1895.- Vienna - Ultrabox

A principios de los 80, cuando géneros emergentes como la cold wave, el post-punk, el rock gótico y el nuevo romanticismo empezaron a emerger del pantano punk cada vez más fresco, hundiéndose en una manía inducida por las drogas. Ultravox fue una de esas bandas que explotó con inmenso poder, extinguiendo a los dinosaurios de los 70, para luego experimentar una crisis de la mediana edad. Y una cuya música combinaba la agudeza del rock con el melodismo del pop ambicioso. La música resuena, cautivándonos con sonidos por descubrir. A finales de los años 70 y principios de los 80, un tal Midge Ure se unió a la banda, que aún luchaba por sobrevivir y era prácticamente desconocida, Midge era un guitarrista talentoso con una voz original y potente, y al aparecer en Ultravox, se convirtió en una especie de catalizador explosivo, gracias al cual la banda adquirió nuevos y deslumbrantes colores y despegó. La banda grabó el álbum Viena, posteriormente considerado su obra maestra, en Colonia, Alemania. Se puede sentir el lugar. Se puede sentir profundamente. Austeridad y garbo a la vez, precisión alemana mezclada con elegancia británica, espacios electrónicos típicamente teutónicos, aunque los músicos eran, después de todo, isleños típicos. Álbum con combina a la perfección ambición musical y un arte increíble con el atractivo mediático pop en el mejor sentido de la palabra. Es punk y vanguardista, progresivo y artístico, y también bastante agradable y radiofónico, pero esto es de principios de los 80 y prueba viviente de cómo el punk se estaba popularizando, como PIL de Jaś Zgniłek. Desde el principio, Midge Ure y su equipo se lanzan con un ritmo post-punk apasionado y contundente, que recuerda a los Stranglers o a otros Clash. Todo esto, sin embargo, está generosamente salpicado de un distintivo toque post-prog que se escucharía unos años más tarde en bandas neo-progresivas británicas. Por momentos, es verdaderamente caribeño en calidez y serenidad, pero momentos después, los músicos desatan el frío de toda la inminente ola de frío oscuro y la tormenta gótica. Cuanto más nos adentramos en la esencia del álbum, el chirrido de la guitarra es reemplazado constantemente por inquietantes salpicaduras de sintetizador, mientras que los instrumentos en vivo dan paso a sonidos electrónicos sintéticos. Y aunque normalmente preferiría una experiencia más melódica y vibrante, aquí los gélidos espacios del teclado son perfectamente apropiados, como si gritaran: "¡Llega una nueva década, acostúmbrate!".

Aunque nunca llegó a la cima de las listas, "Vienna" es, sin embargo, el mayor triunfo de Ultravox. "Vienna" destaca por crear una atmósfera que sugiere reflexión, desesperación y anhelo. La moderación compositiva de la canción es su punto fuerte, evitando que sus momentos más sensacionales resulten un melodrama exagerado. Esto no solo se aplica a la ejecución musical. La atmósfera, bellamente lograda, de "Vienna" se crea en parte gracias a una letra que sugiere emociones en lugar de delinear detalles contundentes. Las palabras no explican explícitamente el tema de la canción, ya que la letra se centra en transmitir el sentimiento mediante la elección de palabras y el fraseo, en lugar de explicar exactamente qué reflexiona el narrador. La canción se originó a partir de un episodio donde un conocido de Ure recordó mal el título de la canción "Rhiannon" de Fleetwood Mac. El cantante formuló lo que se convirtió en el estribillo de la canción, luego escribió el resto de la canción alrededor de eso con sus compañeros de banda. En su autobiografía de 2004, If I Was… , Ure explicó: "['Vienna'] era una canción de amor, la historia de un romance de vacaciones, sobre ir a un lugar hermoso y conocer a alguien especial". La letra de Ure estaba completamente basada en la fantasía; enfatizó: "Nunca había estado en Viena, nunca había tenido un romance de vacaciones". Quizás lo más decepcionante para los periodistas musicales, Ure reveló que no hay ningún subtexto político en "Vienna". Ure admitió en su libro que él y sus compañeros de banda mintieron en entrevistas sobre el significado de la canción, lanzando por ahí cualquier dato sobre la Viena de principios de siglo que pudieron evocar para "parecer interesantes".

1777.- Cars - Gary Numan

¿Qué canción dio inicio a la música de los 80 tal como la conocemos? Podría argumentarse que fue una canción lanzada a finales de los 70. "Cars" de Gary Numan poseía ese sonido vanguardista y sintetizado que definiría la década siguiente. El ascenso de Numan revolucionó a mucha gente en su Gran Bretaña natal por lo que significó para la industria musical, contribuyó a demostrar que el ingenio y la composición inteligente podían superar incluso la destreza instrumental a la hora de crear buena música. Gary Numan comenzó su carrera musical como guitarrista virtuoso, al igual que muchos otros. Su banda, Tubeway Army, se unió inicialmente al movimiento punk que estaba en pleno auge en el Reino Unido a finales de los 70. Pero los intereses de Numan empezaron a diversificarse cuando descubrió un sintetizador y comenzó a experimentar. Para entonces, los músicos de rock ya llevaban tiempo incorporando sintetizadores. Pero pocas veces un artista los había colocado en primer plano en su música como Numan y su banda empezaban a hacerlo. Para complementar los sonidos electrónicos, Numan comenzó a componer canciones con profundas reflexiones sobre conceptos de ciencia ficción.

«Cars» empezó a tomar forma cuando Newman compró un bajo. Buscando a tientas las notas, dio con el riff principal que serviría de base para la canción. Sobre este, añadió capas de sintetizadores, algunos graves y ominosos, otros agudos y gélidos. Un ritmo programado le dio a la canción un ritmo bailable y robótico. En primer lugar, "Cars" tiene un riff electrónico que encajaría perfectamente en la Les Paul de Jimmy Page. Esto se ve reforzado por la potente batería del fallecido Cedric Sharpley. En segundo lugar, la fuerza de las múltiples capas de sintetizadores Moog es casi abrumadora. Utilizando efectos generalmente asociados con guitarras potentes —reverberación, flanger y phaser— Numan sumergió las líneas de sintetizador deslizantes para que te envuelvan como olas de agua helada. Estas se intensifican a lo largo de la canción hasta el fantástico final en el minuto 1:30, durante el cual los Polymoogs —utilizados como elementos de una sección de cuerdas— se superponen en armonías hipnóticas que refuerzan la inquietante atmósfera distópica de la canción. Muchos pensaron que Numan era irónico con sus letras, que elogiaban los automóviles, pero Numan, diagnosticado con síndrome de Asperger (ahora conocido como trastorno del espectro autista), a menudo tenía dificultades para interactuar con otras personas y veía los coches como una especie de burbuja protectora que le permitía evitar esas situaciones incómodas. “Aquí, en mi coche”, comienza Gary Numan, “Me siento más seguro que nunca”. Como ya se mencionó, se refería a sus propios problemas personales. Pero la canción va más allá y aborda los aspectos aislantes de la sociedad. “Solo puedo recibir”, canta, una clara alusión a la falta de comunicación. El narrador, finalmente, busca conexión. “Cuando la imagen se desmorona”, canta Numan, “¿me visitarás, por favor?”, al final de la canción, planea escapar en su vehículo, pero no encuentra consuelo: “Y nada parece estar bien en los coches”. La letra prácticamente termina al minuto y medio de la canción. Después, los sintetizadores de Gary Numan inundan la música como una niebla robótica. Innovadores entonces, y potentes aún hoy, estos temas de “The Cars” siguen deslizándose por un paisaje musical imaginativo y único.

1750.- Video Killed The Radio Star - Buggles

Cuando, un minuto después de la medianoche del 1 de agosto de 1981, MTV debutó en las ondas estadounidenses, alcanzando a tan solo unos miles de personas en el norte de Nueva Jersey, se anunció la frase "Damas y caballeros, rock and roll" sobre las imágenes de la cuenta regresiva para el reciente lanzamiento del transbordador espacial Columbia. A continuación, la canción original de la innovadora cadena de cable fue seguida por su video inaugural, que, en vista de la revolución cultural que pretendía instigar, lució un título apropiado: "El video mató a la estrella de la radio". Poco menos de dos décadas después, el 27 de febrero de 2000, también sería el video número un millón emitido en MTV. Lanzada en septiembre de 1979 fue líder en las listas de éxitos en nada menos que 16 países, Video Killed The Radio Star fue escrita por Trevor Horn, Geoff Downes y Bruce Woolley, y grabada inicialmente por la banda del compositor, intérprete y productor Woolley, Camera Club, para su álbum English Garden. Sin embargo, fue la versión publicada posteriormente por Horn y Downes como The Buggles la que se convirtió en un clásico instantáneo; una reflexión nostálgica y a la vez tecno sobre el fin de los años 60 de una era musical que hasta entonces había estado dominada por la radio, centrada en un artista cuya carrera se desplomó gracias a la creciente popularidad de la televisión. Horn y Downes se unieron por primera vez en 1976 como miembros de la banda disco-pop de la cantante Tina Charles, Horn y Downes comenzaron a promocionar la maqueta de "Video" a diversos sellos discográficos y atrajeron el interés de Chris Blackwell, de Island Records. Horn, por su parte, también estaba captando la atención de Jill Sinclair, copropietaria de Sarm Studio, lo que coincidió con el fichaje de los Buggles por la nueva productora de Sarm. En aquella época, la música punk estaba en auge y a mí no les interesaba, de hecho, solo se grabó un disco de punk en Sarm, y fue el primer álbum de los Boomtown Rats. Así que, sin darme cuenta, buscando algo diferente apareció un tipo llamado Trevor Horn, que tenía una forma de hacer discos completamente distinta. Hacía locuras, como grabar un bombo mientras el baterista tocaba las demás partes de rodillas o con un montón de paños de cocina cubriendo la caja y los toms. 

El comienzo de “Video Killed the Radio Star” comienza con un sonido de piano tradicional, que luego se transforma en una versión más sintetizada para reflejar la idea del avance tecnológico que se aborda en la canción. Toda la canción es una fusión de lo antiguo y lo moderno. La voz masculina y el sonido de piano tradicional representan lo antiguo, mientras que la voz femenina (a cargo de Debi Doss y Linda Jardim) y el sintetizador representan lo nuevo. El ligero uso de la guitarra y la batería, instrumentos musicales omnipresentes en la música popular, une ambas partes. A esta idea se suma la estructura de “Video Killed the Radio Star”. La estrofa, el estribillo y la coda de piano al final, comunes en la música popular, refuerzan el mensaje de la canción al reflexionar sobre la música tradicional. Como se mencionó anteriormente, la canción describe sucintamente la introducción de MTV. Hasta 1981, los videos musicales no tenían un propósito fuerte, y nunca antes habían estado tan fácilmente disponibles para el conocedor de la música. No fue hasta después de que MTV popularizara los videos musicales que las compañías discográficas se dieron cuenta de que podían usarse como una herramienta de marketing, los artistas los vieron como una salida adicional para la expresión artística y los fanáticos comenzaron a enamorarse de ellos. Antes de los videos musicales, los músicos se escuchaban más a menudo en la radio, viéndose solo en concierto o en alguna aparición ocasional en televisión. Además de la interpretación de Horn y Downes, se puede ver al compositor alemán Hans Zimmer (el que viste de negro) tocando el teclado en el video.