Canciones que nos emocionan: Mejores que el original (III)

En la anterior entrega de "Mejores que el original" contábamos como el maestro David Bowie reconocía abiertamente que la versión de Nirvana de su "The man who sold the world" superaba a la suya. Y aunque aquí vamos a hablar de "Friday on my mind" de The Easy Beats, una canción que Bowie versionó, (y podríamos discutir si mejoró o no) en su disco de versiones "Pin ups", en realidad la versión que mejora radicalmente al original es la de Gary Moore en el disco "Over the hills and far away". Moore la convierte en un tema mucho más rockero y trepidante que sus antecesores, y roba el premio tanto a los creadores originales, como al inquieto y admirado camaleón.

Ya que hablamos de autores originales que comentaron su opinión sobre una versión posterior de su trabajo inicial, tenemos que mencionar aquí a Nine Inch Nails y su tema "Hurt". Trent Reznor comentó, al escuchar por primera vez la versión que de su tema hizo Johnny Cash en sus "American Recordings": "Lo escuché y fue muy extraño. Era otra persona habitando mi canción más personal. Yo sabía dónde estaba cuando la escribí, en qué estaba pensando y cómo me sentía. Escucharla fue como si alguien más besara a tu novia" Aunque hablamos de una canción que habla de sentimientos y emociones muy personales del autor, la voz ajada y descarnada de Cash la lleva a un nivel de intensidad mayor que el original.

Empezamos a hilar fino con el siguiente tema, ya que aunque consideramos mejor una de ellas, para disipar nuestras dudas tuvimos que recurrir al "VAR". En una decisión "difícil de manejar", creemos que el "Hard to handle" de los Black Crowes supera a la canción original de Otis Redding. La diferencia es mínima, porque el toque soul de la canción de Otis es brillante, y nos hace cerrar los ojos y disfrutar como al escuchar el dulce canto de un jilguero, pero el matiz rockero que le dan los cuervos negros nos emociona mucho más y nos hace mover los pies y practicar el "air guitar" con una escoba o lo primero que tengamos a mano.



Cerramos esta tercera entrega con un grupo relativamente desconocido fuera de los confines de la Gran Bretaña. The Zutons grabaron, en su segundo disco, la canción "Valerie" en clave de brillante pop rock, pero en este caso hacemos el camino a la inversa, y nos quedamos con la versión soul que de la canción se marcó la malograda Amy Winehouse. Recurriendo esta vez a la "photo finish", Amy se alza vencedora por meter la cabeza primero sobre la línea sin soltar su copa de vino tinto, y aunque los Zutons están a la altura, en la imagen congelada vemos que el añorado y enorme tupé de la Winehouse cruza primero, por centímetros, la línea de meta.

La música en historias: El Reloj del Apocalipsis

     El Reloj del Apocalipsis, también llamado Reloj del Juicio Final, es un reloj simbólico, creado y mantenido por el Bulletin of the Athomic Scientitsts (Boletín de Científicos Atómicos) de la Universidad de Chicago, Estados Unidos. El bulletin of the Athomic Scientists fue creado en 1945 por un grupo de investigadores que estaban inmersos en el Proyecto Manhattan de la Universidad de Chicago. Dicho proyecto se encargó de producir las primeras armas nucleares, y estaba liderado por Estados Unidos, que contaba con la colaboración de Reino Unido y Canadá.
Estos investigadores crearon la revista del Bulletin para alertar a la humanidad de los peligros que entrañaban la energía nuclear y las armas de destrucción masiva.

     El reloj siempre aparece con la hora a minutos de la medianoche, siendo ésta la que representa la destrucción total y catastrófica de la humanidad. Desde que fue concebido, el reloj siempre ha aparecido en todas las portadas del Bulletin of the Athomic Scientists, siendo su primera aparcición en 1947, cuando el cofundador de la revista, Hyman Goldsmith, le pidió a la artista Martyl Langsdorf que diseñara una portada para la edición de la revista de junio de 1947.

     El número de minutos para la medianoche es el encargado de medir el grado de amenaza nuclear, ambiental y tecnológica, siendo la medianoche el máximo peligro.
Originalmente, en su fundación en 1947, el reloj se situó a 7 minutos de la medianoche. En 1953 tanto Estados Unidos como la extinta Unión Soviética estaban experimentando con bombas de hidrógeno, lo que hizo que el reloj se situara en las 23:58 horas, a sólo dos minutos de la media noche, lo más cerca que el reloj llegó a estar del peligro. Recientemente el peligro vuelve a acecharnos sobremanera, pues en el año 2017 el reloj se situó a 3 minutos para la medianoche, llegando a alcanzar los 2 minutos para la medianoche en el año 2018. Los investigadores del Bulletin llevan tiempo advirtiendo a toda la humanidad que si seguimos así, el final está cerca y no estamos siendo conscientes de ello.

Kill for gain or shoot to maim

But we don't need a reason

The Golden Goose is on the loose

And never out of season

Blackened pride still burns inside

This shell of bloody treason

Here's my gun for a barrel of fun

For the love of living death

The killer's breed or the demon's seed

The glamour, the fortune, the pain

Go to war again, blood is freedom's stain

Don't you pray for my soul anymore

Two minutes to midnight

The hands that threaten doom

Two minutes to midnight

To kill the unborn in the womb

The blind men shout "let the creatures out

We'll show the unbelievers"

The napalm screams of human flames

Of a prime time Belsen feast, yeah!

As the reasons for the carnage cut their meat and lick the gravy

We oil the jaws of the war machine and feed it with our babies

The killer's breed or the demon's seed

The glamour, the fortune, the pain

Go to war again, blood is freedom's stain

Don't you pray for my soul anymore

Two minutes to midnight

The hands that threaten doom

Two minutes to midnight

To kill the unborn in the womb

The body bags and little rags of children torn in two

And the jellied brains of those who remain to put the finger right on you

As the madmen play on words and make us all dance to their song

To the tune of starving millions to make a better kind of gun

The killer's breed or the demon's seed

The glamour, the fortune, the pain

Go to war again, blood is freedom's stain

don't you pray for my soul anymore

Two minutes to midnight

The hands that threaten doom

Two minutes to midnight

To kill the unborn in the womb

Midnight

Midnight

Midnight

It's all night

Midnight

Midnight

Midnight

It's all night

Midnight, all night

     Quienes si parecen ser conscientes de los peligros que conllevan las amenazas, ya sean nucleares, ambientales ó tecnológicas, son nuestros amigos de Iron Maiden, que ya en 1984 se hicieron eco de este hecho en su quinto álbum de estudio Powerslave. En dicho disco nos encontramos con el tema 2 Minutes to Midnight, un tema que compusieron Adrian Smith y Bruce Dickinson como protesta y en contra de la carrera y la guerra nuclear. En dicho tema nuestros amigos hacen referencia al Reloj del Juicio Final, el simbólico reloj del Bulletin of the Athomic Scientists.

     Bruce Dickinson llegó a declarar que este tema trataba de la relación amor / odio con la guerra, pues al igual que nos sentimos fascinados en cierto modo por ella, también la repudiamos. Curiosamente 2 Minutes to Midnight es uno de los pocos temas donde Steve Harris no aparece en los créditos de composición del tema.

2 minutes to Midnight, Iron Maiden

La música en el cine: Blaze of Glory, Jon Bon Jovi

     En 1990, debido al éxito de la película Arma Joven, se estrenaba en las salas de cine de todo el mundo la secuela de ésta, titulada Arma Joven II (intrépidos forajidos). La película, filmada en la localidad de Los Cerrillos, Nuevo México, fue dirigida por Christopher Cain, con guión fue escrito por John Fusco y protagonizada entre otros por Emilio Estévez, Kiefer Sutherland, Lou Diamond Phillips, Christian slater ó Viggo Mortensen entre otros.

     Ambientada en el oeste, para la banda sonora de la película, al parecer Emilio Estévez había solicitado que apareciera el tema Wanted Dead or Alive de Bon Jovi, tema que estaba incluido en el álbum de la banda Slippery When Wet, publicado en 1986. Un tema que había sido compuesto por Richie Sambora y Jon Bon Jovi, y que fue lanzado como tercer sencillo de la banda en 1987. El tema es un homenaje a a los héroes del Viejo Oeste, pues según Jon Bon Jovi la vida de estos era similar a la de las bandas de rock, pues ambos cabalgaban y viajaban de ciudad en ciudad, en busca de fama, chicas y dinero y bebían hasta el amanecer.

     Si embargo Jon Bon Jovi creía que Wanted Dead or Alive no quedaría bien para la banda sonora, pues la letra del tema no hablaba exprésamente del Viejo Oeste. Jon Bon Jovi por entonces se encontraba tomándose un descanso de la banda, y tenía proyectado mientras grabar su primer álbum en solitario. Así que Jon se presentó un día en Los Cerrillos, Nuevo México, donde se estaba grabando la película, y armado con una guitarra acústica tocó el tema Blaze of Glory delante del guionista de la película, John Fusco. John Fusco quedó maravillado y decidió que ese tema sería el que se incluiría en la banda sonora de la película. Jon Bon Jovi aparte de escribir el tema de la banda sonora, también hizo un cameo apareciendo en la película.

     El argumento del tema versa sobre un forajido que está decidido luchar con todo hasta su muerte, sabiendo que será recordado por su enorme valentía. El tema fue nominado para los premios Oscar en la categoría de mejor canción original de 1991, pero el premio se los acabo llevando Sooner or Later, tema de la banda sonora de Dick Tracy e interpretado por Madonna.

I wake up in the morning

And I raise my weary head

I've got an old coat for a pillow

And the earth was last night's bed

I don't know where I'm going

Only God knows where I've been

I'm a devil on the run

A six gun lover

A candle in the wind

When you're brought into this world

They say you're born in sin

Well at least they gave me something

I didn't have to steal or have to win

Well they tell me that I'm wanted

Yeah, I'm a wanted man

I'm a colt in your stable

I'm what Cain was to Abel

Mister catch me if you can

I'm going out in a blaze of glory

Take me now but know the truth

I'm going out in a blaze of glory

Lord I never drew first

But I drew first blood

I'm no one's son

Call me young gun

You ask about my conscience

And I offer you my soul

You ask if I'll grow to be a wise man

Well I ask if I'll grow old

You ask me if I've known love

And what it's like to sing songs in the rain

Well, I've seen love come

And I've seen it shot down

I've seen it die in vain

Shot down in a blaze of glory

Take me now but know the truth

'Cause I'm going down in a blaze of glory

Lord I never drew first

But I drew first blood

I'm the devil's son

Call me young gun

Each night I go to bed

I pray the Lord my soul to keep

No I ain't looking for forgiveness

But before I'm six foot deep

Lord, I got to ask a favor

And hope you'll understand

'Cause I've lived life to the fullest

Let this boy die like a man

Staring down a bullet

Let me make my final stand

Shot down in a blaze of glory

Take me now but know the truth

I'm going out in a blaze of glory

Lord I never drew first

But I drew first blood

And I'm no one's son

Call me young gun

I'm a young gun

Young gun, yeah yeah yeah

Young gun

     Jon terminaría grabando su primer álbum (titulado Blaze of Glory) y proyecto en solitario con temas inspirados en la película Arma joven II. El álbum fue lanzado una semana después del lanzamiento de la película, y vendió la nada despreciable cantidad de dos millones de copias.
Blaze of glory fue el primer sencillo que Jon bon Jovi lanzaría en solitario y alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. También alcanzó dicho puesto durante seis semanas en Australia.

     Al parecer, Jon escribió la letra en una servilleta del restaurante del set de rodaje de la película mientras cenaba junto a algunos actores y personal entre los que se encontraba Emilio Estévez. La servilleta se encuentra enmarcada en una pared de la casa de Emilio.

Canciones que nos emocionan: Highway Song, Blackfoot

Blackfoot

     Blackfoot es el nombre de la formación de rock sureño fue fundada en 1970 por Rickey Medlocke (guitarra y voz), Charlie Hagrett (guitarra), Greg T. Walker (bajo) y Jakson Spires (batería).
En 1969 Medlocke y Walker se juntaron con Hagrett y fundaron una banda llamada Fresh Garbage. Para ese proyecto inicial fichan a los teclados a Ron Sciarabasi. En otoño de ese año, 1969, Fresh Garbage se disuelve debido a que Sciarabasi es enviado a Vietnam. Medlocke, Walker y Hagrett tras la marcha de Sciarabasi deciden formar otra banda a la que llaman Hammer, y fichan al batería Jakson Spires, a
DeWitt Gibbs a los teclados y Jerry Zambito como guitarrista.
El grupo se acaba mudando a Gainesville, Florida, ya que allí encuentran trabajo tocando a diario en un famoso local de topless llamado Dub's.

     A principios de 1970 la banda se muda a Manhattan, Nueva York, ya que consideran que allí pueden tener más oportunidades de salir adelante. Es en esa época que se enteran que una banda de la costa oeste de Estados Unidos tienen el mismo nombre que ellos, por lo que deciden cambiarlo y llamarse Blackfoot, debido a las raíces indias de la mayoría de los miembros del grupo. El padre de Ricky Medlocke era Lakota Sioux y Blackfoot indian, y su madre tenía ascendencia creek / Cherokee, escocesa e irlandesa. Greg T. Walker tenía ascendencia de una tribu de Florida, la tribu Eastern (Muskogee) Creek. Jakson Spires tenía un padre cheyenne / francés y una madre cherokee. Y Charlie Hagrett era el único de los 4 componentes originales que no tenía ascendencia india, pues poco antes Gibbs y Zambito habían abandonado la banda.

     En 1971 Medlocke y Walker son invitados a unirse a Lynyrd Skynyrd, oferta que aceptan, por lo que Blackfoot sufre su primera disolución, volviendo a reflotarse en 1972, cuando vuelven Medlocke y Walker. A partir de ese momento Blackfoot sufre infinidad de cambios de componentes, disoluciones y reformaciones, si bien a día de hoy el grupo sigue dando guerra.

     La década de los años 70 y principios de los 80 supone la época dorada del grupo, con discos publicados como Flying High (1976), Strikes (1979), Tomcattin' (1979) y Marauder (1981).
Me voy a detener en el álbum Strikes, disco que contiene temazos como Train Train, compuesto por el abuelo de Medlocke, "Shorty" Medlocke, una gran versión de Wishing Well de Free, o Highway Song, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan y en el que me voy a centrar.

Another day, another dollar

After I sing and holler

Oh it's my way of livin'

And I can't change a thing

In another town is drawing near

Oh baby I wish you were here

But the only way I can see you darlin'

Is in my dreams

It's a highway song

You sing it on and on

On and on

Yeah the hurt you leave behind

Is the hurt that's on your mind

Oh and last night sure took it's toll on me

Well the city lights fly by me

As I lay my body in my bed

Oh and dreams of you flash through my head

It's a highway song

You sing it on and on

On and on

Highway song

It's as long as

As the road I'm on

Yes these big wheels are ready to roll

We've been flyin' high I'm so low

And all in all this madness

Ain't as crazy as it seems

Everywhere they stop and stare

I'm just a stranger on this road

I stand alone only in my dreams

Highway song

You sing it on and on

On and on

Highway song

It's as long as

As the road I'm on

Highway song

Sing it on and on

On and on

Highway song

It's as long as

As the road I'm on, on uh

     Highway Song fue compuesta por Ricky Medlocke y por el batería Jakson Spires. Medlocke tuvo la idea de componer este tema cuando se encontraban de viaje por la Ruta 81, una carretera que discurre por la parte este del país y que va hacia el norte, a Nueva Jersey. No era el sitio o carretera más inspiradora para un tema, pero fue el lugar donde a Medlocke se le ocurrió y empezó a tocar algunos acordes, concretamente cuando se encontraba el grupo cerca de Winchester, virginia. A partir de ahí Medlocke y Spires trabajarían en el tema hasta regalarnos este tema, un tema lento que poco a poco va cogiendo velocidad hasta llegar a la parte final con un sólo de guitarra demoledor. La letra del tema, en su tercer verso hace alusión a los dos primeros álbumes del grupo, No Reservations (1975) y Flyin High (1976).

Canciones que nos emocionan: Mejores que el original (II)

Dejamos el primer artículo de "Mejores que el original" con el sabor de boca de "With a little help from my friends" en la versión de Joe Cocker, que les roba el tema a los mismísimos Beatles. Para consolar a John, Paul y compañía, comenzamos esta nueva entrega dándole al César lo que es del César. Ellos también superaron con su versión a un tema original de los Isley Brothers. Hablamos del "Twist and Shout" que los de Liverpool versionaron de manera brillante, quedando para siempre en nuestro recuerdo, mucho más que la versión original.


Viajamos hasta los años 90 para hablar de Nirvana, máximo exponente de la efímera pero intensa oleada "grunge". La repentina pérdida de Kurt Cobain nos privó de conocer hacia dónde habrían evolucionado los chicos de Nirvana, que sólo dejaron una pista de lo que podría haber sido un interesante camino (mucho más que el que tomaron los Foo Fighters), en forma de disco acústico grabado en directo para la MTV. En aquel disco aparecía una versión sublime de un viejo tema del maestro David Bowie, que no tuvo problema en comentar que la versión de Nirvana de "The man who sold the world" le había "volado la cabeza. Esa forma de cantar de Kurk Cobain... Claramente supera a la mía".



Cuando los chicos de la Creedance Clearwater Revival compusieron su Proud Mary ("Orgullosa Mary") seguramente no pensaban que hasta la propia Mary habría estado más orgullosa de la versión de Ike and Tina Turner que de la suya. Tina es un torrente difícil de contrarrestar y los arreglos de aire soul y funk rock se alejan de la versión más sureña de la Creedance. Esta canción es, además, la primera canción que aprendió a tocar Prince con la guitarra. Este dato corrobora que en mi caso, además de estar aprendiendo a tocar la guitarra tarde, ya estoy empezando mal, si comparamos la potencia del "Rolling...Rolling... Rolling on the river" con el apagado y más bien soso "Knock... Knock... Knockin' on heaven's door" de la versión de Dylan.

Cerramos esta entrega con la versión que Whitney Houston hizo del tema "I will always love you", que originariamente fue interpretado por Dolly Parton. Dejando aparte la edulcorada película sobre la relación amorosa entre una cantante y su guardaespaldas, la intensa interpretación vocal y en tono soul de Whitney está a años luz del toque a balada country que la Parton le da a su versión. Aunque siempre querremos a las dos, grande cada una en su género y en su momento. Con ellas bajamos el telón, hasta la próxima entrega de "Mejores que el original"

El disco de la semana 154: Derechito al infierno, Nel.lo y la banda del zoco

Nel.lo y la banda del zoco

   
     Para hablar del disco que traemos en esta ocasión bajo el brazo, tenemos que hacerlo también de Daniel Nel.lo, el indiscutible lider de este proyecto.
Daniel Nel-lo nace en 1967 en Barcelona y contando apenas con 17 años comienza su carrera al mando del saxofón, y lo hace en 1985 uniéndose a la formación de Carlos Segarra y compañía, Rebeldes. Rebeldes con Nel-lo en sus filas publica en 1986 Rebeldes con causa, con el que se iniciaría la época dorada de este grupo. A éste álbum le seguirían Preferiblemente vivos (1987), Más allá del bien y del mal (1988), Héroes (1989), En cuerpo y alma (1990), Tiempos de Rock'N'Roll (1991), La rosa y la cruz (1993) y Básicamente Rebeldes (1995) que sería el último disco que graba Daniel con la formación de Rebeldes, ya que poco después, concretamente en 1997, decide dejar la formación para iniciar su carrera en solitario. Nel.lo se sumerge en la búsqueda de su propia seña de identidad, incorporando y trabajando con nuevos sonidos, como el rhythm and blues, el blues ó el jazz.

     Sumergido en dicha búsqueda, Nel-lo crea su propia banda Nel.lo y la banda del Zoco en 1997, grupo con el que grabará dos álbumes de estudio, Derechito al infierno (1997) y Crápula (1999).
El proyecto de Nel.lo y la banda del Zoco dura unos cuatro años, donde Nel.lo se rodea de músicos de la talla de Dani Baraldés (guitarrista), Enric "Nota" parés (batería) ó Jorge Rebenaque (teclados), y nos regalan estos dos discos donde los sonidos latinos se entremezclan brillantemente con el sabor mediterráneo del Rock & Roll.

Daniel Nel.lo con Los Mambo jambo

     Después de su aventura con la banda del Zoco, Nel-lo inicia el proyecto en forma de grupo, llamado Tandoori Le Noir, junto a varios de los mejores músicos de blues y jazz procedentes de la escena barcelonesa. El repertorio de la banda está basado en su mayoría en versiones de grandes guitarristas y saxofonistas de las déscadas de los años 40 y 50. Un proyecto que en 2003 publicaría su único álbum de estudio, de nombre Tandoori Le Noir.

     La actividad de Nel.lo es frenética, y en 2009 se une al proyecto del grupo Los Mambo Jambo, un grupo que mezcla el rock & Roll, el rhythm & blues, el surf y el swing. Con esta formación Nel.lo graba cinco álbumes, Los Mambo Jambo (2011), Impacto Inminente (2013),  La Maldición de los Rockers (2015), Jambology (2016) y El Hombre y la Tierra (2017).

     Por si no fuera pocos, Nel.lo también tiene tiempo, entre proyecto y proyecto, de publicar discos en solitario, Vértigo (2005), Noir (2010), Tesoro Recordings (2011), Saxorama (2016) y Los saxofonistas Salvajes (2017). También es capaz de compaginar toda esta actividad musical con la de compositor de bandas sonoras de cine y teatro, presentar y realizar la dirección artística desde 2010 a 2015 del programa televisivo de la cadena TV3 Jazz al estudi.
Durante su extensa y variada carrera musical a colaborado con artistas de la talla de la Barcelona Big Blues Band, Loquillo, Ariel Roth, Bunbury, Los Lobos ó Ray Gelato entre otros.

     En 7dias7notas tenemos muy claro y también muy presente que son músicos de la talla de Daniel Nel.lo los que engrandecen el noble arte de la música y queríamos dedicarle un espacio a modo de recomendación musical dentro de su extensa discografía repleta y rebosante de calidad. Y al final nos decidimos por su álbum Derechito al Infierno, grabado en 1997 con su banda Nel.lo y la banda del Zoco, un trabajo como comenté anteriormente repleto de buen rock & roll y mezlado brillantemente con el fino aroma y el sabor de los ritmos latinos. Para este disco Nel-lo cuenta con el batería Enric "Nota" Parés y con Jorge Rebenake al piano y teclados. Disco donde Nel-lo se encarga de la composición de los temas junto a Jorge Soto. Además de la excelente mezcla de sonidos, los temas tienen unas letras que no nos dejarán indiferentes, donde tratan temáticas cómo la violencia de género (Derechito al infierno), el inevitable paso del tiempo (Carta a Filippo), el desarraigo (La semilla), el suicidio (Blues ingrato) ó la doble moral (Casino Caín).
Derechito a mi biblioteca musical va este excelente disco de Nel.lo y la banda del Zoco, proyecto liderado por Daniel Nel.lo un gran saxofonista y compositor que ha hecho y que esperemos que siga haciendo lo que mejor sabe hacer, muy buena música.

Daniel Nel.lo

Canciones que nos emocionan: Mejores que el original (I)

Tal día como hoy, en 1942, nacía Jimi Hendrix, al que recordamos con una versión en la que mejoró el original

"Teniendo el original... no hacen falta marcas blancas". Esa frase se ha puesto de moda últimamente, en un contexto político en el que nos vamos a entrar. Este mundo sería mejor con más música y menos política, pero la frase en cuestión nos sirve para describir una tendencia en el universo de las 7 notas: Las versiones casi nunca superan al original, se quedan en marcas blancas por debajo del nivel y la relevancia de la canción del autor. Vamos a centrarnos en el "casi" de esta última frase, puesto a propósito y con todo el sentido, porque hay excepciones a esa tendencia, canciones que en la posterior revisión de otro artista han superado con creces a la versión original.



Para los que, por el contrario, creen que "nada se compara a la versión original", empezaremos a concencerles con la revisión que Sinead O'Connor hizo del "Nothing Compares 2U" de Prince. Las musas dieron al genio de Minneapolis una composición excelsa, pero nunca terminó de quedar contento con las versiones que ensayó de la canción, y terminó relegada a una versión a capella dentro de un disco de The Family, uno de los grupos satélites hacia los que desviaba parte del exceso de material que componía. La versión de la cantante irlandesa, más desnuda y descarnada que las versiones que Prince grabó previamente, demuestra de manera clara que ella sí que dio con la tecla de como grabar esa brillante composición.

Por afinidad geográfica, vamos a continuar en Minnesota con una canción que Bob Dylan creó para la banda sonora de la película "Pat Garrett & Billy the Kid", y a la que teniendo en cuenta que la mayoría de sus canciones tienen largas letras de gran profundidad literaria, no parece que Bob dedicara demasiado empeño. "Knocking on heaven's door"  tiene una estructura de acordes sencilla (hasta el punto de ser la primera canción que estoy intentando aprender en mis tardías clases de guitarra) y una letra con tan solo dos estrofas y un estribillo que repite simplemente el título de la canción. Lo que sí que tiene es la magia que sólo los genios pueden dar a una canción, y parte de esa magia está precisamente en su sencillez. Lo cuál no quita para que, cuando los Guns and Roses hicieron de aquel esqueleto de canción una obra eléctrica de rock de estadios con reminiscencias gospel en los coros, no podamos reconocer que mejoraron la canción y la llevaron a un nivel instrumental y vocal mucho más impactante.


No cambiamos de artista todavía, porque la de los Guns no era la primera vez que el bueno de Bob veía mejorar una de sus canciones en manos de otros. "All Along the Watchtower" es una canción mucho más elaborada que la anterior, y un clásico de su cancionero, pero la versión que de ella hizo Jimi Hendrix va también un paso más allá. El arranque de la canción, con el ritmo de la guitarra de Hendrix y el cortante solo que lo acompaña, es uno de los momentos estelares de la música rock. La interpretación vocal de Hendrix es mucho más potente y los lisérgicos solos de guitarra, marca de la casa, dejan poco terreno a la duda sobre qué versión es más eterna.

Dejamos tranquilo ya a nuestro querido Dylan, para hablar ni más ni menos que de los Beatles, y de una de las canciones del disco que muchos consideran el mejor de todos los tiempos. En el disco del famoso Sargento Pimienta, como en otros discos de los de Liverpool, se dejaba espacio a Ringo para que cantara una canción que no fuera muy exigente a nivel vocal. Así surgieron temas como Yellow Submarine, Octopus Garden y, en concreto para esta reseña, With a little help from my friends, que en la versión de Ringo se queda en una correcta y divertida canción, pero que tras pasar por las manos y la garganta de Joe Cocker adquirió su máxima expresión. Cocker ralentizó las estrofas y las convirtió en un dúo entre su voz y la de las coristas gospel que le acompañaron, y potenció la descarga vocal en el estribillo. La canción cambia totalmente de registro, y triunfa claramente en la comparación.


Esta es sólo una primera entrega, ya se que ahora mismo estaréis enumerando otras versiones que os parecen mejores que la canción original, pero como diría Jack el Destripador, "vayamos por partes". Seguiremos investigando para traer, próximamente, nuevas entregas de canciones "Mejores que el original".

Grupos emergentes: KELEVEK Presenta Instinto

Nuevamente en Madrid un nuevo show de la banda KELEVEK, y allí estuvo 7dias7notas.

Café La Palma

La noche del sábado 16 de noviembre, el Café La Palma se preparaba para recibir en su escenario a Álvaro Sanz (guitarra y voz), Mikel Rodríguez (bajo y voz) y Carlos López (batería), los chicos de KELEVEK presenta su nuevo trabajo Instinto.

Este nuevo trabajo de la banda, que han llamado Instinto muestra un sonido renovado de la banda que gusta mucho, por la madurez que muestra la banda en este nuevo trabajo, podemos decir que KELEVEK, crece a pasos agigantados, porque no sólo por su sonido, sino que la estética de la banda mostrada en el Café La Palma, es otra de las muestras de esa madurez, que impone esta nueva etapa de la banda.  

Y no tienes más que escuchar uno de los nuevos corte Tigre, que demuestra que ese cambio que la banda este experimentado da resultados, no era más que ver a los fans en el Café La Palma, corear cada una de las canciones que la banda fue presentando esa noche. 

Las caras de los fans lo decían todo, pero también esperaban las viejas canciones de la banda, como un ritual necesario, no había más que mirarlos. 

Fans en pleno show

Y los chicos de KELEVEK lo han vuelto hacer, han entusiasmado a su publico, y debo decir que los que formamos parte de 7D7N, nos sentimos tan fans de ellos, que realmente estaremos a la espera de volverlos a ver nuevamente tocar en Madrid. 

Y a nuestros seguidores decirles que estén atentos en las redes sociales, porque no se los pueden perder, la próxima vez que hagan un show, así que animaros a seguirlos en las redes sociales. Instagram @somoskelevek. 

Y como siempre que no nos falten las palabras de agradecimiento a nuestra amiga Davinia, que nos comparte estos buenos momentos de buena música. 

Queridos amigos, ya nada más nos queda despedirnos y agradecer que podamos seguir difundiendo nuestra música, hasta la próxima. 

Daniel 
Instagram Storyboy   

La música en historias: El doble bombo

Louie Bellson

     Que el doble bombo en la batería está asociado al mundo del rock y el metal es un hecho, pues los resultados explosivos le dan más caracter a sus temas. Podemos encontrar multitud de baterías que usan doble bombo, Keith Moon de The Who ó Ginger Baker de Cream ya lo usaban en los 70's, cómo también lo usaban dentro de la escena del hard rock Ian Paice de Deep Purple ó Les Binks de Judas Priest. ¿Pero quién fue el primer batería que uso doble bombo? Pues curiosamente no lo vamos a encontrar en el género rock ni el hard rock, nos tenemos que ir al jazz, y remontarnos mucho antes, concretamente al año 1939.

     Luigi Paulino Alfredo Francesco Antonio Balassoni, más conocido como Louie Bellson, nació en 1924 en Rock Falls, Illinois (Estados Unidos). Su padre era dueño de una tienda de música, por lo que desde muy pequeño y atraído por la música empieza a tocar la batería con tan sólo 3 años. a los 17 años consigue ganar el concurso que la marca de fabricación de instrumentos musicales Slingerlan había lanzado, consiguiendo imponerse a más de 40.000 bateristas que se habían presentado.

     En la década de los 40 ya tocaba en grandes bandas, trabajando con gente de la talla de Benny Goodman, Tommy Dorsey, Harry James ó Duke Ellington entre otros. En la década de los 50 también compaginó su frenética carrera como baterista con la de director musical, grabando también como lider para las discográficas Norgran Records y Verve Records. Ya en la década de los 60 Bellson regresaría a la orquesta de Duke Ellington. Es en esa etapa cuando escribiría el Centenario de la proclamación de la Emancipación, llamado A Concert of a Sacred Music.
A Concert o a Sacre Music son tres conciertos que compuso Bellson, el primero en 1965, el segundo en 1968 y el tercero y último en 1973, y según él estos conciertos fueron "Lo más importante que he hecho".
Estas composiciones tuvieron una gran recepción entre la crítica, siendo consideradas como históricas y como parte de un movimiento que surgió en los años 60 y que mezclaba jazz y música religiosa.

     A Louie Bellson se le atribuye el honor de ser el primer baterista en usar doble bombo, una innovación técnica que inventó en su clase de arte de la escuela secundaria, en 1939 cuando tenía sólo 15 años.
Louie Bellson, además de ser un gran baterista, compositor y tocar con los más grandes de la escena del jazz, también se preocupó de dar difusión a todo el aspecto educacional de dicho instrumento.

La música en historias: La Cumbia Te Salva

Hace un tiempo hablando con una amiga, me contó que tenia un proyecto que se llamaba Oidoscopio, y siempre tuve la ilusión de poder hacer algo juntos, y esta semana hablando con ella, le he propuesto publicar algo en 7D7N.

Y ella me dio toda la libertad de buscar entre sus publicaciones y elegir una historia que me guste, y entre tantas historias, he encontrado una que realmente me ha hecho pensar mucho, porque habla de los sentimientos, de las personas perdidas y encontradas, de los recuerdos que vuelven solo con escuchar una nota musical, pero sobre todo te salva.

★ LA CUMBIA TE SALVA
La música tiene el fantástico poder de transportarme. No me hace falta ni cerrar los ojos, con solo escuchar una canción puedo sentir la presencia de la persona con la que la canté por primera vez o ver el paisaje que recorrí con esos acordes.

No tengo buena memoria pero de las canciones que me calaron hondo me sé toda la letra, y me encanta cantarla a los gritos mientras gesticulo mucho con las manos.

Cuando descubro una canción que me gusta, la escucho una y otra vez. Son como mantras para mí; y Charly y Spinetta son mis gurús favoritos.

De vez en cuando les comparto canciones a mis amigos y a mi familia porque, dicen por ahí, que “cuando las palabras fallan, la música habla”.

Tengo una playlist mental para cada persona que conocí y para cada lugar al que viajé.

Me gusta conocer música nueva, y puede que nunca me acuerde de la fecha de tu cumpleaños, pero si me compartís una canción que me guste mucho, la voy a asociar con vos para siempre, y cada vez que la escuche te voy a sentir cerca.

El problema de todo esto es que cuando la vida me sacude y hay cosas que prefiero no recordar, la música se puede convertir en el perfecto aliado para que me muera de nostalgia. Hay canciones que adoro que, aún hoy, no puedo escuchar. Hay momentos y personas que extraño tanto que prefiero no usar la magia de la teletransportación porque no soporto la idea de que sean solo un “holograma”.

Hubo una época de mi vida en la que autocensuré casi todas las canciones de mi Spotify. Tuve que empezar de cero, y mientras iba reconstruyendo el “mix tape” de mi nueva vida, recurrí a un ritmo que sólo me traía buenos recuerdos y ganas de bailar: la cumbia.

Canciones viejas y nuevas que me transportaban a noches de risas y juegos. Canciones que podía bailar alzando las manos y cantando despechada mientras,con mis amigas nos señalábamos con mirada cómplice (sí, mantras de cumbia).

La música me salvó. Mis amigos me salvaron. La Creciente, La Calandria, Glitter, El golf, las fiestas del SIC, Dj amoroso y las pistas de cachengue de todos los boliches a los que fui. Los recuerdos de esas noches alegres con ellos me salvaron.

Aún a la distancia, cuando estoy sola y me tomo una cerveza en el balcón, los puedo sentir cerca si suena Pablito Lescano; o caminando por la calle me siento acompañada si escucho Jambao.

Así que, cuando la vida te sacuda y hasta las canciones duelan, mandale cumbia y ponete a bailar, que todo pasa pero la música queda 💃🏻 !!

Tofi.

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