El Navegador del Rock: Heddon Street, David Bowie "Ziggy Stardust"

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HEDDON STREET

Nuestra siguiente parada en el Navegador del Rock es en el callejón de la portada de "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", la obra maestra de David Bowie sobre su famoso personaje extraterrestre.

En la portada se ve a David Bowie frente a un portal en una fría noche londinense. Tanto es así que en un principio se llegó a plantear que otros miembros de la banda posaran también junto al portal, pero finalmente fue solo Bowie el que aguantó el frío durante el tiempo que duró la sesión fotográfica, embutido en uno de sus provocativos trajes poco adecuados para el clima de la capital inglesa. 

Poco queda de la fisonomía del callejón que recuerde a la portada del mítico disco de Bowie, ya que actualmente es peatonal y junto al portal de la portada hay bares con terrazas para los turistas. Tan solo una placa sobre la puerta recuerda que allí se hicieron las fotos de Ziggy Stardust, una de las famosas placas azules que están repartidas por todo Londres y que marcan los lugares en los que han ocurrido hechos relevantes relacionados con la música o el arte en general.

Sin embargo lo que sí han mantenido es la cabina de teléfono que sale en la contraportada, está situada en el mismo callejón, a la derecha del emblemático portal.

Llegar es muy fácil ya que este callejón sale de una de las calles más famosas de Londres, Regent Street, situada en el mismo centro del West End londinense, plagada de tiendas de primeras marcas y que desemboca directamente en Piccadilly Circus.

La parada de metro más cercana es precisamente Piccadilly Circus, solo hay que andar un poco desde la parada ya que está muy cerca de este centro neurálgico del Londres comercial con las famosas pantallas gigantes. El callejón está en el lado izquierdo de Regent Street si vamos desde Piccadilly Circus por Regent Street hacia Oxford Circus.

El disco de la semana 64: Heroes del silencio - El espiritu del vino

Hoy vamos a reseñar el tercer álbum de uno de los grupos más importantes de la historia del rock en España, nos estamos refiriendo a Héroes del Silencio, el grupo comandado por Enrique Bunbury que años más tarde dejaría a la banda para iniciar una exitosa carrera en solitario. Héroes del Silencio nacieron en Zaragoza, en 1984, como tantos otros grupos debieron de labrarse una carrera, lejos de las discográficas y del éxito, mediante concursos y tocando en garitos hasta que en 1987 la discográfica EMI les ofreció la posibilidad de publicar un EP con 4 temas. El disco tuvo una magnífica acogida tanto en ventas como en crítica y resulto ser el espaldarazo definitivo para la publicación de su primer álbum, “El mar no cesa” un disco que no pasó desapercibido, y con el que comenzó la leyenda, el siguiente ya fue el espaldarazo total, Senderos de traición se convirtió en todo un éxito que les llevo directamente al éxito que nunca habían soñado, y después del éxito, llega consagrarse y para ello publicaron El espíritu del vino, el tercer disco de la banda y que vamos a reseñar.

Nada más comenzar el álbum rápidamente constatamos que se han vuelto más potentes, vamos a decir que más Heavys, las guitarras y la batería han tomado el protagonismo y serán las estrellas absolutas en muchos de los temas. Este primer corte, titulado “Nuestros nombres” es una muestra de ello, bajo la producción de Phil Manzanera, evolucionaban su sonido levemente hacia el hard-rock setentero, dando más presencia a los riffs y un poco menos a las atmósferas creadas a base de arpegios preciosistas, lo que queda claro es que la guitarra de Juan Valdivia ha llegado para hacerse con el mando. También me gustaría recomendar el video musical que fue grabado en Los Monegros. La mística y las armonías extrañas aparecen de nuevo con el tema “Tesoro” otra gran letra llena de metáforas extrañas, el romanticismo, con un gran componente gótico que me encanta, musicalmente Valdivia se ha echado a un lado y ahora es Pedro Andreu a la batería quien toma el camino de la canción, personalmente es una de mis favoritas, joya. Con “Los placeres de la pobreza” nos regalan un auténtico trallazo, una canción que no tiene un minuto de descanso y donde Enrique hace virguerías con la voz mientras los músicos le llevan a un ritmo infernal que él aguanta sin ningún problema, como “pura sangre desbocado”… la letra es absolutamente maravillosa, con puntas de genialidad suprema como esa…. “En el suministro de charas, Masturbación de interrogantes, Para sólo escuchar, Un susurro de hilo de plata….” es una pasada entregarse sin mirar hacia ningún lado a esta canción.. de nuevo JOYA. Y sigue el ritmo, nos va a volar la cabeza tanta buena canción porque ahora nos entregamos a “La herida”, el segundo single del disco y otra canción que te quita el hipo con sus dos partes la primera pausada, de ritmo cadencioso y perpetuo, con esa armónica que le da un tono de rock sureño, un tono de epopeya, de leyenda, de cuento ancestral que te envuelve poco a poco, para a partir del minuto 4:30 explotar violentamente en una orgia de velocidad y ritmo, la letra otra pasada una historia sobre la amistad.

Cuatro joyas llevamos y continuamos para repoker porque ahora se asoma a nuestros altavoces “La sirena varada”, canción que parece estar inspirada en la obra teatral homónima de Alejandro Casona, en esta obra teatral un grupo de personas decide vivir al margen de la sociedad en un mundo imaginario, allí aparece el personaje de Sirena que dará un vuelco drástico a los acontecimientos. Estamos ante una de las letras del grupo que más debate ha creado, extraña, surrealista, nada que no hayamos encontrado en otras ocasiones. Musicalmente es otro tema de una potencia grande, más melódica pero dando de nuevo protagonismo a la guitarra. Tiene uno de los videoclips más difundidos del grupo, otro temazo. Con “La apariencia no es sincera” nos da un respiro, eso sí de calidad, que no de duración, porque se marcan un tema de más de siete minutos que se hace excesivamente largo, sin dejar de ser un buen tema si se hace un poco monótono y cansino. Y para compensar, quizás malamente, la rareza “Z” una simple melodía de 52 segundos que no lleva a ningún sitio, quizás un capricho oculto del grupo. Para terminar “Culpable” otra canción que no salió redonda, pero que en ningún momento desentona, con un estribillo muy apetecible pero muy dentro de los cánones de lo comercial.

Arrancamos de nuevo con un tema con potentes guitarras, “El camino del exceso” de nuevo se acerca el hard rock durante muchos tramos de la canción, un gran trabajo vocal de Enrique Bunbury hace de este tema muy interesante, aparece William Blake en la cancion por el que el cantante siente cierta admiración y nos regala dentro del tema una frase del autor: “El camino del exceso lleva al palacio del saber”. Con “Flor de loto” nos regalan sonidos orientales, en una balada realmente buena, incluyen un sitar dentro de los instrumentos que acompañan la voz, tema muy personal ya que Enrique la escribió tras adoptar a una niña a través de la ONG ayuda en acción, en uno de sus viajes a Nepal, pero la canción también está repleta de mitología hindú, desde su titulo fruto de una leyenda que contaba que una Diosa huyó al bosque asustada y llegó a un lago llamado Loto, donde acabó hundiéndose. Aquella zona estaba destinada a fracasados y perdedores en la vida, una especie de cementerio de derrotados y causas perdidas. Cuentan que la diosa luchó durante un largo tiempo para escapar de aquel lugar hasta que lo consiguió, pero lo hizo convertida en una hermosa flor, de largos pétalos. De ahí la Flor de Loto. “El refugio interior” es otra curiosidad, un tema instrumental de minuto y medio donde la batería toma protagonismo, curiosas las voces y risas que se oyen, pero no pasa de eso, eso si es el preludio para el tema siguiente la magnifica “Burbujas de Sangre” termina la bateira y al comenzar con un grandioso riff hace una gran efecto, te sube todo y te entregas de forma mas plena a otra de las canciones cercanas al Hard rock que nos regala el disco, un tema abrupto, lleno de fuerza y de mala leche, un tema dedicado en exclusiva a aquellos que no pueden soportar el éxito del grupo

“Tumbas de sal” puede romper ligeramente la dinámica del disco, un comienzo que te recuerda al rock and roll de los años 50 choca con la voz distorsionada de Enrique Bunbury, un tema muy psicodélico que nos habla de drogas, como curiosidad es manejable, antes de la masterpiece del disco la curiosidad de “Bendecida 2” una canción a capella de 37 segundos que sirve de introducción para “Bendecida” un auténtico poema épico, donde la tristeza y el amor se dan de la mano, hay que cerrar los ojos y disfrutar del cuento al que nos traslada, plagado de detalles. Está dedicada a la expareja de Bunbury Bendetta Mazzini y los “Lagos de Phokara” que se mencionan en la letra es un lugar de Nepal donde fueron de viaje en una ocasión. Cierra el disco “La alacena” una canción muy emotiva con el piano como protagonista, un tema excelente melódicamente y una gran exhibición vocal de Enrique que te llega a conmover.

El disco de la semana 50: OK Computer, Radiohead

Radiohead estrenó su tercer álbum de estudio en Julio de 1997 , para este disco se basaron en un álbum de Miles Davis, y según palabras de Thom Yorke "es un disco de música que crece y se arma y se desarma, que crece se eleva y se derrumba, ese es el punto de partida de lo que quisimos hacer, queríamos hacer un disco que el que lo escuchara llegara a un estado de shock". Para ello, abrieron su repertorio de instrumentos, metiendo piano eléctrico, cuartetos de cuerda, melotron o Glockenspeil. Las letras del disco fueron escritas por Thom Yorke y los temas que trata son absolutamente inconformistas.

Abre el disco el tema Airbag, comienza con un riff de Jonny Greenwood y se cierra con el mismo riff con la base de una batería electrónica xampleada digitalmente, y con apariciones del bajo que empieza y se detiene de forma inesperada, encontramos el sonido de un cascabel y para cerrar el circulo una guitarra gime y se retuerce de forma antiarmonica, la otra nos deja sonidos dulces y melódicos, es por ello un tema muy cambiante, con momento s completamente melódicos y otros que nos mete en una locura de descontrol que hace especial a este tema. Escuchar el comienzo del disco y darte cuenta de que estamos ante algo distinto de lo que hasta ahora había hecho el grupo. Tema inspirado en un accidente de trafico que tuvo Thom Yorke. Termina el tema y sin solución de continuidad 4 beeps nos mete de lleno en una de las mejores canciónes, Paranoid Android, el tema mas largo del disco, y aunque la duración original era de quince minutos, finalmente para la edición final del disco se redujo hasta los 6:23 que todos conocemos. Un tema inspirado en Bohemian Rhapsody de Queen, en el tema se entremezcla tres canciones distintas compuestas por tres miembros del grupo y colocadas en cuatro partes que se diferencia haciéndose la competencia entre ellas, cada una en un extremo. Una canción compuesta tras una desagradable noche en un bar cuando vio la violenta reacción de una mujer después de que otra persona derramara una bebida sobre ella. No es una canción agradable, una canción que pueda entrar por el oído fácilmente, sin embargo fue la elegida para ser el primer single y es una autentica maravilla. Subterranean Homesick Alien su titulo esta inspirado en una canción de Bob Dylan de 1965, Subterranean Homesick Blues, teclados eléctricos para emular a Mile Davis, aun asi, las guitarras son las que ponen la calidad en una canción que habla sobre alguien que se cree que ha sido abducido por extraterrestres.

Y nos encontramos con otra de las joyas del disco Exit Music (For a Film), una canción inspirada en Romeo y Julieta de Shakespeare, los primeros compases sirven a modo de homenaje al Johnny Cash de At Folsom prisión, pero también podemos escuchar voces electrónicas, un bajo distorsionado, y el constante build-up del resto de los instrumentos, hacen de esta pieza una de las más oscuras de la banda. El clímax de la canción nos ofrece un bajo fuzz y una desgarradora interpretación vocal. Cabe destacar las últimas líneas vocales de Thom Yorke, cantando al borde del llanto “We hope that you choke” en este tema compuesto para la edición moderna de la película «Romeo + Julieta» (Baz Luhrmann, 1996). Let down es sin duda una canción de guitarras que se van sobrepasan una a otra durante el tema, aparentemente suena muy positiva, pero nada mas lejos de la realidad el asunto del tema es la decepción, el dolor, el abandono. Pasamos a Karma Police, uno de los temas mas famosos de Radiohead, y de las que mas controversia levanta….¿Qué significa eso de «policía del karma» y qué intenta decirnos con su letra onírica? Según ellos, todo era una broma… guitarra y piano se entremezclan de forma magistral, esta pieza fue inspirada por la canción Sexy Sadie de The Beatles. Desde la mitad de la canción en adelante, llega a nuestros oídos una de las melodías más reconocibles e icónicas de la banda.

Fitter Happier es una rareza dentro del álbum, una letra experimental basada en anuncios que Thom ha recopilado y una melodía de cencerro y guitarra, como curiosidad es correcta, pero desentona con lo escuchado hasta ahora, será un capricho de los chicos de Radiohed. Electioneering es la canción mas política del álbum, una critica feroz al sistema político actual donde los candidatos no hacen mas que decir mentiras para conseguir tu voto y una vez lo tiene olvidarte en el cajón, es una canción dura, áspera, como lo que cuenta, unos desenfrenados riffs que nos suben la adrenalina de forma instantánea, al igual que la enérgica batería de Phil Selway. Climbing up the walls nos regala una espectacular composición a capas de cuerda a cargo de Jonny y una sencilla melodía que relaja el tono del álbum pero al final la intensidad va en aumento hasta llegar a un salvaje solo de guitarra ejecutado por Ed O’Brien, el cual es seguido por las quejumbrosas vocales de Thom Yorke, el cual finaliza el tema con un grito completamente inesperado y desgarrador.

No surprises con su melodía sencilla (en comparación con el resto del disco) y sus decenas de interpretaciones hacen de ella una joya, puede parecer mas cerca del pop que de este rock que nos estaban regalando, pero es absolutamente mágico el climax de la misma, Jonny Greenwood ejecuta un glockenspiel de forma impecable, de igual forma como lo hace el resto de la banda, luciéndose en cada detalle. Este es sin duda un clásico inmortal de Radiohead que, al igual que muchos otros, es un de las grandes apariciones en cada concierto que la banda realiza. Lucky creada en septiembre de 1995 por encargo de Brian Eno, posee un mensaje mucho más optimista que otras canciones anteriores, hablando sobre cómo nuestra suerte podría llegar a cambiar, al igual que como se habla de querer ser rescatado de un accidente aéreo. Y terminamos con The Tourist una canción muy tranquila que en su esencia nos recuerda a Pink Floyd. Thom nos muestra una analogía de la vida moderna con la de un turista, es decir, haciendo todo de forma muy apresurada y sin tiempo para contemplar las cosas simples y bellas de la vida. La atmósfera lograda en el transcurso de la pista final culmina con un cristalino sonido de una pequeña campana, dándonos el mensaje de que todo ha terminado.

El disco de la semana 48: Frank Zappa - Over-Nite Sensation

Over-Nite Sensation, Frank Zappa

     "Una autobiografía, por lo general, la escribe alguien convencido de que su vida es poco menos que realmente maravillosa. No creo que mi vida sea de ningún modo maravillosa. No obstante, me atrae la oportunidad de decir cosas por escrito sobre diversos asuntos tangenciales"

     "Te pido disculpas si tu nombre aparece en el libro y no querías figurar en él, o no compartes mis opiniones ni te agradan los comentarios que hago"

     Frank Zappa publica en 1989 con la ayuda del escritor Peter Occhiogrosso su propia autobiografía, si se puede llamar así. Las dos citas anteriores son de la introducción, donde ya deja muy claro que no se trata de una autobiografía corriente. Frank Zappa con un sentido del humor muy particular y a traves de sus reflexiones nos hace un repaso de su vida y su carrera artística.

     "Este libro parte de la premisa de que hay alguien, en alguna parte, interesado en saber quién soy, cómo llegué hasta aquí y de qué coño voy.
     Para contestar a la primera pregunta imaginaria, voy a explicar LO QUE NO SOY. Aquí van dos conocidas leyendas de Frank Zappa..."

     Este es el primer párrafo que aparece en el primer capitulo de la memorias de Frank Zappa que de este modo nos adentra en su mundo. Y que mejor forma de concocerle que dejar que sea él mismo quien lo haga. En dicho libro, titulado La verdadera historia de Frank zappa, Memorias nos relata sus vivencias, empezando por su infancia, nació en 1940 en Baltimore, Maryland (Estados Unidos) donde creció en un entorno normal, su padre era químico y matemático y trabajaba para el gobierno de Estados Unidos por lo que cambiaban asiduamente de residencia. También nos relata su interés por la química y cómo en San Diego incendió un colegio junto con amigo al realizar un experimento de índole científica con un bote de mayonesa y combustible líquido para cohetes.

 
Nos cuenta sus problemas de salud, sufre de asma, dolores de oído y es sometido a un curioso a la vez que peligroso tratamiento (muy común por entonces) para tratar sus problemas de sinusitis.
También relata su interés desde la juventud por la música, en concreto por la percusión y en compositores cómo Edgar Varèse, como se sumerge en el mundo musical componiendo y tocando de forma completamente autodidacta y su disco debut con el grupo The Mothers of Invention en 1966.

     Pero no sólo se interesa por la música pues también se dedica a dirigir películas de cine y a producir música, produciéndose él mismo sus propios discos. Os enterareis de sus problemillas con la justicia en 1965 a causa de la producción de una cinta de audio erótica para una despedida de soltero y cómo fue condenado a seis meses de cárcel por un delito menor de Conspiración para para producir pornografía, pasando sólo diez días en el Sector C de la prisión del condado de San Bernardino, experiencia de la que dice aprendió muchísimo.

     Conoceréis por el mismo sus famosa anécdota en el famoso concierto en el Casino de Montreux el 4 de diciembre de 1971, cuándo encontrándose en pleno concierto alguien del público lanzó dos bengalas incendiando el casino y como Frank y su grupo ayudaron a evacuar todo el reciento, y como perdieron en aquel incendio todo el equipo de sonido. Debía estar gafado pues poco después un energúmeno del público en pleno concierto subió al  escenario y le agredió tirándole al foso de la orquesta el cuál tenía más de cuatro metros de profundidad, y cómo tuvo que estar dando sus conciertos una temporada en silla de ruedas.
Nos cuenta cómo después de haber contratado un concierto en el Royal Albert Hall de Londres para tocar con dicha orquesta, un miembro de dicha orquesta que tocaba la trompeta denuncia que las letras de su espectáculo son obscenas por lo que acaban cancelándole el concierto, y cómo Frank Zappa denuncia a la mismísima Corona británica por incumplimiento de contrato. Su relato de la transcripción de aquel juicio no tiene ningún desperdicio.

     Podría estar horas contando anécdotas sobre la vida de Frank Zappa, una anécdotas que el mismo nos relata mientras nos habla de su vida en primera persona en el libro de sus memorias, un libro indispensable si queréis conocerle un poquito mejor. Lo que voy a hacer es parar y dejaros con la miel en los labios y así animaros a leer su historia, una historia más que interesante de un genio como él relatada por el mísmo.

     Frank Zappa durante su vida en el ámbito musical, publicó 62 LP's y la Zappa Family Trust publicó 37 LP's póstumos, lo que suman 99 discos, de los cuales 33 son de estudio, 37 en directo y 28 recopilatorios. Estas cifras nos dan idea de la frenética actividad de Zappa sólo en el ámbito musical.
Ahora sólo me queda recomendar uno de esos discos, pero hay un problema, si no elijo bien el disco a recomendar corro el riesgo de que las personas que escuchen a Frank Zappa por primera vez acaben repudiándolo, pues su música se sale completamente de lo convencional, así que después de un árduo trabajo para elegir el disco adecuado para la ocasión me he acabado decantando por Over Nite Sensation, publicado en 1973.
Me he decantado por éste álbum porque éste marcó un punto de inflexión en su carrera, con un estilo más accesible que sus anteriores trabajos, con sonidos más cercanos al rock, incluiso coqueteando con el funk. La portada del álbum la realizó el ilustrador Dave McMacken, el cuál se inspiró en Salvador Dalí. En dicha portada aparece un hombre de dos cabezas sentado en la cama y a su lado un televisor que muestra la cara de Zappa, si nos fijamos bien, toda la ilustración tiene numerosas referencias sexuales.

     Frank zappa grabó el álbum junto con The Mothers of Invention, que por entonces estaba formado por Kin Vassy (voces), Ricky Lancelotti (voces), Sal Marquez (trompeta y voces), Ian Underwood (clarinete, flauta, saxofón alto y saxofón tenor), Bruce Fowler (trombón), Ruth Underwood (percusión, marimba, vibráfono), Jean-Luc Ponty (violín, violín barítono), George Duke (sintetizador, teclados), Tom Fowler (bajo) y Ralph Humphrey (batería).
La grabación del álbum se realizó en  los estudios construidos por Ike Turner en Inglewood, California. Para la grabación del disco Zappa le pidió a Ike que tanto Tina Turner como el grupo de respaldo de ambos, The Ikettes realizaran los coros del disco. Las sesiones de grabación fueron un tanto complejas tanto para Tina como para las Ikettes, de hecho Tina llevó a Ike al estudio mientras estaban preparando el tema Montana para que viera el resultado de aquella complicada grabación, Ike al oir la grabación del tema respondió ¿Que es esta mierda?, acto seguido insistió a Frank Zappa para que en los creditos de Over-Nite Sensation no aparecieran ni Tina Turner ni The Ikettes.

     En cuanto a la temática del disco Frank hace gala del humor para tratar temas como el sexo en temas como Camarillo Brillo, donde incluye una magnífica sección de viento y juega con el vocabulario inventandose muchas palabras y utilizando muchos coloquialismos. El título hace alusión a Camarillo, una ciudad de California donde había una institución mental, y Brillo era una marca registrada de esponjas de acero inoxidable (cómo el Nanas para que nos entendamos). La letra habla de una mujer peculiar con un cabello salvaje, que echa las cartas del tarot, tiene una serpiente como mascota y un amuleto. Después de mucho insistir ella logra convencerle al final a él para que entre en su casa y  "ellos lo hicieron....".

     También tiene temas con crítica social, como I'm the Slime, donde nos relata como los medios de comunicación, y en especial la televisón tratan de controlar nuestras mentes y reducen al mínimo nuestra capacidad de nuestra autonomía convirtiéndonos en seres muy sugestionables. La crítica la presenta en dos partes, primero haciéndose la pregunta ¿Quién soy? a través de toda una gama de insultos, para después poner el foco de todos los males en la televisión. Ojo al sólo de guitarra que aquí se marca Frank zappa, sensacional.

     Dirty Love, tema donde vuelve a hacer gala del humor obsceno, y rinde tributo al rock de los años 70.

     Fifty-Fifty, un tema genial donde Zappa avanza en la letra que no nos va cantar ninguna canción, ni cómo le duele el corazón, y que está lo suficientemente loco como para cantarnos de cualquier forma y que tiene un 50% de probabilidades de tener algo que decir, sencillamente genial porque lo que realmente oculta este tema es el sólo que se marca el famoso pianista de jazzGeorge Duke, seguido del sólo del violinista de jazz  Jean-Luc Ponty para acabar con el sólo de Frank Zappa, sin duda una de las joyas de éste disco.


     Abre la cara B del disco Zomby Woof, donde vuelve a aparecer otra vez la temática del sexo tratada de forma hilarante, con una sección de vientos muy destacable. Zappa nos cuenta cómo zombies y hombres lobo se cuelan en las habitaciones de la chicas mientras duermen. Sensacionales los  coros de Ricky Lancelloti (experto en imitar voces chillonas) y las Ikettes con Tina turner. Zappa nos vuelve a regalar otro memorable sólo de guitarra marca de la casa.

     Dinah-Moe Humm, el tema más funk del disco, donde vuelve a abordar con su sentido del humor el tema del sexo, ha conocido a una mujer llamada Dinah-Moe Humm, esta mujer se le ha acercado y le ha dicho que tiene cuarenta dólares y que serán suyos si consigue que ella tenga un orgasmo.

     Montana, tema donde hace gala de lo absurdo, tanto es así que Zappa aquí ha decido ir montado en un pony llamado Mighty Little a Montana para cultivar una cosecha de hilo dental, comercializarlo y convertirse así en un magnate del hilo dental. Pero que cosas, el hilo no crece en Montana ni en ningún otro sitio, absurdo y genial. De nuevo atención al solo que Zappa se marca en este tema, de nuevo sobresaliente. Este fue el tema de la discordia, y que hizo que Ike Turner se negara a que tanto Tina Turner como las Ikettes salieran acreditadas en el disco. Sobre esto Frank Zappa dió su propia versión, había sido muy difícil hacer los coros de la parte media de la canción, Tina y las Ikettes estuvieron ensayando sólo esa parte durante un par de días. Después de mucho trabajo por fín las chicas consiguieron cantar las armonías, Tina que estaba muy contenta por haber conseguido cantar aquello llevó a Ike al estudio para que escuchara lo que había conseguido, inmediatamente después de escuchar el resultado Ike soltó "¿Qué mierda es ésto?" y se fue. Montana rápidamente se convirtió en uno de los temas preferidos por el público de Frank Zappa.

     Over-Nite Sensation es un disco más que recomendable para ir adentrándonos y conocer un poquito mejor a Frank Zappa y su universo. Y no quiero despedirme de vosotros sin dejar una cita suya que le definía a la perfección:

     "Nunca tuve la intención de convertirme en un tipo extravagante. Fue otra gente la que siempre me endilgó esa etiqueta."

                                         

   Frank Zappa (12/10/1986)

     

El Navegador del Rock: Abbey Road, The Beatles

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ABBEY ROAD

El "Abbey Road" de los Beatles muestra en su portada a los 4 fabulosos de Liverpool cruzando el paso de cebra cercano a los Abbey Road Studios de Londres donde grabaron la mayor parte de sus discos.

El a la postre último disco que grabaron juntos tenía algunas premoniciones en su portada, como el hecho de que los Beatles quisieran fotografiarse alejándose de los estudios en lugar de cruzar el paso de cebra hacia ellos.

Paul es el único que va descalzo, marcando las diferencias con el resto, no en vano fue el que oficialmente se acabó separando del grupo, aunque John ya había amenazado con ello previamente en uno de sus arranques de nervios.

Como dato curioso, de nuevo asociado a Paul, la censura en España eliminó el cigarrillo que llevaba en su mano mientras cruzaba, no fuera a ser que lo que fumara no fuera un "Ducados" de entonces.

Si queréis visitarlo y formar parte del grupo de japoneses que siempre está haciendo fotos sea cual sea la epoca del año y la climatología, la parada de metro de Londres más cercana es "St John's Wood" en la línea Jubilee.

Importante no confundirse con otra parada de metro que se llama "Abbey Road" pero que no tiene nada que ver y que os mandaría a la otra punta de Londres, allí podríais haceros fotos en otros pasos de cebra pero me da que no sería lo mismo...

El estudio no puede visitarse, pero dispone de una tienda. La "Abbey Road Shop" está situada a la derecha del edificio del estudio, y ahí podéis dar rienda suelta al consumismo de vinilos de los Beatles,  junto a las inevitables tazas, agendas, camisetas, imanes, bolígrafos y todo lo que la imaginación del merchandising ponga a vuestra disposición.

El disco de la semana 24: U2 - The Joshua Tree

The Joshua Three, U2

     16 de agosto de 1981, Slane Castle (Castillo de Slane), situado en la localidad de Slane, en el condado de Meath, provincia de Leinster (República de Irlanda). Éste castillo, por su situación, era ideal para la realización de conciertos, pues los jardines del mismo formaban un anfiteatro natural que era capaz de albergar hasta aproximadamente 100.000 personas. A lo largo de su historia, por aquel bello paraje han pasado artistas de la talla de Queen, The Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, David Bowie, Neil Young, Madonna, Bryan Adams, Red Hot Chili  Peppers, Oasis, Bon Jovi o Guns & Roses, por nombrar sólo algunos, lo que nos da una idea de la magnitud de tal evento.

     Pero volvamos al 16 de agosto de 1981, justamente al primer año en que se comenzaron a organizar conciertos en el castillo, ese día iba a tocar un grupo de la tierra, el cuál por aquel entonces se encontraba en la cúspide de su carrera, en casa y ante unas 18.000 personas Thin Lizzy iba a darlo todo, como siempre, ante sus paisanos. Pero antes y para calentar el ambiente, habían traído también a otro grupo irlandés que  haría de telonero, un grupo llamado U2, que había sido fundado en 1976, y estaba compuesto por Bono (vocalista), The Edge (guitarra, teclado y voces), Adam Clayton (bajo) y Larry Mullen Jr (batería). En ese momento U2 contaba con 2 discos en su haber, y estaban luchando por hacerse un hueco en el difícil e imprevisible mundo de la música. U2 era un grupo que Phil Lynott conocía muy bien, y los había conocido cuando el grupo arrancaba en sus inicos y tocaba bajo otro nombre, The Hype. En 1977, U2 ya había compartido escenario con Lynott en un par de ocasiones. Y es que a Lynott le gustaba apoyar a jóvenes valores irlandeses.

     Pero aquellos chicos tenían claro que querían despegar, querían triunfar, y querían aprovechar esa puerta que tanto Thin Lizzy cómo Rory Gallagher y Van Morrison habían derribado para dar a conocer la música de raíces irlandesas y llevarla por todos los rincones de la tierra.  U2 cogió ese testigo, un testigo que traía consigo una carga muy pesada, pues la sombra de sus antecesores era muy larga. Bono, The Edge y compañía fueron y han sido capaces de llevar ese testigo y elevarlo a cotas inimaginables a las que nunca había llegado un grupo irlandés. Con todos ustedes, el quinto álbum de estudio de esta mítica banda, The Joshua Tree.

  The Joshua Tree (El árbol de Josué) es el quinto álbum de estudio de la banda irlandesa y fue publicado a comienzos de 1987. El grupo se desplazó al Parque nacional de Árboles de Josué, situado en California (Estados Unidos), lugar del que tomarían el nombre del disco y donde además tomaron varias fotos para el disco, de entre las que destaca la de la portada del álbum. El trabajo fotográfico para el disco sería completado en el pueblo fantasma Bodie, también en California y en el Parque Nacional del Valle de la Muerte, ubicado entre California y Nevada. El viaje por Estados Unidos fue aprovechado por el grupo para explorar y sumergirse en las músicas estadounidenses, lo cuál quedaría plasmado en el sonido de The Joshua Tree. El disco además es uno de los trabajos más comprometidos del grupo en los aspectos político y social.


     Una vez presentado el disco, nos adentramos en sus temas y el primero que nos encontramos es Where the Streets No Name (dónde las calles no tienen nombre). Mucha gente pensó que este tema hacía alusión a un viaje que hizo Bono para visitar Etiopía despues de actuar en Live Aid en 1985, pero no, no hablaba de Etiopía, lo estaba haciendo de Irlanda donde las calles de muchas ciudades están divididas en ricas o  pobres y en católicas o protestantes, sabiendo entonces la calle donde vive una persona se pueden saber sobre ella religión, riqueza y creencias, es donde las calles no tienen nombre. Según Brian Eno, que produjo el disco junto a Daniel Lanois, la grabación de este tema ocupó el 40% del tiempo empleado en la grabación del disco debido a la complejidad del tema, la sección rítmica tenía compases raros, lo que hizo muy difícil trabajarlo.

     I Still Haven't Found What I'm Looking For, tema influenciado por la música gospel, es un tema de corte espiritual donde la duda entra en conflicto con la fe. La música fue compuesta por The Edge y Bono se ocupó de componer la letra del tema. Este tema llegó al número 1 de las listas en Estados Unidos y al número 6 en las listas del Reino Unido.

     With or Without You, en un principio este tema fue compuesto como parte de una trilogía de temas, pero al final los otros dos temas fueron descartados y aunque Bono pensó que sin los otros dos temas este no tenía sentido acabaron incluyéndolo. Es un tema compuesto por Bono, una canción de amor que trata de los problemas reales de las relaciones. Para la grabación de este tema The Edge utilizó un dispositivo de distorsión que había sido inventado por Michael Brook (guitarrista, inventor, productor y compositor de música de cine canadiense).

     Bullet the Blue Sky, en 1985 Bono había viajado con Amnistía Internacional a América Central, concretamente a El Salvador, y allí se quedó con unos guerrilleros en medio de las montañas. Decide entonces escribir la letra del tema, componiendo la música The Edge, Larry y Adam, un tema que condena la política exterior de Estados Unidos por promover la violencia y los disturbios en Centroamérica.

     Running to Stand Still, es un tema que habla sobre la adicción a la heroína, y para escribirlo Bono se inspiró en una historia que leyó sobre un hombre que traficaba con heroína para costearse su hábito a la misma. Aunque U2 se han mantenido apartados de las drogas, han conocido durante su carrera a mucha gente que ha caído en sus redes. Este es un tema que hace que Bono recuerde a Phil Lynnott, el cuál falleció por sobredosis de heroína en 1986, y en una entrevista comentó que el y Phil estuvieron viviendo en la misma calle durante unos dos años y siempre que se cruzaban Phil siempre le decía ¿Por qué no vienes a cenar? y él siempre le contestaba "Debería venir a tomar un bocado", y al final Bono no le llamó nunca y Phil a él tampoco, un recuerdo que siempre le ronda la cabeza.

     Red Hill mining Town, trata de la huelga de mineros que hubo en Reino Unido en 1984 debido a la política de Margaret Thatcher de cerrar las minas que no consideraba rentables y el impacto que dicha huelga tuvo en los amigos y las familias de los mineros. Este tema fue eliminado de la lista de la gira del disco al descubrir en los ensayos que Bono no podía cantar las notas altas del tema de forma constante, y no se realizaría en directo hasta el 30 aniversario de la apertura de la gira The Joshua Tree en mayo de 2017 en Vancouver (Canadá).

     In God's Country, otro tema que explora dentro de los sonidos y cultura americanas, adentrándose en la cultura y política de dicho país. A Bono le preocupaba que el sueño americano estuviera en peligro por culpa de las políticas oscuras de Estados Unidos. Para la letra del tema Bono se inspiró en la Estatua de la Libertad de Nueva York.

     Trip Through Your Wires, es un tema que trata sobre una chica y la pasión que esta provoca en un chico.

     One Tree Hill, es un tema dedicado a la figura de Greg Carroll, maorí de Nueva Zelanda que fue contratado por la banda como asistente cuando el grupo estuvo allí en 1984 relizando la gira The Unforgettable Fire. Greg era una persona con una personalidad y una ética de trabajo intachables. Desgraciadamente falleció en 1986 en Dublín al ser atropellado por un coche cuando se dirigía en la motocicleta de Bono a realizar un recado para el grupo. Además de este tema el álbum The Joshua Tree está dedicado al completo a Greg Carroll.

     Exit, la letra de este tema habla de un hombre muy religioso que sucumbe a oscuros impulsos y se convierte en un hombre muy peligroso. Para este tema Bono se inspiró en los libros The Executioner's Song de Norman Mailer y en In Cool Blood de Truman Capote, ambos tratan de famosos asesinos y Bono quería escribir una historia sobre un asesino y sobre lo que le rondaba por su mente. En 1989 la actriz estadounidense Rebecca Schaeffer fue asesinada por Robert John bardo después de haber estado acosándola durante unos tres años. Bardo declaró durante el juicio que el tema Exit le había dado la idea de la misión que tenía encomendada para acabar con la vida de la actriz.

     Mothers of the Disappeared, tema que surgió también a raíz del viaje a El Salvador de Bono. Allí, en San Salvador Bono se reunió con un grupo de madres llamadas "Madres de los desaparecidos", un grupo de madres que habían sufrido el secuestro de sus hijos durante la noche a cargo de los escuadrones de la muerte. Unas madres que vivían con la angustia de no saber si sus hijos estaban vivos o muertos.

     The Joshua Tree ha vendido hasta la fecha alrededor de 28 millones de copias por todo el mundo, y en 2003 la revista Rolling Stone le situó en el puesto número 27 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Un disco además muy reivindicativo con una gran carga política y social. U2, un grupo que ha sabido coger el testigo de Lynott, Gallagher y Morrison y llevar a lo más alto el nombre de Irlanda a través de su música por todo el mundo.

 

El disco de la semana 9: Ziggy Stardust, David Bowie

En esta ocasión la reseña, más que del disco de la semana, estará centrada en la llegada a la Tierra de un extraterrestre del planeta Marte que nos trajo un mensaje apocalíptico a principios de los años 70.

Pero antes hablemos de un terrícola que en aquellos momentos se devanaba los sesos intentando comprender por qué discos tan excelsos como "The man who sold the world" o, sobre todo, "Hunky Dory", no le habían reportado el reconocimiento de crítica y público que merecían.

Hablamos por supuesto de David Bowie, que acabaría mutando en el primero y más famoso de sus alter egos para crear el que posiblemente sea el mejor disco de su carrera, un disco conceptual sobre la llegada, auge y caída del extraterrestre Ziggy Stardust y su grupo de acompañamiento, las Arañas de Marte.

El personaje le vino inspirado por Vince Taylor, un cantante británico de los 60s que acabó trastornado por los excesos de alcohol y drogas, y que presumía de conocer los lugares y momentos en los que los extraterrestres aterrizarían sus naves espaciales en Europa.

Quién iba decirle al bueno de Vince que, gracias a él, finalmente uno de esos extraterrestres acabaría aterrizando en Heddon Street, callejón de Londres en el que se realizó la fotografía de portada del disco (ver el Navegador del Rock en este blog para saber más sobre la creación de la portada)

No fue Taylor la única influencia en la creación del personaje, si tenemos en cuenta la existencia de un alocado músico que se hacía llamar The Legendary Stardust Cowboy, del que pudo tomar el apellido. Para terminar de confeccionar el puzzle, parece que para el nombre se inspiró en su amigo (Z)Iggy Pop. Algo quizá más creíble que una de las explicaciones de Bowie, que dijo haber visto el nombre de Ziggy en el escaparate de una sastrería.

Con este disco el llamado "glam rock" traspasó las barreras en las que se movía y para Bowie fue el salto al estrellato absoluto. Y una vez documentado el avistamiento, vamos con el disco de la semana:

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars

Hablamos de uno de los discos más relevantes e influyentes de la historia de la música, y entre las razones de su éxito e importancia, más allá de su mensaje transgresor y su metáfora sobre un personaje de otra galaxia, está la particular mezcla de guitarras acústicas y eléctricas magistralmente combinadas con arreglos de cuerda y piano, y la calidad de las canciones que contiene.

Las grabaciones se llevaron a cabo en el mes de noviembre de 1971 en los ya desaparecidos estudios Trident de Londres, a principios de una década clave para la música rock por la contribución, entre muchos otros, del propio David Bowie en estado de gracia compositiva. En esta década facturó sus mejores discos.

Five Years

El disco comienza a lo grande y con misterio, con esa batería que va subiendo poco a poco de volumen como si efectivamente la nave espacial de Ziggy se fuera acercando. El mensaje del extraterrestre es claro, a la Tierra le quedan 5 años antes de su completa destrucción, y el caos que produce la noticia es detallado a través de las situaciones de distintos personajes: madres llorando, reporteros dando la noticia, un soldado con el brazo roto, un policía, un sacerdote, una chica enloquecida golpeando a unos niños, todos huyendo de la destrucción recién revelada.

La canción crece y crece en intensidad y sonido, hasta que unos violines ásperos se entremezclan con las notas de guitarra, y todo empieza a apagarse... menos la batería del principio que vuelve a quedarse sola y a hacerse cada vez menos audible.

Probablemente inspirada en el relato radiofónico de Orson Wells que desató el pánico por su realismo, lo más parecido a la guerra de los mundos en versión Bowie.

Soul Love

Más melódica y suave que la anterior, con una marcada percusión y un aire más positivo que el resto de canciones del disco. Destaca el solo de saxo final interpretado por el propio Bowie. Tras el caos inicial, es el momento de arengar a las masas a que aprovechen el tiempo que queda para salvar su alma. La Tierra es efímera como lo son las horas del amanecer, y hay que aprovechar el tiempo que queda confiando en el amor como tabla de salvación.

Moonage Daydream

Poco dura la calma en la epopeya de Ziggy Stardust en la Tierra. En este tema, una de las banderas del disco, se describe al personaje de Ziggy en primera persona, mientras habla con una chica a la que está conquistando, con frases como "Soy un invasor del espacio, nena mantén tu electrizante mirada en mí, pega tu rostro espacial al mío y estimúlate".

Musicalmente es un rotundo tema rock influenciado por la psicodelia de los primeros Pink Floyd, con uno de los mejores solos de guitarra del disco, llevado hasta el límite en la apoteosis final del tema hasta hacernos creer que todo vaya a estallar ya. Pero aún que queda mucho disco por delante.

Starman

Archiconocido tema que resume a la perfección tanto la temática espacial del disco como la estrategia de sonido acústico-eléctrico-clásico del mismo. Este tema se añadió al disco en el último momento por su potencial comercial como single. Es la gran canción cósmica que el disco necesitaba para despegar en las listas de ventas. "El hombre de las estrellas está esperando en el cielo, le gustaría venir a conocernos, pero cree que eso nos destrozaría las mentes". Nuevo mensaje sobre la necesidad de preservar la Tierra y no destrozarla, el extraterrestre como mensajero que avisa de las malas noticias que están por llegar si no rectificamos a tiempo.

It ain't easy

La particularidad de esta canción es que es la única que no está escrita por Bowie, es una versión de un cantante estadounidense llamado Ron Davis, y además es un tema que se grabó anteriormente y que finalmente no entró en el disco anterior, el también brillante "Hunky Dory".

Bowie la repescó porque consideraba que la temática encajaba con la historia del disco. Ziggy Stardust entra al mundo de la música con sus Spiders from Mars y "no es fácil, no es fácil llegar a lo más alto cuando realmente te estás hundiendo".

Lady Stardust

Pieza dominada por el piano, funciona como una balada por la intensidad de la interpretación vocal de Bowie, pero en realidad está creada como homenaje para su amigo Marc Bolan y la letra se centra en el momento de mayor auge de Ziggy Stardust y los Spiders, recordando como brillaba en el escenario con su maquillaje y toda la banda unida tocando.

Star

Ziggy ya es una estrella del rock, gracias a su magnetismo traído de otros confines del universo. La letra parece describir lo que los fans de Ziggy hacen durante los cinco años de vida que le quedan al planeta, de acuerdo con su mensaje inicial. Personas que van a luchar o permanecen en casa, que deciden dar la vuelta al mundo o imitar la transformación de Ziggy en una estrella del rock.

Hang on to yourself

La canción en la que los Sex Pistols se inspiraron para el riff de "God Save the Queen", está a su vez inspirada en el "Summertime Blues" de Eddie Cochran. Rítmica y animada con un toque de rock and roll clásico, un cruce entre el glam y el punk.

Una vez llegado a la cima, Ziggy comienza el decadente descenso provocado por los excesos de la vida del rock and roll. El sexo, el alcohol y las drogas van atrapando a Ziggy Stardust y alejándole de su objetivo para acercarle a su caída. Es esta una canción que se centra sobre todo en la temática de la lujuria y el desenfreno al que tienen acceso en los conciertos con mujeres con "lenguas que se retuercen como una tormenta", que quieren su "miel" y moverse con ellos como "tigres en vaselina". Mujeres bendecidas por estar con "las Arañas de Marte".

Ziggy Stardust

El principio del final de esta epopeya llega cuando un Ziggy desorientado decide romper con la banda. Una de las mejores canciones de Bowie, con un riff de guitarra legendario de la mano de Mick Ronson, además de tener la particularidad de estar cantando por Bowie pero la letra narra la historia desde la perspectiva de los músicos, que describen como era la vida dentro de la banda y como llegó el momento en que su líder disolvió el grupo. Bowie cambia de voz entre la primera y segunda estrofas como si realmente fueran distintas personas las que están contando la historia.
Termina con todos los instrumentos parando al unísono, para dejar desnuda la nostálgica frase final "Ziggy tocaba la guitarra". Momento cumbre del disco y comienzo de la traca final.

Suffragette City

Guitarras abrasivas de Ronson para un tema genial y acelerado con base de rock and roll, con el piano frenético y la guitarra machacando, mientras Bowie canta y mete coros salvajes. Otra de las canciones estrella del disco, que cuando parece que está muriendo y te va a dejar con ganas de más, vuelve de repente con la misma fuerza en un guiño al oyente a modo de bis. Aquí aparece de nuevo el saxo de Bowie para terminar de darle el toque mágico a la mezcla.
En cuanto a la historia, Ziggy ha dejado a la banda, y se ha abandonado a los placeres de la destrucción. Intenta romper con las malas compañías y los proveedores de sustancias, pero está tan metido en esa espiral que por más que intenta nadar hacia la orilla, las olas le arrastran cada vez más hacia adentro.

Rock and Roll Suicide

El disco acaba en todo lo alto con una obra maestra del cancionero de Bowie, y la epopeya de Ziggy solo puede acabar en lo que tragedia para el "suicida del rock and roll". La letra es Bowie tuteando a Ziggy, detallando sus últimos pasos a través de una estructura de canción que va creciendo de menos a más en intensidad e instrumentación.
"Demasiado viejo para perder, demasiado joven para elegir, y el tiempo espera pacientemente tu canción, caminas fuera de la cafetería, pero no has comido nada y has vivido demasiado, eres un suicida del rock and roll"
La letra sugiere después que un Chevrolet pega un frenazo en el momento en que Ziggy tropieza al cruzar la calle, como posible trágico final para su mítica creación. El autor mata al personaje, pero el personaje fue tan grande que le persiguió durante toda su carrera, por más que se empeñara en esquivarle bajo otros disfraces posteriores. No es tan fácil mirar al cielo y decir adiós a Ziggy Stardust.


Nota: Para escribir esta reseña he utilizado como bibliografía un excelente libro que estoy obligado a recomendar, y que se llama igual que el disco de Bowie: "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" de Juan Manuel Escrihuela. Gracias Juan Manuel por las horas de lectura y la exhaustividad de datos de tu revisión de este disco mítico.

El disco de la semana 6: Albert Pla, Veintegenarios en Alburquerque

Por fin vamos a tocar música patria, y no sera la ultima vez y quien rompe el hielo es el sexto album de Albert Pla, grabado en un falso directo, "No, en realidad se grabó en una masía que está cerca de mi casa, en el Montseny: lo del falso concierto era una oportunidad para presumir de mis amigos. Y Alburquerque suena bien y me gusta como pueblo" y con las colaboraciones entre otros de Fermín Muguruza, Manolo Kabezabolo, Quico Pi de la Serra y Robe Iniesta de Extremoduro.
Albert Pla es un cantautor catalan, nacido en 1966 y una de sus caracteristicas que lo definen es que mas que cantar, susurra y habla en el escenario.




1.- Marcelino arroyo del Charco: comienza el álbum con una versión de un tema que ya había aparecido en su álbum "Vida y Milagros", comienza el tema en plan cantautor para después introducir un soniquete a la guitarra que te invita a bailar. Empieza fuerte con una canción que puede molestar por lo escatologico de la misma, donde nacemos a un nacimiento, curiosamente también es el nacimiento del disco, y no es muy agradable, pero dentro de lo escatologico también tiene su carga de critica, como no podía ser de otra manera, ya que desde el momento en que venimos a este mundo, venimos para sufrir como cuenta la canción. Juguetona e irónica, con humor.

"Ay Marcelino, bienvenido al paraiso, quizás es cierto que vivimos malos tiempos, es tó un infierno y tú un pobre diablillo, ponte a bailar esta esperpéntica y dramática comedia, nunca consientas que nadie te agüe la fiesta, ni tus miserias ni las desgracias ajenas…"

2.- Veintegenarios. El segundo tema es el que da nombre al disco y es una autentica maravilla, desde el ritmo de la canción a la critica directa a esa juventud que pasa de todo.
Aqui se encuentra acompañado por los distintos colaboradores que estan en el disco y que va presentando Albert Pla. Grandisimo el acordeon de Joseba Tapia, termina con un coro de voces, cada cual mas interpretativa que no impide verlos como una especie de Teleñecos disfrutando de una amistad. Pudiera haber sido el himno de una generación pero se quedaron, y nos quedamos....

"Tomando el sol, tomando el sol, que mas podía hacer yo en esta mierda de rincón, que no sea que otra cosa que tomar el sol.......... Jovenes, pero ancianos, ya nacimos cansados, pasa el tiempo despacio, somos Veintegenarios.......... y aunque intenten jodernos, nunca protestaremos y aqui nos quedaremos, no moveremos ni un dedo, pasaremos de tó, de tó"

3.- La dejo o no la dejo: Nos encontramos ante el tema mas polemico del disco, grabado en 1997, el album tardaria varios años en salir a la luz por culpa de este tema que relataba la historia de amor de un señor atormentado por la relación sentimental que mantenía con una terrorista y que según entendía la discográfica podía ser acusada por la justicia de apología del terrorismo.... "un policía muerto es un policía menos".

4.- El camion de la basura: primer tema de amor, pero como no podia ser de otra manera a su manera, cargada de ironia y con el toque Pla.

"Después de corrernos
no me marcharé corriendo
me quedaré otro ratito
junto a ti
perdiendo el tiempo
Después de corrernos
no encenderé un cigarrito
fumo poco últimamente
y solamente fumo tus besos"

5.- El gallo Eduardo: Otro de los temas incluido en Vida y Milagros y una autentica masterpiece y es que en esta ocasion Albert Pla, nos mete en un cuento, pero el cuento esta vez es para adultos y el gallo Eduardo durante la cancion va narrando sus temores que van desde la religion, el origen de la vida, el rol de uno mismo en la sociedad... deliciosa.


6.- Lola la loca: Aqui tenemos reminiscencias rockeras saliendose un poco de la pureza del cantautor, y volvemos a una cancion de amor con la peculiaridades propias del cantautor. Un gran tema.

"No cambies nunca por favor
No cambies nunca
Lola dicen que estás siempre en la luna
Que un día perdiste la cabeza
Dicen que un buen día
Quemaste tu casa
Mataste a tu padre y tu familia lloraba
Te volviste loca te soltaste el pelo
Y te fuiste volando
Y ahora va sí sí sí sí
Vas cabalgando en una escoba
Siempre en la luna
Llévame contigo a la luna"

7.- Pepe Botika (¿Dónde están mis amigos?): En esta ocasion tenemos un dueto con Robe Iniesta de Extremoduro y ambos entonan uno de los grandes temas de Extremoduro del que es el alma el propio Robe Iniesta. Es por tanto un cambio absoluto del tono del disco, pero no desentona nada.

8.- Que mas da si da o no da: Quizas la cancion mas orquestada del disco con tonos que rozan el Jazz para la cancion mas optimista del disco, una alegato a disfrutar sin tener en cuenta las consecuencias, jugando con las metaforas e igualando el amor con las drogas.

9.- Mañana lo dejo: Una cancion sobre las drogas con el toque que da Albert Pla, un juego de palabras hecha cancion con todo tipo de referencias, frases hechas y topicos sobre las drogas, una cancion estilo Sabina, pero sin tanta ñoñeria, cantada en ambiente cabaretero y festivo. Realmente magnifica.

"Me encantan los animales
Mis amigos son camellos
Me gusta montar a caballo
Y pasearme con mi mono
También me gusta mucho
Ir siempre como una moto
Pero si sigo me la pego
Como siga así me mato
De suerte que tengo otras aficiones
Montar en globo
Y oler la nieve
Salir de viaje sin ver mundo
Cruzar la vida
Sin aduanas
Ah y mi novia se llama maría juana"

10.- Soy Rebelde: Termina esta reunion de amigos con el mitico tema que interpreto para la pelicula Airbag de Juanma Bajo Ulloa, una version del tema que Jeanette hizo archipopular en los años 70. Como no le da su toque personal y destaca un brillantisimo solo de guitarra de una gran altura musical. Versionaza!

Espero que os ayude a descubrir este cantautor en el que es quizas su disco mas accesible y menos oscuro, acercarse a todo tipo de musica siempre enriquece el alma y dejar a un lado los prejuicios de un tipo y de otro... que suene la musica!