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sábado, 30 de marzo de 2024

1185.- Lovin' You - Minnie Riperton

 

Loving You, Minnie Riperton


     Minnie Riperton fue una cantante y compositora de soul estadounidense conocida por su rango vocal del cinco octavas, y más conocida aún por su exitoso sencillo Lovin' you, grabado en su segundo álbum de estudio, Perfect Angel. Este segundo trabajo de Minnie Riperton fue grabado entre 1973 y 1974 en los Record Plant Studios de Los Angeles bajo la producción de su marido Richard Rudolph y de Stevie Wonder, y publicado el 9 de agosto de 1974 por el sello discográfico Epic Records.

Tras un fallido primer álbum, titulado Come to My Garden (1970), Minnie se había convertido en ama de casa y madre de dos hijos en Florida. Pero un universitario que trabajaba para Epic Records la redescubrió, y después de escuchar una demostración suya de la canción "Lie In The World", se la hizo llegar a Grace Allen, quien era una alto cargo de Epic Records. Poco después Minnie firmaba con Epic y se mudaba con su familia a Los Angeles. El marido de Minnie, Richard Rudolph, dijo que poco después de que ella firmara con Epic, fue preguntada por quien quería que produjera el disco, ella pidió a Stevie Wonder, y se dio la casualidad de que Wonder era un gran admirador de su trabajo, pero puso una condición: el acababa de firmar con Motown Records y le preocupaba que no le dejaran trabajar en el proyecto, por lo que apareció en el álbum bajo el seudónimo "Black Bull" (Toro Negro).

Al final de la producción, había ocho canciones completas, pero Wonder quería una canción más para que el disco se acercara a los estándares de la industria con una duración de unos 40 minutos. Fue entonces cuando le pidió a ella y a su marido, quien era también compositor y solía componer con ella, que idearan una melodía que consideraran su "canción más vergonzosa". Minnie mencionó entonces una canción de cuna que le solía cantar a su hija Maya para que se durmiera por las noches, y así tener ratos de intimidad con su marido Rudolph. Así es como con la ayuda de su marido creó Lovin' you a partir de esa canción de cuna. La canción fue grabada rápidamente con Wonder en el piano eléctrico y sintetizadores, y Rudolph proporcionó el canto de los pájaros desde un carrete de efectos de sonido. Realmente la canción tuvo sus comienzos en 1971, cuando Rudolph comenzó a componer la canción mientras vivían en Chicago, y sería aquí en Los Angeles cuando le acabarían de dar forma, Minnie desarrollando la melodía final y Rudolph escribiendo la letra y el puente de la canción.

La ventas comenzaron bastante lentas y Epic había decidido pasar al siguiente proyecto, sin embargo algunas estaciones de radio estaban reproduciendo Lovin' You como un corte el álbum. Minnie y Rudolph al enterarse de esto pidieron a la discográfica que dieran una oportunidad a la canción como sencillo. Epic acertó y la canción llegó a conquistar el puesto número 1 en las listas de ventas Pop de Estados Unidos y el puesto número 3 en las de R&B. El disco, gracias a esta canción, llegó a conseguir la certificación de Disco de oro, el único en toda la carrera de la artista.

viernes, 29 de marzo de 2024

1184.- Rock your baby - George McRae



George McCrae debutó a lo grande con el single "Rock Your Baby", tema precursor de los grandes himnos dance de los setenta, que fue escrito y producido por Harry Wayne Casey y Richard Finch de KC and the Sunshine Band. Fue un éxito absoluto de ventas en 1974, alcanzando el primer puesto tanto del "Hot 100" como del R&B chart en Estados Unidos, y llegando también a lo más alto del UK Singles Chart.

El aluvión de ventas y popularidad de "Rock Your Baby" fue totalmente inesperado tratándose de una canción destinada originalmente a la KC and the Sunshine Band, cuya base musical fue grabada en tan solo 45 minutos como una demo con Jerome Smith a la guitarra, los teclados de Harry Wayne Casey y con Richard Finch en el bajo y la batería programada. Casualmente, George McCrae andaba por el estudio y añadió la parte vocal, y la curiosa mezcla entre el ritmo pegadizo de la base y la suavidad y calidez de su interpretación vocal resultó ser mágica.

"Rock Your Baby" despertó a la vez admiración y sana envidia entre otros músicos de su generación. Por ejemplo, el popular grupo sueco ABBA la usó como inspiración para la base rítmica de su célebre "Dancing Queen" de 1976, y el mismísimo John Lennon declaró que "habría dado uno de sus dientes por haber escrito esa canción", y se basó en ella para la progresión de acordes de su éxito "Whatever Gets You thru the Night", grabada solo unos meses después que "Rock Your Baby".

jueves, 28 de marzo de 2024

1183.- Until you come back to me - Aretha Franklin



En 1967, Stevie Wonder grabó "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", una agradable y melódica balada de soul y coros góspel al típico estilo "Motown", que había escrito él mismo junto a Morris Broadnax y Clarence Paul, pero no consideró que la canción tuviera el potencial suficiente como para ser publicada como single, y tampoco la llegó a incluir en ninguno de sus discos hasta 1977, cuando fue parte de la antología de canciones "Looking Back".

Sin embargo, en 1973 Aretha Franklin se topó con la canción  y vio en ella el potencial que Wonder no le había otorgado, y grabó "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" como single, con el tema "If You Don't Think" en la cara B, y no tardó en recoger los frutos de tan acertada decisión, porque el sencillo llegó  al primer puesto de las listas de ventas de R&B, y al tercero de la lista general del Billboard Hot 100 en 1974.

Con el éxito de "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", Aretha Franklin se convirtió además en la primera artista en la historia que logró tener en la lista "Hot 100" una canción que estuviera en los de diez primeros puestos de la lista durante su recorrido comercial, algo que después solo lograron repetir Marvin Gaye en 1983, Madonna in 1996, Drake en 2013 y Taylor Swift en 2015.

lunes, 25 de marzo de 2024

1180.- Rebel Rebel - David Bowie



"Rebel Rebel" fue el single de lanzamiento del disco "Diamond Dogs" (1974) de David Bowie, publicado el 15 de Febrero de 1974 por RCA Records, con "Queen Bitch" en la cara B. El sencillo fue un gran éxito comercial, llegando al quinto puesto del chart del Reino Unido y al nº 64 del Billboard Hot 100 estadounidense, cumpliendo además su objetivo de impulsar las ventas del disco. Dos fueron las versiones que se grabaron de "Rebel Rebel", una (la más conocida) para el single del Reino Unido, y otra (más corta y con diferentes arreglos) para su publicación como sencillo en USA en Mayo de 1974, con "Lady Grinning Soul" en la cara B.

Escrita y producida por Bowie, y planeada originalmente como uno de los temas de un musical sobre Ziggy Stardust que Bowie acabó abandonando, esta canción de aire proto-punk es probablemente su canción más versionada por otros artistas a lo largo de los años, y el gran culpable de su éxito, y la base central en la que todo el tema se basa de principio a fin, es un pegadizo y stoniano riff de guitarra, que potenció sobremanera una letra considerada como uno de sus últimos himnos glam rock.

"Rebel Rebel" se grabó en una sola sesión de trabajo en los Trident Studios de Londres en las navidades de 1973. Bowie indicó a los músicos que quería que la canción sonara como los grandes temas de The Rolling Stones, e interpretó el riff al guitarrista invitado Alan Parker para que lo ensayaran juntos y le ayudara a perfeccionarlo. Parker lo tocó al completo cuando estuvo terminado, y siempre sospechó que su interpretación del riff durante aquellos ensayos fue la que acabó sonando en la canción final, pero nunca fue acreditado por, presumiblemente, haber tocado uno de los riffs más gloriosos y reconocibles de la historia del rock.

domingo, 24 de marzo de 2024

1179.- Diamond Dogs - David Bowie



"Diamond Dogs" es la canción que da título al octavo disco de estudio de David Bowie, ya sin el apoyo de su célebre banda de acompañamiento de The Spiders from Mars con la que había facturado sus mejores discos de glam rock, y aunque también produjo el álbum él mismo, contó de nuevo con la presencia de Tony Visconti para los arreglos de cuerda y para la mezcla del disco. Al no contar por primera vez con Mick Ronson, Bowie asumió la mayor parte de las guitarras del disco, practicando exhaustivamente cada día hasta llegar al nivel de calidad necesario para la grabación.

La temática apocalíptica de la canción y del disco se basa en la novela "1984" de George Orwell, las obras de Willian S. Burroughs, y un proyecto de musical basado en el personaje de Ziggy Stardust que finalmente Bowie abandonó. Dentro del universo de personajes de Bowie, en "Diamond Dogs" aparece un nuevo alter ego llamado "Halloween Jack", "un gato molón" que lidera a los "perros diamante", una banda de niños salvajes que acampan en los tejados de los rascacielos, con la estética y la actitud que adoptaron grupos punk posteriores como The Sex Pistols, y de hecho Bowie los describió como "pequeños Johnny Rottens y Sid Vicious, pandillas de viciosos encapuchados, con cuchillos y pieles, flacos por no comer suficiente, y con el pelo de colores divertidos".

Publicada en junio de 1974 como segundo single del álbum tras "Rebel Rebel", con una regrabación del tema de 1971 "Holy Holy" en la cara B, fue el single de menos éxito del disco al alcanzar solo el puesto 21 de la lista de ventas del Reino Unido, y no lograr entrar en las listas del Billboard estadounidense. Este pequeño traspiés de los "perros diamante" no le quita relevancia a una canción que está entre las más imaginativas y extrañas del universo creativo del gran David Bowie.

sábado, 23 de marzo de 2024

1178.- Tattler - Ry Cooder

 

Tattler, Ry Cooder


     Paradise and Lunch es el cuarto álbum de estudio del músico de raíces estadounidense Ry Cooder. Fue grabado en los Warner Brothers Studios de North Hollywood y los CA and The Burbank Studios de Burbank, Los Angeles, bajo la producción de Russ Titelman y Lenny Waronker, y publicado en junio de 1974 por el ello discográfico Reprise Records. Este trabajo contenía versiones de jazz, blues y estándares de música de raíces americana. El disco llegó a alcanzar el puesto 167 en la lista estadounidense Billboard 200.

Incluido en este álbum se encuentra Tattler, un arreglo de Ry Cooder junto con Russ Titelman del clásico You Can't Stop a Tattler. Este clásico es una canción de blues - gospel que fue escrita por Washington Phillips (1880-1954) y fue grabada por él en 1929 para el sello discográfico Columbia records. La canción original constaba de dos partes, destinadas a ocupar ambas caras de un vinilo de 10 pulgadas y 78 rpm. Sin embargo, permaneció inédito durante muchos años. Estamos ante una canción rara e inusual porque los versos están separados por un estribillo tarareado sin palabras. Este recurso, similar a la vocalización, ya lo había utilizado anteriormente Phillips en la canción I Had a Good Father and Mother (1929).

La canción llamó la atención por primera vez cuando Ry Cooder incluyó una versión de la parte 2, titulada Tattler, en el álbum Paradise and Lunch. La versión de Cooder es relajada y conmovedora, típica del estilo de blues y folk que lo caracteriza. La letra de la canción narra la historia de alguien que traiciona la confianza de un amigo al revelar secretos a su pareja, lo que provoca problemas en su relación. La música acompaña perfectamente con su relajado ritmo y una melodía que transmite la sensación de arrepentimiento, y la interpretación vocal de Cooder agrega profundidad emocional a la canción.

viernes, 22 de marzo de 2024

1177.- The Wall Street Shuffle - 10cc



10cc es una banda británica de rock formada en Stockport en 1972 por cuatro músicos multi instrumentistas (Graham Gouldman, Eric Stewart, Kevin Godley y Lol Creme) que se repartían en dos parejas a la hora de componer las canciones. Stewart y Gouldman componían básicamente canciones pop y crearon la mayoría de éxitos de la banda (incluyendo "The Wall Street Shuffle"), y por el contrario Godley y Creme se decantaba por composiciones más experimentales e influenciadas por corrientes artísticas y cinematográficas.

El álbum "Sheet Music" (1974) fue el primero de cinco discos con los que 10cc entraron en el top 10 de las listas de ventas del Reino Unido. El single de lanzamiento fue "The Worst Band in the World", que no logró entrar en las listas, pero con el segundo single "The Wall Street Shuffle" lograron llegar al puesto 10 en Reino Unido y ser nº 2 de ventas en Países Bajos. Un tercer single, "Silly Love" fue también publicado, pero solo llegó al puesto 24 en UK, lo que hizo de "The Wall Street Shuffle" la canción más reconocida y exitosa del disco.

"The Wall Street Shuffle" era además la canción con la que arrancaba el álbum, con un distintivo riff de rock clásico y unas letras poco habituales en el rock, ya que básicamente describían el mundo de las finanzas en Wall Street, mencionando por el camino a personajes como Getty, Rothschild y Howard Hughes, en una extraña combinación que la revista musical "Record World" denominó "lección de baile económico".

jueves, 21 de marzo de 2024

1176.- The Bottle - Gil Scott Heron

 

The Bottle, Gil Scott Heron

 


       Winter in America es un álbum que Gil Scott Heron grabó con la colaboración del teclista Brian Jackson. Fue grabado entre septiembre y octubre de 1973 en los D&B Sound Studios de Silver Spring, Maryland, Estados Unidos, bajo la producción de los dos músicos, y publicado en mayo de 1974 bajo el sello discográfico Strata-East Records. Scott Heron y Jackson produjeron el disco de forma sencilla, basándose en sonidos tradicionales africanos y R&B, mientras que los arreglos de piano de Jackson tenían sus raíces en el jaz y el blues..

El álbum fue el debut de los dos músicos para el sello discográfico Strata-East, sello independiente de jazz, tras su salida por una disputa con su antiguo sello discográfico. Tuvo una distribución bastante limitada en Estados Unidos, sin embargo Scott Heron, con la ayuda promocional de su único sencillo, The Bottle, consiguió tener un considerable éxito comercial, mayor incluso que su trabajo anterior con Jackson, llegando a ocupar el puesto número seis de la lista estadounidense Billboard Top Jazz Album. El sonido característico de este álbum tiene su raíces en el blues, el jazz y la música soul, incorporando también elementos de la música africana, como la percusión pesada y los cánticos. También incorporaron escenografías, introducciones de palabras habladas e interludios místicos que fueron influenciados por los estilos de free jazz de artistas contemporáneos como Pharoah Sanders y Abdullah Ibrahim

Winter in America aborda las experiencias y los desafíos que enfrentaron a la comunidad afroamericana y los residentes de la ciudad de Washington en la década de los años 70, como es el caso de su canción The Bottle, escrita por Scott Heron, toda una crítica social sobre el abuso del alcohol. La canción tiene un agradable ritmo caribeño y presenta un gran solo de flauta de Jackson. Scott Heron analizaba el poder destructivo de la adicción y como puede arruinar la vida de las personas, y se inspiró para escribirla al observar y hablar con alcohólicos en la puerta de una licorería llamada Log Cabin en el norte de Virginia, cerca de Wshington DC, donde todos los días hacían cola para cambiar sus botellas vacías por un descuento en su próxima compra. Fue lanzada como sencillo, y gracias a su contagioso ritmo pop/dance y su mensaje social se convirtió rápidamente en un éxito y en uncanción de culto.

martes, 19 de marzo de 2024

1174 - Lynyrd Skynyrd - Call Me the Breeze


1174 - Lynyrd Skynyrd - Call Me the Breeze

Lynyrd Skynyrd, una icónica banda de rock sureño, ha dejado una huella indeleble en la historia de la música con su distintivo sonido caracterizado por guitarras potentes y letras con raíces sureñas. Fundada en 1964 en Jacksonville, Florida, la banda alcanzó la cima de su popularidad en la década de 1970. Entre sus numerosos éxitos, "Call Me the Breeze" destaca como una joya en su repertorio.

La canción, lanzada en 1974 como parte del álbum "Second Helping", destila la esencia del rock sureño con su ritmo animado y la inconfundible voz de Ronnie Van Zant. La introducción de la guitarra de Allen Collins establece el tono enérgico, mientras que la fusión de los riffs de guitarra y el teclado crea una experiencia auditiva única.

"Call Me the Breeze" es una oda a la libertad y la independencia. La letra, escrita por J.J. Cale, narra la historia de un alma errante que no se deja atrapar por compromisos. La metáfora del viento, presente en la frase "Call me the breeze, I keep blowin' down the road," sugiere una vida nómada y sin ataduras. La canción captura el espíritu de la época y refleja la actitud despreocupada de la cultura del sur de Estados Unidos.

La habilidad distintiva de Lynyrd Skynyrd para combinar letras evocadoras con arreglos musicales magistrales se manifiesta plenamente en "Call Me the Breeze". La voz cruda y apasionada de Van Zant agrega autenticidad a la narrativa, mientras que la fusión de guitarras eléctricas y acústicas crea una textura sonora que es tan apreciada por los aficionados al rock.

La canción también destaca por su solidez compositiva y ejecución técnica. Los solos de guitarra, en particular, destacan la destreza de los guitarristas de la banda, con riffs que se entrelazan de manera fluida y memorable. La producción cuidadosa contribuye a la atemporalidad de "Call Me the Breeze", que ha resistido la prueba del tiempo y sigue siendo una pieza central en la narrativa del rock sureño.

En resumen, Lynyrd Skynyrd y su interpretación de "Call Me the Breeze" son testamentos duraderos del poder del rock sureño. La canción encapsula la esencia de una era y la actitud indomable de aquellos que buscan la libertad en la carretera. A medida que el tiempo avanza, la música de Lynyrd Skynyrd, y en particular "Call Me the Breeze", sigue siendo un faro que ilumina la rica tradición del rock sureño.

Daniel 
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domingo, 17 de marzo de 2024

1172.- The Needle and the Spoon - Lynyrd Skynyrd

 

The Needle and the Spoon, Lynyrd Skynyrd


     Second Helping es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense Lynyrd skynyrd. Fue grabado entre junio de 1973 y enero de 1974 entre los Studio One de Doraville, Georgia y los Record Plant Studios de Los Angeles, California, bajo la producción de Al Kooper y publicado eel 15 de abril de 1974 por el sello discográfico Sound of The South, subsidiario de MCA Records. Este disco consiguió situarse en el puesto número 12 en las listas de ventas estadounidenses Billboard, llegando a conseguir ese mismo año la certificación de Oro gracias a sus ventas.

Después del éxito de su disco debut, la fama y los seguidores de Lynyrd Skynyrd crecían rápidamente, ayudados en parte a la gira de acompañamiento como teloneros de la banda The Who que estaban realizando en Estados Unidos. Sin embargo, las sesiones de preparación de Second Helping fueron bastante difíciles, con constantes discusiones y trifulcas entre el grupo y el productor neoyorquino Al Kooper. El mismo Al Kooper reconocía al respecto que "Fue una pesadilla trabajar con ellos, pero supongo que a ellos les debió suceder lo mismo".

Incluido en este álbum se encuentra la canción The Needle and the Spoon, donde Ronni Van Zant advertía sobre los peligros de las drogas duras, de las que la banda era incapaz de tomar nota debido a su consumo. La canción fue escrita por el vocalista Ronnie Van Zant y el guitarrista Allen Collins y abordaba el tema de la adicción a las drogas y sus devastadoras consecuencias. El título de la canción hace referencia a la jeringa y la cuchara, herramientas comunes asociadas con el consumo de heroína, y a través de su letra Van Zant reflexiona sobre las trampas y los peligros del abuso de sustancias, así como las luchas personales y sociales que conlleva. Musicalmente la canción presenta el característico sonido de la banda, rock sureño fusionado con elementos de blues e incluso de hard rock. El solo el guitarrista Allen Collins y su uso del pedal wah-wah en esta canción fue incluido en el puesto número 19 por la revista Guitar world en su catálogo de los mejores solos de wah de todos los tiempos.

sábado, 16 de marzo de 2024

1171.- Sweet Home Alabama - Lynyrd Skynyrd



"Sweet Home Alabama" ("Alabama, dulce hogar") es la canción más famosa de la banda de rock sureño estadounidense Lynyrd Skynyrd. Vio la luz en 1974 en "Second Helping", el que fuera segundo álbum del grupo. En un primer momento, la gran polémica en la que se vio envuelta la canción fue lo que hizo que se disparara su popularidad y sus ventas, alcanzando el octavo puesto en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en su single de mayor éxito, pero a día de hoy brilla por si misma sin mayores polémicas y es todo un himno del rock de los setenta, reconocible desde el primer minuto por su efectivo riff de guitarra y su pegadizo estribillo.

La polémica vino porque se interpretó como apología del racismo la respuesta que dieron a las canciones "Southern Man" y "Alabama" de Neil Young, que criticaban la esclavitud en el Sur de Estados Unidos. Para ellos, aquellas canciones culpaban de la esclavitud a todo el mundo solo por ser nacidos en el Sur. En palabras del vocalista Ronnie Van Zandt: "Neil disparaba a todos los patos cuando la culpa era solo de unos pocos", y en la letra de la canción lanzan a Young el siguiente dardo: "He escuchado a Mr. Young cantar sobre ella (Alabama), he escuchado al viejo Neil criticarla, espero que Neil Young recuerde que un hombre del Sur no le necesita cerca de ninguna manera". Young zanjó la polémica en su autobiografía "Waging Heavy Peace" (2012), al decir que su canción "Alabama" se merecía el palo de Lynyrd Skynyrd"No me gustan mis palabras al escucharlas. Son acusatorias y condescendientes, no bien pensadas y demasiado fáciles de malinterpretar".

Curiosamente, ninguno de los tres compositores de la canción eran originarios de Alabama. Ronnie Van Zant y Gary Rossington eran de Florida, y Ed King de California. Todo empezó con un riff de guitarra de Ed King, a partir del cual fueron escribiendo las letras y el resto de la música. Y aquí, de nuevo, no escaparon a otra polémica diferente, porque la línea vocal principal parece inspirada en el "You're Looking Fine" (1966) de los británicos The Kinks, y el famosos riff es un plagio de la canción de 1971 "Let My Song Through", del grupo norirlandés Them. En cualquier caso, lo innegable es que en la combinación de esos elementos propios o ajenos construyeron una canción tan impactante y popular que ha sido versionada por bandas y artistas tan diversos como Siniestro Total ("Miña terra galega") o Charly García y Javier Calamaro ("Sweet Home Buenos Aires") y desde 2009 el "Sweet Home Alabama" del título es el lema oficial en las matrículas de los vehículos de motor en ese estado.

miércoles, 13 de marzo de 2024

1168 - Invisible - Jugo de Lucuma


1169 - Invisible - Jugo de Lucuma

Invisible, la icónica banda argentina de rock progresivo, liderada por el genial Luis Alberto Spinetta, ha dejado una huella imborrable en la historia de la música latinoamericana. Su segundo álbum homónimo, lanzado en 1974, es una obra maestra que encapsula la audacia y la innovación que caracterizan a Invisible, y su pista destacada, "Jugo de Lucuma", es una joya sonora que sigue resonando con fuerza en la actualidad.

"Jugo de Lucuma" se inicia con una introducción enigmática, donde la guitarra de Spinetta establece una atmósfera melancólica que sirve como puerta de entrada a un viaje musical único. La habilidad del líder para fusionar distintos estilos, desde el rock progresivo hasta la música folklórica argentina, se evidencia en cada acorde y cada cambio de ritmo. La complejidad instrumental, acompañada por la voz distintiva de Spinetta, crea un paisaje sonoro rico y dinámico.

La canción se desarrolla como una narrativa surrealista, donde las letras poéticas desafían las convenciones y permiten diversas interpretaciones. La metáfora de "Jugo de Lucuma" se convierte en un hilo conductor que atraviesa la composición, añadiendo capas de significado a la experiencia auditiva. La lucuma, una fruta tropical, se convierte en un símbolo cargado de misterio y sensorialidad, dejando a los oyentes inmersos en un universo lírico intrigante.

La progresión dinámica de la canción es uno de sus elementos más notables. Desde momentos reflexivos y etéreos hasta explosiones de energía frenética, "Jugo de Lucuma" mantiene a los oyentes cautivados en un viaje emocional. Los solos de guitarra eclécticos y los cambios de tempo inesperados revelan la maestría técnica de los músicos de Invisible, elevando la pieza a un nivel de virtuosismo musical.

La influencia de Invisible va más allá de la composición convencional, desafiando los límites del rock progresivo. La fusión de elementos de jazz y folclore argentino dentro de la estructura de la canción demuestra la versatilidad y la originalidad del grupo. "Jugo de Lucuma" se convierte así en un testimonio perdurable de la creatividad vanguardista que define la obra de Invisible.

"Jugo de Lucuma" es una obra maestra que encapsula la esencia innovadora de Invisible. La combinación de letras poéticas, paisajes sonoros cambiantes y la maestría musical de la banda establece esta canción como un hito en la evolución del rock progresivo latinoamericano. La obra de Invisible, y especialmente "Jugo de Lucuma", sigue siendo una fuente de inspiración y admiración para los amantes de la música que buscan experiencias sonoras que desafíen y enriquezcan sus sentidos.

Daniel 
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martes, 12 de marzo de 2024

1167.- Don't Eat the Yellow Snow - Frank Zappa

 

Don't Eat the Yellow Snow, Frank Zappa


     Apostrophe es el sexto álbum en solitario y el decimoctavo en total del polifacético músico Frank Zappa. El material del disco fue grabado entre 1969 y 1974 entre los Electric Lady Studios de Nueva York, Bolic Sound de Inglewood, California y los Paramount Recording Studios de Hollywood, California. Fue producido por el mismo Frank Zappa y publicado el 22 de marzo de 1974 por el sello discográfico DiscReet Records. Apostrophe fue grabado tanto en formato estéreo como cuadrafónico. Este trabajo llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el mayor éxito comercial de la carrera de Zappa. Como pasó en muchos álbumes de Zappa, Apostrophe fue una mezcla de grabciones recientes con otras de archivo; La cara A de Apostrophe y el álbum Over-Nite Sensation se grabaron simultáneamente. Las canciones de la cara B proceden de varias versiones de 1972 con sobregrabaciones grabadas en 1973 y 1974, excepto Excentrifugal Forz, donde la pista de batería provino originalmente de las sesions de Hot Rats (1969), y Stinkfoot, donde la pista original de donde surgió, The Bass & Drum Song, data de las sesiones de Chunga's Revenge (1970).

Incluido en este disco se encuentra la canción que abre el mismo, Don't Eat the Yellow Snow, que llegó a ocupar el puesto 86 en las lista estadounidense Billboard Top 100. En esta canción Zappa nos relata una historia sobre el sueño de ser un bebe esquimal. Esta canción es el comienzo de una historia que continúa con las canciones que siguen, Nanook Rubs It y St. Alphonzo's Pancake Breakfast. Las tres canciones se combinan para contarnos la historia completa del anhelo de Zappa. Zappa se llama a sí mismo Nanook, nombre que proviene de una leyenda del pueblo Inuit. La leyenda es todo un homenaje a la supervivencia humana y en concreto al pueblo Inuit, reflejado en el personaje de Nanook, un simple esquimal que luchaba por sobrevivir y ganarse la vida. Zappa menciona en la historia haber tomado represalias contra un cazador de pieles en venganza por el abuso que éste había hecho contra una cría de foca. Las crías de foca fueron la causa de movimientos de celebridades a mediados de la década de 1970, junto con la difícil situación de las ballenas y la matanza de animales en general por su cotizada piel, lo que convierte esta la canción en otra brillante sátira social de Zappa.

lunes, 11 de marzo de 2024

1166 - ABBA - Waterloo

1167 - ABBA - Waterloo

"Waterloo" de ABBA es un clásico atemporal que marcó un punto de inflexión crucial en la carrera del grupo sueco. Lanzada en 1974, la canción se convirtió en la ganadora del Festival de la Canción de Eurovisión, catapultando a ABBA a la fama internacional.

La composición de "Waterloo" refleja la brillantez musical de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, los genios detrás de las pegajosas melodías de ABBA. Con una introducción de piano distintiva y acordes vibrantes, la canción cautiva desde los primeros segundos. La elección de mezclar elementos de pop, rock y música disco demostró ser revolucionaria en esa época, contribuyendo a la singularidad y la apelación duradera de la pista.

La letra de "Waterloo" narra la historia de una rendición total al amor, utilizando la famosa batalla de Waterloo como metáfora. Las referencias históricas fusionadas con el romanticismo añaden profundidad a la canción, creando una experiencia lírica única. La voz inconfundible de Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad, combinada con la armonía vocal característica de ABBA, eleva aún más la calidad de la interpretación.

El aspecto eurovisivo de "Waterloo" no puede pasarse por alto. La canción fue elegida para representar a Suecia en el Festival de Eurovisión de 1974, donde obtuvo una victoria abrumadora. Este triunfo no solo consolidó la reputación de ABBA en la escena musical europea, sino que también allanó el camino para su éxito mundial posterior.

El impacto de "Waterloo" en la cultura popular es innegable. Su estribillo pegajoso y su energía contagiosa la convirtieron en un himno que trasciende generaciones. Además, la victoria en Eurovisión consolidó la posición de ABBA como un fenómeno global, abriendo puertas a una carrera que abarcaría décadas.

El legado de "Waterloo" se mantiene vivo no solo en la música, sino también en el cine y la televisión. La canción ha sido utilizada en innumerables películas, programas y comerciales, demostrando su capacidad para evocar emociones y crear atmósferas memorables.

La producción innovadora de "Waterloo" también merece reconocimiento. La mezcla de instrumentos, la estructura de la canción y la producción en general destacan la habilidad de ABBA para crear algo fresco y distintivo en un panorama musical saturado.

En resumen, "Waterloo" de ABBA no es simplemente una canción de Eurovisión; es un fenómeno cultural que encapsula la magia de la música pop. Su combinación única de elementos musicales, letras ingeniosas y un rendimiento estelar en Eurovisión han dejado una huella imborrable en la historia de la música, asegurando su lugar como un clásico eterno.

Daniel 
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sábado, 9 de marzo de 2024

1164.- Seven Seas of Rhye - Queen



"Seven Seas of Rhye" del grupo británico Queen es una canción de la que existen dos versiones, una primera versión preliminar e instrumental que vio la luz como tema de cierre del disco debut "Queen" (1973), y una segunda versión definitiva y con letra que fue incluida en el siguiente álbum, Queen II (1974), y que es la que incluimos en esta compilación de canciones para la historia de la música.

Con una letra inspirada en el mundo de fantasía que Freddie Mercury y su hermana se inventaron de pequeños, esta segunda versión ya acabada y perfeccionada de "Seven Seas of Rhye" fue el tercer single de la banda, y se convirtió además en su primer sencillo de éxito tras interpretarla en una actuación en el célebre programa de la BBC "Top of the Pops", llegando hasta el puesto 10 de las listas de ventas británicas.

Curiosamente, este enérgico e intenso tema de heavy rock con reminiscencias "zeppelianas" está también misteriosamente "presente" en el comienzo del siguiente álbum de la banda, creando un nuevo nexo entre las tres obras, porque durante los primeros segundos de "Brighton Rock", el tema con el que arranca "Sheer Heart Attack" (1974), suena en un silbido la melodía de "Seven Seas of Rhye".

viernes, 8 de marzo de 2024

1163.- The March of the Black Queen - Queen



"The March of the Black Queen" ("La marcha de la Reina Negra"), incluida en "Queen II" (1974), segundo disco de la banda inglesa de rock Queen, es una de las primeras canciones que contienen todos los elementos distintivos del inconfundible "estilo Queen", como la suave apertura de piano, los grandilocuentes coros operísticos, el tono épico combinado con impactantes solos de guitarra y los constantes cambios de ritmo, cercanos al musical y al rock progresivo.

Con sus más de seis minutos de duración y su compleja estructura cambiante (Freddie Mercury declaró que le costó una eternidad componerla), emparenta con canciones del corte de la inmensa "Bohemian Rapsody", de la que se puede considerar una precursora en la misma línea (Brian May siempre se refirió a esta canción como a la "hermana mayor" de "Bohemian Rapsody"), o la posterior y no menos impactante "Innuendo".

La letra es también un oscuro y complejo cuento épico sobre una malvada reina que tiene sometidos a sus desgraciados súbditos, y en conjunto, "The March of the Black Queen" es un auténtico regalo para los fans de las canciones más operísticas e intensas de Queen. El único pero, por poner alguno, es que su abrupto final, enganchando directamente con el siguiente tema del disco ("Funny how love is") deja una sensación de canción inacabada o cortada en la escucha aislada, pero ese el peaje a pagar con muchas de las canciones de rock progresivo, que no terminan realmente, porque continúan dentro de un todo en los discos conceptuales que las incluyen.

jueves, 7 de marzo de 2024

1162.- They Say I'm Different - Betty Davis

 

They Say I'm Different, Betty Davis


     Betty Davis, con apellido Marby de soltera, nace el 26 de julio de 1945 (aunque ella afirma que nació en 1944) en Durham, Carolina del Norte (Estados Unidos). Es en la granja de su abuela, en Reidsville, Carolina del Norte, donde empieza a escuchar a grandes músicos de blues como BB King, Jimmy Reed y Elmore James entre otros, lo que hace que se interese muy pronto por la música. A los 12 años de edad ya compone su primera canción, I'm Going to Bake That Cake of Love. Es a esa edad cuando se muda con su familia  Pittsburgh. Betty se marcha con 16 años de Pittsburgh y pone rumbo a Nueva York para vivir con su tía. Es en la ciudad neoyorkina donde se inscribe en el Fashion Institute of Technology, que es la parte de la Universidad Estatal de Nueva York que está enfocada en el arte, los negocios, el diseño y todo lo relacionado con la moda. Mientras cursa sus estudios, durante la década de los 60 se empapa de la cultura y la música folclórica de Greenwich VillageBetty trabaja como modelo, llegando a aparecer en revistas como Seventeen, Ebony y Glamour, y también frecuenta uno de los clubs de moda de la ciudad, The Cellar, un club frecuentado por una multitud artística y multirracial de modelos, estudiantes de diseño, actores y cantantes. En el Cellar solía pinchar discos y charlar con la gente. En su etapa en Nueva York conoce a varios músicos, haciendo gran amistad con Sly Stone y Jimi Hendrix. La influencia de la música de estos dos plantarán la semilla del estilo y la carrera musical de Betty. También hace amistad con el cantante y compositor de soul Lou Courtney, que será quien produzca su primer sencillo en 1963, The Cellar, inspirado en el local donde trabaja.


Mientras trabaja como modelo conoce al músico de jazz Miles Davis, quien es 19 años mayor que ella. Miles Davis se estaba separando en ese momento de su primera esposa, la bailarina Frances Davis, y estaba saliendo con la actriz Cicely TysonBety y Miles comienzan a salir a comienzos de 1968 y en septiembre de ese mismo año contraen matrimonio. En sólo un año, lo que dura su matrimonio, Betty influirá Miles tanto en cuestiones de moda como en tendencias de la música popular de la época, algo que el mismo músico reconocerá posteriormente en su autobiografía. Según MilesBetty le ayudó a plantar las semillas de sus futuras exploraciones musicales al presentarle al innovador del funk Sly Stone y a un psicodélico guitarrista llamado Jimi Hendrix. El matrimonio dura un año, Miles definía a Betty como "demasiado joven y salvaje", y la acusó de tener una aventura con Jimi HendrixBetty siempre lo negó y lo consideró una gran falta de respeto hacia ella y hacia su amigo Hendrix. La influencia de Betty en Miles fue un hecho, pues Miles se mantuvo en contacto con Hendrix, y los dos planeaban grabar algo juntos, pero la muerte de Hendrix lo impidió. Y la influencia de Sly Stone en Miles se puede ver reflejada en el álbum de MilesBitches Brew (1970), que marcaría el comienzo de la era del jazz fusión. Su primer gran logro de Betty lo consigue al escribir para los Chambers Brothers la canción Uptown (to Harlem) en 1967, y en 1968 comienza a colaborar con el trompetista, cantante y compositor sudafricano Hugh Masekela, con quien graba varias canciones para Columbia Records. Posteriormente Betty graba varias demos con Miles Davis y Teo Macero como productores, y son utilizadas por Miles Davis para intentar conseguir un contrato discográfico con Columbia Records y con Atlantic Records para Betty, pero ninguna de las dos discográficas muestra interés.

Finalizado su matrimonio con Miles DavisBetty se muda a Londres, alrededor de 1971, para trabajar como modelo, y también se dedica a escribir música. Un año después aproximadamente, regresa a Estados Unidos para grabar con Santana, pero al final graba sus propias canciones con un grupo e músicos de sesión de la Costa Oeste. Así, Betty graba su primer disco, donde todas las canciones son escritas y arregladas por ella, llamado Betty Davis en 1973, bajo el sello discográfico Just Sunshine. Con la misma fórmula y bajo el mismo sello discográfico graba y publica su segundo álbum de estudio en 1974, They Say I'm Different. dicho álbum es grabado en los Record Plant Studios bajo la producción de la propia artista, y publicado por el sello discográfico Just Sunshine Records. Estamos ante un álbum con melodías grandes y explosivas, con ritmos funk y con Davis mostrando todo su potencial musical sin tapujos.

La canicón que da título al disco, They Say I'm Different, es una potente y extravagante canción donde Betty Davis recuerda su infancia y se compara a sí misma con espíritus afines del pasado, una sucesión de leyendas del blues a las que tiene gran aprecio, y de las que se ha nutrido e influenciado: Bessie Smith, Chuck Berry, John Lee Hooker, Jimmy Reed, Big Mama Thornton, Son House o Robert Johnson. La canción es un fiel reflejo de la audacia y la independencia de Betty Davis, desafiando las convenciones sociales y de género de la época. Su estilo único y su energía cruda y explosiva, que aplicó en canciones como esta, influyeron en muchos músicos posteriores, convirtiéndola en una figura de culto en la historia de la música.

lunes, 4 de marzo de 2024

1159.- Working Man - Rush

 

Working Man, Rush


     Rush es el álbum debut de la banda de rock canadiense del mismo nombre. El disco fue grabado en noviembre de 1973 en los Eastern Sound y Toronto Sound Studios de Toronto, bajo la producción de la banda, y publicado el 18 de marzo de 1974 por el sello discográfico Moon Records, el propio sello del grupo, antes de que Mercury Records lo lanzara internacionalmente ese mismo año. Este álbum fue grabado cinco años después de la formación de la banda, y muestra gran parte del sonido hard rock de las bandas populares que surgieron a principios de la década. Un sonido que cambiarían en álbumes posteriores virando hacia el rock progresivo que tan famosa ha hecho a la banda. Rush eran grandes admiradores de Led Zeppelin, Yes o Cream entre otros grupos, y estas influencias se notan en este disco.

El baterista del grupo John Rutsey interpretó todas las partes de batería del disco, pero no pudo realizar giras prolongadas debido a sus problemas con la diabetes, por lo que se retiró de la banda después del lanzamiento de este álbum. Rutsey había trabajado en las letras del disco, pero nunca se las envió a los demás miembros de la banda, el bajista y vocalista Geddy Lee y el guitarrista Alex Lifeson, quienes se encargaron de componer las letras del álbum. John Rutsey sería sustituido por Neil Peart, quien a partir de ese momento se convertiría en el baterista y letrista principal del grupo en todos los discos posteriores de la agrupación.

Incluido en este álbum se encuentra Working Man, canción que según Geddy Lee es su favorita para interpretar en vivo. La canción se ha convertido en una de las favoritas entre los fans de la banda, y el solo de guitarra de Alex Lifeson ha llegado  aparecer en la lista de los 100 mejores solos de guitarra de la revista Guitar World. La letra de la canción nos relata la historia del típico trabajador que mantiene su rutina de ira trabajar para luego volver a casa, y así día tras día. Tiene mayores ambiciones, pero lo que no parece tener es voluntad para actuar en consecuencia y dar un giro a su situacón.

La canción adquirió notoriedad gracias a una DJ llamada Donna Halper, quien trabajaba para la emisora WMMS en Cleveland, Ohio (Estados Unidos). La canción le encantaba y la empezó a pinchar en las ondas, lo que ayudó, y mucho, al despegue de la banda. Era muy extraño que alguien se decidiera a poner en las ondas una canción de más de 7 minutos pues no se ajustaba, aparentemente, a los criterios de de las ondas, Pero para Donna Halper era perfecta por tres razones, la primera porque Cleveland era una ciudad de clase obrera y la letra se identificaba perfectamente con su audiencia y la ciudad; la segunda porque WMMS era una emisora de rock orientada a álbumes, por lo que buscaban canciones que otras emisoras no reprodujeran; y la tercera porque con sus más de 7 minutos era ideal para que a la DJ le diera el tiempo suficiente para ir al baño o a fumar. Inmediatamente después de ponerla en las ondas la emisora recibió muchas llamadas de personas que preguntaban cuándo saldría el nuevo álbum de Led Zeppelin, sorprendiéndose posteriormente porque no fueran ellos y porque el vocalista no fuera Robert Plant. Gracias a la difusión por parte de WMMS el disco llamó la atención del sello discográfico Mercury Records que decidió relanzarlo fuera de Canadá, convirtiendo a Rush en una de las bandas más populares en Estados Unidos y Canadá.

domingo, 3 de marzo de 2024

1158 - Sui Generis - Instituciones

1158 - Sui Generis - Instituciones

"Instituciones" es una joya musical creada por Sui Generis, la icónica banda argentina liderada por el talentoso músico Charly García. La canción, incluida en su álbum debut homónimo lanzado en 1972, es un testimonio del brillante ingenio lírico y musical de García y de la habilidad única de la banda para fusionar diversos géneros.

La pista se distingue por su enfoque satírico hacia las instituciones sociales y políticas. Charly García, con su aguda pluma, teje metáforas y críticas en cada verso, explorando las complejidades y contradicciones de las estructuras establecidas. La letra despliega una mezcla de ironía y poesía que desafía al oyente a reflexionar sobre el significado y la función de estas instituciones en la sociedad.

Musicalmente, "Instituciones" refleja la diversidad de influencias de Sui Generis. La fusión de elementos de rock, folclore argentino y tintes progresivos crea una atmósfera única. Los arreglos intrincados y la ejecución magistral de los instrumentos elevan la canción a un nivel artístico excepcional.

La influencia de "Instituciones" se extiende más allá de sus méritos artísticos, ya que la canción también marca un hito en la evolución del rock argentino. Sui Generis, en su debut, logró consolidar una identidad única que fusiona la sensibilidad lírica de García con la experimentación musical del grupo. Este álbum sentó las bases para la prolífica carrera de Charly García y Nito Mestre, cuyas contribuciones al panorama musical latinoamericano son incuestionables.

La trascendencia de "Instituciones" no se limita a su contexto geográfico; su impacto se ha sentido a nivel global, influyendo en generaciones posteriores de músicos y artistas que han encontrado inspiración en su originalidad. La capacidad de la canción para resistir el paso del tiempo y seguir resonando con audiencias diversas destaca su lugar como una obra maestra atemporal que ha dejado una huella imborrable en la historia de la música en español.

Daniel 
Instagram storyboy 

sábado, 2 de marzo de 2024

1157 - MFSB - TSOP (The Sound of Philadelphia)

1157 - MFSB - TSOP (The Sound of Philadelphia)

"MFSB - TSOP (The Sound of Philadelphia)" es un hito musical que encapsula la esencia del sonido distintivo de Filadelfia durante la década de 1970. Lanzada en 1974, esta composición instrumental se convirtió en un himno representativo del renacimiento del soul y el funk que caracterizó la escena musical de la Ciudad del Amor Fraternal en ese período.

La canción, interpretada por la orquesta MFSB (Mother, Father, Sister, Brother) con arreglos de Thom Bell y el productor Kenneth Gamble, encapsula la energía vibrante y la sofisticación musical que definieron la época. TSOP no solo es un acrónimo de "The Sound of Philadelphia", sino que también se convirtió en un sello distintivo de la producción musical de Filadelfia. Desde sus primeros acordes, la canción revela una exuberancia contagiosa, con una sección de cuerdas lujosa y arreglos de viento cautivadores.

El rasgo distintivo de TSOP es la fusión de diversos elementos musicales. Combina la sofisticación de la música clásica con la intensidad del funk y la elegancia del soul, creando una amalgama única que trasciende géneros. La melodía, ejecutada con maestría por la orquesta MFSB, es un despliegue de dinámicas emocionales, desde momentos exuberantes hasta pasajes más melancólicos. Esta versatilidad musical contribuye a la atemporalidad de la canción, que ha perdurado a lo largo de los años.

Uno de los aspectos más notables de TSOP es su capacidad para evocar emociones sin necesidad de letras. La ausencia de palabras permite que la música hable por sí misma, lo que resulta en una experiencia auditiva universal y accesible para personas de todas las edades y trasfondos culturales. La orquestación cuidadosa y la ejecución magistral de los músicos destacan la habilidad de MFSB para comunicar narrativas emocionales a través de sus instrumentos.

El éxito masivo de TSOP no solo radica en su brillante composición, sino también en su impacto cultural. La canción se convirtió en el tema de apertura del programa de televisión "Soul Train", un ícono de la cultura afroamericana que ayudó a consolidar la influencia del soul y el funk en la escena musical. TSOP se convirtió así en un himno no oficial de la cultura negra, celebrando la diversidad y la vitalidad de la comunidad afroamericana en ese momento crucial de la historia de Estados Unidos.

Además de su éxito en los charts, la canción ha sido sampleada y versionada en innumerables ocasiones, demostrando su impacto perdurable en la música contemporánea. Artistas de diversos géneros han reconocido la influencia de TSOP en sus propias creaciones, consolidando aún más su estatus como una pieza fundamental en la historia de la música popular.

MFSB - TSOP es más que una simple canción; es un monumento musical que captura la esencia y la energía de una época dorada en la música de Filadelfia. Su legado perdura a través de su influencia duradera en la escena musical y su capacidad para evocar emociones sin palabras. Este himno instrumental sigue resonando en los corazones de los amantes de la música, recordándonos la magia del "Sound of Philadelphia".

Daniel 
Instagram storyboy