Disco de la semana 299: Tres Hombres - ZZ Top

 

Tres Hombres, ZZ Top

     Año 1973, y los componentes de la formación de rock sureño ZZ Top, Billy Gibbons (guitarra y voz), Dusty Hill (bajo y coros) y Frank Beard (batería y percusión) se embarcan en una nueva aventura que se materializa en julio de 1973 con la publicación de su tercer álbum de estudio, Tres Hombres.

     El álbum es grabado entre los Brian Studios y Ardent Studios de Memphis, Tennessee, y publicado por el sello London Records bajo la producción de Bill Ham, el productor de confianza del grupo hasta el año 1996 donde las funciones de producción las empezaría a realizar el mísmo Gibbons. El título del disco es una clara alusión a los tres componentes de la formación, con un sonido basado en el blues rock con toques de rock & roll y boggie rock. En su momento fue declarado por la crítica especializada como el mejor álbum de la formación de la década de los años 70, teniendo también una buena repercusión comercial, la mejor de la banda hasta el momento, alcanzando el puesto número 8 en la lista estadounidense Billboard 200.

Tres Hombres es un álbum de rock sureño donde también tiene cabida el blues rock e incluso el hard rock. Gran parte de culpa de este magnífico álbum, además del conjunto de buenas canciones que trajo bajo el brazo el grupo, la tiene el productor Bill Ham, quien supo entender y descubrir como grabar de una manera tan simple pero a la vez tan eficaz al trío de Houston para que sonara tan contundente y poderoso. Ese sonido sucio, las guitarras de Billy Gibbons, el empuje del bajo de Dusty Hill y la sección rítmica llevada a la perfección por Frank Beard, hace que todo encaje a la perfección y nos regalen un señor álbum con mayúsculas, 

Abre la cara A Waitin' for the Bus, compuesta por Gibbons y Hill, un tema que durante años las estaciones de radio estuvieron tocando junto con el siguiente corte,  Jesus Just Left Chicago, manteniendo la transición natural del disco. Dusty Hill afirmaba que la canción trataba sobre gente trabajadora, y contaba que una vez fue a Austin desde Houston, decidiendo ir en autobús, algo que no había hecho en mucho tiempo. Aquel viaje fue muy enriquecedor, pues conoció a gente muy singular durante aquel viaje; Jesus Just Left Chicago, acreditada a Gibbons, Hill y Rube Beard, también conocida como Jesus Done Left Chicago, y como hemos comentado anteriormente, el tema que sigue a Waitin' for the Bus, que solía pincharse seguido y sin cortes por las emisoras de radio. Ambas canciones se escribieron por separado, y en el proceso de compilar las pistas para el álbum hubo un "afortunado" error de cálculo del ingeniero que hizo que las dos canciones parecieran una sola. Esta canción tiene una dimensión ciertamente espiritual, y Gibbons relataba que se le ocurrió la idea de esta canción cuando era un adolescente. Se encontraba hablando por teléfono con un amigo conocido como R&B Jr. Este particular amigo tenía en su léxico muchos dichos raros y extraños, y un día estaban hablando cuando éste soltó Jesus Just Left Chicago! (¡Jesús acaba de salir de Chicago!). Beer, Drinkers & Hell, una de las pocas pistas donde la parte vocal corre a cargo del bajista Dusty Hill. Fue compuesta inspirándose en un viaje después de un concierto en Phoenix. Iban conduciendo a través de una tormenta de viento y buscaban un lugar seguro, cuando de repente surgieron las luces nocturnas de un antro al borde de la carretera. Según Billy Gibbons, aquel lugar estaba repleto de gente como ellos, su tipo de gente, no podían estar en mejor sitio. Master Of Sparks, basada en una historia real de Billy Gibbbons en su juventud. El y algunos amigos soldaron una bola con una jaula de acero que ataron a la parte trasera de un camión. Uno de ellos de subía al interior y luego ponían el camión a una velocidad de unas 60 millas por hora. Lo mejor de todo es que dentro de aquella jaula iba alguien siempre en el interior. Tenían que pasar por aquella aventura para recibir el título de Master of Sparks. Indudablemente uno de los que se doctoraron fue Billy Gibbons. Cierra esta trepidante cara A Hot, Blue and Rightheous, un blues cocinado a fuego lento con el que podemos cargar fuerzas para lo que nos espera en la segunda parte.

La cara B comienza con Move Me on Down The Line, un portentoso Rock and Roll que por momentos nos recuerda a los mismísimos Rolling Stones. Precious Grace, donde cuentan la historia en la que Gibbons y Hill tuvieron un encuentro un viernes por la noche con un par de mujeres autoestopistas que acababan de salir de la carcel. Shiek, tema que contiene uno de los mejores trabajos solistas de guitarra, a cargo de Giboons, del álbum. Have Your Heard?, tema que se encarga de cerrar el disco, es un cálido tema de corte sureño. 

Con estos temas ya tendríamos un disco más que redondo, y si encima le añadimos el que falta, el cual me he saltado ha proposito, convenientemente colocado entre Precious Grace y Shiek, pasa a la categoría de obra maestra, La Grange, toda una oda al boogie rock cuyo ya memorable riff de guitarra se inspiró en el tema Shake your Hips de Slim Harpo. Compuesto por los tres componentes, Gibbons, Hill y Beard, el tema hace referencia a un burdel que exisitió de verdad en llamado Chicken Run, el cuál se encontraba situado en las afueras de la ciudad de La Grange, Texas. El burdel Chicken Run también era conocido como La casa de huéspedes de la señorita Edna. Al parecer las señoritas de compañía del burdel tenían visitas semanales con el médico para prevenir cualquier tipo de enfermedad, pues a la señorita Edna le gustaba llevar el negocio en condiciones, preocupándose también por el futuro de la comunidad, pues cuando la ciudad necesitó dinero para la construcción de un nuevo hospital, Edna también fue la primera en hacer una donación, siendo ésta la más grande con diferencia del resto. El burdel Chicken Run fue abierto en 1905, y sería definitivamente cerrado en 1973, ya que un Reportero de televisión de Houston puso su objetivo sobre éste local, iniciando una cruzada personal hasta conseguir que el Gobernador de la ciudad ordenara su cierre definitivo. En la actualidad, el edificio que albergara Chicken Run, y que fue motivo de inspiración para Gibbons y compañía, se encuentra abandonado.

0665 - Moondance - Van Morrison

0665 - Moondance - Van Morrison

Moondance se grabó en Mastertone Studio en la ciudad de Nueva York en agosto de 1969, con Lewis Merenstein como productor.

La canción se toca principalmente acústicamente, anclada por una línea de bajo, el bajo eléctrico es tocado por John Klingberg, con acompañamiento de piano, guitarra, saxofones y flauta con los instrumentos tocados con un suave swing de jazz. 

Es una canción sobre el otoño, la estación favorita del compositor. Hacia el final de la canción, Van Morrison imita un saxofón. La canción también presenta un solo de piano, interpretado por Jef Labes, seguido inmediatamente por un solo de saxofón alto de Jack Schroer. La canción termina con un trino de la flauta durante la cadencia que se desvanece. El solo de Schroer a menudo se destaca como uno de los solos de saxofón más influyentes en la música popular. 

El periodista musical Erik Hage escribió que la importancia de la canción "está en su enfoque directo del jazz", ampliando esa observación con "Astral Weeks tenía sugerencias de jazz, pero esta canción tomaría el género de frente. Se convertiría en la canción más exitosa y exitosa de Van Morrison". composición de jazz definitiva". El crítico musical Johnny Rogan describió Moondance como una "celebración de la naturaleza", "expresada a través de una unión de amantes en el aire nocturno". 

 Moondance fue escrito y desarrollado mientras Van Morrison vivía en Cambridge, Massachusetts. Comentó: "Con 'Moondance', escribí la melodía primero. Toqué la melodía en un saxo soprano y sabía que tenía una canción, así que escribí la letra para acompañarla. Esa es la forma en que la escribí. Realmente no tengo palabras para describir particularmente la canción, sofisticado es probablemente la palabra que estoy buscando. Para mí, 'Moondance' es una canción sofisticada. Frank Sinatra no estaría fuera de lugar cantando eso".

El guitarrista de su banda en ese momento, John Sheldon, recuerda que durante el verano de 1968, en un ensayo, la banda tonteaba con un tema de Broadway llamado “Lazy Afternoon” lanzado en 1967 en una versión de jazz de Grant Green. Van Morrison solicitó algunos cambios y comenzó a cantar una melodía que eventualmente se convertiría en "Moondance".

Daniel 

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0663.- Into The Mystic - Van Morrison

 

Into The Mystic, Van Morrison

     El 28 de febrero de 1970 se publica el tercer álbum de estudio del aritsta norirlandés Van Morrison, titulado Moondance. Este disco es grabado entre agosto y noviembre de 1969 en los A&R Studios de Nueva York, bajo la producción del propio Van Morrison y de Lewis Merenstein, y publicado bajo el sello discográfico Warner Bros Records.

Con la publicación de su anterior trabajo, Astral Weeks, Morrison obtuvo un amplio reconcimiento por parte de la prensa musical, pero por otro lado los resultados comerciales fueron bastante pobres, llegando a alcanzar el puesto 140 en las listas de Estados Unidos y no llegando a entrar las del Reino Unido. Astral Weeks había sido un éxito creativo, pero por otra parte no daba frutos económicos y Morrison se encontraba entre la espada y la pared. Van Morrison empezó a interesarse por todos los aspectos creativos, artísticos y productivos de su trabajo, desde la grabación hasta la distribución y promoción, lo cual reflejaría en Moondance. 

Con Moondance, Morrison consiguió revertir la situación, consiguiendo alcanzar el puesto número 29 en la lista estadounidense Billboard 200. En 2003 la revista Rolling Stone situó Moondance en el puesto 65 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, recolocándolo en el pueso 120 en esta lista editada en 2020. 

Incluido en este disco se encuentra Into The Mystic, una canción escrita por Van Morrison que presenta un tempo tranquilo, a medio ritmo, y que curiosamente se ha convertido en una de las canciones más escuchadas por los médicos mientras operan. La canción habla de un marinero en el mar que piensa en volver con su amante. Más allá de la leera, la canción trata de la busqueda espiritual, temática muy frecuente en el trabajo de Morrison. Hay quien interpreta el tema como una afirmación de que la vida es finita y debe aprovecharse y vivirse al máximo, y una aceptación de su inevitable final. Cuando has visto el mundo y has amado a alguien, no debrías temer el final porque has aprovechado tu vida, has vivido al máximo.

0661-. The Boxer - Simon & Garfunkel

 

The Boxer, Simon & Garfunkel

     El 26 de enro de 1970 se publicaba Bridge Over Troubled Water, el quinto y último álbum de estudio del dúo de fol rock estadounidense Simon & Garfunkel. El disco fue realizado durante el mes de noviembre de 1968, donde se grabaron 2 pistas, y durante el mes de noviembre de 1969 donde se grabaron el resto de pistas, entre los Columbia Studio B y E de Nueva York y los CBS Columbia Square de Los Ángeles, ambos propiedad de Columbia Records, quien lanzaría el álbum al mercado. El disco fue producido por el dúo Simon & Garfunkel y por el ingeniero y productor estadounidense Roy Halee.

Simon & Garfunkel, con la ayuda del productor Roy Halee, siguieron el patrón musical de su LP Bookends, apostando por un disco más ambicioso y abandonando en parte su tradicional estilo para incorporar elementos de rock, R&B, gospel, jazz, world music, pop entre otros géneros.

Incluido en éste último trabjo del dúo se encuentra The Boxer, una balada folclórica escrita por Paul Simon, quien ya había escrito parte de la misma en 1968. El tema además de ser publicada en Bridge Over Troubled Water fue lanzado como sencillo en marzo de 1969. La grabación del tema se convirtió quizás en en la más larga y dura del grupo, pues duró más de 100 horas y se llevó a cabo en varios lugares. La segunda parte principal fue grabada en Nashville, en los Columbia Studios enre el 6 y el 8 de diciembre de 1968, la tercera parte final y los metales fueron grabados dentro de la Capilla de St. Paul en la Universidad de Columbia, y las cuerdas en los Columbia Studios. Simon & Grafunkel fueron de los primeros músicos en utilizar grabación de 16 pistas, pero como sólo había dos grabadoras de 8 pistas disponibles, ambas tenían que sincronizarse muy bien de forma manual para producir el sonido de forma correcta y clara. Simon encontró inspiración para esta canción en la Biblia, la cual solía leer a veces en los hoteles. La frases Workman's Wages (salario del trabajador) y Seeking out the poorer quarters (buscar los barrios más pobres) provienen de pasajes de la misma. 

Sobre The Boxer, Paul Simon llegó a afirmar que escribió esta canción cuando los críticos criticaban duramente su música: él era "The Boxer" (El Boxeador). Simon afirmaba que la canción trataba sobre él, y que pasaron unos dos o tres años antes de que la gente se diera cuenta de que eran simplemente dos tipos de Queens que solían cantar rock and roll, y que no eran cantantes puramente de folk.

Tina Turner - Tina Turns the Country On! #MesTinaTurner

 

Tina Turns the Country On!, Tina Turner

      Comienza un nuevo mes, junio, y toca despedir y dejar marchar a Led Zeppelin, grupo que nos ha acompañado durante el mes de mayo, y dar la bienvenida al artista que nos va a acompañar durante este mes que entra. Damos la bienvenida a una cantante, compositora, bailarina, actriz y coreógrafa de nacionalidad suiza y origen estadounidense que, con una carrera de más de cincuenta años, se ha convetido por derecho propio en uno de los mayores referentes musicales de la historia, siendo apodada "Queen of Rock 'n' Roll". Bienvenidos al mes de Tina Turner, una mujer que primero saltó a la fama junto con su por entonces esposo Ike Turner con el dúo Ike & Tina Turner. Pero no fue un camino fácil, pues mientras probaba las mieles del éxito junto con Ike Turner, paralelamente sufría continuos episodios de violencia domestica por parte de éste. Tina, todo valentía y carácter, fue capaz de dejar todo aquello atrás y de lanzarse hacia una exitosa carrera en solitario. Y precisamente aquí, en 7dias7notas vamos a dedicar el mes de junio a desgranar la discografía en solitario de esta maravillosa artista.

Nos encontramos en 1974 y Tina todavía forma parte del dúo Ike & Tina Turner.  Su todavía esposo Ike Turner quería que Tina llegara a una audiencia más amplia, y en ese contexto se graba el primer álbum de estudio en solitario de Tina, Tina Turns the Country On!. El disco es grabado en junio de 1974 en los Bolic Sound estudios de Inglewood, California, propiedad de Ike Turner, quien no participó en la grabación del álbum ni estuvo presente mientras se grababa el mismo. El álbum es producido por el reconocido productor de Nashville Tom Thacker, y publicado bajo el sello discográfico United Artists en septiembre de 1974. Para la grabación del material Tina cuenta con la colaboración de Mark Creamer, James Burton y JD Minnis a las guitarras, Glen Hardin y John Hammond al piano, Joe Lamano al bajo, Mike Botts a la batería, Tom Scott al saxo y la flauta, y Terrance Lane a la percusión.

El disco debut de Tina es un compendio de versiones de varios artistas de música country y folk, entre los que se encuentran Kris Kristofferson, Bob Dylan, Olivia Newton-John, James Taylor o Dolly Parton. La cantante se abre a otros estilos como el country, el folk y el soft rock, y es capaz de moldear su voz desde los registros y tonos más suaves hasta los más fuertes y ásperos, siendo capaz de adaptarse a cada tema y hacerlo suyo, demostrando una gran habilidad para cantar otros géneros musicales. De este álbum no se lanzó ningún sencillo y aún así le valió a Tina su primera nominación al premio Grammy a la Mejor Interpretación vocal de R&B. 

El álbum, como ya hemos comentado, es un compendio de versiones que Tina realiza, de forma brillante, de clásicos de la música country y del folk, entre las que destacan There'll  Always Be Music de Dolly Parton; Help Me Make It Through the Night escrito por Kris Kristofferson en 1970, inspirándose para escribirla en una entrevista de Frank Sinatra que había aparecido en la prestigiosa revista Esquire, y en la que el cantante afirmaba que era creyente en cualquier cosa que le ayudara a pasar la noche, mujeres, alcohol o una biblia...; Tonight I'll Be Staying Here With You, compuesta por Bob Dylan en 1969. Un tema donde la letra nos relata la devoción del protagonista por su amante y su deseo de quedarse con el/ella; La balada pop con sabor a country If You Love Me (Let Me Know), escrita por John Rostill, integrante del grupo The shadows, y que había sido popularizada en abril de 1974 por Olivia Newton-John; He Belongs to Me, otra composición de Bob Dylan, compuesta por el artista en 1965, y de la que siempre se especuló que podía haber sido escrita sobre la ex novia de Dylan, Suze Rotolo o también sobre Joan Baez, Nico o Sara Lownds, esta última con la que el artista se casaría en 1965; o I'm Moving On, escrita por el artista de música country canadiense-estadounidense Hank Snow en 1949, grabado por él mismo en 1950, y que supuso su primer gran éxito. Una canción que también había sido versionada anteriormente por artistas como Ray Charles, Rolling Stones o Elvis Presley. 

Tina Turns the Counry On! es consierado el primer álbum en solitario de Tina, aunque todavía formaba parte del dúo Ike & Tina Turner. Fue grabado en un contexto algo atípico, en un intento de Ike Turner porque Tina llegara a una audiencia de otros géneros musicales, más amplia, y Tina lo grabó sin ninguna aportación ni colaboración de Ike, dando como resultado un excelente álbum, y demostrándose a sí misma que no le hacía falta estar bajo el represivo yugo de nadie para triunfar. Dos años después de la grabción de este álbum Tina abanonaría la represiva y tóxica relación con Ike Turner y empezaba a forjar su leyenda en solitario.

El disco de la semana 278: Santana III - Santana

 

Santana III, Santana

Nos encontramos en 1971, y la banda Santana con Carlos Santana al frente, y acompañado de Gregg Rolie (vocalista, teclados, piano), Neal Schon (guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería, percusión), José "Chepito" Arias (percusión, conga, timbales, batería), y Mike Carabello (percusión, conga, pandereta) se encuentra en su momento más álgido. Entre enero y julio de 1971 la banda publica su tercer álbum de estudio, Santana III, otro gran álbum a la altura de los dos anteriores, y que será el último disco grabado con la formación clásica, ya que en el siguiente se producirán numerosos cambios en la formación. Con Santana III la banda iba a cerrar una imprescindible trilogía junto a los aclamados Santana  y Abraxas.

Santana III, también conocido como Man With an Oustretched Hand (Hombre con una mano extendida), por la imagen de la portada del álbum, es grabado entre enero y julio de 1971 en los estudios Columbia de San Francisco, bajo la producción del mismo grupo, y publicado en septiembre de 1971 por el sello discográfico Columbia Records. Este disco supondrá el último de la llamada formación de la "era de Woodstock" hasta su posterior reunión en Santana IV, en 2016. El grupo había alcanzado la cima de la popularidad, y esto se notó en las listas de ventas, pues Santana III alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200. 

Santana siguen con la formula de sus anteriores trabajos, mezclando con maestría rock, jazz, blues y sonidos latinos. Abre la Cara A Batuka, acreditada  "Chepito", Brown, Carabello, Rolie y Shrieve. Un genial instrumental compuesto bajo el patrón de una conga, un tema abrasador con una genial sección rítmica a la que pone la guinda un Neal Schon con esos brutales sólos de guitarra. No One to Depended On, acreditada a Carabello, Rollie y Cove Escobedo (percusionista adicional de la banda en esa época). Otro tema con una base muy instrumental, con unos magníficos riffs de bajo y guitarra y una larga introducción instrumental. El tema contiene poca letra, y donde se repite prácticamente todo el tema "Ain't got nobody that i can depend on". Este tema fue lanzado como segundo sencillo el álbum. Taboo, escrita por "Chepito" y Rolie. Un tema con claro sabor a blues donde el protagonista está enamorado de la chica de sus sus sueños pero tiene miedo a dar el primer paso por temor a perderla. Cierra esta primera cara Touissant L'Overture, acreditada a "Chepito", Rolie, Brown, Carabello, Shrieve y Santana. La canción lleva el nombre de un antiguo esclavo hatiano que ayudó a su país a independizarse de Francia en 1804. El tema es prácticamente un instrumental, ya que tiene apenas unas pocas letras. Es maravilloso escuchar la perfecta comunión de la guitarra con las percusiones. 

La cara B comienza con Everybody's Everytihing, acreditada a Carlos Santana, Milton Brown y Tyrone Moss. El sólo de guitarra de este tema es obra de Neal Schon, y es la primera vez que el grupo utilizó músicos invitados, nada más y nada menos que la sección de metales de la mítica banda Tower of Power, y el resultado no puede ser mejor, porque la sección de la mítica banda de funky encajan a la perfección. Guajira, acreditada a Brown, "Chepito" y Rico Reyes, un temazo con una pegadiza y rítimica melodía latina donde estos muchachos nos animan a bailar. Muy destacables el trabajo de la trompeta y la guitarra en este tema. Jungle Strut es un instrumental compuesto por el reconocido saxofonista tenor de jazz estadounidense Eugene "Jug" Ammons, y donde Carlos Santana y Schon hacen las delicias de nuestros oídos con sus guitarras. Everything's Coming Our Way, escrita por Carlos Santana, y donde él mismo asume el rol de vocalista, cosa rara por entonces, pues el rol de vocalista solía ser asumido por Gregg Rolie. Muy destacable el piano de Rolie es este tema con esos sutiles cambios que nos regla durante el tema. Cierra la cara B, y por tanto este magnífico álbum, Para los Rumberos, escrita por el genial músico, compositor y compositor  Tito Puente. En su disco anterior, la banda ya había realizado una versión de un tema de Tito Puente, Oye Como Va, y en este disco vuelven a repetir con este número de baile donde el músico de jazz Luis Gasca colabora tocando la trompeta. 

El disco, llamado III o Santana III para diferenciarlo del primero, también conocido como el disco del "Hombre con una mano extendida", cerraba una magnífica trilogía y donde además de la clásica formación, se unía un segundo guitarrista, un jovencísimo Neal Schon con apenas 17 años de edad. A partir de aquí se abriría una etapa donde la banda se dedicaría a realizar álbumes de corte más experimental.

Led Zeppelin - In Through the Out Door (Mes Led Zeppelin)

En medio de la grandiosa pero problemática gira norteamericana de Led Zeppelin, Robert Plant recibe la horrible noticia de que su pequeño hijo ha fallecido trágica y repentinamente, el resto de la gira se canceló y Zeppelin se retiraron por un tipo, se volvieron a juntar en 1978 para grabar su último álbum, In Through the Out Door. Lo que entregaron fue un disco muy singular en su carrera, quizás es el más flojo de su discografía, los primeros seis álbumes representan una banda poderosa y enérgica, que experimenta un inmenso crecimiento creativo con cada lanzamiento posterior en Through the Out Door, se nota la apatía y las pocas ganas de seguir.

 

'In the Evening' suena como si fuera un esfuerzo para crear un "rock de Zeppelin", pero es en vano, la introducción  con un sonido oriental recuerda un poco a 'In the Light', el sintetizador y la guitarra se fusionan para crear una textura única durante el riff principal, evitando así que suene demasiado obvio, y el puente silencioso en medio del solo de guitarra es increíble, incluso el coro "Oh, necesito tu amor" es terrible, pero el resto de la canción lo compensa. “South Bound Saurez”, es un pequeño funky - shuffle latino, con una guitarra igualmente descuidada y voces y letras poco entusiastas, aunque el piano y la percusión de John Bonham lo redime un poco... pero estas ya son dos de las siete pistas: ¿estaban tan escasos de material completo que tuvieron que incluir tales bichos raros?. "Fool in the Rain" es otra canción extraña de la colaboración Jones/Plant que impulsó este álbum, inspirada en la música de samba que escucharon durante las transmisiones de la Copa del Mundo de 1978 que se había llevado a cabo en Argentina, grande una vez mas el piano de Jones, el riff de Page es por una vez más moderado, la percusión de John Bonham está perfecta durante toda la canción, esta canción el último sencillo de Led Zeppelin, llegando al número 21 en los Estados Unidos en febrero de 1980.

 

“Hot Dog” es un caso particularmente extraño: es una aproximación mayormente inofensiva del country rock con algunas pistas de guitarra irremediablemente pegajosas y algunas letras cursis de último momento, y aunque su existencia está bien, su inclusión en el álbum es alarmante, puede ser literalmente una de las peores canciones que Led Zeppelin haya grabado. Sin embargo, es completamente obvio que no iban en serio, así que realmente no puedo reprocharles nada. Sin embargo, admito que de vez en cuando pongo esta canción porque y me quedo con que es una canción divertida. “Carouselambra” es la epopeya de In Through the Out Door, y aunque sigue los pasos de 'Achilles Last Stand', 'Kashmir', 'In The Light' y similares, es único en la discografía de Zeppelin por estar totalmente dominado por sintetizadores en lugar de guitarras, de hecho, los acordes de sintetizador de fanfarria amenazan con ahogar las voces (una pena, porque la letra es genial) y los acordes mínimos de guitarra. Sin embargo, Carouselambra se revela como una verdadera epopeya de Zeppelin, abriéndose camino a través de varios movimientos diferentes, una canción intrigante y la señal más clara del álbum de que todavía había energía creativa en el campamento de Zeppelin. “All My Love”, que fue la oda de Robert Plant a su hijo de cinco años fallecido, estamos ante una de las letras que ha hecho nunca, y la música se adapta perfectamente al estado de ánimo: la transición al puente y de regreso en particular (y esa guitarra clásica, Dios mío), donde Bonham se retira y Jimmy Page toca esas maravillosas y discretas curvas, es una de las cosas más hermosas que he escuchado en toda mi vida. En el cierre “I'm Gonna Crawl”, tenemos a Zeppelin manteniéndose fiel a sus raíces de blues mientras continúa mirando hacia el futuro (es decir, está tan dominado por sintetizadores como el resto del álbum), esa introducción de sintetizador 'romántica' es bastante hermosa, al igual que la guitarra desgarradora: suena como si tomara cada parte de La energía de Jimmy Page para hacer que su frágil yo evoque esas melodías... y Robert Plant se adapta bastante bien a su nuevo estilo vocal aquí. En ese sentido, cabe mencionar que Plant suena totalmente diferente aquí que cualquier otro álbum de Zeppelin; tal vez algún tiempo lejos del micrófono permitió que su voz se transformara en este tono más suave y 'maduro'.

In Through the Out Door es irregular, pero captura el sonido de una de las bandas más grandes del planeta que tira los dados y evoluciona su sonido para seguir siendo relevante a medida que ingresan a una nueva década. Claro, hay un par de fallas, pero al menos no están produciendo lo mismo perezosamente. Apenas 13 meses después del lanzamiento de In Through the Out Door , John Bonham fallecería, y Plant, Jones y Page posteriormente anunciarían que no podían continuar sin su amado compañero de banda. Y esto fue todo lo que nos dio Led Zeppelin, dejamos a un lado la colección de cosas raras, Coda y un puñado de lanzamientos de archivo / reunión en vivo y cerramos el #MesLedZeppelin con In Through the Out Door sabemos que está lejos de ser perfecto: en mis peores momentos me encuentro cuestionando el sentido de su existencia, pero sus mejores momentos son tan valiosos como cualquier otro momento en el catálogo de Zeppelin. Ciertamente, no es tan horrible como muchos te harán creer: después de todo, Zeppelin estaba entre las bandas menos modernas en 1979, por lo que tal vez todavía quede un poco de residuo elitista en lo que respecta a la opinión popular sobre el álbum.

Led Zeppelin - Presence - (Mes Led Zeppelin)

 

Presence, Led Zeppelin

     El año 1975 fue un año muy importante para Led Zeppelin, pues con la publicación de Physical Graffiti, pues este trabajo está considerado como uno de los mejores de la banda, y además le sirve para afianzarse y coronarse como una de las mejores bandas de rock de la historia. Sin embargo cuando todo iba sobre ruedas, el grave accidente automovilístico sufrido por Robert Plant en la isla griega de Rodas corta en seco la acelerada dinámica de trabajo del grupo. Desde el accidente el grupo se mantiene en segundo plano hasta la difícil y larga recuperación de Plant, la cual se produce a finales de 1976.

El siguiente álbum de estudio de la banda, Presence, es concebido tras las lesiones sufridas por Plant en el citado accidente automovilístico. Un accidente que obligó a posponer la gira mundial que el grupo tenía planeada para 1975 y 1976. Durante ese periodo de convalecencia Plant lo pasó en Malibú (California), y el cantante y Jimmy Page escribieron material de sobra para poder empezar a trabajar en el siguiente álbum de estudio de la banda, empezado a trabajar con dicho material en el Hollywood's SIR Studio de Los Ángeles, California.

Dicho disco es grabado en los Musicland Studios de Múnich, Alemania durante tres semanas, concretamente entre noviembre y diciembre de 1975, con Plant en una silla de ruedas debido a su convalecencia. Tanto Plant como Page habían planeado que Presence supusiera la vuelta a la simplicidad y la espontaneidad tras los complejos discos anteriores. Es el único disco de la banda que no incluye pistas acusticas ni teclados, a excepción de Candy Store Rock, que contiene una sutil pista audible de guitarra acústica en el canal izqierdo. El disco es producido por Jimmy Page y Peter Grant y publicado el 31 de marzo de 1976 por bajo el sello discográfico Swan song Records, el cual había sido creado por Led Zeppelin en 1974 con la finalidad de poder trabajar sin la presión que ejercían los potentes sellos discográficos. 

La potada y el libreto del álbum son dignos de análisis, pues fueron creados por Hipgnosis, que era un colectivo de diseño gráfico creado en Inglaterra en 1968, y que habían trabajado para otras bandas como Pink Floyd, Genesis o Black Sabbath entre otros. En portada y libreto se muestran imágenes de personas interactuando con una especiede obelisco negro. Dentro del libreto, al artefacto se le conoce simplemene como "El Objeto". El título del álbum, Presence, se encuentra en la carátula frontal del álbum y en relieve, al  igual que el logo de la discográfica del grupo, "Swan song", y se encuentra en la carátula trasera del disco. El llamado "El Objeto" representa la fuerza y la presencia del grupo y sus miembros, John Bonham, John Paul Jones, Jimmy Page y Robert Plant, y como elllos y su música era tan poderosa que no necesitaban estar en la portada. Con ello pretendían hacer reflexionar a la audiencia del significado real de la música. Para el fondo de la portada se elegió un puerto totalmente artifical instalado en el Centro de Exhibiciones Earls Court de Londres, Reino Unido. En el interior del disco hay imágenes, también diseñadas por Hipgnosis, que fueron creadas para parecer algo que aparecía en la revista National Geographic, donde aprecen varios escenarios, y donde siempre está presente "El Objeto". La contraportada muestra otra escena, concretamente una clase donde se encuentran una maestra y aparentemente dos de sus alumnos y donde no pude faltar otra vez la presencia de "El Objeto" que se ecuentra en forma de un dibujo en la pared. La niña alumna aparece también en la portada de House Of The Holy.

Abre la cara A el tema más largo del álbum, Achilles Last stand, con una duración de poco más de 10 minutos y acreditada a Page y Plant. La temática de la canción trata del héroe mitológico Aquiles. Plant tenía un gran interés por la mitología griega. Según cuenta el mito, Aquiles fue sumergido en el río Styx para hacerlo inmortal. Su madre lo sujetó del talón dejando esa parte sin sumergir y por lo tanto vulnerable. París lo mató en la Guerra de Troya al clavarle una flecha en dicho talón. Plant escribió la letra en uno de sus viajes por Marruecos, Grecia y España, y se inspiró también en la poesía de William Blake, autor que estaba leyendo en aquel momento. La música se inspiró en las tradiciones flamenca y marroquí. For Your Life, es unaa canción que se hace notable al tener varios riffs que se siguen unos a otros y se superponen. En este tem Jimmy Page tocó una Fender Stratocaster de 1962 que le había regalado Gene Parsons. Las letras fueron escritas por Plant y expresan su descontento con la vida desenfrenada que rodeaba el mundo del rock. También hacían referencia, como afirmara más adelante, a un amigo suyo que tuvo problemas con las drogas. Royal Orleans es el tema que cierra la cara A, el único tema del álbum escrito por los cuatro miembros del grupo. La canción se basa en un hotel de que había en la ciudad de Nueva Orleans y donde le gustaba mucho pasar el tiempo al grupo, y trata sobre un tipo que recoge a una drag queen, pasa la noche con ella, y descubre a la mañana siguiente que esta persona es un hombre. Los cuatro miembros del grupo solían frecuentar los bares de ambiente gay en Nueva Orleans ya que les resultaban mucho más divertidos y nadie les solía molestar para pedirles autógrafos. 

La cara B comienza con Nobody's Fault But Mine, escrita por Page y Plant y basada en una pieza tradicional de blues que fue grabada por primera vez por Blind Willie Johnson en la década de los años 20. En la versión del grupo le fueron agregados  unos versos adicionales escritos por Plant. Sobre el significado de la canción hay varias teorías, una sostenía que trataba sobre la floreciente adicción a la heroína de Page, otra decía que era comparable a la canción "Hellbound On My trail" de Robert Johnson, en el sentido de que Plant lamentaba un supuesto trato de Led Zeppelin con el diablo, y había una tercera vertiente que sostenía que Plant en esta canción se disculpaba por la canción "In My Time Of Dying", de la cual dijo después de su accidente que nunca volvería a cantar jamás. Candy Store Rock, canción que tiene y combina de forma brillante hard rock, funk y rock and roll. La canción se inspiró en el rock de principios de los años 50 y Plant reunió en las letras partes de canciones de Elvis presley. La banda escribió este tema en apenas una hora en un estudio de Alemania, el motivo, la presión que tenían para terminar el álbum Presence, ya que los Rolling Stones necesitaban grabar en dicho estudio. Hots On For Nowhere salió como una versión alternativa de la canción Custard Pie, incluido en Physical Graffiti (1975). En el tema vuelve a tener inspiración en el funk. Robert plant escribió la letra en Malibú mientras se recuperaba del accidente automovilístico, y la banda escribió el resto en los citados Musicland Studios de Munich y ante la premura por acabar el disco rápidamente para liberar el estudio para que pudiera ser usado por los Rolling Stones. En la letra Plant, aparte de reflejar su situación por el accidente, también se hacía eco de su frustración con Jimmy Page y su mánager Peter Grant, de quienes Plant estaba convencido de que no eran sensibles con su estado en ese momento. Cierra la cara B y por tanto el álbum Tea for One, tema que tiene una duración de algo más de 9 minutos, siendo la segunda más larga del disco. La canción fue compuesta en la línea de "Since I'Ve Been Loving You ", del álbum Led Zeppelin III (1970), canción que era una de las favoritas del grupo para tocarla en los conciertos. Robert Plant escribió la canción mientras se encontraba en un hotel de Nueva York el sólo tomándose un té. Contiene una letra muy reflexiva este blues lento, y en él Plant mostraba la soledad que sentía al estar constantemente en la carretera con motivo de los viajes y las giras. Una de las razones de la banda por las que estaban mucho tiempo fuera de Inglaterra con tanta frecuencia para hacer giras y grabar era la de evitar pagar impuestos allí.

Disco de la semana 263: Live at the Boston Tea Party - Fleetwood Mac

 

Grabadas durante un legendario fin de semana en 1970, vamos a intentar condensar estas grabaciones en vivo de la formación de tres guitarras de Fleetwood Mac. Por primera vez en la historia del rock británico habría una banda con tres guitarristas permanentes sobre un escenario y serían muy bien recibido tanto por el público europeo como por el americano gracias al gran espaldarazo que recibieron por parte de Carlos Santana al versionar “Black Magic Woman". En abril del setenta recalaron en la ciudad de Boston para grabar un álbum en vivo y durante tres noches desplegaron todo su arsenal de buen blues mamado desde los días en que la juventud inglesa se agolpaba en los puertos en búsqueda de discos de los dioses del Mississippi. Por ese entonces la banda no pasaba por su mejor momento, aunque este detalle no hacia mella en lo artístico. Esta grabación permaneció celosamente guardada por muchos años sin conocer motivo alguno hasta su aparición en formato digital en 1998, aunque  tuvimos un adelanto en 1985 con solo siete canciones del concierto bajo los nombres de Live In Boston. Hoy te queremos acercar las tres noches completas en que los Fleetwood Mac demostraron porque fueron tan importantes para el blues anglosajón, al galope de sus temas clásicos, versiones de sus maestros (Elmore James, BB King) y alguna rareza como el Tutti Frutti de Little Richard o el Great Balls Of Fire del indomable Jerry Lee Lewis. Este encuentro tuvo como único invitado al siempre recordado Joe Walsh a la guitarra en el tema "Encore Jam" ya que los James Gang oficiaron el acto de apertura durante las tres

 

El Vol.1 comienza fuerte con "Black Magic Woman", luego entretejiendo sus líneas de guitarra líquidas se marcan una brutal y desgarradora versión lenta de "Jumping at Shadows" de Duster Bennett, para desencadenar en una versión de 25 minutos que antes no estaba disponible de "Rattlesnake Shake", Green canta y toca con una autoridad estremecedora esta versión extendida y demuestra que Green era un maestro de la improvisación, haciendo referencia a sus raíces de blues incluso cuando volaba por otros caminos al menos igual de fascinantes como las de Allman Brothers o Grateful Dead, lo que tenemos se puede resumir como una excelente oda a la masturbación y podría ser la mejor improvisación de Fleetwood Mac jamás realizada en su historia. Jeremy Spencer toma la delantera en dos divertidas versiones de Elmore James, "I Can't Hold Out" y "Got to Move", esta última viendo la luz del día después de estar escondida durante 29 años. Este primer volumen se cierra con el proto-metal de "The Green Manalishi" en una versión desenfrenada de 13 minutos que deja el single original de cuatro minutos como una curiosidad, con un solo de batería serpenteante y desenfocado. Sin duda este primer volumen es el más compacto y variado de los tres álbumes, y se recomienda para los recién llegados que no están interesados ​​en el conjunto completo.

 

El Vol.2 del concierto comienza fuerte con un “World in Harmony” flotante, la única pista coescrita por Peter Green/Danny Kirwin en el catálogo de Mac, y que, curiosamente, nunca apareció en un álbum de estudio. Un "Oh Well" abreviado pero agresivo (solo la apertura oscilante) da paso a un "Rattlesnake Shake" de media hora que es más estridente, impulsor e intenso que la versión de tono más bajo y ligeramente más rígida que en el Vol. 1. La interacción entre Kirwin y Green aquí es asombrosa, ya que se empujan mutuamente más allá de los límites anteriores, impulsados ​​por la contundente sección rítmica de John McVie y Mick Fleetwood. Jeremy Spencer recorre concisas versiones de "Stranger Blues" y "Red Hot Mama", dos versiones candentes y nerviosas de Elmore James. Pero el espectáculo se vuelve descuidado con su tributo al doo wop de los años 50 "Teenage Darling, la banda trota a través de algunas versiones de Little Richard aceleradas, entusiastas, pero no esenciales, redimidas por los tambores de Fleetwood que se entrelazan a lo largo de diez minutos de "Jenny Jenny". Puede que suene genial, pero las pistas no logran trasmitir lo que era el  impacto visual de los tres guitarristas contorneándose. Este vol 2 termina con un jam de 12 minutos nunca antes escuchado simplemente titulado "Encore", donde Joe Walsh de la banda de apertura The James Gang, se une para tener en el escenario una cuarta guitarra. Intermitentemente interesante, las guitarras cuádruples que intercambian pistas y riffs crean una música predeciblemente desordenada y desenfocada. Los seguidores de la banda durante estos primeros años pueden encontrarlo como una curiosidad pasajera, pero para la mayoría de la gente que estuvo en el concierto fue algo increíble.

 

El Vol.3 es una mina de oro para los fanáticos de esta línea de Mac, ya que presenta la increíble cantidad de seis pistas (más de 35 minutos) de material recién descubierto. Lo más importante es que casi toda esta música es de una calidad excepcional. Desafortunadamente, la pieza central del álbum, una intensa versión de blues lento de once minutos de "If You Let Me Love You" de BB King, está estropeada por el micrófono muerto de Peter Green, lo que le da a su voz una calidad hueca.

Pero su guitarra ataca con una claridad sorprendente, mientras empuja y se relaja alternativamente con estilo y moderación. Green masajea hábilmente su solo, y la banda le da mucho espacio para navegar, haciendo de esta una de las actuaciones más apasionantes de los tres discos. Una versión instrumental de "Coming Your Way" de Danny Kirwin es otra incorporación reciente y, a lo largo de sus siete minutos, las guitarras en duelo de Kirwin y Green pelean con los tambores tribales de Mick Fleetwood creando un torbellino rítmico que frustrantemente se desvanece antes de que termine. Jeremy Spencer saca cuatro versiones de Elmore James con una versión descubierta recientemente de "The Sun is Shining" como punto culminante. Surgen algunas viejas canciones de Little Richard, y una versión deshilachada pero propulsora de "Tutti Frutti", donde la banda se relaja y rockea con clase y moderación, muestra cuán innovadores podrían ser incluso trabajando con el material de tres acordes. Un cierre notablemente sutil, "On We Jam" de ocho minutos demuestra que incluso con tres guitarristas talentosos compartiendo pistas, las habilidades de improvisación de esta banda eran insuperables. No es el álbum más cohesionado del trío, seguramente tampoco será el más fácil de escuchar, lo que está claro que es algo que el amante de la música tiene que escuchar… sí o sí.

Disco de la semana 259: U. k. - U. K.

 

U. K.

     Para la recomendación de esta semana tenemos preparado un grupo que durante su primera y corta etapa (1977-1980), y gracias a su gran calidad fueron capaces de desplegar una amplia gama de géneros que van desde el rock progresivo hasta el jazz fusión. Con todos vosotros U. K.

La banda es fundada por el bajista John Wetton (Family, Uriah Heep, Roxy Music) y el baterista Bill Bruford (Yes), quienes habían coincidido trabajando juntos en la formación King Crimson desde 1972 hasta la disolución del grupo en 1974. En julio de 1976 Bruford se encuentra ayudando a Wetton para la grabación de unas demos para un álbum en solitario del bajista. Posteriormente los dos deciden formar una banda en septiembre de 1976 junto con el teclista Rick Wakeman, quien había trabajado anteriormente en Yes con Bruford. Pero el proyecto se da de bruces ante la negativa del sello discográfico A&M Rcords, quien tiene los derechos de Wakeman, ya se niegan a dejar salir a su estrella. Desechado el fichaje de Wakeman, Wetton y Bruford deciden ir a  por Robert Fripp para reflotar King Crimson, pero este se niega.

John Wetton y Bill Brufod deciden entonces que cada uno elegirá a un músico para formar una nueva banda. Con esa idea en la cabeza Wetton decide traer a Eddie Jobson (Teclados, violín eléctrico), quien había trabajado anteriormente en Curved Air y con Frank Zappa y al que conoce de su etapa en Roxy Music, y Bruford se trae a Allan Holdsworth (guitarra), quien ya había trabajado anteriormente en Soft Machine, Gong, Tempest y The Tony Williams Lifetime. El nombre elegido para el grupo: U. K.

La formación de la banda coincide con la introducción del famoso sintetizador yamaha CS-80, instrumento que será determinante en el grupo, pues se convertirá en una parte muy importante en el desarrollo del sonido del grupo. Una vez conformada la banda, esta publica en 1978 su primer álbum de estudio, de título homónimo: U. K., un trabajo que gracias a la maestría musical de los cuatro componentes, unos ritmos más que complejos, sus armonías de jazz, sus métricas mixtas, el trabajo de violín eléctrico y las inusuales sonoridades del nuevo sintetizador a cargo de Jobson y la forma y estilo de tocar la guitarra de Holdsworth, se convertirá de largo en uno de los mejores álbumes de rock progresivo y jazz fusión de la década de los 70, y por tanto también de la historia. 

El disco es grabado entre diciembre de 1977 y febrero de 1978 en los Trindent Studios de Londres bajo la producción misma del grupo, y publicado en marzo de 1978 bajo el sello discográfico E. G. El disco obtuvo en su momento una buena aceptación por parte de la crítica y la gente, y en septiembre de 1978 ya había vendido la nada despreciable cifra de 250.000 copias. El álbum contiene joyas como el que abre la cara A y el disco, In the Dead of Night, una suite que está compuesta por los tres primeros temas, In the Dead of Night / By the Light / Presto Vivace and Reprise. Este tema surgió como una secuencia de acordes de Jobson a la que Wetton añadió posteriormente la melodía y la letra. Este tema y Thirty Years había sido compuestos antes de la formación de la banda. El predominio del trabajo de sintetizador se hace más que evidente en Alaska, que fue compuesta por Jobson específicamente para el sintetizador yamaha CS-80, un instrumento que se hizo fundamental para la evolución y el sonido del grupo. En Thirty years y Nevermore se hace más que evidente la importancia del trabajo a la batería de Bruford y Wetton al bajo, la sección de ritmo del grupo. Y el último corte del álbum, Mental Medication, una joya que tira algo más hacia el género progresivo. Este último tema fue elegido después de In the Dead of Night para ser el segundo sencillo del grupo.

U. K. se ha convertido en un álbum fundamental dentro del género gracias a la síntesis de melodía y ritmo que imprimen, el aire progresivo que Jobson imprime con su trabajo con el violín eléctrico y sobre todo al uso y evolución de los sintetizadores, más concretamente del yamaha CS-80. Otra de las claves de éste discazo fue la unión de músicos con antecedentes muy interesantes, unos provenían de circuitos más jazzeros y otros de circuitos más rockeros. Hubiera sido fácil para cuatro superclases como Wetton, Bruford, Jobson y Holdsworth caer en la tentación del lucimiento personal, algo que para nuestro regocijo no hicieron, pensaron en el grupo por encima de todo y nos demostraron que trabajando juntos y en equipo se podían hacer grandes cosas y regalarnos un disco perfectamente conjuntado y cohesionado como así hicieron. U. K. sería el único disco donde los cuatro músicos trabajarían juntos, pues después de su publicación tanto Bill Bruford como Allan Holdsworth abandonarían la formación. 

Thin Lizzy: Jailbreak (Mes Thin Lizzy)

 

Los dos primeros álbumes de la era Thin Lizzy, "Night Life" (1974) y "Fighting" (1975), no habían prendido fuego al mundo en términos de ventas, así que la presión estaba sobre Thin Lizzy para entregar un álbum de primer nivel que tuviera un aceptable nivel de ventas. Para ser justos, "Fighting" se había metido en los escalones más bajos de la lista, algo que ninguno de los álbumes anteriores había logrado, pero los singles si habían hecho ruido y las giras habían sido de un alto nivel, la reputación que tenían como grupo en vivo lo mantenían en el boca a boca. El ex productor de The Who, John Alcock, fue contratado para producir su sexto álbum, después de otra gran gira, esta vez con Status Quo, la banda fue a los estudios Ramport en Londres para comenzar a trabajar en lo que se convertiría en el álbum que los pondría definitivamente en el mapa, "Jailbreak". Inicialmente, Alcock no quedó demasiado impresionado con el material y, aunque intuia que parecía prometedor, comenzó a sugerir cosas que en las que las canciones podrían afinarse, pulirse un poco más y hacerse un poco más comerciales. Si bien Lynott estaba bastante abierto a estas sugerencias y ansioso por aprender cualquier cosa que pudiera ayudarlo a convertirse en un mejor escritor, el guitarrista Brian Robertson, en particular, no estaba contento con el empleo de músicos de sesión para aumentar el sonido lo que llevo a negarse a tocar en la cancion 'Running Back'. Vamos a desgranar esta gran obra.

El álbum comienza con la canción que da título al álbum y es una apertura realmente grandiosa, Jailbreak capta tu atención enseguida, cuando las notas iniciales estallan a través de los auriculares, te sientes poderoso acompañado por esa letra amenazante de tipo duro de Lynott que sobresale sobre una armonía de guitarras gemelas con algunos buenos efectos de wah wah de Robertson, estamos ante uno de esos clásicos del rock de los que nunca te cansas, para mí es la mejor pista del álbum y está cerca de ser la mejor de su repertorio. Angel of the Coast tiene un riff funky casi jazz y es otra de las obras maestras líricas narrativas de Lynott, el solo de jazz y el riff en realidad me recuerdan a Trapeze e incluso a bandas como The Doobie Brothers en algunos momentos. La canción es un homenaje al socio estadounidense de Thin Lizzy, Scott Gorham. El riff sigue siendo clave en Running Back, esta fue la canción que causó todos los problemas con Robertson cuando Alcock desechó la versión de blues que Robertson había grabado y lo reemplazó con Tim Hinkley en los teclados y la armónica. Decir que Robertson no estaba contento es quedarse corto y se negó a tocar el nuevo arreglo. Inicialmente iba a ser el primer sencillo y seguramente le habría ido bastante bien en las listas de éxitos en ese momento, Robertson finalmente grabó su propio arreglo original en su álbum de 2011 "Diamonds and Dirt". Romeo and The Lonely Girl tiene otro riff de jazz animado y algunas letras interesantes de Lynott, el solo rápido es probablemente lo más destacado, y aunque no es de las más apreciada por los fans, la pista es mucho más que un relleno. La primera mitad del álbum termina con Warriors, que es mucho más heavy y está más en línea con la canción que abre el álbum que con las tres canciones más ligeras y jazzísticas intermedias. Lynott imita vocalmente a Jimi Hendrix en algunos momentos y, aunque la guitarra obviamente no es Hendrix, el solo que hacen nos recuerda mucho a él.

 

La segunda mitad comienza con el inconfundible sonido de riffs de ametralladora de The Boys Are Back In Town, una canción que inspiró a una generación a salir a pavonearse y vivir la noche del sábado. Es un ejemplo clásico de cómo presentar una melodía de rock duro a una audiencia mayoritaria sin perder poder ni credibilidad. Estamos ante uno de los sencillos de rock más importantes de todos los tiempos para mí y estoy seguro de que nadie lo puede discutir. Por supuesto, con una pista como esa, todo lo que sigue inmediatamente va a sonar un poco pobre, acabamos de tocar el cielo. Y más si el álbum sigue con la que posiblemente sea la pista más débil del álbum Fight or Fall, Lynott no tiene una buena voz y el solo relajado es agradable, pero todo está muy perdido y no logra que llame tu atención en ningun momento. 

Muchos citan a menudo a Cowboy Song como una de sus canciones favoritas y, de hecho, se encuentra entre las mejores del álbum, Lynott proporciona una excelente voz que en la introducción de ritmo más lento recuerda mucho a Frankie Miller. Es la pista más larga del álbum y presenta a la guitarra como gran protagonista, de hecho, se pudo escuchar en vivo antes de que se grabara la versión de estudio, y una versión anterior estaba disponible en el álbum UK Tour 75'. Emerald es una de las pistas más reconocibles y queridas de Lizzy, presenta algunos grandes duelos de guitarra, así como una voz sincera llena de pasión amenazante de Lynott, es probablemente uno de los mejores ejemplos del característico sonido de guitarra doble de Thin Lizzy. Para mí, la versión de estudio simplemente carece de la pasión y la emoción de algunas de las versiones en vivo. Después de escuchar las versiones en vivo, esta mezcla de estudio puede sonar un poco plana al principio.

 

Jailbreak se terminó de grabar en enero de 1976 y se lanzó al público a fines de marzo de ese mismo año. Con su portada tipo ciencia ficción y la historia en la contraportada, a algunos les pareció una especie de álbum conceptual al principio, pero, aunque hay algunos temas que vinculan el elemento narrativo con la letra, la portada solo se refiere realmente al título. Tras el éxito del lanzamiento del sencillo de 'The Boys Are Back In Town', se convirtió rápidamente en el álbum más vendido de la banda y, junto con "Black Rose", sigue siendo citado regularmente por los fans como el mejor álbum de Lizzy. En verdad, Thin Lizzy siempre fue mejor en vivo que en un disco de estudio, pero si vas a tener un álbum de estudio de Thin Lizzy, entonces "Jailbreak" o "Black Rose", que publicarían unos años más tarde, serían los indicados, pero yo me compraría los dos.

Thin Lizzy: Fighting (Mes Thin Lizzy)

 

Fighting, Thin Lizzy

     Thin Lizzy con Phil Lynott (bajo y voz), Brian Downey (batería), Brian Robertson (guitarra) y Scott Gorham (guitarra), realizan una gira por Estados Unidos a principios de 1975, en marzo, apoyando durante unas seis semanas a la banda canadiense de rock Bachman-Turner Overdrive, y también a Bob Seger. Una gira que ayudará a la banda a pasar al siguiente nivel, llegando a foguearse en pabellones con aforos de hasta 20.000 personas. El grupo tenía un directo brutal, a lo que se sumaba el hecho del carisma que Phil Lynott era capaz de proyectar encima del escenario, era capaz de llenarlo  con su sola presencia. El impacto que aquella gira por suelo estadounidense produjo en Lynott fue enorme.

En mayo de 1975 el grupo se mete en los Olympic Studios de Londres para grabar su quinto álbum de estudio, Fighting, el cual es producido por el mismo Phil Lynott. Conscientes de que su anterior trabajo, Nightlife (1974), tenía una mezcla de demasiados estilos que confundían a la gente, en Fighting consiguen darle una cohesión en cuanto a sonido y estilo. Para la foto de portada, Lynott tuvo una primera idea de una fotografía con una primera plana de los cuatro componentes de la banda golpeados y ensangrentados. La fotografía llegó a hacerse pero la discográfica Phonogram la rechazó por lo que al final se utilizó para la portada la fotografía realizada por el fotógrafo británico Mick Rock (Reconoido por sus icónicas imágenes a bandas y grupos de rock y heavy metal) en la que simplemente aparecen posando los cuatro componentes. Este es el único disco de estudio donde aparece además en la portada el logotipo de la banda, que había sido diseñado por Jim Fitzpatrick. Cuando Phil Lynott entregó el material terminado del disco a  Phonogram, el sello transmitió al cantante que el material no era lo suficientemente bueno y que deberían grabar cuatro temas más, por lo que al grupo no le quedó más remedio que volver al estudio para preparar cuatro nuevos temas más. 

Figthing empieza a dar muestras de que el grupo empieza a funcionar como un rodillo bien engranado, por una parte Lynott sigue creciendo como letrista y compositor, y se entiende a la perfección con los guitarristas Gorham y Robertson, algo que dará como resultado potentes canciones que nos hablan de venganza, violencia, suicidio o independencia. Por otro lado el uso de las guitarras gemelas empieza a dar sus frutos en este disco, un sonido y un estilo que definirá a un grupo que pulirá y explotará como pocos este estilo convirtiéndolo en su seña de identidad. Curiosamente, según relata el mismo Scott Gorham el característico estilo de sonido de la banda surgió por accidente: "Brian Robertson estaba en el estudio grabando una toma y el ingeniero se dejó un delay (Efecto de sonido aplicado a la guitarra que consiste en un retardo o retraso. Este efecto se encarga de repetir las notas que se interpretan en la guitarra a modo de eco) en su guitarra. Fue como un milisegundo, de modo que Robertson empezó a armonizar consigo mismo. Aquello sonó muy bien y a lo demás les gustó mucho, de modo que le pidieron a Robertson que repitiera su fraseo original y yo salí para añadirle una armonía en paralelo". De hecho el grupo no empezó a pesar en aquello como un sonido característico hasta que leyeron una reseña en un periódico que rezaba "Patentado el sonido Thin Lizzy de melodías de guitarras gemelas". 

Comercialmente el disco funcionó bastante mejor que el anterior disco, Nightlife, llegando a vender unas 20.000 copias y consiguiendo alcanzar el puesto número 60 en las listas de ventas del Reino Unido, siendo el primer álbum en alcanzar entrar en dichas listas. A pesar de los mediocres resultados de ventas, este disco supuso el punto de inflexión, pues explotará el característico sonido de la banda. Gracias también a sus grandes directos en el escenario la banda seguirá creciendo gracias al boca boca. Parte de la crítica desribió Fighting como el disco que inició la etapa era clásica del grupo, sin embargo para algunos críticos no fue suficiente, como el para el por entonces editor de la revista musical Sounds y posteriormente fundador de la revista Kerrang, Geoff Burton, quien cuenta una anécdota que pone de manifiesto el carácter y carisma de Phil Lynott. En aquel momento Fighting no fue suficiente para él, quien escribió sobre el disco que era el segundo LP de la banda con su nueva formación de guitarras gemelas, y que era un álbum de rock correcto sin más, y que el trabajo grabado en el estudio adolecía de falta de energía y contundencia. Un mes después Geoff Burton fue a ver a Thin Lizzy en directo, y aproximadamente a la mitad del concierto Lynott empezó a realizar una pequeña reprobación hacia los críticos de rock. En ese momento Burton se llegó a preguntar si Lynott sabría que él estaba entre el público, pues ¡vaya si lo sabía!, porque al acabar el discurso, Lynott se encogió de hombros y con una sonrisa dijo: "Pero pase lo que pase, esta próxima canción es para Geoff Burton: Still In Love With You". Recordaba Burton que aquel momento fue uno de los momentos donde más verguenza había sufrido en su carrera.

El disco abre con Rosalie, tema escrito por Bob Seger y del que Lynott y compañía hacen una magnífica versión. La gira americana que el grupo había hecho unos meses antes había marcado profundamente a Phil Lynott y Fighting contenía matices de ese sonido americano. De hecho el disco, además del sonido contiene muchas alusiones estadounidenses, como los dólares y diners. For Those Who Love To Live, compuesta por Downey y Lynott. Esta canción la solía dedicar en directo Phil Lynott a George Best, la estrella irlandesa del club de fútbol Manchester United, el jugador favorito del cantante, bajo el lema que a veces era mejor vivir la vida al máximo. Suicide, el tema estrella de álbum. Una canción que se convertirá en fija en casi todos los conciertos de la banda. Lynott se basó en un episodio de la serie estadounidense de televisión Perry Mason llamado El caso del salto del amante, emitido en abril de 1963, donde Perry Mason desenmascara a un asesino que ha encubierto su fechoría haciendo que la persona que ha matado parezca que se ha suicidado. En este tema podemos identificar claramente el sonido de las guitarras gemelas, ese brillante duelo que se marcan Gorham y Robertson queda ya para la historia del rock. Curiosamente esta canción fue interpretada por primera vez en julio de 1973 en un programa de la BBC cuando todavía estaba en la banda Eric Bell. Se interpretaba con con diferentes letras bajo el título "Baby's Been Missing" y le faltaba la sección central tan famosa que aparece en Fighting. Wild One, otro tema que explota y eleva a la máxima expresión el uso de las guitarras gemelas. El tema tiene un comienzo impactante con Gorham y Robertson a la par mientras Lynott nos habla de la dificultad de estar separado de la mujer que amas. Fighting My Way Back se encarga de cerrar la cara A. Tema escrito por Lynott, con unas letras que van en la línea del disco, donde la lucha y la rudeza están presentes. En la cara B seguimos con la continuidad de sonido y temática donde la violencia y la pelea siguen presentes en temas como King's Vengeance , temas con un toque a ese sonido americano como Ballad Of hard Man, el único tema no compuesto por Lynott, siendo Scott Gorham su creador, temas donde la lucha por la libertad y la independencia está presentes como Spirit Slips Away y Freedom Song, y temas como Silver Dollar donde las alusiones a los dólares, al continente americano y a los amores están presentes.

Ya nada quedaba de esa banda que había tenido éxito con Whiskey In The jar, una vieja canción tradicional de taberna irlandesa, canción de la que Lynott siempre acabó renegando, Thin Lizzy era más que aquella canción, y con Figthing la banda irlandesa había plantado los cimientos, habían creado su propio estilo, tenían un directo brutal e iban en la dirección correcta. Sólo les hacía falta pasar al siguiente nivel con un disco que les consagrara. Lo mejor estaba por llegar.