La música en historias: That Smell y el poste de teléfonos

Street Survivors, Lynyrd Skynyrd

     Una serie de hechos que se sucederían durante 1976 serían el detonante para que el líder y vocalista de Lynyrd Skynyrd Ronnie Van Zant con la colaboración de Allen Collins compusiera otro de sus grandes temas, That Smell.

Corría el año 1976 y los excesos y el abuso del alcohol y las drogas era habitual en el seno del grupo. Por otra parte no estaban gozando de muy buena crítica por parte de la prensa debido a ello. Ronnie Van Zant decide dar un giro y dejar estos abusos consciente del daño que que estos hacen a la imagen del grupo, algo de lo que algunos componentes  todavía no son conscientes.

A finales de 1976 se suceden una serie de accidentes de coche sufridos por varios componentes del grupo debido a los excesos. Alcohol, drogas y conducción son una mala combinación. Billy Powell y Allen Collins son dos de los componentes involucrados en sendos accidentes, pero el detonante sería el sufrido por Gary Rossington.  Nos encontramos en el fín de semana de la festividad americana y faltan unos días para que la banda comience su nueva gira, One More From The Road, y a Gary Rossington no se le ocurre otra cosa en su Jacksonville natal (Florida) que ponerse al volante de su Ford Gran Torino completamente ebrio. El resultado es la colisión de su coche contra un poste de teléfonos y un roble para acabar literalmente empotrado y aparcado en el garaje de una casa ajena.

El accidente es el detonante para que Ronnie Van Zant junto con Allen Collins escriba el tema That Smell, una clara advertencia sobre el abuso de las drogas y el alcohol que estaba dirigida claramente a Rossington y a algún que otro miembro más de la banda. El tema fue incluido y publicado en 1977 en el quinto álbum de estudio de la banda, Street survivors. La gira One More From The Road tuvo que retrasarse debido a las lesiones sufridas por Gary Rossington, el cuál fue multado por la banda con 5.000 dólares por su imprudencia. A partir de aquí se prohibieron el alcohol y las drogas en los camerinos y la banda se esforzó por mantenerse fuera del alcohol y las drogas durante la gira.

Whiskey bottles, and brand new cars

Oak tree you're in my way

There's too much coke and too much smoke

Look what's going on inside you

Ooooh that smell

Can't you smell that smell

Ooooh that smell

The smell of death surrounds you

Angel of darkness is upon you

Stuck a needle in your arm

So take another toke, have a blow for your nose

And one more drink fool, will drown you

Ooooh that smell

Can't you smell that smell

Ooooh that smell

The smell of death surrounds you

Now they call you Prince Charming

Can't speak a word when you're full of 'ludes

Say you'll be all right come tomorrow

But tomorrow might not be here for you

Ooooh that smell

Can't you smell that smell

Ooooh that smell

The smell of death surrounds you

Hey, you're a fool, you (2:30)

Go on stick them needles in your arm (2:34)

I know I been there before (2:50)

One little problem that confronts you (3:28)

Got a monkey on your back

Just one more fix, Lord might do the trick

One hell of a price for you to get your kicks

Ooooh that smell

Can't you smell that smell

Ooooh that smell

The smell of death surrounds you

Ooooh that smell

Can't you smell that smell

Ooooh that smell

The smell of death surrounds you

Hey, you're a fool, you

Go on stick those needles in your arm

You're just a fool, just a fool, just a fool

The Rolling Stones - A Bigger Bang (Mes Rolling Stones)

A Bigger Bang #MesRollingStones

Corren el año 2005 y los Rolling Stones vuelven a sacar un nuevo disco, coincidiendo con el 62º cumpleaños de Mick Jagger, pero lejos de jubilarse los chicos oriundos de Londres nos invitan a descubrir A Bigger Bang el vigesimosegundo álbum de la banda, pero lejos de estar en la mejor etapa de su la carrera, esa de los Rolling Stones de las décadas del '60 y '70, siguen siendo los Rolling Stones, pero quien esta hoy en día a la altura de los Rolling Stones de los '60 y '70?, creo que nadie, y eso los hace únicos.

A Bigger Bang abre con un “Rough Justice” con sonidos explosivos a los que nos han acostumbrados los Stones, un gran sonido para arrancar un disco.

Seguimos con “Let me down slow”, con un ritmo pop-rock, con mezcla de country, con un estribillo pegadizo, seguimos con “It Won’t Take Long” se podría decir uno de los momentos más altos del disco donde es un lujo escuchar Keith Richards y su guitarra. 

“Rain Fall Down” nos lleva a un funk, ya se sienten los diferentes incorporados en este disco, “Streets of Love” una balada con el toque Jagger, pero lejos de "Ange" o “Wild Horses”, una sorpresa es “Back of My Hand” un blues con influencias negras, con un Jagger que se luce. 

“She Saw Me Coming” y ahora lo vuelven hacer, blues-funk-rock todos en una única canción, el octavo tema del disco “Biggest mistake” pasa al plano romántico que no supiera decir con que compararlo.

 “This place is empty” otra balada, pero ahora entra en escena la voz de Keith Richards, tras la balada de Keith volvemos a un clásico y enérgico rock “Oh no not you” y las guitarras de Ron Wood y Keith Richards echan chispas, y esas guitarras acompañan en “Dangerous Beauty”, prosigue "Laugh I Nearly Died” un soul-blues, buen tema buena atmósfera, superior interpretación vocal. 

“Sweet Neo Con” una canción que encierra una critica a la política estadounidense, con frases como “Te haces llamar cristiano pero no eres más que un hipócrita, dices que eres un patriota pero para mí eres un montón de mierda”.

En la última parte del disco nos deleitan con un Rock and Roll, “Look What the Cat Dragged In”, “Driving too fast” su ante último tema del disco nos excita con un brillante y dinámico estribillo, por último nuevamente un Keith Richards cierra el disco con “Infamy” en donde nos regala unos riff con su guitarra, y acompaña un Mick Jagger con su armónica. 

Lo dicho A Bigger Bang un excelente trabajo al cual nos han tenido acostumbrado desde siempre, desde comienzo de la década de los '60, y ya llevan más de 5 décadas acostumbrándonos a lo bueno!. 

#MesRollingStones

Daniel 
Instagram Storyboy   

Canciones que nos emocionan: Jumpin' Jack Flash, The Rolling Stones (Mes Rolling Stones)

Jumpin' Jack Flash (1968)

   

Corría el año 1967 y los Rolling Stones habían publicado su sexto álbum de estudio, Their Satanic Majesties Request, un disco que fue el primero que produjo la misma banda, y que en cierto modo fue sacado como réplica al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band publicado por los Beatles. En este disco los Stones introdujeron un sonido más psicodélico y jugaron con influencias de la música oriental y africana, pero el álbum recibió duras críticas de la prensa especializada, y no obtuvo el resultado esperado tampoco en aceptación y ventas.

En una charla que Mick Jagger tiene con el ingeniero de sonido y productor británico Glyn Johns (Led Zeppelin, The Who, Eagles, The Band, The Clash, o los propios Beatles,  son sólo algunos de los artistas con los que ha trabajado), éste le recomienda a Jagger que contrate al productor Jimmy Miller, el cuál había trabajado por entonces con la Spencer Davis Group Band y Traffic, para buscar un nuevo sonido. Jimmy acepta de inmediato, y su toque a la producción se empieza a notar desde el primer momento que empieza a trabajar con los Rolling.

Y así, en 1968 se meten en el estudio y empiezan a preparar su siguiente trabajo, Beggars Banquet. En las primeras sesiones de grabación nace otro de esos temas que a mi tanto me emocionan, Jumpin' Jack Flash, un tema que vuelve a la senda sonora y los riffs pegadizos marca de la casa que ya sonaron en Satisfaction, y que curiosamente el grupo decide no incluir en el disco que están preparando, y lanzarlo únicamente como sencillo para crear expectación. Con este single, el grupo regresa al panorama internacional y a los primeros puestos de las listas de ventas, y tras esa jugada maestra. el grupo sacó Beggars Banquet, todo un éxito tanto en ventas como en crítica. 

I was born in a cross-fire hurricane

And I howled at the morning driving rain

But it's all right now, in fact, it's a gas

But it's all right. I'm Jumpin' Jack Flash

It's a gas, gas, gas

I was raised by a toothless, bearded hag,

I was schooled with a strap right across my back

But it's all right now, in fact, it's a gas

But it's all right, I'm Jumpin' Jack Flash

It's a gas, gas, gas

I was drowned, I was washed up and left for dead

I fell down to my feet and I saw they bled , yeah yeah

I frowned at the crumbs of a crust of bread

Yeah, yeah, yeah

I was crowned with a spike right through my head

But it's all right now, in fact, it's a gas

But it's all right, I'm Jumpin' Jack Flash

It's a gas, gas, gas

Jumping Jack Flash, its a gas

Jumping Jack Flash, its a gas

Jumping Jack Flash, its a gas

Jumping Jack Flash, its a gas

Jumping Jack Flash, its a gas

Jumping Jack Flash, its a gas

Jumpin' Jack Flash se gestó en la casa de Keith Richards, en una noche en vela junto a Mick Jagger. A la mañana siguiente, mientras se oían la gotas de la lluvia caer, Jagger comenzó a oír un extraño ruido. Intrigado, preguntó a Richards qué era ese extraño sonido, a lo que Richards le respondió: "Ah, ese es Jack, el saltarín de Jack", en referencia al jardinero de su casa. Inmediatamente, los dos se pusieron a trabajar el ritmo sobre esa frase y así nació este tema dedicado al cuidador del jardín del guitarrista.

La composición de este tema está atribuida a Richards y Jagger, algo con lo que el bajista Bill Wyman no estaba de acuerdo, pues el aseguraba que un día se encontraban él, Brian Jones y Charlie Watts en el estudio, esperando a que Richards y Jagger llegaran, e improvisando durante la espera. Bill se sentó al piano y empezó a tocar una melodía, y sobre ésta Brian y Charlie empezaron a acompañarle. Al llegar Richards y Jagger al estudio y escuchar aquella improvisación, preguntaron inmediatamente qué era aquello, y acabaron incorporándolo al tema, que fue grabado al día siguiente. Había nacido Jumpin' Jack Flash. En el #MesRollingStones, en el que estamos repasando los mejores discos de la banda, no podía faltar esta canción "perdida", no incluida en ningún álbum y, sin embargo, anclada definitivamente entre las canciones estandarte de la formación inglesa, e imprescindible en todos y cada uno de sus conciertos.

The Rolling Stones - Let it Bleed (Mes Rolling Stones)

LET IT BLEED (1969)

El que fuera octavo disco de los Rolling Stones (en Reino Unido, el décimo en USA) es, como la surrealista portada diseñada por Robert Brownjohn indica, una tan diversa como genial tarta de cumpleaños, en la que en cada porción podemos encontrar sabores y texturas muy diferentes. La guitarra slide da el punto de blues al conjunto, apareciendo en la mayor parte de los temas y firmada casi siempre por Keith Richards, pero a lo largo del disco van apareciendo diversos instrumentos que le dan al conjunto una atmósfera más ecléctica que la de su predecesor, Beggars Banquet (1968). Para ello, contaron con colaboradores en el estudio de la talla de Ian Stewart (teclado), Nicky Hopkins (teclado), Al Kooper (órgano y trompa), Bobby Keys (saxo) Byron Berline (violín) o Ry Cooder (mandolina).

Let it Bleed es el segundo de los cuatro discos consecutivos que se consideran la cumbre creativa y artística de los Stones. Le seguirían el brillante Sticky Fingers (1971) y el desbordante Exile on Main St. (1972), completando una etapa irrepetible. Es, además, el disco que marca el comienzo de la etapa del guitarrista Mick Taylor, ex guitarrista de John Mayall & The Bluesbreakers, aquí de momento en solo un par de canciones, mientras en cocina aún quedaron un par de recetas residuales en las que participó el malogrado Brian Jones, despedido durante la grabación y fallecido sólo un mes después, ahogado en la piscina de su casa. En estas circunstancias, el peso de la mayor parte del disco recayó en el resto de Stones clásicos, que cocinaron una de sus mejores obras.

Tras el éxito del "Banquete de mendigos", su siguiente plan fue golpear a base de tarta hasta "hacernos sangrar". Y aprovechando el #MesRollingStones, y que en septiembre ya no le tenemos respeto a la "operación bikini", hemos encontrado tanto el hueco, como la excusa, para sentarnos a degustar esta tarta de principio a fin. Y ya desde la primera porción, Gimme Shelter, comprobamos que esto no va a ser una dieta blanda, ni apta para cardíacos. Es una de las canciones míticas del cancionero de los Stones, y en gran parte es culpa de la incendiaria interpretación vocal de Merry Clayton, que canta este incandescente tema junto a Mick Jagger. La letra es una cruda compilación de la violencia de los 60, mencionando desde la guerra de Vietnam, como referencias a asesinatos y violaciones, mientras el protagonista pide a gritos un refugio seguro ante tanta locura.

El siguiente trozo de tarta tiene sabor a blues clásico, el de Love in Vain de Robert Johnson. Un tema sobre el amor no correspondido, al que los Stones dan un toque algo más country y más elaborado que el que tiene el original de Johnson, quizá para que el cambio de estilo no fuera tan abrupto en el siguiente tema, Country Honk, una versión en modo country de una tema que ya había grabado anteriormente el grupo (Honky tonk women). Como curiosidad, y aparte de ser el primer tema en el que aparece Mick Taylor, en este tema hace arreglos Alan Parsons, amigo de Keith Richards y una influencia en algunas de sus composiciones de entonces.

El disco vuelve al rock con Live with Me, toda una declaración de intenciones sobre el estilo de vida del rock and roll. En este tema hace aparición el saxofonista Bobby Keys, que les ha acompañado tanto en la mayor parte de sus giras desde entonces, y es el segundo de los dos temas en los que Mick Taylor deja su particular sello a la guitarra, para lo cual Keith Richards sustituyó a Bill Wyman al bajo, en una formación nada habitual. Tras ese anecdótico pero buen tema, llega Let it Bleed ("Déjalo sangrar") la canción que da título al album, con las habituales alusiones al sexo y a las drogas. Es un tema de aires country, no tan relevante como para haber dado nombre al disco, que inicialmente iba a titularse Automatic Changer ("tocadiscos automático"), y de hecho es en ese título original en lo que se inspiraba la icónica portada, con los cinco miembros de los Stones representados en las figuritas que coronan la tarta, que en sus capas inferiores incluye un neumático, una pizza, el panel de un reloj y una lata de cinta, todo ello sobre el tocadiscos sobre el que iba a girar el título.​

La segunda cara comienza con fuerza con Midnight Rambler (que podría traducirse como el "excursionista de medianoche" o el "merodeador nocturno"), cuya letra narra la historia del asesino en serie conocido como "el estrangulador de Boston". Un tema largo e inquietante, con los Stones clásicos (Brian Jones incluido, a la percusión) en plena forma. El disco está plagado de curiosidades, como la de ser el primero en el que Keith Richards empezó a meter uno o dos temas en los que asumía la voz cantante. Es el caso de You got the Silver, segundo y último tema en el que Brian Jones hizo su aparición, esta vez a los mandos de una cítara.

En la cara B aún hay tiempo la sátira de Monkey Man, en la que Jagger critica la artificial y frívola vida de los que viven en el foco de la imagen pública, rodeados de drogas y aduladores por doquier, y para regalarnos la última joya del disco, el "gran finale" que es You Can't Always Get What You Want, un tema de aires hippies interpretado en modo gospel, con la participación del London Bach Choir, y de nuevo, no exento de curiosidades. Charlie Watts no conseguía sacar correctamente el ritmo en la batería, y en la grabación fue sustituido por Jimmy Miller, el productor del disco. Como el buen vino, Charlie debe haber mejorado con los años, porque es un tema habitual de los conciertos y no ha vuelto a necesitar recambio.

Los Rolling Stones seguían escalando a lo más alto y con paso firme, con su rock de guitarras ásperas y cortantes, y sus influencias blues y country, en una vuelta de tuerca que llevó un paso más allá a lo experimentado en Beggars Banquet, y que en su lanzamiento logró desbancar temporalmente al Abbey Road de los Beatles del número uno británico. Un disco cargado de referencias a la situación social del momento, la guerra, la situación política, la violencia, las drogas... pero también con sus momentos de amor sentido y no correspondido. Su receta, para todas estas "heridas" del ser humano, es tan simple como efectiva. Lo que no te mata, te hace más fuerte: Déjalo sangrar.

La música en historias: Los músicos de sesión II

     En 7dias7notas decidimos crear una serie de capítulos dedicados a los músicos de sesión, músicos que son versátiles y capaces de trabajar en equipo, que muchas veces tienen que trabajar con otros músicos a los que apenas conocen o con los que nunca han trabajado y sin embargo están más que a la altura del trabajo para el que han sido contratados.
Al igual que en el primer capítulo y en los siguientes que vendrán iremos reseñando importantes músicos de sesión en tandas de cinco, así que vamos a por los siguientes cinco:

Comenzamos nuestro segundo capítulo con el baterista estadounidense Vincent "Vinnie" Colaiuta, nacido en Brownsville, Pensilvania en 1956. Vinnie recibe clases de batería ya desde niño, pero ha de esperar hasta los 14 años para hacerse con su primer set de batería. Tras estudiar durante una año en la famosa Berklee College Of Music toca aquí y allá en varias bandas hasta que contando con 22 años realiza una audición para tocar con Frank Zappa. Zappa lo contrata y graba varios discos con él. Después de tocar en la banda de Zappa, Vinnie se centra en tocar sobre todo en estudio para diferentes artistas de pop y rock, entre los que podemos encontrar Joni Mitchell, Sting, Eric Clapton, Barbra Streisand, Leonard Cohen, The Beach Boys, Joe Satriani, Megadeth, Gustavo Cerati ó Jeff Beck entre otros. Vinnie tiene acreditadas colaboraciones en más de 1200 álbumes.

Cambiamos de instrumento, concretamente a la guitarra, instrumento que domina a la perfección el guitarrista de jazz Larry Carlton. Larry nace en Torrance, California en 1948, y con seis años empieza a recibir clases de guitarra. Con 14 años realiza su primera actuación como profesional, y si bien se decide a investigar y tocar el género jazz la guitarra de B. B. King ejerce también una gran influencia en él. Larry durante los 70 prosigue dando los pasos adecuados y perfeccionando su técnica trabajando en estudios de grabación de California. Durante su brillante carrera ha publicado 29 álbumes de estudio, pero también ha tenido tiempo para trabajar como músico de sesión durante su extensa carrera, llegando a realizar hasta 500 grabaciones al año. Steely Dan, Joni Mitchell, Billy Joel, Michael Jackson, Quincy Jones, Barbra Streisand ó Charly García entre otros, y en 1998 se une al supergrupo de jazz Fourplay. Larry ha ganado durante su extensa carrera un premio Grammy por la mejor actuación instrumental (1981) y otro Grammy por el mejor álbum de pop instrumental (2010).

Que decir del baterista Jeff Porcaro, que además de su brillante carrera en Toto tuvo además tiempo de participar en la grabación de más de 1000 álbumes. Jeff nace en 1954 en Hartford, Connecticut (Estados Unidos) y su prematura y trágica muerte en 1992 nos privó de seguir disfrutando de uno de los mejores bateristas de la historia. Jeff fue durante más de dos décadas uno de los bateristas más respetados y codiciados de la industria musical, cambió la forma de entender y tocar dicho instrumento y es considerado como uno de los maestros del Groove. Hasta su muerte, Jeff grabó ocho disco con Toto, llegando a ganar seis premios Grammy con la banda. Tenía un gran sentido de equipo y compañerismo, pues a pesar de recibir multimillonarias ofertas para integrarse en bandas como Dire Straits o la banda de Bruce Springsteen siempre permaneció fiel a su banda Toto, lo que no impidió que grabara durante su carrera como músico de sesión para artistas tan dispares como Luis Miguel, Rubén Blades, Pink Floyd, Steely Dan, Bruce Springsteen, Paul MacCartney, Madonna ó Michael Jackson entre otros.

Vamos ahora con el bajista estadounidense Anthony Jackson, considerado por los especialistas como uno de los bajistas más importantes de la historia. Anthony nace en 1952 en Nueva York (Estados Unidos), y comienza a tocar el piano, para después pasarse a la guitarra y finalmente adoptar el bajo como instrumento principal debido a la influencia que ejerce en él el gran bajista del sello Motown James Jamerson. Anthony empieza a trabajar como músico de sesión con 18 años de edad y fue el inventor del llamado "bajo de seis cuerdas", instrumento que él bautizó como "guitarra contrabajo", adelantándose a todos los bajos estándar de seis cuerdas que empezaron a aparecer veinte años después. Tiene acreditadas trabajos en más de 900 álbumes de diferentes artistas, entre los que se encuentran Chick Corea, Billy Cobham, Steely Dan, Al Di Meola, Roberta Flack, Chaka Khan, Pat Metheny, Michael petrucciani, Simon Phillips y Paul Simon entre otros.

Cerramos el segundo capítulo con otro extraordinario bajista, David Hungate, y al igual que Jeff Porcaro integrante de la mítica formación Toto, banda en la que permanece desde su fundación en 1978 hasta 1982. David nace en 1948 en Texas (Estados unidos), y estudia en la Escuela de Música de la Universidad del Norte de Texas. Allí en la universidad toca el bajo en una banda llamada One O'Clock Lab Band, llegando a presentarse en el Festival de jazz de Montreux en 1970. Si bien su instrumento fuerte es el bajo, también toca guitarra, batería, trompeta, trombón y piano, y además de tocar el bajo como músico de sesión también se ha dedicado a los arreglos, la producción y la grabación. Tiene acreditadas colaboraciones en más de 800 álbumes, entre los que se encuentran su álbumes con Toto, un álbum en solitario en 1990 (Souvenir) y multitud de colaboraciones con artistas tales como Boz Scagss, Alice Cooper, Joe Cocker, Barbra Streisand, Olivia Newton-John, Shania Twain, Linda Ronstadt, Bette Midler, Cher, Johnny Rivers, Sara Vaughan, Neil Diamond, Kenny Rogers, José Feliciano ó Dolly Parton entre otros.

El disco de la semana 190: Las Pelotas - Cerca de las nubes

 

El disco de la semana 190: Cerca de las nubes - Las Pelotas 

Estimados amigos, aquí una nueva entrega del "El disco de la semana", y fiel a mis recomendaciones en 7dias7Notas, hoy les traigo un disco de una de las bandas de rock argentino, que más me gustan, será por su pasado, parte de una historia del rock icono de la argentina, si estamos hablando de Las Pelotas, luego de la disolución de SUMO, una de las dos bandas que se conformaron fueron Las Pelotas, conformada por Germán Daffunchio y un recordado Alejandro Sokol (†), como hemos dicho ambos eran parte de SUMO. 

Pero esta vez nos centraremos en un disco que demuestra sobre todo la esencia de la banda, un disco de altura, un Germán (Daffunchio) lo demuestra desde el principio, con el tema "Cuantas Cosas" que marcara el ritmo al disco, un tema tan simple en sus letras, que demuestran que esa simplicidad se expresa en frases como "Hoy es un día bueno, no sé cómo decirlo bien".

"Cuantas Cosas"

Esta entrada muestra un primer lado del disco donde la banda demuestra todo su lado sensible con baladas, donde se podría decir que esta entre lo mejor que grabó la banda en su historia, será por la madurez artística de Germán, pero no solo sino que Las Pelotas se deben un disco de estas características, han pasado por demasiadas turbulencias, la perdida en tan corto tiempo de dos miembros de la banda, un Alejandro Sokol y Tavo Kupinski, en tan solo un par de años, y toda esta sensibilidad queda plasmada en "Como el viento", a la vez se muestra Gabriela Martínez, bajista y segunda voz fortalecida acompañando a Germán. 

Pero "Cerca de las nubes" nos guarda una segunda parte un lado B del disco, que sube el volumen y en distorsión de sus guitarras, temas que invitan a bailar también, pero sobre todo creerme el viejo Alejandro Sokol revive en esta segunda parte del disco, para quien no lo han conocido con escuchar "Escondido Bajo El Brazo" te harás una idea de su esencia.

"Escondido Bajo El Brazo"

Las Pelotas no es ni más ni menos, esas bandas que valen la pena conocer, así que hoy en 7dias7notas nuestra recomendación espero que les guste.

Daniel 

Intagram Storyboy

Canciones que nos emocionan: Can't You See, The Marshall Tucker Band

The Marshall Tucker Band

     En 1972 ve la luz el proyecto de la banda The Marshall Tucker band, grupo gestado en 1972 y pionero del sonido Southern-Rock junto a bandas como The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd ó 38 Special. Durante sus más de 40 años de vida la formación ha combinado su sonido con el rock, el rhythm & blues, el jazz, el country y el gospel entre otros géneros.

La frormación original y que gesta el proyecto del grupo está compuesta por Toy Caldwell (guitarra, voz y compositor principal), Jerry Eubanks (teclados y flauta), Doug Gray (vocalista), Paul Riddle (batería), George McCorkie (guitarra) y Tommy Caldwell (bajo). El nombre de la banda se gesta cuando el grupo se encuentra en un antiguo almacén que habían alquilado como local de ensayo. Mientras los componentes del grupo discutían sobre que nombre poner al grupo alguién se fijó en la llave de la puerta del almacén, dicha llave tenía inscrita "Marshall Tucker", aquello gustó y el grupo adoptó The Marshall tucker Band. Lo que el grupo no sabía y se enterarían después es que Marshall Tucker en realidad era una persona real, concretamente un afinador de pianos ciego que además había afinado el piano que se encontraba en aquel almacén y que tenía inscrito su nombre en una tecla.

En 1973 The Marshall Tucker Band debuta con su álbum homónimo, The Marshall Tucker Band, un disco donde además del rock sureño incorpora elementos de country, rock progresivo, rock psicodélico, jazz, gospel ó folk entre otros. Incluido en el álbum nos encontramos con el tema Can't You See, otro de esos temas que tanto me emocionan, una mezcla de country con rock sureño compuesta por Toy Caldwell. La letra del tema está dotada de cierta oscuridad y nos relata la angustia de un hombre que ha iniciado el proceso de curarse a a sí mismo.

El tema incorpora una curiosidad, la apertura del mismo está hecha por una guitarra y una flauta, la cual es tocada por Jerry Eubanks. El sonido de la flauta le da un toque muy curioso y distinto al tema, más si cabe cuando la flauta no es un instrumento habitual dentro del rock sureño. La publicación Ultimate Classic Rock llegó a nombrar este tema como la mejor canción jamas escrita de southern rock por delante de Sweet Home Alabama de Lynyrd skynyrd.

I'm gonna take a freight train, down at the station

I don't care where it goes

Gonna climb me a mountain, the highest mountain

Jump off, nobody gonna know

Can't you see oh can't you see

What that woman, she been doin' to me

Can't you see, can't you see

What that woman lord been doin' to me

I'm gonna find me a hole in the wall

I gonna crawl inside and die

'Cause my lady now, mean ol' woman lord, never told me goodbye

Can't you see oh can't you see

What that woman lord she been doin' to me

Can't you see, can't you see

What that woman lord been doin' to me

I gonna buy me a ticket now, as far as I can

Ain't a-never comin' back

Ride me a Southbound

All the way to Georgia now

Till the train run out of track

Can't you see oh can't you see

What that woman, she been doin' to me

Can't you see, can't you see

What that woman, she been doin' to me, oh lord

Can't you see oh can't you see

What that woman lord she been doin' to me

Can't you see oh can't you see

What that woman, she been doin' to me

Can't you see (oh she's such a crazy lady) can't you see

What that woman (what a woman) she been doin' to me

Can't you see (lord I can't stand) oh can't you see

What that woman, oh she been doin' to me

Can't you see (I'm gonna take a freight train) can't you see

(I'm down at the station lord) what that woman (ain't never gonna go back) been doin' to me

Can't you see oh can't you see (gonna ride me the southbound)

(All the way to Georgia) what that woman (till the train run out of track) been doin' to me

The Rolling Stone - Bridges to Babylon (Mes Rolling Stones)

El vigésimo primer álbum de los Rolling es un álbum bastante estimable, después de que dominaran los 60 y los 70 con su música, estaban dispuestos a volver a hacerlo en los lejanos noventa y se marcaron un álbum con un puñado de canciones memorables, resultado de un gran trabajo que habían desarrollado durante la última década. La épica es antológica si el álbum es acompañado de una gira que fue aún más apoteósica, con 108 conciertos y un escenario que en aquel momento fue el más grande de la historia. Aun así hay que reconocer que están lejos de sus grandes momentos, si bien nos deja un gusto muy bueno poder recorrer estos puentes de Babilonia.

Comienza el álbum con Flip the Switch, que contiene una soberbia batería de Watts y que, sin ser revolucionario, sí permite entrever que estábamos ante 'algo' que sonaba diferente de lo que habían hecho hasta ahora, resultado una buena canción, aunque bastante lejos de lo que habían hecho en sus momentos álgidos y con una letra que según el propio Mick Jagguer “Es una letra muy extraña, de verdad, sobre la muerte, la locura, la criminalidad y demás. Cosas bastante pesadas, de verdad, pero es una buena. Es excelente para empezar un disco”.  El siguiente tema es Anybody Seen My Baby?, que gozó de un buen éxito en las listas, tiene ese lametazo funky/dance jaggeriano que recuerda a las producciones de los Stones de finales de los 70 y incluye un rapeo de Biz Markie, incluido para tratar de hacer ver que los Stones (y sobre todo Jagger) se habían atrevido a dar un paso adelante. Este tema se ha convirtido en uno de los mas famosos de los Stones en los últimos años, en el video musical podemos ver a Angelina Jolie. Con Low Down, bajan el pistón, es quizás uno de los temas más flojos del álbum, un simple tema de transición con toques modernos, pero con falta de gancho. Con Already over me llegamos a la balada de rigor, demasiada pausada para lo que esperamos de los Stones, pero con ese toque Jagger que hace que nos entreguemos a más de cinco minutos de melancolía. Gunface se vuelve a la canción cruda, un intento de hard rock mezclado con tema de lista de éxitos donde destaca un punteo de guitarra absolutamente excelso, y son estos pequeños encuentros los que nos hace reencontramos con los chicos de Jagger intuyendo que están aun bastante lejos de lo que nos han ofrecido, intuimos que podemos disfrutar de nuevo en ciertos momentos. You Don't Have to Mean It es el típico reggae donde Keith Richards toma el micrófono, es quizás un corte muy abrupto con lo que estábamos escuchando hasta ahora, pero hay que reconocer que ha quedado una canción muy divertida y apañada para tomar aire con lo que se nos avecina, y es que lo que viene es Out of Control, segundo single del álbum, que comienza casi sibilino y va creciendo hasta transformarse en una montaña rusa a golpes de efecto, empieza sexy con un Mick Jagger que musita a la par que ritmos caribeños y funkarras sacados casi del “Slave” van progresando para desembocar contundente y profesionalmente en un estribillo que hace que saltes mientras lo estas escuchando, sello total Rolling. 

Saint Of Me es un pegadizo tema pop ideal para cantar a coro en los conciertos, un ejemplo de lo que debían ser y cómo debían sonar sus satánicas majestades en 1997 mimetizándose con lo que sonaba en esos momentos y a fe que lo consiguieron, un tributo al legendario intérprete de R&B Billy Preston, quien toca los teclados en esta pista. Preston ha tenido un largo historial de enfrentamientos con la ley por cargos como asalto y posesión de drogas y es el único hombre que ha grabado canciones con los Beatles y los Rolling Stones, tocó el famoso solo de teclado en "Get Back". Might as Well Get Juiced es la pieza más extraña del disco, con la voz de Jagger distorsionada, y sintetizadores a porrillo; no es rock, no es pop, casi psicodélico. Aquí surge la paradoja que atraviesa a muchos artistas si hay que seguir haciendo “más de lo mismo” con beneplácito asegurado del fan de siempre o debe seguir corriendo los riesgos propios de sus inquietudes. El tema estaría bien si….lo hiciese otro artista pero no los Stones. Always Suffering es otro medio tiempo de aires countries realmente delicioso, con la voz de Jagger en forma, penalizada por un estribillo demasiado comercial. Too Tight es un puro rock, tema rápido y sin concesiones que nos hace movernos y cantar. Thief in the Night es otro tema flojo a pesar de los intentos de buscar la excelencia con un saxofón, de igual manera que How Can I stop no es el mejor cierre del álbum

En definitiva, es un álbum para disfrutar siempre y cuando no seas muy exigente, si bien podemos decir que es de los mejorcito que hicieron sus satánicas majestades en la década de los noventa.

Canciones que nos emocionan: When A Blind Man Cries, Deep Purple

Single Never Before / When A Blind Man Cries

     Para hablar de otro de esos temas que a mí tanto me emocionan nos vamos a centrar en esta ocasión en Deep Purple y en un temazo que debido a las imposiciones de Ritchie Blackmore no vió la luz en un disco hasta 1997, apareciendo como cara B en una edición de single, el tema: When A Blind Man Cries.

Este tema fue grabado en el Grand Hôtel de Montreux, Suiza entre diciembre de 1971, formando parte del material que el grupo estaba preparando para su sexto álbum de estudio, Machine Head. Dicho material iba a ser grabado en el Casino de Montreux, pero un desafortunado incidente que provoca el incendio del Casino mientras actúa Frank Zappa obliga al grupo a buscar alternativas. Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Ian Paice (batería), Roger Glover (bajo) y Jon Lord (teclados) deciden mudarse junto con el productor Martin Birch y concebir Machine Head en el Grand Hôtel de Montreux.

Dentro de las sesiones de grabación para el álbum el grupo al completo compone otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, When A Blind Man Cries, pero el tema no es del agrado de Ritchie Blackmore, y aunque al resto del grupo si le gusta se impone Ritchie, por lo que el tema no se publica en Machine Head que aparece publicado el 25 de marzo de 1972. El tema aparece publicado como cara B del single Never Before, el cuál aparece en la cara A, el 18 de marzo de 1972.

When A Blind Man Cries, al igual que Smoke On The Water, tiene como temática el incidente del incendio del Casino de Montreux, de la misión que tenía el grupo de grabar el álbum en esas fechas que coincidían con un breve descanso de la gira y de como tienen que reubicarse apresuradamente, encontrando el Grand Hôtel de Montreux. La habitación del casino donde se graba el material para Machine Head era en realidad un pasillo que tenía forma de T, los instrumentos se se instalaron cubriendo todos los rincones del pasillo y se instalaron bombillas rojas para crear un ambiente más cómodo.

El tema nunca ha sido tocado en presencia de Ritchie Blackmore, la primera vez que se toca en directo es el 6 de abril de 1972 en Quebec, Canadá, debido a que Ritchie se encuentra enfermo y es sustituido por el guitarrista Randy California. Habrá que esperar a la gira The Battle Rages On en 1993 donde el guitarrista es Joe Satriani para degustar el tema en directo. Con la llegada del guitarrista Steve Morse al grupo el tema se convierte en un habitual dentro del repertorio de la banda.
Además, el tema se incluye y publica dentro de la reedición especial del 25º aniversario del LP Machine Head en 1997.

If you're leaving, close the door

I'm not expecting people, anymore

Hear me grieving, lying on the floor

Whether I'm drunk or dead, I really ain't too sure

I'm a blind man

I'm a blind man

And my world is pale

When a blind man cries

Lord, you know

There ain't a sadder tale

Had a friend once, in a room

Had a good time, but it ended much too soon

In a cold month, in that room

We found a reason, for the things we had to do

I'm a blind man

I'm a blind man

Now my room is cold

When a blind man cries

Lord, you know

He feels it from his soul