El disco de la semana 378: "La Biblia": Un Épico Viaje Musical de Vox Dei

El disco de la semana 378: "La Biblia": Un Épico Viaje Musical de Vox Dei

En el vasto paisaje del rock argentino, pocos álbumes han dejado una huella tan profunda y duradera como "La Biblia" de Vox Dei. Este trabajo seminal, lanzado en marzo de 1971 bajo el sello Disc Jockey, no solo consolidó la posición de la banda en la escena musical, sino que también se convirtió en un hito cultural que resonó mucho más allá de las fronteras argentinas.

Desde el momento en que se presenta con la majestuosa "Génesis", el álbum catapulta a los oyentes a un viaje épico a través de las páginas de la historia y la espiritualidad. Con letras profundas y melodías arrolladoras, Vox Dei teje una narrativa que abarca desde los relatos bíblicos hasta las reflexiones contemporáneas sobre la condición humana.

La producción magistral de Jorge Álvarez proporciona un lienzo sonoro rico y envolvente para las composiciones del grupo. Canciones como "Libros Sapienciales" y "Las Guerras" son testimonios vívidos de la habilidad de Vox Dei para combinar la energía del rock con la profundidad lírica.

Pero más allá de su impacto musical, "La Biblia" se destaca como una obra que desafía las convenciones y enfrenta la adversidad. En un momento en que Argentina estaba inmersa en la agitación política de la dictadura militar, Vox Dei se atrevió a explorar temas sensibles y a desafiar la censura de la Iglesia Católica. El resultado fue un álbum que resonó tanto en los corazones como en las mentes de quienes lo escucharon.

La colaboración con el director y arreglista Roberto Lar eleva aún más la grandeza de "La Biblia". Su trabajo orquestal en temas como "Cristo (Nacimiento)" y "Cristo (Muerte y Resurrección)" agrega una capa de profundidad y emoción que trasciende los límites del rock convencional.

Pero más allá de la música, "La Biblia" es una obra de arte en sí misma. El diseño de la portada, con su simbolismo intrincado y evocador, sirve como un preludio perfecto para la experiencia musical que aguarda a los oyentes.

La historia detrás de la creación de "La Biblia" es tan fascinante como el álbum mismo. Surgiendo en un momento de efervescencia cultural en Argentina, la idea de "La Biblia" tomó forma en la librería de Jorge Álvarez y el sello discográfico Mandioca. El proceso creativo estuvo marcado por tensiones internas y presiones externas, incluida la censura de la Iglesia Católica. Sin embargo, Vox Dei perseveró, dando vida a un trabajo que desafiaría las expectativas y cambiaría el panorama musical argentino para siempre.

El legado de "La Biblia" trasciende generaciones y fronteras. En 2007, la revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 14 de los 100 mejores álbumes del rock argentino, un testimonio de su impacto perdurable en la cultura musical del país. A lo largo de los años, ha continuado inspirando a músicos y oyentes de todo el mundo, recordándonos el poder transformador de la música cuando se combina con un propósito más grande.

"La Biblia" de Vox Dei no es simplemente un álbum de rock; es un monumento a la creatividad, la resistencia y la búsqueda de la verdad. Cuarenta y tres años después de su lanzamiento, sigue siendo una obra maestra que sigue resonando con fuerza en el corazón de quienes la escuchan, recordándonos la capacidad única de la música para unir, inspirar y transformar.

Daniel 

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El disco de la semana 377: Urban Hymns - The Verve

 

Alejándose de los temas psicodélicos que habían estado presentes en toda su música anterior, Urban Hymns el tercer álbum de The verve se puede denominar como un album de baladas indie, que por momentos parece no ser tanto música, ya que Richard Ashcroft personalmente apuñala al oyente en el corazón con toda la emoción que transmite su voz. Este tipo de canciones hacen que tuviera un gran éxito en el Reino Unido, lo que lo convirtió en uno de los álbumes de 1997. Un gran trabajo al que podemos sacar un pequeño defecto que sale a relucir tras escucharlo repetidamente, el enorme abismo de calidad que existe entre los sencillos destacados y gran parte del resto del álbum. “Sinfonia Agridulce”, si hay un resumen en dos palabras de todo lo que el tipo había estado persiguiendo como líder de The Verve durante la última década, es eso. Sus épicas tomas de guitarra, palpitantes y llenas de emoción universal, ya habían llegado a un par de miles de británicos, todo lo que necesitaba era ese tema con el que llegaría al mundo. Y vaya si lo consiguió, “Bittersweet Symphony” es una de esas canciones, como “Imagine” antes y “Hey Ya!” después de eso, que se convierten en una canción de todos. Es descaradamente épica sin llegar a parecer exagerado, permanece en la cima más alta que una canción puede alcanzar antes de caer en un sentimiento vacío. "Porque es una sinfonía agridulce, en esta vida, intenta llegar a fin de mes, eres esclavo del dinero y luego mueres". ¿Qué te parece eso de una letra de apertura? Tan aplastantemente depresivo que se convierte en una declaración realista y de alguna manera optimista para todas las épocas cuando se transmite a través de ese bucle de cuerda sin fin, que se pliega sobre sí mismo en el infinito. Pero “Bittersweet Symphony” es una de las raras canciones donde la percusión es en realidad más cautivadora que la melodía, es el sonido de una maquinaria industrial reorganizada y embellecida, esta canción no pertenece a las radios, pertenece a los auriculares de los astronautas. Si Urban Hymns suena un poco decepcionante al principio después de esa canción, es comprensible, con cada canción construida alrededor de una guitarra acústica con muy poca experimentación, el álbum suena muy vainilla al principio y se vuelve agotador hacia la mitad del camino, pero esa es la belleza de Urban Hymns, es el sonido de una banda que sabe exactamente lo que hace muy bien y continúa alcanzando ese punto óptimo durante más de una hora. Sabiamente, Ashcroft no intenta replicar la majestuosidad planetaria de esa canción una vez en el resto de Urban Hymns, se centra en ampliar las cosas pequeñas, Ashcroft persigue los mismos objetivos que perseguían los Gallagher en su álbum universal (What's the Story) Morning Glory?, pero en lugar de extraer íconos de los años 60, Ashcroft encuentra un mayor éxito inspirándose en la música gospel. Muchos de sus estribillos podrían haber sido tomados directamente de canciones de adoración (“¿Puedes consolarme?” “No habrá mejor día para salvarme” “¿Puedes oír esta belleza en la vida?” “Levántate derecho a través de la fila”) mientras que temas épicos como “The Rolling People” y “Come On” encuentran a Ashcroft despotricando como un predicador en medio de la agonía del espíritu santo.

"Urban Hymns" comienza con la mencionada "Bitter Sweet Symphony", que presenta música compuesta por Mick Jagger y Keith Richards de The Rolling Stones y letra escrita por Richard, de la que ya hemos hablado ampliamente en la introduccion. "Sonnet" es el tema que te pondrá la piel de gallina, una brillante balada de amor con todos los ganchos adecuados y todas las palabras precisas. Como revela el título, este es un soneto (un poema) de amor de Richard a su pareja, aunque el tiempo parece haberla convertido en el más pequeña de la camada en lo que respecta a los cuatro sencillos de Urban Hymns, una balada encantadora, mesurada y amplia que ha envejecido mucho mejor que las otras dos, tanto en el sentido de que suena más como algo que una banda en 2018 podría escribir, como en el sentido de que se ha mantenido mucho más firme frente a obras repetidas a lo largo de los años. Tiene un arreglo más complejo en  las capas de lo que probablemente recuerdes y esa letra molesta de la manera correcta, su mezcla de amor, muerte y juventud, puede parecer una oda al amor mismo hacia Dios, pero representa la búsqueda de cada amante para alcanzar el objeto de amor, y cómo se requiere una resistencia tan profunda para obtener la recompensa y lo doloroso que es. Preciosa, preciosa pista. "The Rolling People" es uno de los temas más brillantes del álbum, escrita por toda la banda, la canción está llena de psicodelia genial, grandes ritmos de batería, algunos solos de guitarra y rasgueos increíbles, el gusto de Ashcroft por la música pop pegadiza y el amor de McCabe por las improvisaciones psicodélicas se combinan muy bien aquí... es doloroso escuchar esto y pensar que The Verve son capaces de esto y no lo han explotado totalmente. "The Drugs Don't Work" es otra tierna balada escrita por el propio genio Ashcroft, la canción comienza con una guitarra acústica muy cálida respaldada por un suave arreglo de cuerdas, y luego Richard canta las primeras líneas: "Toda esta charla sobre cómo superarlo, me está deprimiendo, mi amor... como un gato en una bolsa, esperando a ahogarse", Ashcroft parece haber escrito este tema desde un lugar muy personal, tal vez basado en la muerte de su padre (quien murió cuando Ashcroft tenía 11 años), con letras repletas de imágenes sombrías, aun así, hay notas de brillo y esperanza: 'Sé que volveré a ver tu rostro...', aunque tal vez sea en el más allá. El instrumental es exuberante, utiliza cuerdas para transmitir el mensaje y está respaldado por tonos de guitarra lúgubres y con ecos. "Catching A Butterfly" es otra pista psicodélica con un buen tempo, excelentes loops de guitarra y un ritmo de batería efectivo. Una melodía muy al estilo de los Beatles con algunas de las letras más espeluznantes del rock, ¡tal vez espeluznantes por el uso excesivo de drogas!."Neon Wilderness" es un relleno de álbum es muy flojita y una forma demasiado abrupta de bajar al “infierno” después del buen material escuchado hasta este momento. Escrito por el guitarrista principal de la banda, Nick McCabe, suena como una pieza de Unfinished Music pero vale la pena por su corta duración y porque principalmente es instrumental. "Space And Time" es una melodía de rock genial escrita por Ashcroft. Me pregunto por qué nunca lanzaron este como single. Con este tema, apuesto a que ya te habrías enamorado de The Verve.

 

"Weeping Willow" es personalmente uno de mis favoritos. ¡Increíble el uso de esas guitarras! Y Richard seguro con otra de sus letras conmovedoras e impresionantes. Tiene un aire a "Columbia" de Oasis de Definitely Maybe. La canción ilustra la batalla del cantante contra la depresión y los pensamientos suicidas, una batalla que el líder de The Verve, Richard Ashcroft, conoce muy bien, ya que es un maníaco depresivo clínicamente diagnosticado que ha luchado contra la depresión, la drogadicción y los pensamientos suicidas desde finales de los años 90. Ashcroft se casó con Kate Radley de la banda Spiritualized en 1995 y probablemente ella sea la inspiración para líneas como:

"Espero que sientas que yo siento
a alguien que esté a mi lado"

En sus canciones, Ashcroft a menudo ha expresado un deseo de comprensión íntima, teniendo a Radley en mente. Es lo que él llama una ambición amorosa positiva. "Lucky Man" es la melodía más edificante de todo el álbum, la que pondrá una sonrisa en tu cara mientras simulas tocar la guitarra caminando por una habitación vacía sincronizando los labios con cada palabra (¡eso es lo que hago!). El genio de Richard florece con esta pista en particular y también parece que ha cambiado su estado de ánimo hacia arriba, un cambio muy notable respecto al resto de sus canciones en "Urban Hymns". La mejor frase de la canción tiene que ser "La felicidad, más o menos, ¿es sólo un cambio en mí, algo en mi libertad?" ¡Me encanta!. "One Day" es una confesión de amor de Richard una vez más a su amante anónima. Las drogas no funcionaron y el soneto está ahí, y ahora Richard espera con ansias el día en que él y su amante "bailen de nuevo bajo cielos ardientes". Una tierna balada que llegará a tu corazón. "This Time" hace que Richard prometa que no se arrepentirá de su pasado, sino que esta vez saldrá a la luz. Un fantástico relleno de álbum con geniales ganchos de guitarra. Y me encantan esos coros de armonía. "Velvet Morning" es la resaca del día siguiente. Richard hablando más sobre la vida con un efecto de micrófono borroso es una delicia, termina con "Come On" es una pista genial impulsada por la guitarra. Un estímulo para dejar que el espíritu te mueva y no te dejes descartar. Termina con un Richard muy enojado diciendo la palabra F como un loco.

Urban Hymns es un álbum que terminó siendo un último destello en los últimos días del britpop y prácticamente marcó la salida de Verve de sus primeras raíces, habiéndose adaptado de ser una banda shoegaze a una banda indie más estándar. La banda finalmente se separaría durante casi diez años después de su lanzamiento y, en general, fue una buena manera de salir temporalmente. Pero los fanáticos de los primeros trabajos de la banda pueden encontrarlo demasiado baladista y pulido, en realidad no hay nada de ese rock espaciado que fue un elemento básico de A Storm in Heaven, pero lo que sí tiene es algo de lo mejor: canciones grabadas en los años 90, y es probablemente el último álbum importante del canon Britpop.

Disco de la semana 376: Life Thru a Lens - Robbie Williams

Podría decirse que "Life thru a Lens" ("La vida a través de una lente") (1997) de Robbie Williams es un disco que simboliza el triunfo del rencor, pero sonaría demasiado negativo. Quizá entonces sea mejor explicar el motor creativo que impulsó la gestación de ese disco refiriéndonos a la célebre frase de John Lydon (alias Johnny Rotten) en la canción "Rise" de su grupo "PIL", en la que decía que "La ira es energía". Porque lo cierto es que, tras varios años sintiéndose injustamente a la sombra de Gary Barlow en Take That y tras ser expulsado del grupo por su vida desordenada y sus constantes escándalos por el abuso de alcohol y otras sustancias, Williams canalizó toda esa rabia en demostrar que él y no Barlow sería quién se labrara una exitosa carrera en solitario.

Para su debut en solitario, Robbie Williams se apartó por completo de la música pop para adolescentes en la que se había basado su edulcorada banda de origen, y dejó que sus nuevas composiciones viraran hacia el por entonces brit pop predominante, y en especial hacia los sonidos de guitarra e himnos de estadios de sus admirados Oasis. Para encontrar este nuevo sonido y registrar un disco de calidad y garantías, Williams se asoció con el músico y productor Guy Chambers, que se encargó de dar forma y empaque a las composiciones y letras de Williams.

La influencia de los sonidos del brit pop es evidente ya desde la primera canción, "Lazy Days", un gran tema que Robbie Williams grabó en mitad de un proceso de rehabilitación, y de hecho necesitó un permiso del centro en el que estaba internado para poder salir y grabar el vídeo promocional, cuando la canción fue elegida para ser el segundo single del disco. Alcanzó el octavo puesto en las listas de ventas de Reino Unido, pero la situación en la que se encontraba el músico hizo que la promoción fuera prácticamente inexistente, y la canción fracasó en las listas de ventas del resto del mundo.

"Life thru a Lens" es la canción que da título al álbum, y suponemos que más por las implicaciones del título, porque siendo una buena canción no es de las más destacadas del disco, y no fue publicada como single. En pleno proceso de rehabilitación, separado de su grupo y con su primer disco bajo el brazo, sin duda Williams pudo sentirse bajo la lupa y la mirada crítica del mundillo musical y social del momento, y eso ya hace de esta canción y de su título el perfecto resumen de esta primera obra en solitario. Menos coartada tiene "Ego A Go Go" un tema claramente menor, por más que se esforzaran en ocultarlo bajo varias capas de arreglos de exuberantes metales.

La siguiente canción no necesita presentación, y es a día de hoy su mayor éxito de crítica y ventas, pero antes de hablar de la excelsa "Angels" hay que hablar de las dos canciones que la siguen, que fueron el primer y tercer single del disco. Como le ocurriera a "Lazy Days", tanto "Old Before I Die" como "South of the Border" alcanzaron solo un éxito moderado, tensando mucho la situación con la discográfica, que tras tres singles fallidos estaba a un paso de dar por terminada su confianza en la aventura de Robbie Williams como artista en solitario. Pero cuando a punto estaba de quemarse bajo la abrasadora lente del ojo crítico, la publicación de "Angels" como cuarto single le catapultó a la fama internacional, convirtiéndose en un éxito a nivel mundial, vendiendo dos millones de copias e impulsando las ventas del álbum hacia cotas que ni Williams ni Chambers habrían imaginado.

Tras la energía pop rock de las ya mencionadas "Old Before I Die" y "South of the Border", llega el momento de la calma con la destacable "One of God's Better People" un buen aperitivo antes de "Let Me Entertain You", el auténtico plato fuerte del disco, una enérgica y electrizante descarga de adrenalina que se convirtió en el quinto single, aprovechando el oleaje que había provocado el maremoto de "Angels". ¿Cómo es posible que un tema de semejante intensidad no viera la luz hasta el quinto single, y estuviera a punto de quedar en el olvido si todo se hubiera derrumbado tras los primeros singles fallidos? No imaginamos una respuesta válida y razonable, pero lo perdonamos porque no debe ser fácil vivir bajo la mirada constante de una lente.

Afortunadamente, "Let Me Entertain You" tuvo finalmente su cuota de visibilidad y reconocimiento, y supo aprovecharla, porque se convirtió al instante en la canción con la que Williams abrió sus shows desde entonces, y en una de las más aclamadas y coreadas en vivo. Quedará como el error que pudo ser y no fue, pero hubo otro error que no podemos evitar achacarle al bueno de Williams en su programación de temas para "Life thru a Lens", porque tras las también brillantes "Clean" (sobre su proceso de rehabilitación) y "Baby Girl Window" (en una pista que incluye también un recitado oculto llamado "Hello Sir"), nos quedamos con la sensación de echar en falta que hubiera incluido también su vibrante versión del "Freedom" de George Michael, publicada como primer single de su carrera en solitario, poco tiempo antes de que saliera a la luz "Life Thru a Lens".

El disco de la semana 375: Naturally - J. J. Cale

 

Naturally, J. J. Cale

     Para la recomendación de esta semana nos vamos a detener en Naturally, el álbum debut de J. J. Cale, un artista que durante toda su carrera vivió ajeno a las modas y al éxito, lo que no impidió que tuviera una gran influencia en multitud de grupos y artistas que versionaron sus temas, entre los que se encuentran Eric Clapton, Lynyrd Skynyrd, Carlos Santana o John Mayer entre otros muchos. Con un estilo personal descrito como "Relajado" (Laid black), fue uno de los fundadores e impulsores del llamado sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, rockabilly, country y jazz. Este disco debut fue grabado entre el el 29 de septiembre de 1970 y el 9 de junio de 1971, bajo la producciṕon de Audie Ashworth, y publicado el 25 de octubrede 1971 bajo el sello discográfico A&M Records en Reino Unido y Shelter Records en Estados Unidos.

Cale se crió en Oklahoma, su primera incursión con las mieles del éxito llegó en 1964 cuando el cantante Mel McDaniel logró un llamativo éxito regional con la composición de Cale "Lazy Me". Posteriormente Cale se muda a California donde trabaja en el estudio casero de Leon Russell como ingeniero jefe y empieza a actuar en lugares como el famoso Whiskey a Go Go. En 1966 Cale graba un sencillo que resulta ser todo un fracaso, "Slow Motion", pero será la cara B que incluye ese sencillo, "After Midnight", el que consiga una gran trascendencia en su carrera cuando Eric Clapton lo grabe y consiga un gran éxito en 1970. Sobre esto Cale recordaba: "Era muy pobre, no ganaba lo suficiente para comer y no era un hombre joven, tenía treinta  tantos años, así que era muy felíz por poder ganar algo de dinero con los derechos de la canción". A raíz de esto, el amigo y productor de Cale, Audie Ausworth le anima a grabar un álbum completo para aprovechar el éxito de la canción.

Narturally se grabó de forma independiente, y a los músicos se les pagaron reducidas tarifas. El disco incluía ritmos de batería sutiles, voces turbias cantandas en un rango esrecho y un estilo de guitarra que fusionaba country, blues y jazz, conocido posteriormente como sonido Tulsa, y algunas canciones fueron grabadas con un primitivo acompañamiento de caja de ritmos y sonaban casi como demos. Cale decía que cuando hicieron este disco, la mayoría de la gente no se dio cuenta de que habían usado una caja de ritmos eléctrica o que eso sencillmente existiera, no uso un baterista real porque no tenía dinero para pagarlo, por lo  que grabó Crazy Mama y Call Me The Breeze con dicha caja de ritmos, y Carl Radle tocó el bajo y Mac Gayden el slide en Crazy Mama. Luego el productor Audie contrató a algunos músicos y un estudio real y grabaron las otras ocho canciones de Naturally.  

Naturally, con ese estilo sencillo, discreto y distintivo de Cale, fue todo un éxito y marcó un hito en la carrera discográfica en solitario del artista. Cale afirmaba sobre este disco: "No estaba realmente loco por el álbum Naturally y todavía no lo estoy, pero a la mayoría de las personas a las que les gusta mi música, los fanáticos de JJ Cale, realmente les gusta este disco. Creo que lo que realmente les gustó fueron las canciones". De hecho, la fama no le impresionó: "El primer álbum era una colección de canciones en las que había estado trabajando durante unos 32 años. fue una colección que refinó todo lo que había salido de mí y eliminó todas las malas ideas que había tenido durante 20 años. Pero cuando tuvo éxito, la discográfica quiso el siguiente álbum en seis meses. Cuando tienes éxito, llega el dinero y muy pronto tienes que contratar un contable, tienes que levantarte temprano y luego tienes un trabajo diario. Muy pronto ya no disfrutaba de la vida; lo único que hacía era trabajar".

Estamos ante un viaje al corazón del blues relajado, donde se entremezclan elementos de música rockabilly, country o jazz. Naturally se convertirá en un hito del sonido Tulsa, y su autor nos lleva en un viaje musical donde fusiona dichos estilos de una forma brillante. Desde los primero acordes de Call me the Breeze, Cale, con su voz tranquila y suave, plasma su sello de identidad, deslizándose sobre ritmos sueltos y riffs de guitarra que invitan a la relajarse y disfrutar. Crazy Mama fue el mayor éxito del álbum en las listas, alcanzando el puesto número 22 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. Call the Doctor y la maravillosa Don't Go to Strangers continúan con la apacible y tranquila atmósfera del disco. Los ritmos de guitarra de Cale, acompañados por su melódica voz, crean una sensación de familiaridad reconfortante y acogedor. 

Naturally también tiene momentos más introspectivos, como en Magnolia y Crying Eyes. Aquí Cale muestra una extraordinaria habilidad para transmitir emociones complejas a través de unas letras simples y unas melodías sencillas. Canciones para disfrutar en la penumbra y dejarse llevar por la melancolía y la reflexión. En la parte final del disco nos encontramos con River Runs Deep y Bringing It Black, dos pistas que reflejan y definen perfectamente el estilo único y distintivo del compositor. Sigue siendo capaz de mantener con brillantez esa atmósfera calida y envolvente creada al inicio del ábum.

Mención especial para el tema que hizo despegar a Cale y darlo a conocer al mundo, After Midnight. La canción fue un gran éxito para Eric Clapton, pero también para su autor original, Cale. Con su archiconocido ritmo y una letra sugerente, la canción logra capturar la esencia del blues nocturno. La versión de Cale difiere mucho de la versión frenética de Clapton, algo que "El Trovador de Ocklahoma", como era conocido Cale, explicó en una entrevista en 2004: "La historia fue que el "After Midnight"original que grabé con Liberty Records, estaba grabado a 45 rpm y era rápido. Esa era la canción original, y eso es lo que escuchó Clapton. Si escuchas el disco de Eric Clpaton, lo que hizo fue imitarlo. nadie escuchó la primera versión que hice de él. Entonces, cuando grabé Naturally, Denny Cordell, que dirigía Shelter Records, me dijo: "John, ¿por qué no pones 'After Midnight' ahí porque eso es lo que la gente quiere? Le dije: Bueno, ya lo tengo en Liberty Records y Eic Clapton ya lo grabó, así que voy a hacerlo de nuevo, lo haré lentamente". 

Naturally de J. J. Cale es un tesoro de la música relajada, del llamado sonido Tulsa, con esa genial mezcla de sonido y ese único e inimitable estilo de su autor. Una obra maestra atemporal que merece un lugardestacado en la colección de cualquier amante de la música.

El disco de la semana 374: Africa Brasil - Jorge Ben

 

A finales de los años 60 hubo un boom en la música brasileña. Al movimiento se le llamó Tropicália, y devenía de lo que se conocía como Música Popular Brasileira, o MPB, que a su vez tomaba elementos del Bossa Nova de principios de los 70. Sus principales exponentes eran chavales idealistas que buscaban crear una identidad musical contemporánea al tiempo que le hacían frente al cada vez más enrarecido ambiente político y social del país, producto de la dictadura militar que se había instaurado en 1964. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé, Os Mutantes, Chico Buarque, estaban entre sus principales exponentes. Pero entre todos ellos había uno que sobresalía porque había transitado las tres etapas arriba mencionadas, como si cualquier cosa: Jorge Ben. Africa Brasil es el disco más excelso de Jorge Ben, de hecho, escucharlo detenidamente puede simular a la sensación de estar tomando algunas drogas fuertes que te dejan paralizado por el miedo por dentro pero peligrosamente hiperactivo por fuera. Esa portada del álbum, mira la expresión de su rostro. 

Este es un álbum de fiesta, pero no particularmente alegre y de "buenas vibraciones". Es más bien un viaje peligroso, uno por el que pagaste sólo para experimentar algo de emoción. De cualquier manera... ¡ritmos funk! ¡Muchos ritmos funk! Este es también su álbum más enérgico rítmicamente, fácilmente al nivel de la música más sofisticada en este sentido que se produjo en los Estados Unidos durante la década. El ritmo lo es todo en África Brasil, no hay un momento a lo largo de sus 40 minutos que no esté cargado de energía cinética y impulso extático. Esta es música que siempre está en movimiento, tanto literalmente como en cualquier otro sentido posible, su pulso sube y baja, pero siempre presente e innegable. Mientras que en sus álbumes anteriores, como Forca Bruta de 1970 y A Tabua Da Esmeralda de 1974, Ben había abrazado influencias cada vez más eclécticas como el rock y la psicodelia, África Brasil es sin ambigüedades un álbum de funk, que refleja tanto el groove hipnótico del Afrobeat como el bolsillo más profundo del Funk y soul norteamericanos por igual, así como la libertad e imprevisibilidad del jazz.

“Umbabaraumba” pone el listón alto, comenzando con un riff que podría seguir repitiendo durante horas y nunca perder su paradójica sensación de intensidad sudorosa y fresca, apaga las luces y las paredes tiemblan, no existe un mejor riff de guitarra, ni siquiera uno que se acerque. La canción está impulsada por ese riff, una potente sección rítmica y tres o cuatro ganchos distintos, todos excelentes. Apuesto a que, entre todo ese ruido, ni siquiera notaste la nota de sintetizador en el estribillo, pero encaja tan bien allí que se esconde a simple vista. El único elogio que puedo dar sería decir que esta canción debería ser el himno de todas las Copas Mundiales de la FIFA. ¿Por qué los jugadores en el campo de batalla no querrían ser comparados con los guerreros africanos en el campo de batalla? ¿Podría haber algo que te haga mas fuerte?. “Hermes Trismegisto Escreveu” suena aún más profundo, con brillantes destellos de trompetas y un urgente pavoneo rítmico. La energía frenética y los BPM fuera de serie del penúltimo tema del álbum, “Cavaleiro Do Cavalo Imaculado”, se sienten como si estuvieran sumergidos en el carnaval mientras está en pleno apogeo. Y en “O Plebeu”, hay una alegre llamada y respuesta entre Ben, sus coristas y el sintetizador centelleante que hace cosquillas en el borde de su manifestación funk, que de otro modo sería más física. La única canción que quizás sea tan reconocible como “Ponta de Lança Africano” es “Taj Mahal”. Lanzado originalmente en la colaboración del año anterior con Gilberto Gil, Ogum Xangô, pero en una versión mucho más larga y más libremente improvisada, aquí es más conciso y centrado, un himno altísimo que se centra en su gancho altísimo. Lo cual se abrió camino en la conciencia más amplia por una razón completamente diferente, aunque más dudosa: Rod Stewart tomó prestada la melodía de su éxito disco "D'Ya think I'm Sexy". Como solución a la disputa resultante, Stewart decidió donar los derechos de autor de la canción al Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia. Fijaros en la batería de Gustavo Schroeter, suena excepcional: Escuche el tamborileo incansable de "Hermes Trismegisto escreveu" en contrapunto a un ritmo digno de Prime Sly y The Family Stone. Lo mismo ocurre con los vistosos rellenos de batería en "O plebeu" (sobre todo en el minuto 1:45) y "Xica da Silva", todos ellos lo suficientemente potentes como para hacerte sentir temblar el suelo. La sección rítmica también cuenta con Dadi Carvalho (ex-Novos Baianos, fue el bajista del coro de Acabou ) encargándose de las tareas del bajo. La línea de bajo de "Historia de Jorge" es extática, y la de "Hermes Trismegisto escreveu" golpea con fuerza como si no pudiera decírtelo (lo mejor es el pequeño truco que hace en 1:20 y 2:25, más o menos el ideal de cómo volver a la pista después de haber engañado al oyente haciéndole creer que había matado todo el impulso que tenía la canción).

 

La celebración de la música negra en toda África Brasil está esencialmente entrelazada con su celebración más amplia de la identidad negra, en sintonía con el surgimiento del orgullo negro en Estados Unidos, así como con la conciencia afrobrasileña. El álbum en parte rinde homenaje a las raíces africanas de Ben, ya que su madre emigró a Brasil desde Etiopía y él creció escuchando a su familia cantar canciones tradicionales de su país de origen. No hay nada tradicional en este conjunto de canciones, pero cuentan historias de héroes que a menudo quedan fuera de los libros de historia, como “Zumbi”, una reelaboración de una canción anterior que rinde homenaje a un líder de una quimboa brasileña en el siglo XVII. O, en el caso de “Umbabarauma”, elevar un ideal en lugar de una figura específica. Aunque fue revelador en su lanzamiento tanto por sus innovaciones musicales como por ser una verdadera obra maestra para el propio Ben, África Brasil se popularizó un poco más gradualmente en el hemisferio norte. David Byrne seleccionó “Ponta de Lança Africano (Umbabarauma)” como tema inicial de una compilación en su sello Luaka Bop en 1989 y, sorprendentemente, su video apareció en VH1. En los años siguientes, el auge de las redes de intercambio de archivos y, finalmente, el streaming hizo que el interés en el álbum se extendiera entre las generaciones más jóvenes y entre aquellos que tal vez nunca hubieran tenido acceso al álbum tras su lanzamiento en 1976. Aunque está lleno de sonidos que definieron un estilo específico era, es alegre en su expresión de ritmo y empoderamiento. La música que se esfuerza tanto simplemente no envejece. Jorge Ben nunca tuvo el placer de ser titular en un equipo ganador de la Copa del Mundo. ¿Pero lanzar una obra transformadora de la música popular brasileña cuya influencia resuena después de casi cinco décadas, con su propio himno futbolístico perdurable? Nada mal para un premio de consolación.

El disco de la semana 373: Explorando la Energía Reveladora de Onda Vaga, Una Inmersión en su Álbum Debut "Fuerte y Caliente"

El disco de la semana 373: Explorando la Energía Reveladora de Onda Vaga. Una Inmersión en su Álbum Debut "Fuerte y Caliente"

En el vasto universo de la música independiente argentina-uruguaya, hay una constelación de talentos que iluminan el panorama sonoro con su frescura y originalidad. Entre estas estrellas brillantes se encuentra Onda Vaga, una banda cuyo nombre evoca la energía insondable de las olas del mar y cuya música fluye con la misma vitalidad y vitalidad. En este artículo, nos sumergiremos en el hipnótico océano de sonidos de Onda Vaga, centrándonos en su álbum debut, "Fuerte y Caliente", un viaje auditivo que cautiva y revela la esencia misma de la banda.

El Espíritu de la Ola: Onda Vaga

Onda Vaga, formada en el año 2007, se distingue por su estilo ecléctico y su enfoque innovador hacia la música. Conformada por Nacho Rodríguez (voz y guitarra), Marcos Orellana (voz, guitarra y acordeón), Marcelo Blanco (voz, guitarra y percusión), Tomás Justo Gaggero (bajo y voz) y Germán Cohen (batería y voz), la banda fusiona una amplia gama de influencias musicales que van desde el folk hasta el reggae, pasando por el rock y la música tradicional argentina.

Desde sus primeros pasos, Onda Vaga irrumpió en la escena musical con una frescura y una energía contagiosas. Su música, impregnada de un espíritu nómada y aventurero, invita al oyente a embarcarse en un viaje sonoro lleno de sorpresas y emociones. Con una instrumentación variada que incluye guitarras, acordeones, percusión y voces que se entrelazan en armonías exquisitas, Onda Vaga crea paisajes sonoros que son al mismo tiempo íntimos y expansivos.

Fuerte y Caliente: El Debut Revelador

En el año 2008, Onda Vaga lanzó su álbum debut, "Fuerte y Caliente", un trabajo discográfico que sentó las bases para su ascenso meteórico en la escena musical. Desde el primer acorde, el álbum emana una energía palpable y una sensación de calidez que envuelve al oyente. Con once canciones que exploran una amplia gama de temas y emociones, "Fuerte y Caliente" es un viaje musical que deja una impresión duradera.

El álbum se abre con "Parque", una canción que establece el tono con su ritmo animado y sus letras evocadoras. Con su melodía pegajosa y su atmósfera festiva, "Parque" invita al oyente a sumergirse en el mundo vibrante de Onda Vaga y dejar atrás todas las preocupaciones.

A lo largo del álbum, Onda Vaga demuestra su habilidad para fusionar diferentes estilos musicales de una manera fluida y cohesiva. Canciones como "Mambeado" y "Serpientes y Escaleras" son ejemplos perfectos de esta fusión, combinando elementos de reggae, folk y rock en una mezcla irresistible. Con letras que oscilan entre lo poético y lo mundano, Onda Vaga teje historias cautivadoras que resuenan con la experiencia humana.

Una de las joyas ocultas de "Fuerte y Caliente" es "Tataralí", una balada melancólica que destaca por su belleza lírica y su emotiva interpretación vocal. Con su melodía delicada y su letra conmovedora, "Tataralí" es una canción que deja una marca indeleble en el corazón del oyente.

El álbum cierra con "Juntito", una canción que resume perfectamente el espíritu de camaradería y conexión que define la música de Onda Vaga. Con su ritmo contagioso y sus armonías exuberantes, "Juntito" es un himno a la amistad y la solidaridad que deja al oyente con una sensación de alegría y satisfacción.

Un Viaje Inolvidable "Fuerte y Caliente" de Onda Vaga es mucho más que un simple álbum debut; es un testimonio del talento y la creatividad de una banda que ha sabido conquistar corazones con su música sincera y emotiva. Con su mezcla ecléctica de estilos y su enfoque audaz hacia la composición, Onda Vaga ha creado un trabajo discográfico que resiste el paso del tiempo y sigue siendo tan relevante y estimulante como el día en que fue lanzado.

Al sumergirse en las profundidades de "Fuerte y Caliente", el oyente se encuentra inmerso en un mundo de sonidos y emociones que despiertan los sentidos y alimentan el alma. Con cada nota y cada palabra, Onda Vaga nos invita a explorar los rincones más oscuros y luminosos de la experiencia humana, recordándonos que, en última instancia, somos todos viajeros en este vasto océano de vida.

Así que la próxima vez que necesites un impulso de energía o un recordatorio de la belleza del mundo que nos rodea, simplemente ponte "Fuerte y Caliente" de Onda Vaga y déjate llevar por la marea de su música etérea y transformadora. Te prometo que no te arrepentirás.

Daniel 

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Disco de la semana 372: Tim - The Replacements

 

La próxima vez que escuches este álbum, presta mucha atención a la letra. Si bien Let it Be capturó perfectamente lo que es ser un adolescente, Tim habla de quien llega a la edad de veintitantos años, cuando te das cuenta de que todo lo que aprendiste sobre ser un adulto estaba mal. Cuando cumples dieciocho años te entregan todas estas responsabilidades, pero lo que no te dicen es la forma correcta de cumplirlas, porque la verdad es que ellos tampoco lo saben. No tienen ni idea. Incluso los momentos más optimistas del álbum, como el ridículamente encantador "Kiss Me on the Bus", tienen un toque amargo y angustiante, y suenan como el trabajo de alguien que intenta desesperadamente recuperar los momentos de la vida en los que todo parecía más simple. ¿Recuerdas esa última semana de la escuela secundaria, cuando amabas todo lo que sucedía a tu alrededor simplemente porque estabas a punto de salir disparado de allí? ¿Y el verano siguiente, cuando estabas lleno de optimismo y feliz de estar vivo y listo para afrontar cualquier desafío que la vida te ofreciera? ¿Y tu primer semestre en la universidad, cuando finalmente pudiste deshacerte de esas viejas limitaciones y vivir un poco? Sí, se trata de darte cuenta de que las cosas nunca volverán a ser tan buenas. En ningún otro lugar esto queda más claro que en el magnífico final "Here Comes a Regular", el momento en el que te das cuenta de que, maldita sea, ya no eres un niño, que todos tus intentos de ser un adulto te han fallado y que no hay nada Queda por hacer en este punto, salvo bebertelo todo noche tras noche. Hasta ahora, Tim puede parecer el álbum más deprimente de todos los tiempos, y lo es cuando realmente lo digieres y piensas en ello. No es que haya mucha felicidad en "Swingin' Party" o "Little Mascara", dos canciones que transmiten perfectamente la sensación de decepción de la que hablo aquí, pero también tiene un par de momentos edificantes. En particular, "Left of the Dial" simplemente se dispara, es una oda alegremente edificante a la radio universitaria, construida alrededor de un riff tremendamente pegadizo e infundida con algo que honestamente se parece al drama real y convincente, particularmente en el puente. Es una maldita balada poderosa, pero no te lo reproches; en lo que respecta a ese tipo de cosas, no hay nada mejor que eso. Mientras tanto, "Waitress in the Sky" es una canción maravillosamente sarcástica con influencia country,

 Empieza el álbum con Hold My Life, su letra se define como poesía posmoderna: no tiene mucho sentido racional (al menos en la superficie), pero crea un ambiente definido de alienación y desesperación. El único lugar donde su significado se hace evidente alto y claro es en el estribillo:

Y mantén mi vida

hasta que esté listo para usarla

Mantén mi vida

Porque podría perderla

Porque podría perderla

Porque podría perderla

 

Es una clara advertencia de lo que vamos a encontrar aquí, le sigue I'll Buy aunque está lejos de ser excelente, sigue siendo un buen rock, reconociendo sus raíces punk rock, y Kiss Me on the Bus continúa con este estilo de vida de alegría de vivir, una canción gana puntos líricamente cuando reconoce la yuxtaposición de alegría que se convierte en madurez cuando el cantante pide un beso en un vehículo público abarrotado, musicalmente, es un poco un retroceso, casi un estilo aleatorio de los años 60, guitarras vibrando por todos lados, tempo acelerado, pero ni remotamente alto. No es que la canción sea mala, pero comparada con el resto del álbum Dose of Thunder parece de relleno, suena como si Westerberg entrara corriendo al bar/salón de billar buscando meterse en tantos problemas como pudiera, y ese final abrupto sugiere que no ha encontrado nada (especialmente con ese horrible grito). Llega Waitress in the Sky lo que los oyentes quizás no se den cuenta es que la canción no es una queja sobre el mal servicio: viajar en avión no era un lujo que los 'Mats normalmente pudieran permitirse, y ciertamente no habrían esperado que les sirvieran champán sí volaran. (Es posible que hayan intentado robarlo en primera clase), Bob Mehr explica que la canción en realidad se inspiró en las historias que el compositor Paul Westerberg escuchó de su hermana Julie, una azafata. "Yo estaba interpretando el personaje del canalla que exige ser tratado como un rey", dijo Westerberg a Mehr. "Había escuchado todas las historias de mi hermana sobre cómo los pasajeros les gritaban a las azafatas y luego cómo 'accidentalmente' les derramaban algo". Finaliza la cara A (y la más floja del álbum) con el falso optimismo de Swingin Party que trata sobre el peligro de beber, interpretadas por chicos que se dan cuenta de que están viviendo vidas insatisfechas (“dejar la escuela y ir a trabajar y nunca ir a pescar”) y pasar demasiado tiempo en la taberna del vecindario (“una tonto que desperdicia su vida, que en paz descanse sus entrañas”). La bravuconería que se encontró en “Hold My Life” ha sido reemplazada por melancolía y desesperanza, de acuerdo con el estado de ánimo, la dura música rock que se reproduce en la mayor parte del álbum ha desaparecido por una melodía fácil y lenta que te hechiza.

Abre la cara B un de sus obras maestras Bastards of Young es la llamada a las armas de esta generación y es un puto himno. En realidad, tacha eso. Llamado a las armas es un nombre inapropiado, es más bien una aceptación de la nada que parecía caracterizar su futuro, una llamada a la apatía parece más apropiado. "¡No somos hijos de nadie!" - una generación abandonada por sus padres, muchos de estos niños tuvieron que resolver las cosas por sí mismos. "Sueños incumplidos, graduados no calificados": una versión más descriptiva de los gritos de los Sex Pistols de ¡No hay futuro!, "La falta de voluntad para reclamarnos, ya no tienes guerra para nombrarnos" siempre ha sido una letra interesante para mí, es cierto que la generación de Westerberg fue la primera en mucho tiempo sin una guerra masiva que la caracterizara. "Los que más nos aman son aquellos a quienes dejaremos descansar / Y visitaremos sus tumbas durante las vacaciones en el mejor de los casos / Los que menos nos aman son aquellos por quienes moriremos por complacer / Si te sirve de consuelo, no lo hago". No empiezo a entenderlos" - Bastards of Young sigue siendo una canción punk en el fondo, solo una que está dispuesta a abrazar la melancolía más que el punk promedio. Es una puta mierda trabajar para gente que odias. Hay agudas observaciones sobre perder el primer peldaño en la escalera del éxito, sueños incumplidos y graduados no calificados.

 

Los que más nos aman son aquellos a quienes dejaremos descansar

Visitamos sus tumbas durante las vacaciones en el mejor de los casos

Los que menos nos aman son los que moriremos por complacernos.

Si te sirve de consuelo, no empiezo a entenderlos.

 

Westerberg parece indicar que damos por sentado a quienes nos muestran más afecto, ya sean jóvenes amigos o viejos abuelos. Sin embargo, hacemos todo lo posible para impresionar a quienes no se preocupan por nosotros, ya sean familiares indiferentes o los fríos jefes corporativos. Lay It Down Clown es una relativa caída en el álbum, Let's Help Bob se refiere al guitarrista principal de REM, Peter Buck, una broma interna si alguna vez hubo una. Afortunadamente, es sólo una distracción de poco más de dos minutos que conduce a la muy superior “Left of the Dial”, una pista más lenta y atmosférica que aún conserva la energía del power pop, cuenta la historia de la radio universitaria durante la década de 1980, las estaciones que tocaban bandas como The Replacements solían estar a la izquierda de la mayoría de las estaciones de radio convencionales, tanto literalmente en términos de radio física como en un sentido más ideológico en el sentido de que la música. Sus protagonistas, probablemente la propia banda, están de gira, recorriendo América y escuchando diferentes estaciones de radio a medida que avanzan, cogiendo gusto por las bandas alternativas locales. Es interesante la perspectiva que toma LOTD, siempre me ha parecido un arma de doble filo, por un lado, es triste, las bandas que están de gira intentan desesperadamente abrirse camino en la escena, envejeciendo en los bares. Pero, por otro lado, hay vitalidad en la forma en que Westerberg cuenta la historia. Me recuerda a All My Friends de LCD Soundsystem , momentos pasados luchando en el camino que, mirando hacia atrás, parecen el mejor momento de tu vida. El verso final siempre me emociona por alguna razón. Westerberg canta "Y si no te veo, dentro de mucho, mucho tiempo / Intentaré encontrarte / A la izquierda del dial". tradicional La penúltima canción Little Mascara tiene un gancho de guitarra alegre y pegadizo, pero no dejes que eso te engañe: el tema es muy pesado, en un juego de palabras westerbergiano, el estribillo de la canción dice que lo único que pierde el protagonista es un poco de rímel. Dado que desde el principio se estableció que dicha protagonista es madre y esposa, entendemos que esto significa que a cambio de los beneficios del matrimonio debe renunciar a su felicidad. Esta sensación de matrimonio tradicional que aprisiona a la mujer se explora a lo largo de toda la canción, la obligación percibida de un individuo hacia su familia supera su deseo de edificación personal y llega a arrepentirse de esta decisión. Ciertamente, el sexismo no es un tema ajeno a Westerberg, ya que antes exploró el desprecio que los hombres tienen por las mujeres de servicio en Waitress In The Sky y el abuso crónico de las actrices en Hollwood en Grandpaboy's Silent Film Star. La descripción que hace Little Mascara del encarcelamiento que experimentan las mujeres y las madres convierte a esta en su canción más desoladora, un reflejo frente al alcoholismo, la depresión y una vida insatisfecha y desperdiciada, o el desamparo y la melancolía de los bares de los pueblos pequeños. Here Comes A Regular es, con diferencia, la pista más lenta y atmosférica de Tim. Sobre una guitarra acústica de cuerdas agudas y sintetizadores silenciosos y melancólicos, cuenta la historia de un individuo, probablemente un hombre, cuya triste vida consiste en el odio a sí mismo, el aburrimiento y la bebida. Abordando nuevamente un motivo de Westerberg en el alcoholismo, el protagonista de la canción encuentra su única felicidad en ir al bar local todas las noches, pero incluso esto se vuelve vacío y deprimente para él. Honestamente, podría elegir cualquier letra de esta canción para ejemplificar la habilidad de Westerberg para invocar el desamor, pero quizás el mejor ejemplo de esto es el cierre del primer verso. Solía vivir en casa, ahora me quedo en casa. Nuevamente utilizando juegos de palabras, Westerberg juega con la vieja figura retórica “el hogar es donde está el corazón”. Lógicamente, “vivir en casa” y “quedarse en casa” significan lo mismo, pero como “hogar” y “casa” generalmente tienen connotaciones diferentes, la línea logra comentar el cambio en la vida del protagonista cuando todo comienza a cambiar. perder significado. Vivir en casa significa que su hogar y su vida todavía tienen significado para él, pero quedarse en casa significa que lo único que significa para él es protegerse del mundo exterior. Se ha disuelto con cualquier recuerdo o amor que solía asociar con su casa, como ha sucedido con su vida a medida que se hunde cada vez más en el alcoholismo, pinta una imagen tan cruda y desnuda de la depresión que es casi imposible alejarse de ella sin una lágrima en los ojos. Ya nada en la vida de este hombre ofrece consuelo; a medida que pasan los años, se da cuenta cada vez más de que está viviendo una vida vacía. Ya no quiere "ocupar mi lugar atrás con los charlatanes", pero su dependencia del alcohol le hace imposible evitar el bar al que es habitual. "Todo lo que sé es que estoy harto de todo lo que mi dinero puede comprar / Un tonto que desperdicia su vida, que Dios le descanse", la canción es muy explícita en lo que está sucediendo.

Tim termina con una nota deprimente y creo que es bueno que así sea. Westerberg mira fría y duramente la juventud desperdiciada y no le gusta lo que ve, la pregunta que plantea es hacia dónde ir a partir de ahora con su vida personal. ¿Continúa uno la espiral descendente o intenta liberarse del ciclo? Esa pregunta no se responde aquí, pero descubrir el problema es un primer paso saludable. Tim debería haber sido el álbum que llevó a The Remplacements a una audiencia más amplia, pero el desprecio de la banda por los videos musicales, junto con un infame concierto de borrachos en Saturday Night Live, echo por la borda cualquier impulso, aunque el álbum recibiera enormes elogios críticos. Sin embargo, Tim está en medio de la santa trinidad de álbumes del grupo, después de Let it Be y antes de Complated to Meet Me, (discos que sin duda merecen ser disco de la semana en el blog) como discos inspiradores que la próxima generación de bandas alternativas imitaría y convertiría en oro comercial.

Disco de la semana 371 - Talk Talk Talk - The Psychedelic Furs

Tras un primer disco homónimo publicado en 1980, la banda de rock británica The Psychedelic Furs publicó en 1981 “Talk Talk Talk”, su segundo álbum de estudio. Producido por Steve Lillywhite, esta segunda entrega de los Psychedelic Furs muestra su lado más brillante, tanto en la lírica de las composiciones como en el áspero sonido underground y post punk que impregna al disco, que los críticos definieron como "hermoso caos" o "extraordinaria basura".

Buena muestra de ello es el sonido distópico y decadente de guitarras y saxofón de "Dumb Waiters", la canción con la que da comienzo “Talk Talk Talk”. Más luminosa es "Pretty in Pink", el poderoso single de lanzamiento del disco, que llegó hasta el número 43 de las listas de éxitos británicas en 1982, y que cuatro años después, en una versión regrabada, experimentó un renacer que la llevó al puesto 13, de la mano del cineasta John Hughes, que la convirtió en el título y tema central de su película "Pretty in Pink" (1986).

El disco consigue una apreciable unidad de sonido, comparable en cierta medida al "muro de sonido" característico de Phil Spector pero desde una perspectiva más "destartalada" y minimalista de cinco muchachos entregando un himno post punk tras otro. "I wanna sleep with you" es uno de los temas más potentes, con abrasivas líneas de guitarra y ese toque a canción apocalíptica y oscura que se desmarca de cualquier romanticismo new wave ("No quiero darte flores, solo quiero dormir contigo"). "No Tears" es menos áspero y con un toque más melódico y taciturno, pero sin dejar por ello de pisar el acelerador, y "Mr. Jones", segundo single del disco, es una ondeante bandera de post punk y uno de los momentos más acelerados e intensos del álbum.

En "Into You Like a Train" ("entrando en ti como un tren") vuelven a dejar claro que lo suyo no es el romanticismo ni el lamento por el amor correspondido de grupos coetáneos como Joy Division. No en vano, habían decidido formar un grupo tras ver un concierto de The Sex Pistols en el 100 Club Punk Festival, y ese toque punk se mantiene en cierta medida en la rudeza y el nihilismo de las letras de "Talk Talk Talk", sin dejar por ello de lado otras tendencias e influencias musicales de grupos y artistas como David Bowie, The Stranglers, Roxy Music o The Velvet Underground. La canción surgió de una improvisación en el estudio, de la que les vino la idea para la directa y carnal letra.

Así surgieron también otras canciones como "It Goes On", "So Run Down" o "All of This and Nothing", temas que, como el resto del álbum, venían medio escritos en blocs o en servilletas y que con la música que iba surgiendo en los ensayos se les iba completando la letra hasta darles el toque final. Y ya que hablamos de final, el del disco llega con "She is mine", un medio tiempo de destacados arreglos de saxofón, que es lo más parecido a una balada que se puede encontrar dentro de un disco que captura el aura de The Psychedelic Furs en su mejor momento creativo, con el que buscaron llegar al público masivo con una propuesta robusta y que no cayó en las concesiones estilísticas con las que habrían podido encontrar un atajo en su largo camino hacia el éxito.

Disco de la semana 370: Not Fragile - Bachman -Turner Overdirve

 

Not Fragile, Bachman - Turner Overdrive

     Bachman-Turner Overdrive, también conocida como BTO, es una banda de rock canadiense funada por los hermanos Randy, Robbie y Tim Bachman, y por Fred Turner. Su catálogo de la década de 1970 incluy siete álbumes entre los 40 primeros en las listas de ventas y  11 sencillos entre los 40 primeros en Canadá. Tuvieron un importante éxito durante esa década tanto en Canadá como en Estados Unidos, y durante su historia han logrado vender casi 30 millones de álbumes en todo el mundo.

La formación original estaba formada por Randy Bachma (guitarra principal y voz), Fred Turner (bajo y voz), Tim Bachman (guitarra y voz) y Robbie Bachman (batería, prcusión, coros). Esta formación lanzó do álbumes en 1973. La segunda formación, la de mayor éxito, incluía a Blair Thornton (guitarra solista) en lugar de Tim Bachman. Esta segunda formación lanzó Not Fragile, el tercer álbum de la banda. fue grabado en 1974 en los Kaye-Smith Studios de Seattle, Washington, y en los Sound City Studios de Van Nuys, Los angeles, bajo la producción de Randy Bachman, y publicado en agosto de 1974 por el sello discográfico Mercury Records. Resultó ser el álbum de estudio más popular del grupo y llegó a alcanzar el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200.

En cuanto al título del álbum, Randy Bachman afirmó en una entrevista que usar la palabra "Fragil" como título para un álbum de rock, como había hecho el grupo Yes con su disco Fragil de 1971, era extraño, y pensó que la música de BTO no se podía romper, por lo que, sin pretener faltar el respeto en absoluto a Yes, la banda llamó irónicamente a su álbum Not Fragile. El disco marca el debut del guitarrista Blair Thornton, quien, a diferencia de su predecesor Tim Bachman, aparece en los créditos del ábum como "segunda guitarra solista", lo que va marcar una de las caracteríticas de este trabajo, el sonido de las Twin guitars o guitarras gemelas. 

Not Fragile contiene varios temas que se han convertido en himnos, canciones de las más queridas de la banda por parte de sus fans. Roll On Down theHighway y You Ain't Seen Nothing Yet fueron sencillos que alcanzaron un gran éxito, y varios cortes más del álbm alcanzaron una siginificativa difusión por parte de las emisoras de rock.

Estamos ante un gran trabajo, compacto y homogéneo, y de sus 9 canciones, de las cuales no sobra ninguna de ellas, rápidamente se hicieron un hueco en las ondas radiofónicas Not Fragile, canción que da título y abre además el disco. Con un poderoso ritmo y unos contundene riffs de guitarra, empiezan a transmitirnos, desde el primer momento, una energía arrolladora que ya no nos va abandonar hasta el final; Roll on Down the Highway, con una letra que Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". evoca la sensación de libertad que se experimenta al conducir por la carretera con la música a todo volumen y sin preocupaciones. La letra trata sobre un camionero haciendo un transporte, y fue aporvechada por la fascinación que había en la década de los 70 por la cultura camionera. El grupo Ford había contratado originalmente a Turner y Randy Bachman para escribir una anción para los comericales de la compañía, pero Ford nunca usó de sus composiciones. Esta canción fue resctada de aquellas composiciones para la compañía; You Ain't Seen Nothing Yet, es, junto el tema anterior, la canción más famosa del álbum, y uno de los mayores éxtios de la banda. Esta es una de las canciones más famosas que contienen un prominente tartamudeo. BTO no planeaba lanzar esta canción con la voz tartamuda. Randy la cantó tartamudeando para burlarse de su hermano Gary, que teníaun impedimento en el habla. Durante las comprobaciones de micrófono, la cantó tartamudeando y grabó una versión destinada únicamente a su hermano Gary. La canión no iba a ser incluida, ni mucho menos, pero a la disgoráfca le gustó mucho más que la versión sin tartamudeo, y fue incluída en el disco; y Free Wheelin, que es la úncia canción instrumental en la discografía dela banda, y fue escrita por el guitarrista Blair Thornton como una dedicatoria y tirbuto al fallecido guitarrista duane Allman del grupo The Allman Brothers Band. 

Not Fragile demuestra que BTO está en su mejor momento, tanto en términos de compsoción como de interpretación. Estamos ante un trabajo grabado y mezclado con mucha calidad, sin apenas fisuras. La batería es clara pero no tan promiente como para dominar la grabción, mientras que las guitarras, junto al bajo, se mantienen en su lugar correcto, perfectamente acopladas. Todo esto, sumado al excelente trabajo vocal de Randy Bachman, convierten este trabajo n uno de los mejores álbum de arena rock de la década de los 70. Randy Bachman ha definido Not Fragilecomo el "logro supremo" de la banda, afirmanado: "Not Fragile fue cuando todo saió bien para nosotros. Capturamos a la audiencia de rock orentada al álbum, así como a la audiencia de sencillos con ente álbum. Not fragile hizo que BTO fuera reconocido en todo el mundo". 

Disco de la semana 369: Payin' the Dues - The Hellcopters

 

Payin' th Dues, The Hellacopters

     Payin' the Dues es el segundo álbum de estudio de la banda sueca The Hellacopters, y el último que presenta a su guitarrista fundador Dregen antes de su salida de la banda para centrarse a tiempo completo en su otra banda, Backyard Babies. Fue grabado en febrero de 1997 en los Sunlight Studios de Esctocolmo, Suecia, bajo la producción del propio grupo, de Andrew Shit y de Tomas Skogsberg, y publicado el 1 de octubre de 1997 por el sello discográfico White Jazz Records. Fue lanzado simultáneamente tanto en CD como en vinilo, sin embargo la canción City Slang únicamente estaba disponible en la edición de vinilo. Las ediciones iniciales fueron de 2000 unidades de humo transparente y 2500 unidades de vinilo violeta. Posteriormente estuvieron disponibles dos ediciones adicionales en dos versiones diferentes de vinilo negro.

El disco obtuvo críticas positivas por parte de la prensa especializada, y la banda realizó un gira por Escandinavia para promocionar el álbum, que les llevó por Suecia, Dinamarca y Noruega. Payin' the Dues fue relanzado en Estados Unidos en octubre de 1999 con un disco adicional de pistas extras en vivo, la cuales fueron grabadas en The Starfish Room en Vancouver el 28 de mayo de 1999 y contaron con Scott Morgan como invitado especial. 

La banda había comenzado en sus inicios con un sonido que se movía entre un punk y un speed metal muy agresivos. Disco a disco y con el tiempo The Hellacopters fueron evolucionando hacia un rock and roll menos cacofónico, más clásico y más elegante, y Payin' the Dues marcó el inicio de esa transición, con un sonido y un estilo entre punk y el metal, y todo ello con una gran solvencia musical. De hecho estamos ante un álbum que apenas llega a los 30 minutos de duración, y no nos vamos a aburrir en absoluto con la descarga que nos espera. Todas las canciones están acreditadas a la banda, y vamos a poder disfrutar de temazos como You Are Nothin, Hey!, Where the Adcition o Soulseller.

Desde el primer acorde, el álbum desata una tormenta de riffs abrasadores, ritmos contundentes y melodías contagiosas que llevan a los oyentes en un viaje nostálgico a la época dorada del género. Desde el principio del álbum y hasta el final, la banda realiza toda una declaración de intenciones, con su energía implacable y su actitud desafiante. La voz ronca y poderosa del vocalista Nicke Andersson se eleva sobre la cacofonía de guitarras distorsionadas y la sección rítmica implacable, creando una sensación de urgencia palpable que se mantiene durante todo el álbum.

A lo largo de Payin' the Dues, el grupo demuestra su habilidad para fusionar influencias clásicas con un enfoque moderno y fresco. A lo largo de todo el disco canalizan la ferocidad del garage rock de los años 60, siendo capaces de añadir en otros momentos un toque de psicodelia y experimentación sónica. Otra de las cosas que hace que Payin' the Dues sea verdaderamente notable es su sinceridad y autenticidad, en un momento en que el rock comercial estaba dominado por sonidos pulidos y producciones excesivamente elaboradas, The Hellacopters optaron por abrazar la crudeza y la imperfección. Este enfoque se refleja en la producción del álbum, que captura la energía cruda y la intensidad visceral de la banda en su forma más pura.

A pesar de su lanzamiento hace más de dos décadas, su influencia se extiende mucho más allá de su país de origen, sirviendo como inspiración para una nueva generación de músicos que buscan mantener viva la llama del rock and roll. Payin' the Dues es un recordatorio de que, incluso en un mundo en constante cambio, nos queda el poder del rock and roll para emocionar, inspirar y liberar. Y una última reflexión, ante este gran trabajo uno tiene que preguntarse que hubiera pasado si esta banda en vez de sueca fuera estadounidense.

Disco de la semana 368: Destinología - Tan Biónica

Disco de la semana 367: Destinología álbum de la banda argentina Tan Biónica

Si estás ansioso por sumergirte en la efervescente fusión del rock alternativo y pop rock argentino, te invito a comenzar tu exploración musical con el intrigante álbum "Destinología" de Tan Biónica. Este tercer trabajo, lanzado en mayo de 2013, se destaca como una obra maestra que hábilmente entrelaza elementos de música electrónica y rock electrónico, revelando la evolución y la versatilidad de la banda.

Desde el cautivador primer sencillo "Ciudad mágica", que se erigió como un himno, hasta la conmovedora "La melodía de Dios", "Destinología" te sumerge en un viaje sonoro único. La creatividad de la banda no se limita solo a la música, sino que también se manifiesta en una estrategia intrigante: la revelación del nombre del álbum a través de pistas distribuidas en distintos lugares, creando un aura de misterio y anticipación entre los fanáticos.

La experiencia auditiva que ofrece "Destinología" es diversa y cautivadora. Canciones como "Música" y "Mis noches de enero" añaden capas adicionales a la riqueza del álbum. Este trabajo no solo marcó el regreso triunfal de Tan Biónica después de un impasse, sino que también consolidó su posición como una fuerza influyente en la escena musical argentina e internacional.

Sumérgete en la energía y la innovación de "Destinología" para descubrir por qué Tan Biónica es considerada una de las bandas más importantes en el ámbito del pop rock en Argentina. Su capacidad para fusionar géneros y crear melodías memorables hace que este álbum sea un punto de partida excepcional para explorar la riqueza musical de la banda.

El álbum inicia con "Ciudad mágica", una canción que se erige como un himno desde el momento en que resuena en los altavoces. La fusión de elementos de rock alternativo y pop rock argentino se manifiesta de manera magistral en esta pista. La potente voz de Chano, combinada con la destreza musical de la banda, crea un sonido distintivo que captura la esencia de Tan Biónica.

A medida que avanzas en el álbum, te encuentras con "La melodía de Dios", una pista que lleva la emotividad a un nivel superior. La habilidad de Tan Biónica para conectar con la audiencia a través de letras conmovedoras y una ejecución musical impecable se evidencia claramente en esta canción. Es una experiencia que va más allá de lo auditivo, tocando fibras emocionales y dejando una impresión duradera.

Lo fascinante de "Destinología" va más allá de la música en sí. La estrategia de revelar el nombre del álbum mediante pistas dispersas en diversos lugares añade un componente de juego y participación para los fanáticos. Esta táctica ingeniosa crea un vínculo único entre la banda y su audiencia, generando expectación y emoción en cada revelación.

Canciones como "Música" y "Mis noches de enero" añaden capas adicionales a la experiencia auditiva. "Música", presentada como el tercer sencillo, demuestra la habilidad de Tan Biónica para explorar diferentes sonidos y estilos dentro del álbum. La fecha de lanzamiento de su video musical, coincidiendo con el día de Santa Cecilia, patrona de la música, subraya la conexión profunda que la banda tiene con su arte.

El cuarto corte de difusión, "Mis noches de enero", presentado el 1 de enero de 2014, cierra de manera sublime el ciclo de sencillos. La canción, acompañada de un video musical lanzado a finales de enero, añade un toque introspectivo al álbum. Este cierre resuena con la audiencia, marcando el fin de un capítulo y preparando el terreno para futuras exploraciones musicales de la banda.

"Destinología" no solo es un álbum; es una experiencia musical que va más allá de los límites de género y estilo. Marca el regreso triunfal de Tan Biónica, consolidando su posición en la escena musical argentina. Sumérgete en este viaje sonoro excepcional para descubrir por qué Tan Biónica es reverenciada como una de las bandas más importantes en el ámbito del pop rock en Argentina e internacionalmente.

Daniel 

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