instrumentación a lo largo del álbum explora un paisaje sonoro de otro mundo, plagado de distorsión de guitarra y sintetizadores atmosféricos, es importante señalar que los miembros Neil Halstead y Rachel Goswell se separaron poco antes de que se creara el disco, y Halstead había escrito algunas de las canciones de forma aislada, lo que parece haber influido mucho en el tema del álbum.

Alison probablemente sea mi canción favorita del disco y una de mis canciones favoritas de shoegaze/dream pop, es una canción PERFECTA en mi opinión, preciosa y una excelente introducción a lo grandioso y deprimente que puede ser este álbum. Todo te impacta aún más una vez que sabes que los cantantes y guitarristas Neil Halstead y Rachel Goswell terminaron recientemente una relación y cómo les afectó a ambos, especialmente a Neil, quien también escribió la mayoría de las canciones de Souvlaki. El fascinante riff de guitarra distorsionado (que sube y baja en un patrón cíclico que refleja la naturaleza cíclica de la adicción a las drogas y las relaciones codependientes) y la voz suave y casi somnolienta de Neil están presentes en todo el tema de la canción, que se escribió después de que Neil tuviera un sueño bajo el efecto de las drogas. "Alison" cuenta la relación del cantante con una chica llamada Alison, quien tiene un problema con las drogas, al principio, parece decidido a salvarla de su adicción a las drogas, sin embargo, queda claro que Alison no tiene intención de renunciar, ha quedado atrapada en ese mundo impulsado por las drogas, libre de responsabilidades y no puede imaginar una vida sin los placeres a los que se ha acostumbrado mientras estaba drogada. Quizás por amor a Alison, el cantante decide entregarse a su "mundo desordenado" en la segunda mitad de la canción es cuando parece que ya no reconoce a Alison como la chica que una vez conoció. Al final, él sucumbe al mismo destino que ella y trata su caída con falta de cuidado mientras pronuncia la frase final: "Supongo que ella está por ahí en alguna parte". "Machine Gun", es una canción menos intensa, crea una atmósfera ondulada a través de capas de distorsión espacial de guitarra. La letra, que indica que el cantante se siente como si se estuviera ahogando en el agua y convirtiéndose en uno con ella, sirve como metáfora de una vida de abuso de drogas, siguiendo el ejemplo de los temas introducidos en "Alison". Rachel Goswell tiene una de las voces más encantadoras y majestuosas que he escuchado jamás y en Souvlaki la utiliza en todo su potencial, superando su debut “Just for a Day”, la canción te arrastra a esta melodía etérea y suena tan soñadora que me dan ganas de abrazar fuerte a alguien o abrazar fuerte mi almohada y llorar hasta quedarme dormido, la canción significa muchas cosas para mí. Cuando Neal entra y esas guitarras comienzan a sonar y regresa la voz de Rachel, parece que llegas al cielo. 

40 Days se mueve más en la dirección del shoegaze que del dreampop, cantada con una armonía engañosamente optimista entre Goswell y Halstead, la letra habla de una persona que vive en el pasado, no puede seguir adelante con su vida porque están desconsolados por el fin de su relación. El título se suma al tema del dolor de la canción, ya que cuarenta días es el tiempo habitual que la gente espera antes de celebrar un servicio religioso en memoria de alguien que ha muerto. En el momento de escribir la canción , Neal se sentía desolado por su ruptura, lo cual es muy lógico pero le dio el impulso creativo Neal hizo un viaje de dos semanas a Gales, donde escribió algunas canciones del álbum, como la tranquila Here She Comes, la maldita y deprimente Dagger, y la siguiente canción, Sing que se despoja de la distorsión de la guitarra y opta por un ritmo de batería instrumental combinado con sintetizadores de ensueño, es una de las dos pistas del álbum que fueron escritas parcialmente por Brian Eno, donde hace un gran trabajo al decantarse por el ambient y alejarse del shoegaze. La suave voz de Goswell se superpone cuidadosamente a los instrumentos de una manera que tiene un parecido sorprendente con la voz de Elizabeth Fraser, la cantante de Cocteau Twins. Siento como si estuviera en lo profundo del océano explorando los arrecifes de coral y viendo pasar los peces exóticos, es simplemente hermoso, cuando entran las guitarras retrasadas, los sintetizadores se vuelven más prominentes, todo sale a la luz y brilla de la manera más luminosa posible. Here She Comes nos muestra a Neil, desconsolado y miserable, esta canción salió de su escapada de dos semanas a Gales, la veo casi como un limpiador de alma, todo es tan sutil, el instrumental se siente como una canción de cuna y Neil está cantando lentamente para alejar su dolor anhelando alivio. Puedes imaginarte esta banda sonora mientras contemplas tu amor perdido evitando desmoronarte.

“Souvlaki Space Station” ofrece un cambio de ritmo, pero bienvenido, a mitad del álbum, la canción es fiel a su título y crea un paisaje sonoro industrial que uno podría imaginar fácilmente en alguna estación espacial futurista. Hasta el momento, ninguna canción del álbum encapsula el sonido shoegaze tan bien como “Souvlaki Space Station”, una canción que agrega más y más capas de distorsión de guitarra a medida que avanza. La letra, entregada por Goswell, es bastante críptica, pero parece describir a una persona que lucha contra un ex amante, negando su existencia y negándose a aceptar el pasado tal como es. La percusión tartamudeante, las guitarras deslizantes y también las líneas de bajo que llenan cada espacio vacío que pueda haber, una canción extraordinaria me hace sentir como si estuviera en un psicodélico. When the Sun Hits comienza con riffs de guitarra superpuestos que se alternan con una fuerte distorsión de guitarra a lo largo de la canción, aproximadamente un minuto después, la distorsión estalla inesperadamente y la batería suena cuando Halstead pronuncia las palabras: "Importa dónde estés". La dinámica entre estos dos tonos le da a la canción una cualidad épica, casi apocalíptica. De hecho, al mirar la letra, la canción parece comparar una ruptura con el fin del mundo, el fin de la relación del cantante significa para él tanto como el fin del mundo. Siente que el dolor que experimentaría si su amante lo abandonara lo consumiría por completo, del mismo modo que el sol quema todo lo que entra en contacto. Probablemente su canción más popular hasta la fecha es deprimente, encantadora, romántica, y tiene uno de los mejores riffs de shoegaze que he escuchado, todo se siente como una fantasía, otra canción estelar en un álbum estelar. 

Altogether suena agridulce, pero feliz y jodidamente deprimente, siento como si estuviera recibiendo el abrazo más cálido de la persona que amo y eso simplemente llena mi corazón de calidez, pero también tristeza. Neil simplemente se siente acabado con la vida mientras canta, lo único que quiere es amor, un abrazo, un beso o simplemente la sensación de saber que tienes a alguien que te está esperando. Mellow Yellow es muy extraña, Neil suena relajado pero casi como si se hubiera rendido, no relajado como si estuviera bien, gran trabajo el de Nick Chaplin y sus relajantes líneas de bajo, que pueden ser simples pero encajan todo perfectamente y sin él, este álbum no sería tan bueno como es, una buena canción que te prepara para el golpe final. Dagger se siente como un puñal en el corazón, Neil en este punto suena completamente fuera de la vida, está entumecido, no se siente herido, simplemente no quiere sentir nada. Esta es la parte menos shoegaze/dream pop del álbum, pero no desentona. La guitarra acústica produce una de las progresiones de acordes más melancólicas que he escuchado y en el segundo verso donde ese piano atraviesa tu alma una y otra vez, puede ser deprimente, muy deprimente, y esto representa el estado de Neil al momento de escribir esto, ya que esta fue la última canción que escribió durante su escapada a esa cabaña galesa después de su separación con Rachel, realmente estaba desconsolado, deprimido y se sentía un miserable. Sigue siendo un cierre excelente, especialmente porque los últimos 10 segundos son de silencio, lo que te permite digerir todo y, para algunas personas, probablemente es hora de llorar y contemplar sus relaciones fallidas… brillante.

Disco de la semana 361 - All things must pass - George Harrison

Muchas cosas tuvieron que pasar para que el "primer" disco en solitario de George Harrison tras la separación de The Beatles viera la luz, y entre ellas, la publicación previa de dos proyectos (la banda sonora "Wonderwall Music" y el disco experimental "Electronic Sounds") mientras los "fab four" aún seguían juntos, lo que, siendo precisos, situaría realmente a "All Things Must Pass" ("Todas las cosas deben pasar") como el "tercer" álbum de estudio de Harrison sin The Beatles.

Publicado por Apple Records en noviembre de 1970, y grabado bajo la producción de Phil Spector, fue el primer gran esfuerzo de Harrison por publicar un álbum elaborado y completo, y el resultado fue un disco que sacó a la superficie todo el talento creativo acumulado por el guitarrista, que repescó buena parte del material acumulado tras varios años de componer canciones que nunca encontraban hueco en los discos de su banda de origen, pero también un disco claramente influenciado por el momento por el que pasaba el músico británico, y la variada paleta de colaboraciones y tendencias tanto musicales como espirituales en las que por entonces estaba interesado.

El camino que le llevó a dar forma a todo el material acumulado, hasta convertirlo en la que fue su obra maestra, comenzó en los estudios Abbey Road en mayo de 1970, solo dos meses después de la separación oficial de The Beatles, pero ya desde las sesiones de grabación del disco "Let it be" (1969) de The Beatles (en las que se grabó una demo de la canción "All things must pass" que daría nombre al disco), a Harrison le rondaba la idea de publicar su primer proyecto serio en solitario. Había acumulado canciones desde 1966, y había compuesto un par de canciones junto a Bob Dylan, además del material que había creado para otros artistas, así que tenía más que suficiente para completar varios discos, si hubiera querido espaciar en el tiempo aquella buena cosecha. Pero él quería sacarlo todo, porque "Todas las cosas deben pasar".

Tal era la cantidad de buen material que George Harrison había acumulado en las alforjas que, viéndolo en perspectiva, y aunque sea compararlo con una obra muy posterior, podría decirse que estamos ante "El Salmón" de George Harrison, un disco triple compuesto de dos vinilos con material original y un tercero de temas extras ("Apple Jam") compuesto de improvisaciones musicales y ensayos que no quiso desechar del conjunto. Phil Spector explicó como nadie, años después en una entrevista, la magnitud de la inmensa producción musical de Harrison en aquella  época:  "George me dijo: Tengo unas cuantas cancioncillas para que las escuches. ¡Era interminable! Tenía literalmente centenares de canciones y cada una era mejor que el resto." 

ALL THINGS MUST PASS

El disco comienza con la primera de las grandes joyas que lo conforman, "I'd Have You Anytime", compuesta por Harrison junto a Bob Dylan, con una letra que encaja como un guante con la magnitud y características del disco: "Todo lo que tengo es tuyo, todo lo que ves es mío". Le sigue la excelsa "My Sweet Lord", una curiosa combinación de música góspel y referencias "Hare Krishna" que, junto a "All things must pass" fue ofrecida a Billy Preston, que las grabó para su álbum "Encouraging Words" (1970) sólo dos meses antes del lanzamiento de "All Things Must Pass", dónde finalmente Harrison decidió incluirlas, siendo además a "My Sweet Lord" el primer single promocional del álbum.

En las tensas sesiones de grabación de "Let it be" y en concreto en una discusión con Paul McCartney, se basó Harrison para la composición de "Wah-Wah", un intenso tema de guitarras, un instrumento por el que en este disco recuperó el interés que hasta entonces había perdido en beneficio del estudio del sitar. La triunfal cara A del disco cierra con la monumental y beatleliana "Isn't It a Pity", glorioso tema de más de siete minutos que está entre lo mejor del disco y de su discografía, y cuya composición se remontaba a 1966. Quizá consciente de la importancia de este tema, decidió incluir una segunda versión, que suena hacia el final del segundo vinilo.

La cara B comienza con "What Is Life", que Harrison compuso durante el trayecto en coche a una sesión de grabación de un disco de Billy Preston en el que estaba colaborando, y con la excelsa "If Not for You", una canción que Bob Dylan le regaló para el disco. La influencia del trovador de Minnessotta es grande a lo largo del álbum, y en "Behind That Locked Door", compuesta la noche anterior a la participación de Dylan en el Festival de la Isla de Wight tras el accidente de moto que sufrió en 1966, su amigo Harrison le transmite fuerza y ánimo. La cara B termina con "Let It Down", otro de los temas que aparecieron como bocetos primerizos en las sesiones de "Let it be", y "Run of the Mill", escrito posteriormente pero basado también en esa época, y en la deteriorada amistad entre los miembros de The Beatles y las constantes discusiones dentro de Apple Corps.

El segundo disco comienza con la intensa y oscura balada "Beware of Darkness", que abre una cara C constituida en su mayor parte por canciones compuestas y grabadas en 1970, y con la divertida y ligera "Apple Scruffs", una de las últimas canciones compuestas para el álbum, y todo un homenaje a un grupo de acérrimos seguidores de The Beatles que, día y noche, se apostaban delante de las oficinas de Apple. "Ballad of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)" es un guiño al anterior propietario de su mansión de Friar Park, en cuyos jardines se realizó la foto de la portada del disco, en la que Harrison aparece sentado junto a cuatro gnomos de jardín, en lo que todo el mundo interpretó como una ácida referencia a The Beatles. Igualmente interesante resulta "Awaiting on You All" por ser, junto a "My Sweet Lord", la canción que más refleja la influencia del movimiento Hare Krishna en la música de Harrison. Tras los cánticos religiosos de este tema, la rescatada canción titular "All Things Must Pass" suena en la voz de su autor más profunda e intensa que en la versión de Billy Preston.

La cara D comienza con "I Dig Love", un interesante ejercicio de guitarra que surgió de un ensayo de Harrison con su guitarra slide. Tras ella, el siguiente plato fuerte de esta cara es la intensa "Art of Dying", el segundo de los temas que Harrison rescató entre sus composiciones de 1966 tras "Isn't It a Pity", que suena a continuación en su segunda versión del disco, antes de echar el cierre a una descomunal colección de grandes canciones con "Hear Me Lord", la última de las canciones rescatadas de las sesiones de "Let it be".

APPLE JAM

Con los dos discos que conforman la parte "ortodoxa" de "All Things Must Pass" ya habría sido suficiente, y en la inclusión de un tercer disco de improvisaciones y ensayos quizá sea dónde este disco colosal muestra sus pies de barro, con temas en su mayor parte instrumentales que poco aportan a un conjunto que ya contaba con suficientes armas para convertirse en el mejor disco de su carrera. Así, "Out of the Blue" está basada en un único y repetitivo riff de guitarra, y temas como "Plug Me In", "I Remember Jeep" y "Thanks for the Pepperoni" tienen una estructura muy básica y mínimos cambios de acordes, y aún así resultan interesantes por los extensos solos de guitarra de George Harrison, Dave Mason y Eric Clapton.

Para completar este deslavazado conjunto, la única canción provista de letra es "It's Johnny's Birthday", que copia el ritmo de "Congratulations" de Cliff Richard, una broma de menos de un minuto que fue grabada para el 30 cumpleaños de John Lennon. Cuesta no plantearse si, entre las más de 20 canciones que fueron descartadas para el disco, no habría otras que merecieran más ser incluidas. De éstas últimas, el propio Harrison acabó grabando algunas de nuevo, como "Try Some, Buy Some" (1973) o "You" (1975), y otras acabaron incluidas en discos posteriores ("Beautiful Girl" y "Woman Don't you Cry for Me" formaron parte de "Thirty Three & 1/3", y "I Live for You" se incluyó como extra en la reedición de "All things must pass" de 2001).

¿Habría sido aún mejor disco con estas canciones? En el fondo ya no importa, porque cada disco tiene su momento, y pretender rehacerlo sería como negar que, como todas las cosas, lo que se hizo en ese momento es lo que tuvo que pasar, y lo que pasó fue algo muy grande y extravagante, que alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos de numerosos países, entre ellos el UK Albums Chart y el Billboard 200 estadounidense, donde el álbum estuvo durante siete semanas en el primer puesto. Como último dato curioso, en 2011 se desveló que el disco había vendido hasta esa fecha más discos que los históricos Imagine (Lennon) y Band on the Run (McCartney) juntos, superando a los dos grandes enanitos de jardín que, durante años, relegaron las composiciones de Harrison al fondo del armario, y haciéndolo con la aparente tranquilidad y la calma con la que, sentado en su jardín, George Harrison nos mira desde la portada de All Things Must Pass.

El disco de la semana 360: Kingfish - Christone "Kingfish" Ingram

 

Kingfish, Christone "Kingfish" Ingram

     Para la recomendación de esta semana traemos a un joven bluesman estadounidense que viene pegando fuerte, Christone "Kingfish" Ingram. A pesar de ser joven, pues tiene 24 años (nacido en 1999), sus raíces y gustos por el blues del Delta y de Chicago, con guiños hacia el hard rock y el soul de los 70, ha hecho que consiga un estilo muy característico y personal. Han quedado atrás ya sus primeros pasos tocando la guitarra con diez años para un grupo de gospel en la iglesia, a los once años ya había pisado un escenario y a los 18 años ya había realizado giras por Estados Unidos y otros seis países. Con un estilo muy personal, sus influencias pasan por artistas de la talla de Robert Johnson, Muddy Waters, Lightnin' Hopkins, B. B. king, Jimi Hendrix, Buddy Guy e incluso Prince, del cual suele hacer una increíble versión en vivo de su mítico Purple Rain. Lo que este músico está consiguiendo cobra mucho más valor si tenemos en cuenta que padece Síndrome de Asperger (Caracterizado por padecer importantes dificultades en la interacción social y la comunicación no verbal combinadas con patrones de comportamiento e intereses restringidos y repetitivos).

La familia de este joven bluesman nacido en Clarksdale, Mississipi, cantaba y tocaba música en la iglesia, por lo que creció asistiendo a presentaciones de música gospel. Ya desde muy pequeño tocaba en la iglesia y se unía a grupos para tocar la guitarra. Kingfish se interesó en el blues, con apenas 5 años, cuando su padre le mostró un documental sobre Muddy Waters, y al mismo tiempo le prometió que le llevaría al Delta Blues Museum (Museo de Blues del Delta) de Mississippi, y allí aprendió a tocar en el programa de arte y educación del museo de la mano de Bill "Howl -N- Mad" Perry y Richard "Daddy Rich" Crisman. Será Perry quien le ponga a Ingram el apodo de "Kingfish" en honor a un personaje de la comedia The Amos 'n' Andy Show. Kingfish comenzó a tocar la batería a los seis años, a los once años ya tocaba el bajo y luego se pasó a la guitarra. A los quince años ya había recibido ofertas para tocar y para tener guitarras personalizadas. 

Será en 2019, con apenas veinte años, cuando Kingfish debute  con su primer álbum de estudio, titulado Kingfish, disco recomendado para esta ocasión. Este trabajo fue grabado en el Ocean Way Studio de Nashville, bajo la producción del compositor, cantante de country y baterista ganador de un grammy Tom Hambridge, quien coescribió la mayoría de las canciones con el joven guitarrista, porque sí, amigos, además de ser un gran guitarrita también compone. El álbum fue publicado el 17 de mayo de 2019 por el sello discográfico Alligator Records. Con este primer trabajo Kingfish consigue el puesto número uno en las listas estadounidenses Billboard Blues Chart y Billboard Heatseeker, llamando inmediatamente la atención tanto de la crítica como del público, y llegando incluso a ser nominado en la categoría de "Mejor álbum de blues tradicional" para la 62 edición de los premios Grammy. En mayo de 20220 recibió cinco premios de Blues Music Awards, icnluido el de "Álbum del Año" por su disco debut. Estamos sin duda ante un joven prodigio con una habilidad excepcional impropia de su edad, y que transmite el legado del blues a nuevas generaciones. Su pasión y respeto por la raíces del blues, su excelente voz y su gran dominio de la guitarra quedan patentes a través de los doce temas que podemos disfrutar en este álbum donde el blues tradicional y otros elementos más contemporáneos de la música son entremezclados con gran maestría por Kingfish. 

Kingfish nos va a enganchar ya desde sus primeros acordes en Outside of This Town, donde el guitarrista nos revela la influencia que ha tenido en él Billy Gibbons de ZZ Top. Canción con un potente riff de guitarra donde realiza toda una declaración de independencia, un grito de liberación magistralmente llevado de la mano de su guitarra. Fresh Out es una balada de combustión lenta donde Kingfish intercambia solos con uno de sus héroes, Buddy Guy, con el cual ya ha llegado a compartir escenario. En It Ain't Right es capaz de combinar una emotiva y profunda voz con unos sutiles matices de blues clásico a la guitarra para expresarnos brillantemente un lamento hacia una situación injusta. Been Here Before es la muestra de que el guitarrista también nos puede ofrecer otros matices, esta vez a través de una balada totalmente acústica. If You Love Me es una de las únicas canciones que no está compuesta por el dúo Kingfish/Hambridge, pues está acreditada a Kingfsh y Jontavious Willis. Musicalmente el tema es una balada que explora temas como el amor y la lealtad, mostrando una vez más la versatilidad del artista para interpretar temas enérgicos y temas más emotivos y suaves. Cierra la cara A Love Ain't My Favorite Word, canción que vuelve a dejar clara la influencia que ha tenido en el artista Buddy Guy, con unos solos mordaces y agudos mientras reflexiona sobre las complejidad del amor y las relaciones. 

La cara B comienza con Listen, un country-blues donde destaca sobremanera la magnífica voz de Ingram. En Before I'm Old hace gala de su dominio del slim guitar mientras no canta sobre la juventud y la importancia de aprovehcar al máximo el tiempo. En esta canción es capaz de combinar con maestría la energía juvenil con la sabiduría reflexiva que se adquiere con el paso de los años. En Believe These Blues vuelve a las raíces del blues combinándolas con toques de funky Shuffle. Ingram demuestra en este tema su respeto por la historia del género mientras los reinventa con su propio estilo. Trouble está inspirada en el sonido del R&B de Nueva Orleans y modernizada al estilo Kingfish, un claro ejemplo de como pueden combinar la autenticidad del blues con la innovación y frescura que Ingram aporta al género. Hard Times cuenta con la colaboración de la guitarra acústica de Keb Mo'. Estamos ante un shuffle acústico de combustión lenta empapado de blues del Delta, mientras Kingfish reflexiona sobre las dificultades de la vida y de mantener la esperanza ante las adversidades. Cierra este más que recomendable álbum That's Fine By Me, un blues de esos que resuenan cuando cae la noche, donde los toques de guitarra de Ingram nos recuerdan a B. B. King en su comienzos. La canción destaca por su ritmo contagioso, su optimista naturaleza, por la frescura y por la alegría que el guitarrista imprime a la canción.

Cada canción del álbum Kingfish aporta una capa única al disco, mostrando la versatilidad musical de Ingram y su habilidad para abordar una amplia gama de emociones, mostrando un enorme respeto por el blues tradicional, sabiendo llevarlo a su terreno, dándole un toque de frescura y adaptando este género a los tiempos actuales. Estamos ante el sensacional debut de un joven guitarrista que lo tiene todo para convertirse en uno de los grandes referentes del ǵenero.

El disco de la semana 359: Head Hunters - Herbie Hancock

 

Head Hunters, Herbie Hancock

     En la recomendación de esta semana traemos, Head Hunters, álbum de Herbie Hancock que se ha convertido en un hito en la historia del jazz fusión. Este disco desafió los límites del género al combinar el jazz con elementos funk y rock e incluso ritmos africanos, atrayendo a audiencias más amplias. Hancock creó pasajes sonoros innovadores, destacando su habilidad y creatividad para fusionar ritmos pegajosos con improvisaciones brillantes. Estamos ante un álbum que redefinió el jazz e influyó en la música contemporánea, dejando un legado que a día de hoy perdura en la escena musical. Se convirtió en el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos hasta que fue superado por Breezin' de George Benson en 1976.

Head Hunters, el duodécimo álbum de estudio de Hancock, reputado pianista, teclista y compositor, fue grabado bajo la producción de David Rubinson y el propio músico, y publicado en septiembre de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. La imagen de la portada del disco, diseñada por Victor Moscoso, muestra a Hancock usando una basada en la máscara africana kple kple dela tribu Baoulé de Costa de Marfil y los desmagnetizadores de cabezales de cinta usados en las grabadoras de cinta de carrete de la época. Ubicados en el sentido de las agujas del reloj alrededor de Hancok desde la parte inferior izquierda están Mason, Jackson, Maupin y Summer, su grupo llamado The Headhunters. 

Para este nuevo álbum, Hancock reunió una nueva banda, The Headhunters, de la cual únicamente el músico Bennie Maupin había sido miembro del sexteto Mwandishi, que había grabado con el músico anteriormente. Hancock manejó todas las partes de sintetizador él mismo y decidió no usar la guitarra para grabar, prefiriendo usar el clavinet, que se convertirá en unos de los sonidos característicos del disco. Esta nueva banda de apoyo, además de a Bennie Maupin, presentaba una sección rítmica compuesta por Paul Jackson (bajo) y Harvey Mason (batería). Hancok concibió un trabjo con un sonido relajante y un aire muy funky que lo hizo atractivo para un público más amplio, consiguiendo combinar oyentes procedentes del jazz y del R&B. 

El álbum fue mezclado para sonido cuadrafónico en 1974. Columbia Records lanzó esta mezcla en un disco LP en formato de matriz estéreo cuadrafónica y cinta de 8 pistas. Las mezclas cuadrafónicas presentan elementos que no se escuchan en la versión estéreo, incluida una melodía de teclado adicional al comienzo del tema Sly. Las versiones con sonido envolvente del álbum han sido lanzadas varias veces en formato Super Audio CD y utilizan una transferencia digital de mezcla cuádruple original de cuatro canales reutilizada en sonido envolvente 5. 1. 

Lanzado en 1973, este disco marcó un punto de inflexión en la carrera de Hancock, que había dado un giro a su sonido fusionando el jazz con elementos de funk, rock y ritmos africanos, creando una amalgama sonora única. Consta de cuatro innovadoras pistas, siendo Chameleon la de apertura, que tiene una famosa línea de bajo interpretada por Hancock en un sintetizador. Su cautivador groove funk, impulsado por un bajo profundo y una percusión contagiosa, se convirtió en un himno al instante. Hancok y The Headhunters consiguen un equilibrio entre la base rítmica y la libertad creativa de la improvisación; le sigue Watermelon Man, la única que no fue escrita para el disco, pues era un éxito de hard bop de Hancock que apareció en su primer álbum, Takin' Off  (1962). El tema fue reelaborado por Hancock y Mason para este disco, con la colaboración del músico Bill Summers soplando en una botella de cerveza imitando una flauta hindewho, utilizada por los pigmeos mbuti de Zaire. La pista también presenta el uso de percusión africana. Hancock reinventó este clásico de los años 60 para darle un aire completamente diferente, fusionando funk y ritmos afrocaribeños; Sly es un tema dedicado a Sly Stone, líder de la banda de funky Sly and the Family Stone. Hancok vuelve a mostrar su gran creatividad en un tema que captura la esencia del funk con unos ritmos enérgicos y unos sólos de instrumentos que nos sacan de nuestra zona de comfort; Vein Melter es el tema que cierra este trabajo, una pieza de combustión lenta que lleva al oyente a un viaje hipnótico, con un ritmo y unas armonía que van fluyendo y dejando una sensación agradable y perdurable.

Head Hunters no solo revolucionó el jazz fusionando géneros, también desafió las expectativas del público, rompiendo barreras y atrayendo tanto a los aficonados al jazz como a otros oyentes que buscaban nuevos sonidos. Este álbum continúa siendo un faro de inspiración para músicos de diversas generaciones y sigue siendo una referencia crucial en la evolución del jazz y la música contemporánea. Estamos ante un disco de los más influyentes e innovadores de todos los tiempos donde donde Hancock cambió la percepción del jazz expandiendo los horizontes musicales del género. 

Exodus - Bob Marley & The Wailers (Mes Bob Marley)

 

Exodus, Bob Marley & The Wailers

     Exodus es el noveno álbum de estudio de Bob Marley & The Wailers. Fue grabado entre los Harry J. Studio de Kingston, Jamaica y los Island Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 2 de junio de 1977. El 3 de diciembre de 1976 Bob Marley sufrió un atentado contra su vida en Kignston, en el que una bala le rozó el pecho y el brazo, pero sobrevivió. Tras este intento de asesinato, Marley abandonó Jamaica y se exilió en Londres, donde grabó Exodus.

Marley había concebido Exodus como el título del álbum antes incluso de escribir la canción. En diciembre de 1976 Jamaica estaba inmersa en elecciones, lo que generó un discurso político intenso. En su campaña, el primer ministro Michael Manley utilizó el lema "Sabemos a donde vamos", y en respuesta, Marley escribió Exodus, la canción que da título al disco. 

La producción del álbum se caracterizó por ser más relajada, con ritmos de bajo pulsantes y poniendo más énfasis en el piano, la trompeta y la guitarra. Exodus se aleja de la temática de la narración críptica de los trabajos anteriores del artista, girando hacia temas de cambio como la política, la religión y la sexualidad. El disco se divide en dos partes, una primera que se construye en torno a la política religiosa, mientras que la segunda abarca temas como el amor y la fe. Este trabajo supuso un gran éxito tanto crítico como comercial, impulsando a Bob Marley hacia el estrellato internacional.

Con Exodus, Bob Marley & The Wailers alcanzaron su apogeo creativo y social, convirtiéndose además en uno de los discos más influyentes de la historia del reggae y consolidándose además como un símbolo de libertad, resistencia y unidad. Es cierto que este trabajo apareció en un momento crucial, pues Jamaica se encontraba en la década de los 70 inmersa en una vorágine de tensiones políticas y sociales, y Marley, como activista y músico comprometido, utilizó este disco como una herramienta para transmitir mensajes de esperanza, paz y redención.

Estamos ante un álbum con una amalgama de ritmos envolventes y profundas letras en las que Marley y compañía captan la esencia del reggae. El título, Exodus, ya nos prepara para lo que nos espera, un viaje para escapar hacia la libertad. Una idea que se va tejiendo a lo largo de un disco donde las letras nos hablan de la lucha por la libertad y donde las melodías nos invitan a bailar mientras se abordan temas tan trascendentales. Cada canción contribuye a la narrativa general del álbum, que no es otra cosa que la celebración de la libertad, la resistencia y la unidad.

En Exodus encontramos desde melodías vibrantes hasta letras profundas, y cada canción es un viaje sonoro que invita a la reflexión y al movimiento, como muy bien podremos apreciar desde que la aguja se pone en contacto con el disco y empieza a sonar Natural Mystic, la canción que abre el álbum, rodeada de un ambiente místico y profundo y con unas letras que nos hablan de fenómenos naturales mientras que evocan un sentimiento de inquietud espiritual. le sigue So Much Things to Say, tema que aborda temas como la corrupción y las luchas políticas. Toda un reflexión sobre la necesidad de un cambio profundo. Guiltiness tiene una vibrante melodía sobre la cual se construye un tema que aborda la temática de la culpa y la responsabilidad en un contexto de injusticia social, instando a la reflexión y al cambio. The Heathen continúa en la línea del disco, con una comprometida letra que lanza un mensaje de unidad y resistencia contra la opresión y anima a superar los obstáculos que impiden la libertad. Exodus es la canción que da título al álbum y que cierra además la cara A. todo un alegato y un himno de la libertad. Con una poderosa melodía, Marley nos habla de la lucha por dejar atrás la opresión y caminar hacia la libertad. 

La cara B comienza con Jamming, que con su contagioso ritmo y su mensaje de celebración y unión, es quizás, una de las pistas más destacadas junto con Exodus. Watitng in Van es otra de las canciones más distintivas del álbum, convirtiéndose en un clásico en el repertorio de Marley. Es toda una profunda reflexión sobre el amor y la espera. La letra trata sobre la experiencia de esperar a alguien que parece que no llega nunca y sobre la paciencia y la ansiedad que genera el hecho de estar enamorado de la otra persona, la cual no corresponde de la misma manera. Turn Your Lights Down Low es una cautivadora canción que destapa el lado más romántico de Bob Marley. Mientras que la música nos impregna de una sensación de intimidad, las letras nos transmiten un mensaje de amor profundo y del deseo de estar con ese alguien especial. Three Little Birds es el ejemplo perfecto de canción simple pero que porta un poderoso mensaje: No te preocupes por nada, porque todo estará bien, mientras nos transmite una sensación de calma, paz y esperanza, animandonos a mantener una actitud positiva incluso en tiempos difíciles. One Love/People Get Ready es la canción que se encarga de cerrar este apasionante álbum. En realidad se trata de la fusión de dos canciones esenciales que transmite un mensaje universal de amor y unidad, creando una atmósfera de esperanza y armonía.

Exodus, a lo largo de lo años, se ha convertido en un himno sobre la unidad y la lucha a través del amor universal y la esperanza. Estamos ante algo más que un álbum de música, estamos ante una experiencia única y la habilidad de Bob Marley & The Wailers para fusionar la música con un mensaje de lucha, a través de herramientas pacíficas, para lograr un cambio social. Su legado perdura como un faro de esperanza y una llamada en pro de la libertad contra la opresión. Bob Marley se encargó con este disco de recordarnos algo que muchas veces tendemos a olvidar: "El poder de la música como un poderoso instrumento para la unión y el cambio".

Disco de la semana 356: If I should fall from grace - The Pogues

El 30 de noviembre de 2023 Shane McGowan fallecía a los 65 años tras varios años de lucha contra diversos problemas de salud. Nos dejaba el cantante y compositor principal de The Pogues, mítica banda irlandesa de los años 80 y 90, pero no nos dejaba solos. Ahí quedaba su legado, con letras a la altura de los versos y escritos de un Charles Bukowski, y emparentadas especialmente con las del escritor irlandés Brendan Behan, y con una larga colección de memorables discos en los que desplegó todo un abanico de influencias variadas que combinaban la rebeldía de The Sex Pistols con las raíces de The Dubliners y la bohemia etílica de Tom Waits.

Cualquiera de sus primeros tres discos habría servido como reseña de su mejor momentos artístico o como sentido homenaje a su figura, pero en nuestra opinión, es su tercer disco "If I Should Fall from Grace with God" (1988) el que realmente muestra en todo su esplendor su innovadora propuesta de Punk-folk irlandés, a través de canciones como la que le da título (con su fusión de ritmo celta y cadencia punk, contando la historia de un soldado que vive en plena guerra y en un estado de incertidumbre y de miedo a no volver a casa), "Turkish Song of the Damned" (una sorprendente fusión de música tradicional irlandesa con sonidos orientales), "Bottle of Smoke" (con un ritmo punk frenético que contrasta con la intensidad poética de una letra sobre lo fugaz de la vida, comparándola con el humo de un cigarrillo y con la intensidad de una carrera de caballos).

Este disco fue, además, su mayor éxito de ventas, gracias sobre todo a "Fairytale of New York", la auténtica joya de la corona del disco y, probablemente, de toda la discografía de la banda. Una emotiva balada de raíces de folk irlandés, cantada a dúo con Kirsty MacColl, que combina una melancólica historia sobre la difícil relación de pareja de dos irlandeses en Nueva York, con referencias a la navidad en la gran manzana. A pesar de la agria y desesperada letra, la canción ha perdurado como un auténtico himno y un memorable clásico navideño.

En temas instrumentales como "Metropolis" la banda despliega todo su talento y virtuosismo, siempre combinando el folklore tradicional irlandés con estructuras rítmicas más modernas y aceleradas. Es solo un alto en el camino de la lírica profunda, porque en "Thousands Are Sailing" las letras vuelven a contagiarse de la nostalgia y la melancolía, esta vez describiendo la esperanza de los inmigrantes irlandeses de encontrar en América la esperada tierra de las oportunidades.

"Fiesta" es la segunda gran joya de la corona de este completo y trabajado disco, una explosión de energía que no podía haber tenido un nombre más acertado, plagada de referencias españolas y con la ciudad de Almería presente con fuerza en el estribillo. La banda regala un auténtico derroche instrumental de vientos y guitarras, en un tema que habréis escuchado mil veces y que no puede faltar en ninguna gran fiesta que se precie de serlo, una canción que lleva la capacidad de The Pogues para mezclar folklore con otros estilos hasta la máxima expresión. El álbum incluye revisiones de temas tradicionales irlandeses en "Medley: The Recruiting Sergeant/The Rocky Road to Dublin/The Galway Races", que encajan a la perfección con canciones propias como "Streets of Sorrow/Birmingham Six" (con una fuerte carga política y social), "Lullaby of London", "Sit Down by the Fire" o "The Broad Majestic Shannon".

Y para terminar, vuelven a mirar hacia el legado histórico con la versión del tradicional tema irlandés "Worms", breve y testimonial cierre para una gran obra que refleja como ninguna otra el eclecticismo y la profundidad lírica de una banda que supo llevarnos de fiesta y sobreponerse a la melancolía a la que les llevaron los golpes de la vida, esos que finalmente terminaron por llevarse al gran Shane MacGowan a algún otro sitio, donde estará tomando una gran pinta de cerveza y cantando a voz en grito aquello de "The boys of the NYPD choir Still singing Galway Bay, and the bells are ringing out for Christmas Day..."

Disco de la semana 355: Welcome to Sky Valley - Kyuss

 

“Welcome To Sky Valley” siguió un camino musical bastante similar al de sus anteriores discos, todos los elementos que te atrapan en sus primeros trabajos seguían estando allí , pero de alguna manera parecían aún más atractivos esta vez, no podría decrite si hay más material psicodélico en esta ocasión, pero creo que los momentos más alucinantes son quizás más seguros y expansivos. Lo primero que te llama la atención es la forma de tocar la guitarra de Josh Homme, ha vuelto a mejorar notablemente y en este disco intenta algunas cosas mas desafiantes y extremas, y lo lleva a cabo perfectamente, puede que sea la primera vez donde descubrimo que tiene un pleno control en su instrumento y eso suena genial además la voz de John García es tan apasionante y vital como siempre y por encima de todo nos dan una composición de canciones de muy alta calidad, ya que hay muchos ganchos y aspectos destacados para atraer al oyente. Curiosamente, el álbum está organizado en tres suites, cada una con tres o cuatro canciones aparentemente no relacionadas, no tengo idea de por qué estructuraron las cosas de esta manera y debo admitir que lo encuentro un poco extraño, preferiría poder saltar de una canción a otra cuando quisiera en lugar de tener que avanzar rápidamente o escuchar varias pistas primero, esto no es algo determinante en el album, pero vale la pena avisarlo. Las dos primeras suites son impresionantes, estamos ante “rock fumeta” de la más alta calidad. A diferencia de los lanzamientos anteriores de Kyuss, no añoro la voz de John García durante las largas secciones instrumentales, la banda finalmente encontró la capacidad de involucrarme completamente en sus instrumentales y eso hace que la experiencia auditiva sea más placentera. La tercera suite comienza tan brillantemente como las dos primeras, pero las cosas comienzan a aplanarse un poco en el medio antes de convertirse en otra pista monstruosa épica al final. “Demon Cleaner” es mi canción favorita del álbum la razón es simple me llega mucho mas, dicho esto, realmente me encantan temas como “Gardenia”, “Asteroid”, “Space Cadet”, “Odyssey” y “Whitewater”, desafortunadamente, Kyuss ha vuelto a incluir una pista de broma completamente inútil al final del álbum. “Lick Doo” no tiene otro propósito que quitarle algo de brillo a un álbum que por lo demás es muy bueno. Sólo dura un minuto, pero mentiría si dijera que no me dejó un ligero mal sabor de boca al terminar el disco.

'Movement I' arranca el disco con el excelente 'Gardenia'. Junto con el conocido 'Demon Cleaner', 'Gardenia' fue sorprendentemente lanzado como single (sorprendente para mí, ya que no podía imaginar que esto alguna vez se vendiera como single, pero ¿qué iba a saber yo?) Kyuss no eran muy conocidos aquí, al menos no en los círculos principales, como otros han dicho, esta canción es la quintaesencia del rock fumeta: el estilo de guitarra característico de Josh Homme a todo volumen, cuando se le une Drums & Bass. Lo que me encanta de esta canción es su rebelión, insinuaciones sexuales mezcladas con algunos riffs y cantos funky. El solo de guitarra de Josh Homme es simplemente maravilloso, su Ovation GP realmente resalta esas notas altas de una manera que nunca había oído hablar. ¿Y qué pasa con la voz de García? ruda simplemente no hay una mejor manera de describirlos. 'Supa Scoopa and Mighty Scoop' es otro fantástico tema de rock fumeta, casi todas las virtudes más destacadas de 'Gardenia' están presentes aquí también, pero esta vez con una interpretación vocal más inspirada, aunque un poco más mesurada y menos "rudo". El riff es simplemente brutal, se integra en el coro épico con un ritmo de tambor militarista. 'Asteroide' separa estas dos pistas y es una grabación lenta que luego alcanza un clímax impresionante en sus últimos 90 segundos aproximadamente, una epopeya espacial, completa con efectos exagerados, reverberación y eco y demás (funciona aquí). Se vuelve más rápido e intenso hacia el final.

'Movement II' comienza con el corto y agudo '100°, rápido, enérgico, el efecto de desvanecimiento al final es genial. La pista del medio, 'Space Cadet', desafortunadamente es lo mas flojito de este álbum, no estoy en contra totalmente de la elección de la banda de insertar pistas con cambios más lentos, pero en este caso realmente altera el impulso del álbum, escrito por Josh Homme, su epifanía guitarrista mientras estaba en Kyuss. Termina con el contundente 'Demon Cleaner', la última pista es un poco más lenta, un poco sabática, con redobles geniales y voces espaciales, es una canción muy profunda, con una letra interesante. Recientemente vi una pieza en un foro de entrevista basada en la realización de este CD donde Josh Homme dice que esta canción en realidad pretende hablar sobre cepillarse los dientes, jaja, ese tipo tiene un gran sentido del humor.

'Movement III' comienza con otra porción del paraíso del rock fumeta 'Odyssey', que es un poco más espacial que fumetas anteriores, Es un rifferage de metal de ritmo rápido mezclado con un trabajo de guitarra muy psicodélico, guitarras al revés, guitarras distorsionadas, lo que sea. Conan Troutman es una verdadera golosina, la canción destaca por estar basado más claramente en el blues tradicional, pero aún funciona bien dentro del álbum con el tratamiento estándar. La última canción "real" del álbum 'Whitewater' es otra canción de calidad, esta vez con una introducción atmosférica realmente genial, tiene energía real... golpea tus oídos, voces distorsionadas y psicodélicas con un estribillo épico... luego todo se diluye en una agradable sesión de enfriamiento para deprimir al oyente.

Y finalmente, por supuesto, está la novedad no incluida en la lista 'Lick Doo', que es simplemente una canción carnavalesca con letras tontas de "single entendre". Es un poco divertido en ese momento en que las pistas no listadas/ocultas comenzaban a volverse populares.

En general, Welcome to the Sky Valley es una marcha constante a través del desierto nocturno, donde los únicos momentos de alivio son los breves descansos de suave improvisación que ofrecen algunos tonos más brillantes. Dado que estas cualidades tan extenuantes son el pan de cada día de la mayor parte de la música rock, no es difícil ver por qué este disco se ha vuelto querido por mucha gente. 

El disco de la semana 354: Viuda e Hijas de Roque Enroll - Un Viaje Musical a la Diversión y la Originalidad

El disco de la semana 353: Viuda e Hijas de Roque Enroll - Un Viaje Musical a la Diversión y la Originalidad 

En 1984, emergió en la escena musical argentina un fenómeno que cambiaría la percepción del rock nacional: el álbum debut de Viuda e Hijas de Roque Enroll. Este trabajo, titulado simplemente "Viuda e Hijas de Roque Enroll", se convirtió en un pilar del movimiento de la música divertida de los años '80, consolidando a la banda como una de las más emblemáticas de la época.

Desde su icónica portada que mostraba a las integrantes del grupo ataviadas con la moda de la década anterior, hasta los últimos acordes que resonaban con un toque de twist, el álbum destilaba originalidad y cambio. Viuda e Hijas de Roque Enroll irrumpía en el mercado local con una propuesta distinta, alejada de la melancolía y muy cerca de la alegría. Fresca, vital y divertida, la banda se destacaba por su enfoque singular en un género predominantemente masculino.

Lo que hacía a Viuda e Hijas de Roque Enroll único iba más allá de su sonido; era la combinación de ser uno de los pocos grupos integrados exclusivamente por mujeres en el rock nacional hasta ese momento y su decidido revival de la música y la estética de los años '60. Este enfoque no solo se reflejaba en su música, sino también en su imagen, marcada por la vestimenta y estilo de la época.

Desde el primer acorde, el álbum capturaba la atención del oyente con arreglos sencillos pero pegajosos. Temas como "Hace base" y "Estoy tocando fondo" destacaban por abordar los prejuicios argentinos desde una perspectiva exclusivamente femenina, impregnados con un humor corrosivo que se convertiría en una firma distintiva de la banda. Sin embargo, es "Bikini a lunares amarillos diminuto justo justo" el que se erige preeminentemente como el hit del álbum, con su irresistible combinación de ritmo pegajoso y letras ingeniosas.

En conjunto, el primer disco de Viuda e Hijas de Roque Enroll no solo marcó el inicio de la carrera de la banda, sino que también sentó las bases para una propuesta más amplia. Aquí, el humor desempeñaba un papel crucial, y la temática femenina se convertía en su mayor singularidad. El grupo no solo estaba interesado en hacer música; estaban tejiendo historias que desafiaban los estereotipos y celebraban la diversidad desde una perspectiva única.

Viuda e Hijas de Roque Enroll se convirtió rápidamente en un fenómeno cultural, siendo uno de los pilares del movimiento de la música divertida en Argentina. Junto a otros exponentes de este género como Los Twist, Los Abuelos de la Nada, Soda Stereo y Virus, la banda dejó una marca indeleble en la escena musical de la época. Su twist moderno, combinado con melodías pegajosas y letras cómicas sobre la vida cotidiana, resonó con un público ávido de algo diferente.

El álbum no solo fue un éxito en el momento de su lanzamiento, sino que también dejó un legado perdurable. Canciones como "Lollipop", "Estoy tocando fondo", "La familia argentina" y "Hawaian II" se convirtieron en himnos de una generación. El grupo no solo se ganó el reconocimiento en su tierra natal, sino que su cover de "Lollipop" incluso fue distinguido internacionalmente, alcanzando el puesto 98 en el ranking de los 100 mejores temas del rock argentino según la Rolling Stone de Argentina y MTV en 2002, y el puesto 461 en el ranking de los 500 mejores temas del rock iberoamericano según la revista estadounidense Al Borde en 2006.

La carrera de Viuda e Hijas de Roque Enroll alcanzó su fin el 8 de febrero de 1988, pero su influencia perdura. En 1995, la banda se reunió para grabar el disco "Telón de crep", demostrando que su espíritu creativo aún estaba vivo. Hoy, el legado de Viuda e Hijas de Roque Enroll sigue siendo una fuente de inspiración para nuevas generaciones de músicos que buscan romper barreras y explorar nuevos horizontes en el siempre cambiante panorama musical argentino.

Daniel 

Instagram storyboy 

Disco de la semana 353: Mezzanine - Massive Attack

Mezzanine es una obra maestra grotescamente hermosa. Un álbum tan empapado de decadencia urbana, estética noir y una atmósfera sucia te hace sentir sucio e insignificante mientras lo escuchas. Pero dentro de ese disgusto e insignificancia se encuentra el disfrute y algunas bellezas ocultas dentro del paisaje sonoro distópico que crea Massive Attack. Sintetizadores, samples y guitarras vibrantes y vibrantes se disparan en lo profundo de la mezcla mientras ritmos boom-bap y downtempo avanzan hacia una ciudad ciberpunk plagada de pobreza, crimen y corrupción. Poblado por gente de mala vida, delincuentes, adictos, matones, prostitutas, trabajadores apáticos y sus jefes hambrientos de poder. Los bajos, tremendamente gruesos y carnosos, realzan todo lo demás y le dan al álbum un toque amenazador. A partir de todo esto se crea una especie de ambiente y, hombre, es jodidamente embriagador escucharlo.

Angel es una forma de iniciar el disco de forma monstruosa, 6 minutos que entra en juego con un fondo zumbido y algunos sonidos que suenan como si hubieran sido sacados directamente de una película de terror. El canto comienza después de aproximadamente un minuto y puede sonar reconfortante en el ambiente oscuro, pero el fondo simplemente continúa. El cambio de velocidad progresivo cerca de la mitad de la pista agrega suspenso mientras esperas que se produzca la resolución. La línea de bajo es genial y la voz de Horace Andy no podría encajar mejor. En esta pista también se utilizan algunas muestras de batería realmente interesantes. Angel es fácilmente una de las pistas más pesadas de este álbum y crea un gran ambiente para todo lo que está por venir. Los sonidos espeluznantes siguen llegando en la siguiente pista, Risingson, al principio aparece cierta semejanza con un aullido y las voces se activan temprano, de hecho, las voces se ejecutan en esta pista, con algunos sonidos de sintetizador interesantes detrás de ellas. El ritmo suave es, por supuesto, como el de la mayoría de los otros temas de Massive Attack y no decepciona, esta pista es mucho más relajada que Angel y suena mucho más a trip hop tradicional, tengo una debilidad por el scratching, del cual esta pista tiene algunos fragmentos aquí y allá. Definitivamente establece un tono urbano oscuro muy agradable. 

Probablemente una de las pistas de Massive Attack más populares y reconocibles viene a continuación, Teardrop, es un buen cambio de ritmo con respecto a las dos pistas anteriores que eran sumamente oscuras, el ritmo se siente más ligero, uno de los pocos temas que no invoca directamente la oscuridad, esto es aún más claro cuando el piano entra en acción y la melodía es impresionante. Elizabeth Fraser canta esta canción y su voz es simplemente maravillosa. Su apariencia por sí sola hace de esta canción una de las mejores de este álbum. La producción limpia de la que hablaba también brilla aquí, este álbum es definitivamente lo opuesto a lo crudo. Inertia Creeps contrasta fuertemente con la pista anterior. El principio suena bastante inocente, pero todo se vuelve progresivamente más oscuro con bastante rapidez, los tambores que suenan ritualmente combinados con los sintetizadores y el canto susurrante más oscuro hacen que el ambiente se sienta casi claustrofóbico. También siento que debo señalar que esta canción dura casi 6 minutos, lo cual es un poco largo para una pista tan redundante como esta. No es una canción terrible, ni tampoco la mejor. Todo comienza a apagarse nuevamente con la introducción de Exchange, una pista muy lenta y relajada que utiliza muchos instrumentos y sonidos diferentes, es un buen cambio de ritmo dado el contexto del álbum, pero no es una canción que personalmente disfrute demasiado. Sin embargo, marca una disminución notable en la oscuridad del álbum, y las pistas que le siguen tienden a sentirse más suavizadas, en su mayor parte. Un pequeño y agradable interludio instrumental.

Dissolved Girl no es tan oscuro como algunas de sus pistas predecesoras, pero tampoco es lo que llamaríamos relajante, es una buena pista intermedia que aporta algunos sonidos nuevos y hace un buen uso de la guitarra y la transición entre sonidos, una pista muy tranquila en la que puedes simplemente sentarte y disfrutar del viaje. Los fragmentos de guitarra incluidos son los mejores que encuentra en este álbum, es indescriptible lo bien que encajan, todo encaja como un rompecabezas. Y me deja boquiabierto después de cada escucha. El estado de ánimo y la atmósfera que transmite esta pista no tienen comparación, es perfecto. Después de un gran tema, en mi opinión, llega un tema bastante decepcionante. Man Next Door tiene un ritmo bastante poco interesante (en comparación con los demás) y algunas voces demasiado repetitivas además. No creo que encaje bien en el álbum, dado el contexto de las otras canciones. Sin embargo, encuentro que Black Milk es una canción absolutamente hermosa, es, con diferencia, la canción más relajante del álbum y la melodía es preciosa, el piano y las campanas actúan como un gran tono para el ritmo bastante simple del fondo y todo armoniza muy bien, tiene un ritmo muy sólido y también aparecen algunas voces femeninas realmente etéreas le dan a la pista un carácter extra. Probablemente también sea una de las canciones más edificantes. 

La antepenúltima pista es la versión, Mezzanine , y es la última de las pistas verdaderamente oscuras del álbum. Una vez más, Massive Attack usa un ritmo simple pero le saca mucho provecho. Los zumbidos, las voces oscuras y el eco de la batería, junto con el subgrave, hacen que esta pista se sienta sucia y espeluznante. Los sonidos se vuelven más frecuentes a medida que avanza la pista y comienzan a combinarse en algo verdaderamente sexy. También vale la pena mencionar que Daddy G podría tener una de mis voces favoritas en este álbum. Da tanto miedo que al principio me desconcertó un poco. Esta pista termina volviéndose bastante caótica cuando termina, con todo tipo de sonidos sucios. El álbum llega a su fin con una pista bastante larga de 8 minutos, Group Four, sin embargo, esta pista hace un buen trabajo al mantenerte entretenido en todo momento. El ritmo es suave y por primera vez se mezclan voces femeninas y masculinas en la misma canción. La pista se mantiene aproximadamente al mismo ritmo hasta que comienza a ocurrir un gran cambio alrededor de los 5 minutos. Aproximadamente 5 minutos después, la pista te toma por sorpresa y te da pistas de esta increíble muestra de Pink Floyd que complica mucho las cosas. Es un gran tema y probablemente el más representativo de lo que es Mezzanine. El ritmo nunca disminuye y se vuelve progresivamente más rápido hasta llegar a su fin en los últimos 30 segundos aproximadamente. Pero espera, ¿cuál es este último track? Suena muy familiar... y (Intercambio) ha hecho una devolución. La única diferencia es que se han añadido algunas letras repetitivas; todo lo demás sigue igual que antes. Encuentro esta canción completamente innecesaria y siento que el álbum habría sido mucho mejor si hubiera terminado con el gigantesco Grupo Cuatro. 

Mezzanine de Massive Attack es un álbum de trip-hop simplemente impresionante creado por los propios creadores del género. Es lo mejor de todos sus esfuerzos y será difícil superarlo. Este es uno de los mejores álbumes que existen, no sólo del trip-hop, sino de la música en general. Si necesita cumplir una fantasía oscura pero aún así mantenerse al tanto de la realidad con un alivio refrescante, no busque más que Mezzanine.