1110.- Let's Get It On - Marvin Gaye

 

Let's Get It On, Marvin Gaye

     Let's Get It On es el decimotercer álbum de estudio del cantante, compositor y productor estadounidense de soul Marvin Gaye. Las grabaciones tuvieron lugar entre junio de 1970 y julio de 1973 en los Hitsville U. S. A. y Golden World Studios de Detroit, y en los Hitsville West Studios de Los Ángeles, bajo la producción del propio Marvin Gaye y de Ed Townsed, y publicado el 28 de agosto de 1973 por el sello discográfico Tamla Records, el cual pertenecía a Motown Records. Además de incorporar estilos como el soul y el doo-wop, Marvin realizó la primera incursión en el género funk. Estamos ante uno de los discos con más carga sexual jamás grabados. 

Este álbum ha sido considerado por la crítica como una grabación histórica en el soul, y también ayudó mucho al crecimiento de la popularidad del funk durante la década de los 70. El sonido de soul suave del disco marcó un cambio con respecto a su éxito anterior, que había sido grabado con la fórmula del sonido Motown. Let's Get It On ayudó a establecer la figura de Marvin como un icono sexual y amplió mucho más su atractivo comercial.

De este disco se produjeron tres sencillos, entre los que se encuentra el tema Let's Get It On, que cuenta con un lirismo romántico y muy sexual, y una instrumentación funk a cargo de The Funk Brothers que contiene una más que notable guitarra funky. La canción fue escrita por Marvin y por el productor Ed Townsend, y rápidamente se convirtió en una de las canciones más conocidas del cantante. Estamos ante una súplica de Marvin Gaye por la liberación sexual. Originalmente fue escrita por Townsend como un tema religioso. Townsend había salido recientemente de un centro de rehabilitación para alcohólicos y escribió la letra como un deseo del protagonista de seguir adelante con la vida después de vencer al alcoholismo. Marvin cambió por completo la letra y el significado de la canción después de conocer a Janis Hunter, quien se convertiría después en su segunda esposa. Let's Get It On encabezó la lista estadounidense Billboard Pop Singles durante dos semanas y la Billboard Soul Singles durante ocho semanas, convirtiéndose además en el lanzamiento más exitoso del sello Motown en Estados Unidos hasta la fecha. La canción ayudó a cimentar la reputación de Marvin Gaye como uno de los mejores cantantes de música para hacer bebes.

There Is Nothing Left To Lose - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

Los Foo Fighters no tenían "nada que perder" cuando, en noviembre de 1999, lanzaron "There Is Nothing Left To Lose", su tercer disco de estudio y el primero con la discográfica RCA, pero no debió ser fácil para la banda apostar por alejarse de sus orígenes grunge y asumir el riesgo de adentrarse en territorios más comerciales y, a la vez, más experimentales. Quizá para liberarse de esa posible presión, o porque efectivamente "no tenían nada más que perder", la grabación del álbum, realizada en el sótano de una casa que Dave Grohl acababa de comprar en Alejandría, Virginia, entre cervezas y asados de carne.

El cantante y guitarrista quería huir de la vida que había llevado en Los Angeles durante los últimos dos años, un período en el que el alcohol y los excesos estaban a punto de hacerle tocar fondo. Sintiendo que "no tenía nada más que perder", la construcción de un estudio de grabación en el sótano de aquella casa era para él una vía de escape y una manera de enfocar su vida de nuevo. Grohl llamó a aquel lugar el "Studio 606", en referencia al número de apartamento en el que vivía su padre, y a una conversación que tuvo con él en 1985, siendo solo un adolescente. En aquel apartamento, su padre le sermoneó y le lanzó la pregunta: "¿Qué quieres hacer con tu vida", a lo que Grohl respondió que lo que realmente quería era ser músico.

Pese al gran desafío que supuso grabar el disco sin la ayuda de ordenadores y Pro Tools, la vuelta a la sencillez y a lo básico en aquella grabación supuso un auténtico cambio de vida, en un entorno tranquilo y relajado que nada tenía que ver con la locura de la vida de un músico en Los Angeles. Grabado por solo tres músicos (Dave Grohl en la voz y guitarra, Nate Mendel al bajo y el recién llegado Taylor Hawkins a la batería), "There Is Nothing Left To Lose" fue un disco en el que la banda se volcó al máximo en las melodías de las canciones, consiguiendo con ello un disco mucho más suave y melódico que los anteriores, que Grohl considera el mejor de su carrera, y que aumentó considerablemente el número de nuevos adeptos de la banda, gracias a temazos como "Stacked Actors", el encargado de abrir el disco, "Break out" o, muy especialmente, "Learning to fly", la canción con la que los organizadores del "Rockin 1000" lograron convencerles de tocar en su festival, juntando a mil músicos para tocarla al unísono.

El ambiente relajado y distendido se contagia y se transmite a temas como el pegadizo y luminoso "Gimme Stitches", el evocador "Generator", el melódico y taciturno "Aurora" o el intenso "Live-In Skin", pero si hay una canción en la que más queda manifiesta la calma y la positividad de aquellas sesiones, esa es sin duda "Next Year", el cuarto as de la baraja de un disco claramente ganador, que surgió de una terrible sensación de no tener ya nada más que perder.

Canciones como "Headwires" o la delicada "Ain't it the life", de suave y evocador tono acústico, ahondan en ese sentimiento de liberación y despegue tras haber tocado fondo, y "M.I.A" cierra con intensidad de himno una obra memorable que consiguió alzarse con el Grammy al mejor disco de rock en 2001, algo que no habían conseguido hasta entonces, pero que repetirán hasta en tres discos posteriores, convirtiendo este disco en el auténtico punto de inflexión de su carrera.

1109 - Status Quo - Caroline

1109 - Status Quo - Caroline

Status Quo es una banda de rock británica que ha dejado una marca indeleble en la escena musical desde su formación en 1962. Con un estilo distintivo de boogie rock y un enfoque enérgico, la banda ha cosechado éxitos y seguidores leales a lo largo de las décadas.

Una de las canciones más emblemáticas de Status Quo es "Caroline", lanzada en 1973 como parte de su álbum "Hello!". Esta pista se ha convertido en un himno clásico del rock, reconocible al instante por su poderoso riff de guitarra y su ritmo frenético. La energía implacable de "Caroline" encapsula perfectamente el sonido distintivo de Status Quo.

La canción comienza con una entrada memorable de guitarra, cortesía de Francis Rossi y Rick Parfitt, los líderes de la banda. El riff inicial establece el tono para el resto de la canción, que se desarrolla con una combinación de poderosos acordes y letras pegajosas. La voz distintiva de Rossi agrega carácter a la canción, mientras que la sección rítmica, con Alan Lancaster en el bajo y John Coghlan en la batería, proporciona un impulso constante.

La letra de "Caroline" es simple pero efectiva, con referencias a una mujer que ha cautivado al narrador. La canción irradia una sensación de diversión y libertad, capturando el espíritu despreocupado del rock and roll. Es esta combinación de letras accesibles y ritmo contagioso lo que ha hecho de "Caroline" una favorita entre los fanáticos del rock durante décadas.

Status Quo ha mantenido una presencia constante en la escena musical, y "Caroline" ha sido un pilar en sus actuaciones en vivo. La canción ha resistido la prueba del tiempo, manteniendo su frescura y atrayendo a nuevas generaciones de oyentes. Su impacto en la cultura del rock es innegable, y la longevidad de "Caroline" es un testimonio del talento duradero de Status Quo.

En resumen, Status Quo y su icónica canción "Caroline" han dejado una marca duradera en la historia del rock. Su estilo distintivo, liderado por potentes riffs de guitarra y letras pegajosas, ha asegurado un lugar para ellos en el panteón de los grandes del rock. Con más de cinco décadas de carrera, Status Quo y "Caroline" siguen siendo una celebración atemporal del espíritu del rock and roll.

Daniel 

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1108.- Camarillo Brillo - Frank Zappa

 

Camarillo Brillo, Frank Zappa

     Frank zappa grabó Over-Nite Sensation junto con The Mothers of Invention, que por entonces estaba formado por Kin Vassy (voces), Ricky Lancelotti (voces), Sal Marquez (trompeta y voces), Ian Underwood (clarinete, flauta, saxofón alto y saxofón tenor), Bruce Fowler (trombón), Ruth Underwood (percusión, marimba, vibráfono), Jean-Luc Ponty (violín, violín barítono), George Duke (sintetizador, teclados), Tom Fowler (bajo) y Ralph Humphrey (batería).

La grabación del álbum se realizó en  los estudios construidos por Ike Turner en Inglewood, California. Para la grabación del disco Zappa le pidió a Ike que tanto Tina Turner como el grupo de respaldo de ambos, The Ikettes realizaran los coros del disco. Las sesiones de grabación fueron un tanto complejas tanto para Tina como para las Ikettes, de hecho Tina llevó a Ike al estudio mientras estaban preparando el tema Montana para que viera el resultado de aquella complicada grabación, Ike al oir la grabación del tema respondió ¿Que es esta mierda?, acto seguido insistió a Frank Zappa para que en los créditos de Over-Nite Sensation no aparecieran ni Tina Turner ni The Ikettes.

En cuanto a la temática del disco Frank hace gala del humor para tratar temas como el que nos ocupa, Camarillo Brillo donde habla sobre sexo. Frank Zappa y The Mothers of Invention incluyen una magnífica sección de viento y juega con el vocabulario inventándose muchas palabras y utilizando muchos coloquialismos. El título hace alusión a Camarillo, una ciudad de California donde había una institución mental, y Brillo era una marca registrada de esponjas de acero inoxidable (cómo el Nanas para que nos entendamos). La letra habla de una mujer peculiar con un cabello salvaje, que echa las cartas del tarot tiene una serpiente como mascota y un amuleto. Después de mucho insistir ella logra convencerle al final a él para que entre en su casa, y ya podéis imaginar como acaba: "ellos lo hicieron....".

1107.- 100 years ago - The Rolling Stones

 

La historia de los Rolling Stones es, en gran parte, una historia de críticos escépticos que descartan álbumes con desdén y de entrevistadores que plantean la pregunta de cuándo la banda terminará todavía están esperando.  Los Stones se han vuelto indirectos en su vejez, que es solo otra palabra para perverso, excepto que perverso es el concepto más cursi que existe, como se dieron cuenta desde el principio… Esta “vejez” indirecta a la que supuestamente habían llegado los Stones precedió a los álbumes ampliamente aclamados Some Girls y Tattoo You , lanzados en 1978 y 1981 respectivamente, fuentes de algunas de sus canciones más populares. Lanzado en agosto de 1973, Goats Head Soup recibió críticas mixtas de los críticos. Según muchas opiniones, Jagger trabajó intensamente para hacer que el álbum sonara más como un disco pop y, evidentemente, lo hizo a pesar del supuesto desinterés de Keith en todo el proyecto. También haría un guiño a Mick Taylor y los diversos músicos que contribuyeron, quienes obviamente estaban en contacto con las tendencias musicales del momento. Billy Preston, en particular, diría yo, fue una gran influencia, y con su trabajo y el de otras personas que no pertenecen a los Stones, este álbum nos ofrece un sonido de los Stones diferente a todo lo que nos dieron antes, diferente a todo lo que ofrecerían después.

 

“100 Years Ago” fue escrita por Mick Jagger algún tiempo antes de las sesiones de Goats Head Soup (dos años, según Mick Taylor) y se había trabajado en él durante la grabación de Exile on Main St. pero finalmente se grabó y lanzó para el álbum GOATS HEAD SOUP. Billy Preston tocaba el clavinet, probablemente sobregrabado en Londres. Los Stones tuvieron suerte de contar con una gran cantidad de teclistas a quienes recurrir, Keith Richards no aparece en la canción. A medida que la letra se acerca a su conclusión, Mick Taylor ofrece sin pretensiones su primer solo, antes de la conclusión de la canción cuando Billy toma el relevo en el puente 'llámame Lazy Bones' antes de reconstruir la canción mientras Charlie Watts aumenta el ritmo. Mick Jagger improvisa 'venidas' y 'adiós' a su manera indomable, mientras Mick Taylor realiza un largo y sinuoso solo de guitarra utilizando talentos adquiridos en sus días de cruzada con los Bluesbreakers de John Mayall. En esta canción, encontramos un aura melancólica y reflexiva sobre el paso del tiempo. un el cantante de los Stones retrocede aproximadamente un siglo atrás, el narrador camina por un bosque, donde observa el mundo como una alfombra colocada ante él . Recuerda estar sentado en una puerta con su amiga Mary contemplando un dragón en el cielo . ¿Es este un regreso al heroico mundo de fantasía de Sus Majestades Satánicas? En cualquier caso, estamos muy lejos de la atmósfera psicodélica y distraída de la segunda mitad de los años sesenta. 100 Years Ago tiene una buena melodía y cambia de enfoque en los últimos tres cuartos del recorrido… una buena canción con un final interesante. Es un corte de álbum y nunca se escucha mucho en la radio. Vale la pena escucharlo. Si los ves en concierto y quieres escuchar esta canción… no contengas la respiración. Sólo se tocó en las dos primeras presentaciones de la Gira europea de 1973 y no se ha tocado en vivo desde entonces. ¡Vamos chicos! Juégalo de nuevo... no es que el mundo no pueda prescindir de otra versión de Satisfaction. Me gusta este tema, comienza con un poco de influencia country y luego termina con un funky brutal que seguro que todos disfrutan.

El disco de la semana 360: Kingfish - Christone "Kingfish" Ingram

 

Kingfish, Christone "Kingfish" Ingram

     Para la recomendación de esta semana traemos a un joven bluesman estadounidense que viene pegando fuerte, Christone "Kingfish" Ingram. A pesar de ser joven, pues tiene 24 años (nacido en 1999), sus raíces y gustos por el blues del Delta y de Chicago, con guiños hacia el hard rock y el soul de los 70, ha hecho que consiga un estilo muy característico y personal. Han quedado atrás ya sus primeros pasos tocando la guitarra con diez años para un grupo de gospel en la iglesia, a los once años ya había pisado un escenario y a los 18 años ya había realizado giras por Estados Unidos y otros seis países. Con un estilo muy personal, sus influencias pasan por artistas de la talla de Robert Johnson, Muddy Waters, Lightnin' Hopkins, B. B. king, Jimi Hendrix, Buddy Guy e incluso Prince, del cual suele hacer una increíble versión en vivo de su mítico Purple Rain. Lo que este músico está consiguiendo cobra mucho más valor si tenemos en cuenta que padece Síndrome de Asperger (Caracterizado por padecer importantes dificultades en la interacción social y la comunicación no verbal combinadas con patrones de comportamiento e intereses restringidos y repetitivos).

La familia de este joven bluesman nacido en Clarksdale, Mississipi, cantaba y tocaba música en la iglesia, por lo que creció asistiendo a presentaciones de música gospel. Ya desde muy pequeño tocaba en la iglesia y se unía a grupos para tocar la guitarra. Kingfish se interesó en el blues, con apenas 5 años, cuando su padre le mostró un documental sobre Muddy Waters, y al mismo tiempo le prometió que le llevaría al Delta Blues Museum (Museo de Blues del Delta) de Mississippi, y allí aprendió a tocar en el programa de arte y educación del museo de la mano de Bill "Howl -N- Mad" Perry y Richard "Daddy Rich" Crisman. Será Perry quien le ponga a Ingram el apodo de "Kingfish" en honor a un personaje de la comedia The Amos 'n' Andy Show. Kingfish comenzó a tocar la batería a los seis años, a los once años ya tocaba el bajo y luego se pasó a la guitarra. A los quince años ya había recibido ofertas para tocar y para tener guitarras personalizadas. 

Será en 2019, con apenas veinte años, cuando Kingfish debute  con su primer álbum de estudio, titulado Kingfish, disco recomendado para esta ocasión. Este trabajo fue grabado en el Ocean Way Studio de Nashville, bajo la producción del compositor, cantante de country y baterista ganador de un grammy Tom Hambridge, quien coescribió la mayoría de las canciones con el joven guitarrista, porque sí, amigos, además de ser un gran guitarrita también compone. El álbum fue publicado el 17 de mayo de 2019 por el sello discográfico Alligator Records. Con este primer trabajo Kingfish consigue el puesto número uno en las listas estadounidenses Billboard Blues Chart y Billboard Heatseeker, llamando inmediatamente la atención tanto de la crítica como del público, y llegando incluso a ser nominado en la categoría de "Mejor álbum de blues tradicional" para la 62 edición de los premios Grammy. En mayo de 20220 recibió cinco premios de Blues Music Awards, icnluido el de "Álbum del Año" por su disco debut. Estamos sin duda ante un joven prodigio con una habilidad excepcional impropia de su edad, y que transmite el legado del blues a nuevas generaciones. Su pasión y respeto por la raíces del blues, su excelente voz y su gran dominio de la guitarra quedan patentes a través de los doce temas que podemos disfrutar en este álbum donde el blues tradicional y otros elementos más contemporáneos de la música son entremezclados con gran maestría por Kingfish. 

Kingfish nos va a enganchar ya desde sus primeros acordes en Outside of This Town, donde el guitarrista nos revela la influencia que ha tenido en él Billy Gibbons de ZZ Top. Canción con un potente riff de guitarra donde realiza toda una declaración de independencia, un grito de liberación magistralmente llevado de la mano de su guitarra. Fresh Out es una balada de combustión lenta donde Kingfish intercambia solos con uno de sus héroes, Buddy Guy, con el cual ya ha llegado a compartir escenario. En It Ain't Right es capaz de combinar una emotiva y profunda voz con unos sutiles matices de blues clásico a la guitarra para expresarnos brillantemente un lamento hacia una situación injusta. Been Here Before es la muestra de que el guitarrista también nos puede ofrecer otros matices, esta vez a través de una balada totalmente acústica. If You Love Me es una de las únicas canciones que no está compuesta por el dúo Kingfish/Hambridge, pues está acreditada a Kingfsh y Jontavious Willis. Musicalmente el tema es una balada que explora temas como el amor y la lealtad, mostrando una vez más la versatilidad del artista para interpretar temas enérgicos y temas más emotivos y suaves. Cierra la cara A Love Ain't My Favorite Word, canción que vuelve a dejar clara la influencia que ha tenido en el artista Buddy Guy, con unos solos mordaces y agudos mientras reflexiona sobre las complejidad del amor y las relaciones. 

La cara B comienza con Listen, un country-blues donde destaca sobremanera la magnífica voz de Ingram. En Before I'm Old hace gala de su dominio del slim guitar mientras no canta sobre la juventud y la importancia de aprovehcar al máximo el tiempo. En esta canción es capaz de combinar con maestría la energía juvenil con la sabiduría reflexiva que se adquiere con el paso de los años. En Believe These Blues vuelve a las raíces del blues combinándolas con toques de funky Shuffle. Ingram demuestra en este tema su respeto por la historia del género mientras los reinventa con su propio estilo. Trouble está inspirada en el sonido del R&B de Nueva Orleans y modernizada al estilo Kingfish, un claro ejemplo de como pueden combinar la autenticidad del blues con la innovación y frescura que Ingram aporta al género. Hard Times cuenta con la colaboración de la guitarra acústica de Keb Mo'. Estamos ante un shuffle acústico de combustión lenta empapado de blues del Delta, mientras Kingfish reflexiona sobre las dificultades de la vida y de mantener la esperanza ante las adversidades. Cierra este más que recomendable álbum That's Fine By Me, un blues de esos que resuenan cuando cae la noche, donde los toques de guitarra de Ingram nos recuerdan a B. B. King en su comienzos. La canción destaca por su ritmo contagioso, su optimista naturaleza, por la frescura y por la alegría que el guitarrista imprime a la canción.

Cada canción del álbum Kingfish aporta una capa única al disco, mostrando la versatilidad musical de Ingram y su habilidad para abordar una amplia gama de emociones, mostrando un enorme respeto por el blues tradicional, sabiendo llevarlo a su terreno, dándole un toque de frescura y adaptando este género a los tiempos actuales. Estamos ante el sensacional debut de un joven guitarrista que lo tiene todo para convertirse en uno de los grandes referentes del ǵenero.

Foo Fighters - The Colour and the Shape (Mes Foo Fighters)

Foo Fighters álbum The Colour and the Shape #mesFooFighters

El magistral álbum The Colour and the Shape de los Foo Fighters no solo es una obra maestra sonora, sino también una pieza fundamental en la evolución de la banda y la historia del rock alternativo. Lanzado en 1997, este álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de los Foo Fighters y dejó una huella imborrable en la escena musical de la época.

La génesis de The Colour and the Shape se remonta a los desafíos internos que enfrentaba la banda. Después del éxito inicial con su álbum debut homónimo, Dave Grohl, líder de la banda, se encontró en una encrucijada creativa. La banda original, compuesta por Grohl, Nate Mendel, William Goldsmith, y Pat Smear, experimentó tensiones internas durante la grabación. Goldsmith no estaba satisfecho con la dirección que tomaba el álbum y, como resultado, Grohl se vio obligado a regrabar la mayor parte de las partes de batería, asumiendo un papel más protagónico en la producción.

Este proceso arduo y, a veces, doloroso, dio como resultado un álbum que no solo capturó la esencia cruda y apasionada de los Foo Fighters, sino que también señaló el inicio de una nueva era. La colaboración entre Grohl y el productor Gil Norton fue fundamental para dar forma al sonido distintivo del álbum. Norton, conocido por su trabajo con bandas como Pixies, logró capturar la energía explosiva de la banda sin perder la claridad en la producción.

Cada pista en The Colour and the Shape cuenta una historia única. La apertura con "Doll" es un torbellino de riffs de guitarra y ritmos frenéticos que establecen el tono para el viaje emocional que se avecina. "Monkey Wrench", con su enérgico estribillo y letras que reflejan la angustia emocional, se convirtió en un himno de la época. Pero es "Everlong" la que se destaca como una de las joyas más brillantes del álbum.

"Everlong" ha perdurado a lo largo del tiempo como una de las canciones más emblemáticas de los Foo Fighters. La mezcla de la emotiva letra de Grohl y la melodía cautivadora creó un himno que ha resonado con audiencias de todas las edades. La historia detrás de la canción, inspirada en la difícil ruptura de Grohl con su esposa, agrega una capa adicional de autenticidad a la experiencia auditiva. Esta pista no solo encapsula la habilidad compositiva de Grohl, sino que también refleja la vulnerabilidad y la conexión emocional que define a The Colour and the Shape.

El álbum no se limita a la potencia emocional; también presenta momentos de reflexión y melancolía. "My Hero" destaca por su construcción gradual y letras que exploran la idea de héroes cotidianos. "See You" ofrece una perspectiva más suave, con armonías melódicas que contrastan con la intensidad de otras pistas. Esta diversidad en la composición es un testimonio de la habilidad de los Foo Fighters para explorar diferentes facetas emocionales sin comprometer su identidad sonora.

La influencia punk de la banda se hace evidente en pistas como "Wind Up" y "Enough Space". Estos cortes son un tributo a las raíces de Grohl en Nirvana y su amor por el punk rock. Los riffs frenéticos y la actitud cruda de estas canciones capturan la esencia del punk, demostrando la versatilidad musical de los Foo Fighters.

La alineación en constante cambio de los Foo Fighters también es un elemento intrigante en la historia de The Colour and the Shape. La salida de William Goldsmith y la incorporación de Taylor Hawkins como baterista marcaron un cambio significativo en la dinámica de la banda. Hawkins, con su estilo enérgico y técnica excepcional, aportó una nueva dimensión al sonido de los Foo Fighters, contribuyendo significativamente al éxito continuo de la banda.

La producción de The Colour and the Shape no solo captura la esencia vibrante de la banda, sino que también refleja la meticulosidad de Gil Norton. Cada instrumento se destaca con claridad, creando una sinfonía sonora que potencia la experiencia auditiva. La calidad de grabación ha resistido la prueba del tiempo, lo que contribuye a la longevidad del álbum y su relevancia continua en la escena musical.

En retrospectiva, The Colour and the Shape no solo solidificó la posición de los Foo Fighters en la escena musical, sino que también dejó una huella imborrable en el rock alternativo de los años 90. Su éxito comercial, combinado con la aclamación crítica, consolidó la posición de la banda en la cima del panorama musical. Este álbum no solo es una instantánea de la época, sino también un testimonio duradero del talento compositivo y la evolución continua de los Foo Fighters.

En conclusión, The Colour and the Shape es un álbum que trasciende las barreras del tiempo y sigue resonando con los amantes del rock en todo el mundo. Desde sus letras introspectivas hasta sus riffs enérgicos, este álbum representa no solo un hito en la carrera de los Foo Fighters, sino también un legado duradero en la historia del rock alternativo. Un testimonio de la creatividad, perseverancia y autenticidad que han definido a los Foo Fighters a lo largo de los años. ¡Un clásico eterno que continúa inspirando a nuevas generaciones de fanáticos del rock!

Daniel 

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1106.- Jennifer - Faust

En 1973, la banda alemana de música industrial Faust lanzó "Faust IV", su cuarto disco de estudio. Grabado en junio de 1973 en el estudio The Manor en Shipton-on-Cherwell, Oxfordshire, Inglaterra, y editado en septiembre del mismo año por el sello inglés Virgin, contaba con el tema estrella "Krautrock" (que da nombre además al estilo con el que se etiqueta normalmente al grupo), pero también con temas como "The Sad Skinhead" o "Jennifer", con una lírica y técnica de composición más convencional.

Muchos de sus fans recibieron con frialdad estas canciones, interpretándolas como una concesión comercial del grupo, que sin pretender cambiar sustancialmente su estilo y su propuesta, buscaba conseguir que un disco suyo fuera un éxito de ventas. No lo lograron, pero sí que, con el tiempo, esa primera recepción tibia de una canción tan grande como "Jennifer" cambió drásticamente, y a día de hoy se la considera uno de los mejores trabajos líricos de la banda.

La canción tiene una hipnótica y evocadora línea de guitarra distorsionada y lejana, acompañada de un calmado ritmo de batería. El toque "ambient" de su minimalista propuesta, y en especial la exigua y repetitiva letra ("Jennifer", tu pelo rojo está ardiendo, chistes amarillos salen de tu mente"), la convierten en una genial rareza alternativa que merece la pena rescatar para escucharla de nuevo y degustarla junto a un café humeante en una tarde de un día de invierno. 

1105.- Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker) - The Rolling Stones

Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" es el cuarto corte del disco "Goats Head Soup" (1973) de The Rolling Stones. A la sombra del enorme éxito del tema estrella "Angie", es una canción que quizá no haya tenido el reconocimiento y la visibilidad que por su calidad hubiera merecido, y que, sin embargo, está a la altura de los grandes himnos de la genial banda británica. Publicada como segundo single del disco, alcanzó el puesto 15 del Billboard Hot 100 estadounidense.

Escrita por Mick Jagger y Keith Richards, tiene una carga mucho más política y de reivindicación social que el resto de canciones del disco, con una letra que condensa dos historias diferentes, ambas inspiradas en episodios reales. Por un lado, el incidente de un policía de Nueva York disparando a un chico en el corazón por error ("Tú, rompecorazones, con tu 44..."), y por otro, la muerte por sobredosis de una chica de diez años en una acera de una calle cualquiera de la ciudad.

Musicalmente, destaca por su sonido de reminiscencias funk y una brillante interpretación de clarinete de Billy Preston, creando una atmósfera que la revista Rolling Stone describió como "R&B urbano". Jim Horn se encargó de los arreglos de viento, tocando el saxofón junto al habitual Bobby Keys, omnipresente en casi todas las grabaciones y actuaciones de la banda, mientras que entre Mick Taylor y Keith Richards se repartieron las diferentes guitarras que suenan a lo largo del tema. Richards tocó también el bajo en lugar de un Bill Wyman cada vez más alejado de la banda, y que tocó en solo tres temas del disco.

1104.- Angie - The Rolling Stones

"Angie" es la canción estrella del álbum "Goats Head Soup" (1973) de The Rolling Stones, y es junto a "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" lo más destacado de ese disco, el décimo primero de la banda en UK (el decimotercero en Estados Unidos), y uno de los peor valorados de la discografía de Sus Satánicas Majestades. Escrita principalmente por el guitarrista Keith Richards, con la colaboración del vocalista Mick Jagger, es probablemente la más famosa y recordada de sus baladas acústicas.

La letra de "Angie" refleja el momento en que uno de los miembros de una pareja decide que es el momento de terminar la relación, y en línea con la dolorosa ruptura que describe, la interpretación vocal de Mick Jagger es a la vez intensa y sensible. Acompañando a la voz de Jagger y a la brillante guitarra acústica de Richards, el piano de Nicky Hopkins y los arreglos de cuerdas de Nicky Harrison construyen un delicado manto sonoro que destaca muy por encima del resto de canciones del disco.

El público y la crítica reconocieron los méritos de esta pieza única, y la elevaron hasta el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, y al número 5 del UK singles chart, mientras se preguntaban si la protagonista de la canción era Angela Bowie, esposa de David Bowie, o la actriz Angie Dickinson. Jagger desmintió desde el principio ambas teorías, y Richards afirmó haber creado el título y los acordes un año antes de la publicación de la canción, por lo que parece más acertado pensar que el nombre de "Angie" se lo había inspirado Dandelion Angela, su hija recién nacida, dando nombre a una mítica canción imprescindible en cualquier recopilatorio de grandes éxitos de la banda, y en la mayor parte de sus conciertos.

1103.- Dancing with Mr D. - The Rolling Stones

 

Dancing with Mr. D., The Rolling Stones

     Goats Head Soup es el undécimo álbum de estudio británico y el decimotercer estadounidense de la banda de rock inglesa The Rolling Stones. El grupo compuso y grabó gran parte de este trabajo fuera del Reino Unido debido a su condición de exiliados fiscales. Fue concebido entre Jamaica, Estados Unidos y Reino Unido. Fue grabado entre el 25 de noviembre de 1972 y el 5 de febrero de 1973 entre los Dynamic Studios de Kingston, Jamica, The Village de Los Angeles, Estados Unidos y los Island Studios de Londres, Reino Unido, bajo la producción de Jimmy Miller, y publicado el 31 de agoto de 1973 bajo el propio sello de la banda, Rolling Stones Records.

El disco fue producido por Jimmy Miller, el arquitecto y artífice clave del sonido del grupo durante su periodo dorado que comenzó con Beggars Banquet en 1968. El bajista Bill Wyman aparece únicamente en tres de las diez pistas del álbum, mientras que el resto de la banda, Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor y Charlie Watts si tocan en todas las pistas. Tambien participaron colaboradores habituales del grupo, incluido el saxofonista Bobby Keys, el organista Billy Preston y los pianistas Nicky Hopkins e Ian Stewart. El disco llegó a alcanzar al puesto número uno en las listas de ventas de Reino Unido, Estados Unidos y varios países más, sin embargo recibió críticas buenas y malas a partes iguales, y está considerado como el comienzo del declive del grupo después de una serie de grandes álbumes aclamados por la crítica y el público. 

Incluido en este álbum se encuentra Dancing with Mr. D., tema que abre el disco. Una canción más oscura que la mayoría de los trabajos anteriores de los Stones, y que marca la tónica y el sonido general de Goats Head Soup. Escrita por Jagger y Richards, es un inquietante tema que comienza con un riff que se repite de manera destacada a lo largo de la canción, mientras que Jagger coquetea con unas letras que hablan sobre la muerte. Mr. D. hace referencia al diablo o la muerte, y además Jagger da argumentos en favor de la muerte mientras también especula en la forma de morir: por veneno, mordedura de serpiente, picadura de una araña o por un disparo. Estamos ante unas letras más autorreflexivas incluso que las de Sympathy for the Devil.

1102.- Free Bird - Lynyrd Skynyrd

 

La canción se lanzó por primera vez en 1973 como tema de cierre del álbum debut de la banda Lynyrd Skynyrd “Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd”. La letra transmite la profundidad emocional por la que Lynyrd Skynyrd es conocido, capturando tanto la liberación como la soledad de la libertad. Aunque la letra termina alrededor de los cinco minutos, la canción continúa durante cuatro minutos más con uno de los pasajes de guitarra más impresionantes en la historia del rock. En la enorme discografía de Lynyrd Skynyrd, “Free Bird” marca uno de sus mayores logros musicales.

Cuando se lanzó “Free Bird”, algunos fans especularon que era un tributo a Duane Allman, el guitarrista de Allman Brothers Band que falleció en 1971. Los riffs de guitarra al final recuerdan a los de Allman, lo que hace que la gente crea que se trata de él, es cierto que la banda en algunas ocasiones dedicó la canción a Allman durante los conciertos, “Free Bird” en realidad fue escrita años antes de su muerte. La letra cuenta la historia de un hombre que deja a una mujer porque no quiere salir con ella, él expresa que no quiere lastimarla, pero hay demasiadas cosas que quiere hacer antes de comprometerse en una relación. Esta letra se inspiró en una experiencia real del guitarrista y compositor de Skynyrd, Allen Collins. Su novia Kathy Johns le hizo la pregunta: Si me voy de aquí mañana, ¿todavía te acordarás de mí? Él escribió sus palabras y las usó como inspiración para la canción.

Cuando la Lynyrd Skynyrd grabó “Free Bird” por primera vez en 1972, al final no había solos de guitarra. Duraba siete minutos y medio, pero todavía no sentían que estuviera terminado.  Continuaron trabajando en la canción mientras componían y grababan el álbum, y “Free Bird”, de nueve minutos de duración, logró el corte. Muchos ejecutivos del sello advirtieron que no se debía incluir una canción tan larga en un álbum porque no se podía reproducir en la radio. Para solucionar este problema, la banda creó una grabación separada de “Free Bird”. La versión de radio duró poco menos de cinco minutos, y la parte instrumental se redujo a solo un minuto. “Free Bird” funcionó perfectamente como tema de cierre del álbum, por lo que siempre fue la última canción que la banda tocaba en los conciertos. Después de la trágica pérdida de Van Zant, su hermano y compañero de banda John Van Zant se emocionó demasiado para cantarla en el escenario. En cambio, la banda tocó la canción como instrumental, dejando que la multitud completara la letra. Uno de los elementos que hace que “Free Bird” sea tan especial es que significa algo diferente para todos los que lo escuchan. En un comentario sobre la canción en 2010, John Van Zant explicó que cada oyente siente una conexión diferente con ella. “Este niño me contó que lo usaron para su canción de graduación y no hace mucho alguien me dijo que lo usaron en un funeral, es una canción de amor una de las pocas que ha tenido Lynyrd Skynyrd”, dijo.

Mes Foo Fighters y su álbum The Colour and the Shape

Mes Foo Fighters y su álbum The Colour and the Shape #MesFoo Fighters

El magistral álbum The Colour and the Shape de los Foo Fighters no solo es una obra maestra sonora, sino también una pieza fundamental en la evolución de la banda y la historia del rock alternativo. Lanzado en 1997, este álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de los Foo Fighters y dejó una huella imborrable en la escena musical de la época.

La génesis de The Colour and the Shape se remonta a los desafíos internos que enfrentaba la banda. Después del éxito inicial con su álbum debut homónimo, Dave Grohl, líder de la banda, se encontró en una encrucijada creativa. La banda original, compuesta por Grohl, Nate Mendel, William Goldsmith, y Pat Smear, experimentó tensiones internas durante la grabación. Goldsmith no estaba satisfecho con la dirección que tomaba el álbum y, como resultado, Grohl se vio obligado a regrabar la mayor parte de las partes de batería, asumiendo un papel más protagónico en la producción.

Este proceso arduo y, a veces, doloroso, dio como resultado un álbum que no solo capturó la esencia cruda y apasionada de los Foo Fighters, sino que también señaló el inicio de una nueva era. La colaboración entre Grohl y el productor Gil Norton fue fundamental para dar forma al sonido distintivo del álbum. Norton, conocido por su trabajo con bandas como Pixies, logró capturar la energía explosiva de la banda sin perder la claridad en la producción.

Cada pista en The Colour and the Shape cuenta una historia única. La apertura con "Doll" es un torbellino de riffs de guitarra y ritmos frenéticos que establecen el tono para el viaje emocional que se avecina. "Monkey Wrench", con su enérgico estribillo y letras que reflejan la angustia emocional, se convirtió en un himno de la época. Pero es "Everlong" la que se destaca como una de las joyas más brillantes del álbum.

"Everlong" ha perdurado a lo largo del tiempo como una de las canciones más emblemáticas de los Foo Fighters. La mezcla de la emotiva letra de Grohl y la melodía cautivadora creó un himno que ha resonado con audiencias de todas las edades. La historia detrás de la canción, inspirada en la difícil ruptura de Grohl con su esposa, agrega una capa adicional de autenticidad a la experiencia auditiva. Esta pista no solo encapsula la habilidad compositiva de Grohl, sino que también refleja la vulnerabilidad y la conexión emocional que define a The Colour and the Shape.

El álbum no se limita a la potencia emocional; también presenta momentos de reflexión y melancolía. "My Hero" destaca por su construcción gradual y letras que exploran la idea de héroes cotidianos. "See You" ofrece una perspectiva más suave, con armonías melódicas que contrastan con la intensidad de otras pistas. Esta diversidad en la composición es un testimonio de la habilidad de los Foo Fighters para explorar diferentes facetas emocionales sin comprometer su identidad sonora.

La influencia punk de la banda se hace evidente en pistas como "Wind Up" y "Enough Space". Estos cortes son un tributo a las raíces de Grohl en Nirvana y su amor por el punk rock. Los riffs frenéticos y la actitud cruda de estas canciones capturan la esencia del punk, demostrando la versatilidad musical de los Foo Fighters.

La alineación en constante cambio de los Foo Fighters también es un elemento intrigante en la historia de The Colour and the Shape. La salida de William Goldsmith y la incorporación de Taylor Hawkins como baterista marcaron un cambio significativo en la dinámica de la banda. Hawkins, con su estilo enérgico y técnica excepcional, aportó una nueva dimensión al sonido de los Foo Fighters, contribuyendo significativamente al éxito continuo de la banda.

La producción de The Colour and the Shape no solo captura la esencia vibrante de la banda, sino que también refleja la meticulosidad de Gil Norton. Cada instrumento se destaca con claridad, creando una sinfonía sonora que potencia la experiencia auditiva. La calidad de grabación ha resistido la prueba del tiempo, lo que contribuye a la longevidad del álbum y su relevancia continua en la escena musical.

En retrospectiva, The Colour and the Shape no solo solidificó la posición de los Foo Fighters en la escena musical, sino que también dejó una huella imborrable en el rock alternativo de los años 90. Su éxito comercial, combinado con la aclamación crítica, consolidó la posición de la banda en la cima del panorama musical. Este álbum no solo es una instantánea de la época, sino también un testimonio duradero del talento compositivo y la evolución continua de los Foo Fighters.

En conclusión, The Colour and the Shape es un álbum que trasciende las barreras del tiempo y sigue resonando con los amantes del rock en todo el mundo. Desde sus letras introspectivas hasta sus riffs enérgicos, este álbum representa no solo un hito en la carrera de los Foo Fighters, sino también un legado duradero en la historia del rock alternativo. Un testimonio de la creatividad, perseverancia y autenticidad que han definido a los Foo Fighters a lo largo de los años. ¡Un clásico eterno que continúa inspirando a nuevas generaciones de fanáticos del rock!

Daniel

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1101.- Simple Man - Lynyrd Skynyrd

 

Simple Man, Lynyrd Skynyrd

     Pronunced 'Leh-'Nérd 'Skin-'Nérd, el álbum debut de la banda de rock sureño Lynyrd Skynyrd, fue grabado entre e el 27 de marzo y l 1 de mayo en el Studio One de Doraville, Georgia (Estados Unidos), bajo la producción de Al Kooper, y publicado el 13 de agosto de 1973 por la compañía discográfica MCA Records.

Los músicos que componen el grupo en el momento de la grabación son Ronnie Van Zant (líder y vocalista), Gary Rossington (guitarra), Allen Collins (guitarra), Ed King (bajo y guitarra), Billy Powell (teclados y piano), Bob Burns (batería), y Leon Wilkenson (bajo), que si bien no participó en la grabción del disco, si era parte de la formación, habiendo trabajado con el grupo en los temas, pero por problemas personales justo antes de empezar a grabar tuvo que dejar la banda, incorporándose de nuevo justo después de la grabción del disco. También aparece acreditado en la grabación Roosevelt Gook (bajo, melotrón y coros), quien en realidad era el productor Al Kooper. 

Incluido en este disco se encuentra Simple Man, canción que tiene el honor de ser la tercera más descargada de la historia de la banda únicamente por detrás de Sweet Home Alabama y Free Bird, habiendo vendido hasta la fecha más de un millón trescientas mil copias sólo en Estados Unidos. Fue compuesta por Ronnie Van Zant y Gary Rossington, y se gestó poco después de la muerte de la madre de Gary  y la abuela de Ronnie. Un día, al poco de estos sucesos, Gary se reunió con Ronnie en el apartamento de este último, y allí empezaron a contarse anécdotas de la madre de Gary y la abuela de Ronnie. Es en aquel momento cuando a Gary se le ocurrió tocar unos acordes, y entonces Ronnie empezó a escribir la letra basándose en todos los consejos que tanto su abuela como la madre de Gary les habían dado a ambos a lo largo de los años. En una hora estaba escrita. 

EL visionario productor que los descubrió, Al Kooper, no estaba de acuerdo en incluir esta canción en el disco y se negó en un principio. Pero Ronnie y compañía tenían muy claro que este tema se incluiría en el disco. Lo que la banda hizo fue grabar el tema cuando Kooper no estaba en el estudio y luego posteriormente le hicieron grabar las partes de órgano que incluía la canción. Al Kooper llegaría a admitir más tarde que con este tema se equivocó al vetarlo. Hay una leyenda popular que alimenta la versión que el día que la banda grabó Simple Man, Kooper si se encontraba en el estudio, y Ronnie le cogió, le llevó hasta su coche, y luego le dijo: "Cuando hayamos acabado ya te llamaremos"; Quien sabe...

1100.- Tuesday' Gone - Lynyrd Skynyrd

 

sTuesda' Gone, Lynyrd Sknyrd

     Han pasado unos 7 años desde que Lynyrd Skynyrd viera la luz con el nombre de The Noble Five, y entre 1971 y 1972, con mucho esfuerzo, logran grabar varios temas. Dichos temas tienen que guardarlos en el cajón por falta de fondos, y no les queda más remedio que volver a su Jacksonville natal arruinados. Estas grabciones verían la luz justo después del accidente aéreo que costó la vida a varios de sus componentes en 1977, ya que la discográfica aprovecharía para editarlas en 1978 bajo el nombre de Skynyrd's First And... Last.

El grupo se encuentra sin dinero y sin la aceptación de las compañías discográficas, y decide mudarse a Atlanta, cerca de casa, donde los clubes de música daban más oportunidades a los grupos. Y es ahí donde entra en escena Al Kooper, reputado músico de sesión que había grabado con gente como The rolling Stones, Jimi Hendrix, Alice Cooper, The Who o Cream. Kooper ve una actuación de ellos en Atlanta y decide apostar por ellos. 

Al Kooper tenía muy buen oído y una gran visión de negocio, por lo que decide fundar el sello discográfico Sound of the South con el apoyo de MCA Records. Dicho sello pretendía competir con la potente discográfica Capricorn Records, que era la compañía referente en la región. Así nace el álbum debut del grupo Pronunced Leh - Nérd 'Skin - 'Nerd, compuesto por ocho temas. Dicho trabjo se convertirá en una de las obras maestras y referentes del género southern rock. 

Compuesto por ocho temas que reflejan unas brillantes letras donde la banda muestra las inquietudes existenciales de su líder Ronnie Van Zant. Como es el caso de Tuesday's Gone, una canción con un tono melancólico y reflexivo que nos habla sobre la partida y el cambio. La canción captura con un suave sonido, de forma genial, una sensación de nostalgia y pérdida. La canción, al igual que Ruby Tuesday, de The Rolling Stones, hace referencia a una chica llamada Tuesday. Escrita por Ronnie Van Zant y el guitarrista Allen Collins, nos hablan de dejar marchar y olvidar a Tuesday. En el lugar donde ensayaba la banda había una vía de tren, y el sonido de los trenes inspiró a Ronnie Van Zant para escribir la primera línea de la canción, "Train roll on, on down the line". 

Tuesda's Gone se convertirá en una de las canciones más emblemáticas de la banda y a día de hoy perdura como un clásico del rock sureño.

El disco de la semana 359: Head Hunters - Herbie Hancock

 

Head Hunters, Herbie Hancock

     En la recomendación de esta semana traemos, Head Hunters, álbum de Herbie Hancock que se ha convertido en un hito en la historia del jazz fusión. Este disco desafió los límites del género al combinar el jazz con elementos funk y rock e incluso ritmos africanos, atrayendo a audiencias más amplias. Hancock creó pasajes sonoros innovadores, destacando su habilidad y creatividad para fusionar ritmos pegajosos con improvisaciones brillantes. Estamos ante un álbum que redefinió el jazz e influyó en la música contemporánea, dejando un legado que a día de hoy perdura en la escena musical. Se convirtió en el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos hasta que fue superado por Breezin' de George Benson en 1976.

Head Hunters, el duodécimo álbum de estudio de Hancock, reputado pianista, teclista y compositor, fue grabado bajo la producción de David Rubinson y el propio músico, y publicado en septiembre de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. La imagen de la portada del disco, diseñada por Victor Moscoso, muestra a Hancock usando una basada en la máscara africana kple kple dela tribu Baoulé de Costa de Marfil y los desmagnetizadores de cabezales de cinta usados en las grabadoras de cinta de carrete de la época. Ubicados en el sentido de las agujas del reloj alrededor de Hancok desde la parte inferior izquierda están Mason, Jackson, Maupin y Summer, su grupo llamado The Headhunters. 

Para este nuevo álbum, Hancock reunió una nueva banda, The Headhunters, de la cual únicamente el músico Bennie Maupin había sido miembro del sexteto Mwandishi, que había grabado con el músico anteriormente. Hancock manejó todas las partes de sintetizador él mismo y decidió no usar la guitarra para grabar, prefiriendo usar el clavinet, que se convertirá en unos de los sonidos característicos del disco. Esta nueva banda de apoyo, además de a Bennie Maupin, presentaba una sección rítmica compuesta por Paul Jackson (bajo) y Harvey Mason (batería). Hancok concibió un trabjo con un sonido relajante y un aire muy funky que lo hizo atractivo para un público más amplio, consiguiendo combinar oyentes procedentes del jazz y del R&B. 

El álbum fue mezclado para sonido cuadrafónico en 1974. Columbia Records lanzó esta mezcla en un disco LP en formato de matriz estéreo cuadrafónica y cinta de 8 pistas. Las mezclas cuadrafónicas presentan elementos que no se escuchan en la versión estéreo, incluida una melodía de teclado adicional al comienzo del tema Sly. Las versiones con sonido envolvente del álbum han sido lanzadas varias veces en formato Super Audio CD y utilizan una transferencia digital de mezcla cuádruple original de cuatro canales reutilizada en sonido envolvente 5. 1. 

Lanzado en 1973, este disco marcó un punto de inflexión en la carrera de Hancock, que había dado un giro a su sonido fusionando el jazz con elementos de funk, rock y ritmos africanos, creando una amalgama sonora única. Consta de cuatro innovadoras pistas, siendo Chameleon la de apertura, que tiene una famosa línea de bajo interpretada por Hancock en un sintetizador. Su cautivador groove funk, impulsado por un bajo profundo y una percusión contagiosa, se convirtió en un himno al instante. Hancok y The Headhunters consiguen un equilibrio entre la base rítmica y la libertad creativa de la improvisación; le sigue Watermelon Man, la única que no fue escrita para el disco, pues era un éxito de hard bop de Hancock que apareció en su primer álbum, Takin' Off  (1962). El tema fue reelaborado por Hancock y Mason para este disco, con la colaboración del músico Bill Summers soplando en una botella de cerveza imitando una flauta hindewho, utilizada por los pigmeos mbuti de Zaire. La pista también presenta el uso de percusión africana. Hancock reinventó este clásico de los años 60 para darle un aire completamente diferente, fusionando funk y ritmos afrocaribeños; Sly es un tema dedicado a Sly Stone, líder de la banda de funky Sly and the Family Stone. Hancok vuelve a mostrar su gran creatividad en un tema que captura la esencia del funk con unos ritmos enérgicos y unos sólos de instrumentos que nos sacan de nuestra zona de comfort; Vein Melter es el tema que cierra este trabajo, una pieza de combustión lenta que lleva al oyente a un viaje hipnótico, con un ritmo y unas armonía que van fluyendo y dejando una sensación agradable y perdurable.

Head Hunters no solo revolucionó el jazz fusionando géneros, también desafió las expectativas del público, rompiendo barreras y atrayendo tanto a los aficonados al jazz como a otros oyentes que buscaban nuevos sonidos. Este álbum continúa siendo un faro de inspiración para músicos de diversas generaciones y sigue siendo una referencia crucial en la evolución del jazz y la música contemporánea. Estamos ante un disco de los más influyentes e innovadores de todos los tiempos donde donde Hancock cambió la percepción del jazz expandiendo los horizontes musicales del género. 

1099 - Lynyrd Skynyrd - I ain't one

1099 - Lynyrd Skynyrd - I ain't one

Lynyrd Skynyrd es una banda icónica de rock sureño que ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Su canción "I Ain't the One" encapsula la esencia de su distintivo sonido sureño, fusionando el rock con la melancolía del sur de Estados Unidos.

Lanzada en su álbum debut "Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd" en 1973, "I Ain't the One" destaca por la destreza instrumental de la banda y la característica voz de Ronnie Van Zant. Desde los primeros acordes de guitarra hasta la resonante sección rítmica, la canción emana una energía cruda y auténtica.

La lírica de "I Ain't the One" refleja la actitud desenfadada y rebelde que caracterizó a Lynyrd Skynyrd. La letra, escrita por Van Zant, aborda temas de independencia y rechazo de la conformidad. La voz distintiva de Van Zant transmite la confianza y la convicción de alguien que se niega a ser limitado por las expectativas impuestas por la sociedad.

La guitarra principal, a cargo de Gary Rossington y Allen Collins, es un punto culminante de la canción. Los riffs apasionados y los solos llenos de virtuosismo revelan la maestría de estos guitarristas sureños. La armonía entre las guitarras y el teclado de Billy Powell añade capas a la composición, creando una sinfonía que encapsula la rica herencia musical del sur.

El puente instrumental de "I Ain't the One" muestra la habilidad de la banda para tejer complejas armonías y melodías. Es un testimonio de su habilidad para combinar la crudeza del rock con la sofisticación musical, creando así un sonido que resonó en audiencias de todas partes.

La estructura de la canción, con sus cambios dinámicos y progresiones, evidencia la habilidad compositiva de Lynyrd Skynyrd. La interacción entre los miembros de la banda es palpable, creando una sinergia que impulsa la canción hacia adelante con un poder implacable.

"I Ain't the One" se convirtió en un himno para aquellos que buscaban escapar de las restricciones sociales y abrazar su individualidad. La autenticidad de la canción y la ejecución magistral de la banda contribuyeron a cimentar la reputación duradera de Lynyrd Skynyrd en el panteón del rock sureño.

En resumen, "I Ain't the One" de Lynyrd Skynyrd no solo es una pieza musical excepcionalmente ejecutada, sino también una declaración de la resistencia sureña y la búsqueda de la libertad individual. La canción sigue siendo un recordatorio perdurable de la influencia perdurable de Lynyrd Skynyrd en la escena musical y su capacidad para encapsular la autenticidad del espíritu sureño en cada nota.

Daniel 

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1098.- America, America - Nino Bravo

Luis Manuel Ferri Llopis; nombre de pila de Nino Bravo, realizó una larga gira por América Latina que había comenzado en septiembre de 1971. A lo largo de la cual efectuó conciertos en Argentina, Chile, Colombia, Perú, Venezuela, México, Puerto Rico y Miami; teniendo un éxito arrollador. Con una carrera que no hacía otra cosa que cosechar un éxito tras otro, el vocalista preparaba su quinto disco entre Londres y Madrid, cuando tuvo lugar el trágico accidente en una carretera, que le costó la vida. A pesar de ello, el “Volumen 5”, de su producción discográfica se editó el 25 septiembre de 1973, cinco meses después de su fallecimiento, se convirtió en su obra más vendida no solo en España, sino en todos los países de habla hispana. Así, permaneció varias semanas en los primeros puestos de los rankings musicales, legando para la posteridad este gran éxito “América, América”, canción que no llego a cantar en vivo. Una vez le contó a un periodista que él nunca se imaginó que sus canciones pudieran impactar tanto en Latinoamerican, tanto así, que haya tenido que hacer tres o más conciertos en un solo día y en diversas localidades. Ese cálido recibimiento que tuvo su trabajo en éste lado del continente americano y en México lo conmovió profundamente y se trazo el firme propósito de cantarle una canción que expresara su agradecimiento. Lo hizo con una composición de José Luis Armenteros y Pablo Herrero que para la fecha de su muerte había dejado ya grabada y que fue publicada junto con otras en el álbum póstumo de nombre “… Y Vol. 5”.

La canción "América, América" de Nino Bravo celebra la belleza y riqueza del continente americano, con un enfoque particular en sus paisajes y maravillas naturales. Las letras evocan un sentido de asombro y aprecio por los diversos elementos que hacen de América un lugar especial. En los versos, el cantante describe el sol cálido, el aire limpio y los cielos estrellados que caracterizan esta tierra. Él enfatiza la conexión entre la naturaleza y el amor, retratando los ríos como comunicativos y las montañas como densos bosques. Estas descripciones pintan un cuadro de América como un lugar donde la naturaleza prospera y proporciona un telón de fondo para emociones profundas. El pre-coro sugiere que el cantante ha descubierto un lugar para él y otra persona en esta nueva tierra. Implica la posibilidad de comenzar una nueva vida y encontrar la felicidad en América. El coro repite la frase "América, América", enfatizando el nombre del continente y reforzando su importancia. Describe a América como un inmenso jardín, enfatizando la abundancia y belleza que se pueden encontrar dentro de sus fronteras. El post-coro afirma que cuando Dios creó el Jardín del Edén, tenía a América en mente, sugiriendo que el continente es una creación especial con sus propias características y atracciones únicas. El final de la canción simplemente repite la frase "América, América", sirviendo como una afirmación final de la admiración y reverencia del cantante por el continente.

1097 - Stevie Wonder - Living for the city

1097 - Stevie Wonder - Living for the city

Stevie Wonder, un ícono indiscutible en el mundo de la música, nos regala una obra maestra con su canción "Living for the City". Lanzada en 1973 como parte de su álbum "Innervisions", la pista es un testimonio de la habilidad única de Wonder para fusionar letras impactantes con una musicalidad excepcional.

La canción se destaca por su narrativa poderosa y socialmente consciente. A través de la historia de un joven afroamericano que migra desde el sur hacia la ciudad en busca de oportunidades, Wonder aborda las cuestiones de la discriminación racial, la pobreza y la lucha por la igualdad. Su habilidad para transmitir emociones a través de la voz y la instrumentación hace que la experiencia sea visceral y conmovedora.

El viaje narrado en "Living for the City" se ve realzado por la habilidad técnica de Wonder como músico y productor. Desde los impactantes acordes iniciales de teclado hasta los ritmos pulsantes y la sección de viento, cada elemento musical contribuye a la narrativa y refuerza el mensaje de la canción. La combinación de soul, funk y elementos de jazz revela la versatilidad de Wonder como artista.

La voz de Stevie Wonder es un instrumento en sí mismo, llevando las letras con una pasión palpable. Cada matiz de su interpretación refleja la urgencia y la emoción detrás de la historia. Las letras, meticulosamente escritas, pintan un cuadro vívido de la lucha diaria y la determinación del protagonista.

La estructura musical de la canción también es digna de elogio. Los cambios dinámicos y la progresión de la historia a lo largo de los casi ocho minutos de la pista mantienen al oyente comprometido de principio a fin. El uso magistral de los efectos de sonido, como los sonidos de la ciudad y las sirenas, contribuye a la atmósfera urbana que enmarca la narrativa.

"Living for the City" no solo es un logro musical, sino también una declaración social atemporal. A pesar de que fue lanzada hace décadas, la canción sigue siendo relevante, recordándonos que las luchas por la igualdad y la justicia persisten. La capacidad de Stevie Wonder para combinar profundidad lírica con una ejecución musical magistral solidifica su lugar como un maestro de la música.

En conclusión, "Living for the City" de Stevie Wonder es una obra maestra que trasciende géneros y épocas. Su impactante narrativa, combinada con la maestría musical de Wonder, crea una experiencia auditiva inolvidable que sigue resonando en los corazones y las mentes de quienes la escuchan.

Daniel 

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1096.- Higher Ground - Stevie Wonder

"Higher Ground" es el tema principal y de mayor éxito del disco de Stevie Wonder "Innervisions" (1973), una auténtica explosión de ritmo funk escrita y compuesta al completo por el propio Wonder en apenas tres horas, y publicada como single con la particularidad de contener un verso menos que la versión publicada en el disco, alcanzando el primer puesto de las listas de R&B y el cuarto del Billboard Hot 100. Peor suerte corrió en Reino Unido, donde solo alcanzó el puesto 29 de las listas de ventas.

En la grabación, Wonder se encarga de tocar todos los instrumentos, realizando la línea de bajo con un sintetizador Moog e incluyendo efectos de clavinet y wah wah con un pedal de filtro envolvente. Grabada justo antes de que Stevie Wonder sufriera un accidente que le tuvo temporalmente en coma, cuenta la leyenda que, durante el período de recuperación, su road manager le cantó la canción al oído, a lo que Wonder respondió moviendo los dedos al compás de "Higher Ground".

Curiosamente, al hilo de la anterior anécdota, la letra de la canción aborda el tema de la reencarnación y de la esperanza en una nueva vida, algo en lo que Wonder creía fervientemente. En sus propias palabras; "Escribí Higher Ground antes del accidente, pero es como si algo me hubiera estado diciendo que iba a suceder, para hacerme consciente de muchas cosas y recomponerme. Esto es como mi segunda oportunidad de vida, de hacer algo o de hacer más, y de valorar el hecho de estar vivo".

Uprising - Bob Marley (Mes Bob Marley)

"Uprising": Un Legado Musical que Trasciende el Tiempo #mesBobMarley 

Bob Marley, el ícono del reggae, dejó una marca imborrable en la historia musical con su álbum final, "Uprising". Este lanzamiento, que vio la luz en 1980, no solo encapsula la destreza artística de Bob Marley sino que también sirve como un testamento de su compromiso con la justicia social y la espiritualidad.

El álbum abre con la poderosa "Coming in from the Cold", una canción que fusiona la vibración única del reggae con letras que invitan a la reflexión. Bob Marley, conocido por su habilidad para tejer metáforas en sus composiciones, transmite un mensaje de resiliencia y esperanza.

El tema principal del álbum, "Uprising", es una llamada a la acción, un himno para aquellos que buscan un cambio positivo en el mundo. Las letras profundas y la energía contagiosa de la música crean una experiencia auditiva que va más allá del entretenimiento; es un recordatorio de la capacidad de la música para ser un medio de transformación social.

"Redemption Song", una de las piezas más íntimas de Bob Marley, destaca por su simplicidad acústica y letras profundas. La canción es un viaje introspectivo que resuena con la audiencia a través de la desnudez emocional de Bob Marley y su guitarra. Este tema se ha convertido en un himno atemporal de emancipación y autoafirmación.

En diciembre, el mes de Bob Marley bajo el #mesBobMarley, se celebra no solo su legado musical sino también su impacto duradero en la conciencia social. Sus letras, impregnadas de la filosofía del Rastafari, continúan inspirando a generaciones, recordándonos la importancia de la paz, el amor y la equidad.

El álbum también presenta "Could You Be Loved", un ritmo contagioso que fusiona el reggae con influencias de la música disco. La canción irradia positividad y es un claro ejemplo de la versatilidad de Bob Marley como artista. Mientras que "Pimper's Paradise" se adentra en temas de tentación y desilusión, enriqueciendo la narrativa del álbum con sus matices emocionales.

"Uprising" es un testimonio final e impactante de la prolífica carrera de Bob Marley. Su legado trasciende géneros y fronteras, sirviendo como un faro de luz en la oscuridad y una voz para aquellos que buscan justicia y libertad. En diciembre, al sumergirse en las vibraciones atemporales de este álbum, celebramos no solo la música de Bob Marley, sino también su dedicación a la causa de la unidad y la igualdad. #mesBobMarley es más que una etiqueta; es un recordatorio de que la música puede ser un catalizador para el cambio y la unidad en todo el mundo.

Daniel

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