La música en historias: Medgar Evers y el bombardeo de la iglesia

Nina Simone In Concert

     Medgar Evers fue un activista estadounidense que luchó por los derechos civiles, contra la segregación racial y por la justicia social y el derecho al voto de la población afroamericana.
Medgar fue licenciado universitario y veterano de la Segunda Guerra Mundial. a la vuelta de la gran guerra, en la década de los años 50 se convierte en activista del movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos.

     En 1954 el Tribunal Supremo de Estados Unidos declara inconstitucional la segregación de las escuelas públicas. A raíz de este hecho, Medgar luchó incansablemente para que los afroamericanos fueran admitidos en la Universidad de Mississippi.
El 12 de junio de 1963 Medgar era asesinado por un miembro del llamado Consejo de Ciudadanos Blancos, grupo creado en 1954 para impedir la plena integración en las escuelas y la actividad de los derechos civiles.

     Este triste suceso unido al bombardeo con cartuchos de dinamita de la Iglesia Bautista de la Calle 16 en Birmingham, Alabama (Estados Unidos) el 15 de septiembre de 1963 por parte de cuatro miembros del Ku Klux Klan en el que fallecieron 4 niñas y dejo heridas a 22 personas fue el detonante para que Nina Simone compusiera Mississippi Goddam.

     Nina Simone no solía escribir letras de canciones, y cuando lo hacía normalmente era para hablar contra los actos contra los derechos civiles y contra las injusticias, como fue el caso de estos dos sucesos, lo que animó a Nina a escribir Mississippi Goddam. Nina declaró en su momento que al escuchar que 4 niñas habían fallecido en el atentado de la iglesia de la Calle 16, y unido al hecho del asesinato del activista Medgar Evers unos meses antes, decidió encerrarse en su habitación a escribir este tema. Si bien en un principio Nina manifestó que se la pasó por la cabeza hacer una locura al enterarse del triste suceso de la iglesia, fue su marido quien le recordó que ella era músico y que su arma era precisamente la música, y que hiciera lo que mejor sabía hacer. Así surgió Mississippi Goddam.

     Nina compuso este tema en 1964 y lo interpretó por primera vez ese año en el club nocturno Village Gate de Greenwich Village, Manhattan. El tema aparecería publicado en su álbum en directo Nina Simone In Concert en 1964, disco que se hizo aprovechando grabaciones de tres conciertos que Nina en el famoso Carnegie Hall de Manhattan, Nueva York en 1964.

The name of this tune is Mississippi goddam

And I mean every word of it

Alabama's gotten me so upset

Tennessee made me lose my rest

And everybody knows about Mississippi goddam

Alabama's gotten me so upset

Tennessee made me lose my rest

And everybody knows about Mississippi goddam

Can't you see it

Can't you feel it

It's all in the air

I can't stand the pressure much longer

Somebody say a prayer

Alabama's gotten me so upset

Tennessee made me lose my rest

And everybody knows about Mississippi goddam

This is a show tune

But the show hasn't been written for it, yet

Hound dogs on my trail

School children sitting in jail

Black cat cross my path

I think every day's gonna be my last

Lord have mercy on this land of mine

We all gonna get it in due time

I don't belong here

I don't belong there

I've even stopped believing in prayer

Don't tell me

I tell you

Me and my people just about due

I've been there so I know

They keep on saying 'Go slow!'

But that's just the trouble

'Do it slow'

Washing the windows

'Do it slow'

Picking the cotton

'Do it slow'

You're just plain rotten

'Do it slow'

You're too damn lazy

'Do it slow'

The thinking's crazy

'Do it slow'

Where am I going

What am I doing

I don't know

I don't know

Just try to do your very best

Stand up be counted with all the rest

For everybody knows about Mississippi goddam

I made you thought I was kiddin'

Picket lines

School boy cots

They try to say it's a communist plot

All I want is equality

For my sister my brother my people and me

Yes you lied to me all these years

You told me to wash and clean my ears

And talk real fine just like a lady

And you'd stop calling me Sister Sadie

Oh but this whole country is full of lies

You're all gonna die and die like flies

I don't trust you any more

You keep on saying 'Go slow!'

'Go slow!'

But that's just the trouble

'Do it slow'

Desegregation

'Do it slow'

Mass participation

'Do it slow'

Reunification

'Do it slow'

Do things gradually

'Do it slow'

But bring more tragedy

'Do it slow'

Why don't you see it

Why don't you feel it

I don't know

I don't know

You don't have to live next to me

Just give me my equality

Everybody knows about Mississippi

Everybody knows about Alabama

Everybody knows about Mississippi goddam, that's it

Discografía de The Jacksons (Mes Michael Jackson)

  EL CICLO DE THE JACKSONS (1976-1989)

En 1976, tras más de 15 años bajo las alas de la férrea Motown, los hermanos Jackson decidieron no continuar y ficharon por CBS, abriendo una nueva y brillante etapa. Por temas contractuales y de derechos, en el cambio tuvieron que abandonar el nombre del grupo. Ese fue el final de los Jackson 5, que pasaron a llamarse The Jacksons, con cambios en la formación debido a que Jermaine Jackson abandonó el barco por no enfrentarse con Berry Gordy Jr, su suegro y magnate de Motown. El más pequeño del clan, Randy Jackson, ocupó su lugar y, con la nueva compañía discográfica, llegó también paulatinamente un mayor control sobre su música, y la publicación de sus propias composiciones.

THE JACKSONS (1976)

El debut de los Jacksons con CBS no implicó directamente la ansiada libertad creativa, para asegurar el primer lanzamiento CBS quiso imprimir el sello del sonido Philadelphia que predominaba en el momento, y para ello dio el poder a la dupla de autores y productores formada por Kenny Gamble y Leon Huff. Pero, al mismo tiempo, los Jacksons ya no eran unos críos (Michael había cumplido 18 años) y tuvieron mayor opinión durante el proceso, e incluso empezaron a aparecer algunas composiciones propias. De las diez canciones del disco, cinco estaban compuestas por los productores asignados, incluyendo los dos brillantes singles Enjoy Yourself y Show you the way to go (el primer número uno del grupo en el Reino Unido). Otras tres canciones venían firmadas por compositores ajenos al grupo. Por último, y para los fans más fetichistas de Michael, el disco contiene la primera canción firmada por Michael (Blues Away) y un segundo tema firmado por Michael y su hermano Tito (Style of live).

GOIN' PLACES (1977)

Para el segundo disco del grupo, CBS tomo la decisión de ser continuista, por lo que la producción volvió a estar a cargo de Gamble & Huff, pero la fórmula demostró estar ya agotada. Canciones como Goin' Places o Find me a girl resultaban interesantes, pero el Sonido Philadelphia estaba pasando ya de moda. Los hermanos volvieron a tener su espacio y colar dos canciones en el conjunto, las rítmicas Do what you wanna y Different kind of lady que, en esta ocasión, vinieron firmadas por todos ellos al completo. El relativo fracaso de esta segunda entrega abrió el camino para la libertad y el control de su producto por parte de The Jacksons, que tomarían las riendas del siguiente disco, el mejor de esta segunda etapa.

DESTINY (1978)

Los Jacksons llevaban varios años persiguiendo su "destino", y la libertad creativa trajo consigo un disco brillante y colorido que anticipó lo que, sólo un año después, nos esperaba con Off the Wall. Tras el traspiés de Goin' Places, se tomaron tiempo para preparar intensamente las nuevas canciones, que producirían y, en su mayor parte, compondrían ellos mismos. El resultado es una combinación de temas entre los que destaca el pegadizo single Blame it on the boogie, el rítmico funk de Things I do for you, en el que el grupo se acompaña de una abrasiva sección de viento y, especialmente, Shake your body (down to the ground), una joya firmada por Michael y Randy, a la altura de las grandes composiciones que vendrían después, y que por su sonido no habría desmerecido en discos como Off the Wall o incluso Thriller.

TRIUMPH (1980)

Hubo que esperar hasta 1980, y aún con los rescoldos de la explosión que supuso Off the Wall calentando el ambiente, para llegar a una nueva entrega de los Jacksons. El "triunfo" estaba cada vez más asociado a la figura de Michael Jackson, y en comparación con el nuevo debut de Michael este disco palidece, pero no por ello deja de ser un buen disco, con una producción muy orientada al directo, ya que estaban planeando la publicación de un disco doble en vivo, y necesitaban material potente para presentar al público. El disco tiene grandes temas, como el rotundo Can you feel it (la primera ocasión en la que los Jacksons grabaron un vídeo promocional de una canción), Lovely one y su enérgico ritmo funk, la intensa balada Time waits for no one, o Heartbreak Hotel (canción compuesta por Michael Jackson, que anticipaba su interés por la temática terrorífica que exploró en temas posteriores como Thriller, Is this scary o Ghosts), aunque en conjunto quedó un escalón por debajo de Destiny y Off the Wall.

VICTORY (1984)

Tras el disco Live! (1981), que no reseñamos pues se trata de un doble disco en directo que no aportaba canciones nuevas, Michael Jackson se concentró en la preparación de lo que sería Thriller (1983). Tras el descomunal éxito de aquel álbum, era evidente que el camino de Michael iba a discurrir por separado del resto. Pero entonces, el clan familiar intervino para poner las cosas en su sitio. Se haría un último disco y una gira de despedida en la que participaran todos, Jermaine Jackson incluido, para dejar a la familia con los bolsillos bien llenos. Para evitar discusiones o desacuerdos, cada uno aportó sus propios temas, y el resto trabajaron a las órdenes del responsable de cada tema. El resultado es un disco disperso que carece de unidad, y en el que Michael aportó solo dos temas, el brillante single State of Shock (con la colaboración vocal de Mick Jagger) y Be not always, una sentida balada acústica con arreglos de cuerda. Entre los temas aportados por el resto de hermanos destaca especialmente Torture, efectivo single para el que de nuevo se recurrió a la filmación de un vídeo. En definitiva, pese al esfuerzo realizado en construir una victoriosa despedida, lo que transmite el disco es la falta de cohesión y compromiso por un proyecto común que ya estaba agotado.

2300 JACKSON STREET

Aún hubo un disco posterior de The Jacksons, publicado en 1989 y titulado 2300 Jackson Street, en referencia a la casa de la infancia de la familia Jackson en Gary, Indiana, pero la participación de Michael Jackson en esta entrega fue mínima, apareciendo tan sólo en el tema que da título al álbum. Jermaine, Jackie, Tito y Randy se rodearon de una larga lista de productores del momento, como Teddy Riley, Antonio "L.A" Reid o Kenneth "Babyface" Edmonds, entre otros, para modernizar la propuesta y adaptarla a los nuevos tiempos. Cabe destacar el primer single, Nothin' (That Compares 2 U), y la participación de la familia casi al completo (faltaba Latoya Jackson) en el tema titular. Un año después se separarían definitivamente, retomando cada uno de ellos sus diferentes proyectos individuales.

Canciones que nos emocionan: The Revolution Will Not Be Televised, Gil Scott Heron

The Revolution Will Not Be Televised

     Gil Scott Heron fue un poeta y músico que se hizo famoso en las décadas de los 60 y 70 por su peculiar estilo de cantar sus temas hablados a modo de poesía. Su composiciones y actuaciones iban enfocadas a la lucha por los derechos de la comunidad afroamericana.
Gil es también considerado como uno de los padres del rap por su estilo interpretativo.

     Gil nace en Chicago Illinois (Estados Unidos) en 1949. Su infancia la pasa en Tennessee, pasando a mudarse más tarde al Bronx, el famoso distrito metropolitano de la ciudad de Nueva York. Empieza a cursar sus estudios universitarios en la Lincoln University de Pensilvania, pero un año después se muda a la ciudad de Londres buscando nuevos retos.

     Allí en Londres publica su primera novela, The Vulture, una novela que tiene buena aceptación y tiene una buena acogida. En 1970 publica su primer álbum de estudio, Small Talk At 125th And Lenox, un disco que contenía una gran carga y crítica social contra los medios corporativos manejados por los blancos, y contra la superficialidad de la televisión, el consumismo, y la ignorancia de la clase media de los Estados Unidos sobre los problemas que se sucedían en las ciudades del interior del país. Este disco fue grabado en directo, si bien en un principio de afirmó que este disco se grabó en en directo en un club nocturno de Nueva York situado entre la Calle 125 y la Avenida Lenox, Gil Scott insistirá después en que el disco fue grabado en el estudio, donde fue llevado el público asistente y sentado en unas sillas plegables.

     Incluido en este disco se encuentra The Revolution Will Not Be Televised, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Este tema en realidad es un poema que Gil recita acompañado de de congas y tambores de bongo. El título de la canción fue rápidamente acogido como eslogan por los movimientos Black Power en la década de los 60. El tema alude a varias series, eslóganes publicitarios y noticias de televisión como ejemplo de que la revolución no se hará. Gil nos anima y nos dice que la revolución empieza por uno mísmo y está en nuestra mente, una vez que te das cuenta que hay algo mal y que hay que cambiarlo es cuando empieza revolución. No se trata sólo de pelear ó de ir a la guerra, se trata de primero, ser consciente del problema, y segundo, decidir que puedo hacer para afrontar el problema. En cuanto al tema, está interpretado bajo un ritmo funky, si bien en 1971 Gil regrabaría el tema y le añadariría un toque jazzy dotándole de un ritmo más cálido al tema.

You will not be able to stay home, brother

You will not be able to plug in, turn on and drop out

You will not be able to lose yourself on skag and skip

Skip out for beer during commercials

Because the revolution will not be televised

The revolution will not be televised

The revolution will not be brought to you by Xerox

In 4 parts without commercial interruption

The revolution will not show you pictures of Nixon

Blowing a bugle and leading a charge by John Mitchell

General Abrams and Spiro Agnew to eat

Hog maws confiscated from a Harlem sanctuary

The revolution will not be televised

The revolution will be brought to you by the Schaefer Award Theatre and

will not star Natalie Wood and Steve McQueen or Bullwinkle and Julia

The revolution will not give your mouth sex appeal

The revolution will not get rid of the nubs

The revolution will not make you look five pounds

Thinner, because The revolution will not be televised, Brother

There will be no pictures of you and Willie Mays

Pushing that cart down the block on the dead run

Or trying to slide that color television into a stolen ambulance

NBC will not predict the winner at 8:32or the count from 29 districts

The revolution will not be televised

There will be no pictures of pigs shooting down

Brothers in the instant replay

There will be no pictures of young being

Run out of Harlem on a rail with a brand new process

There will be no slow motion or still life of

Roy Wilkens strolling through Watts in a red, black and

Green liberation jumpsuit that he had been saving

For just the right occasion

Green Acres, The Beverly Hillbillies, and

Hooterville Junction will no longer be so damned relevant

and Women will not care if Dick finally gets down with

Jane on Search for Tomorrow because Black people

will be in the street looking for a brighter day

The revolution will not be televised

There will be no highlights on the eleven o'clock News

and no pictures of hairy armed women Liberationists and

Jackie Onassis blowing her nose

The theme song will not be written by Jim Webb, Francis Scott Key

nor sung by Glen Campbell, Tom Jones, Johnny Cash

Englebert Humperdink, or the Rare Earth

The revolution will not be televised

The revolution will not be right back after a message

About a whitetornado, white lightning, or white people

You will not have to worry about a germ on your Bedroom

a tiger in your tank, or the giant in your toilet bowl

The revolution will not go better with Coke

The revolution will not fight the germs that cause bad breath

The revolution WILL put you in the driver's seat

The revolution will not be televised

WILL not be televised, WILL NOT BE TELEVISED

The revolution will be no re-run brothers

The revolution will be live

Michael Jackson - Dangerous (Mes Michael Jackson)

Hace poco, para cargar aún más la despensa mental de datos para el #MesMichaelJackson, vi un documental en televisión. Los documentales sobre Michael Jackson suelen estar bastante polarizados, o ensalzan su talento artístico y la visión empresarial que desplegó durante los años ochenta o, por el contrario, se concentran en sus excentricidades, en las caprichosas y desproporcionadas decisiones financieras de los últimos años, y en una vida personal marcada ya para siempre, justa o injustamente, por la sombra de la sospecha. El documental en cuestión era más de los que mostraban su lado positivo, y en general no aportaba demasiados datos nuevos sobre el personaje, pero hubo un detalle sobre su conocida ambición profesional que me llamó la atención. En el cuarto de baño de su casa, escribía mensajes que pegaba en post-its en el espejo, para recordarse a sí mismo que, a lo largo del día, debía perseguir los ambiciosos objetivos que se había marcado.

Uno de aquellos mensajes me sirve para hablar de Dangerous. Michael entraba en la década de los noventa con su status profesional intacto, tras las brillantes entregas de los ochenta. Thriller y Bad habían vendido 45 y 20 millones de discos, respectivamente, algo inalcanzable para la mayoría de artistas contemporáneos, pero el autoexigente Jackson había escrito en el espejo del baño una "pequeña" nota, que decía: "100 millones". Quería vender esa cantidad de discos, no en conjunto, sino con su siguiente disco. Y a partir de esa pequeña nota, empezó una empresa de lo más "peligrosa". Sin embargo, y pese a que el declive profesional aún no había comenzado, y se sentía aún en plena forma, algunas de sus decisiones profesionales empezaron a ser equivocadas, y aunque entregó un buen disco con varias canciones relevantes, el nuevo álbum palidecía ante los dos totems entregados en los ochenta.

Así, el disco con el que planeaba alcanzar los 100 millones de ejemplares vendidos arrancó con una decisión poco entendible y que, a la postre, demostró ser equivocada. Jackson separó su camino del de Quincy Jones, productor de Off the Wall, Thriller y Bad y, en buena parte, responsable del poder de aquellos discos, con el objetivo de modernizar su sonido y explorar nuevos caminos sonoros. El problema fue que, para sustituir al gigante Jones en lo que sería el doble vinilo de Dangerous, optó por trabajar con productores como Teddy Riley (en la mayor parte de los temas del primer disco), Bill Botrell (en la tercera cara del disco) o Bruce Swedien (en la cuarta cara), coproduciendo con ellos todos los temas e incluso produciendo él solo algunas de las canciones. La colaboración no fue igualmente fructífera en todos los temas, dando lugar a un disco que carecía de la unidad y la brillantez conjunta de los anteriores.

El disco arranca con una rotura de cristales en Jam, producido por Jackson, Riley y Swedien, como si realmente quisiera remarcar la ruptura respecto a los discos de la década anterior. Y si, para el resto del disco, hubiera seguido usando la varita mágica que utilizó para este entrante de potente base rítmica y guitarras funk, habría conseguido que el cambio hubiera sido un éxito. Nada sobra en un tema eléctrico en el que la rabiosa voz rasgada que estrenó en la canción Bad, sigue siendo efectiva en este nuevo arranque, y hasta la concesión a un invitado rapero, otra de las nuevas estrategias que lo alejarán erróneamente de los discos anteriores y que se repetirá en muchos de los temas bailables del disco, queda aquí atinado y no le resta fuerza al conjunto. Pero la varita, inexplicablemente, se rompe ya en el segundo tema, pese a que la producción de Jackson y Riley repite muchos de los esquemas de la anterior. El problema de Why you wanna trip on me es que, pese a la fuerza del estribillo y los siempre brillantes juegos corales de Michael, las partes de las estrofas no despegan lo suficiente y el esfuerzo se queda en un tema oscuro y poco bailable para la estructura funk con la que pretendieron armarlo.

In the closet es un giro en el sonido del disco. De nuevo el prescindible Riley y el propio Jackson firman la producción, y es probablemente el tema que más moderno sonaba para la época, el más cercano a lo que los nuevos artistas negros estaban haciendo en aquellos momentos, lo cuál no significa que lo que estuvieran haciendo fuera interesante. El tema se pensó, originariamente, como dúo con Madonna, pero la colaboración no fructificó, y Michael asumió la parte vocal al completo, reduciendo la participación de la nueva partenaire (Naomi Campbell) al lugar en el que más podía brillar, en el tórrido vídeo que acompañó a la canción. La producción es pegajosa y algo atropellada, y es uno de los temas innecesariamente alargados, para llegar a los 74 minutos que quiso entregar en formato CD y que, por consiguiente, convirtieron la obra en un doble vinilo. Esa fue otra de las estrategias para llegar a los 100 millones, y que perjudicó un disco que, siendo más breve, habría sido también más bueno.


She drives me wild despega con excesivos efectos de sonido, el motor de un coche arrancando, un claxon de automóvil repetido rítmicamente, y de nuevo la pegajosa y atropellada producción a cargo de Riley y Jackson, que salva el tema con su alternancia entre la voz rasgada de las estrofas y el efectivo cambio al tono dulce en los coros del estribillo. Pero no es suficiente, y en el momento en que el rapero de turno hace su aparición, ya somos conscientes de que no nos vuelve locos, y es inevitable pensar en las excelencias de antaño. No le ayuda, tampoco, que el siguiente tema incida precisamente (y brillantemente) en ese concepto. Remember the time, aparte de preguntar continuamente si nos acordamos de otros tiempos, tiene todo lo que tenían los temas de Thriller o Bad, desde el ritmo bailable al estribillo, y un Michael que lo borda en todos los registros vocales, especialmente en el exaltado tramo final.

Tras una pegadiza Can't let her get away, que se salva a pesar de las machaconas baterías programadas y el exceso de duración al que someten un buen tema pero claramente secundario en el disco, no podía faltar la puntual balada con la que "curar al mundo, haciendo de él un lugar mejor". Y para que negarlo, Heal the world es un gran acierto, tanto en la producción de Michael en solitario, vistiendo al tema con un brillante coro gospel que lo hace aún más grande, como en las ya mencionadas dotes de afinación y armonía, de la voz de nuestro protagonista del #MesMichaelJackson. Un gran cierre para el primer disco del álbum, que tuvo su momento de gloria en la actuación del intermedio de la Superbowl de 1993.

El segundo disco arranca con el que fue single de adelanto, un tema producido por Botrell y Jackson que ya ha adquirido la categoría de clásico. Black or white juega, en el título y en la temática, con la controversia del extraño cambio de color de su piel, para decirnos que a su pareja no le importa si es blanco o negro. Cuando entregaba temas tan rotundos como éste, con el brillante puente en el que la voz de Michael y la guitarra de Slash casi parecen explotar, a nosotros nos daba igual el color de la paleta con el que pintara el artista. Y eso que la colaboración del guitarrista de Guns and Roses parece aquí encajada con calzador, mientras que en Give in to me forma parte del cuerpo y el alma de la canción, en lo que, en la más modesta de las opiniones, probablemente sea el mejor tema del disco. Antes de eso, separando ambas colaboraciones en la tercera cara del disco, nos deleitamos con Who is it, destacado tema que aporta unos brillantes arreglos étnicos que nos recuerdan al trabajo que en los noventa hicieron grupos como Enigma. No parece casualidad que la mejor de las cuatro caras del disco venga firmada por el productor Bill Botrell y el propio Michael, en lo que parece una colaboración mucho más fructífera que la realizada con Riley.

La cuarta y última cara se compone de los temas producidos por Michael con la ayuda de Bruce Swedien (ingeniero de sonido de la época de Bad) y un último tema producido con Riley, la canción Dangerous, que cierra el disco y da título a esta obra. Es Dangerous un buen tema que parece algo desnudo y, de nuevo, innecesariamente alargado. Es inevitable pensar en lo que Quincy Jones habría podido hacer con ese buen material. Pero antes de llegar a Dangerous, aún tenemos que pasar por el resto de temas de esta cara y, si tenemos en cuenta que con Will you be there, tema en la línea de sonido étnico de Who is it, perdió un juicio por plagio de una canción de Albano, y que Gone too soon tiene un toque clásico que no encaja con la propuesta sonora del resto del disco, es quizá en esta cara donde más meteríamos la tijera, para haber conseguido un disco más mesurado y que no llegara a su tramo final transmitiendo un cierto cansancio. Pero no todo está perdido en esta cara, que tiene su mejor defensa en Keep the faith, una canción con arreglos gospel que nos animaba a mantener la fe.

Y eso fue lo que hicimos porque, mirando atrás, a través del espejo y del poso del tiempo pasado, vemos el gran disco que se esconde en Dangerous. Con sus imperfecciones y excesos, pero con un buen puñado de brillantes temas, que pasaron a engrosar la lista de canciones del imaginario y la leyenda de Michael Jackson. No llegó al nivel de Thriller y Bad, ni vendió 100 millones de discos, pero es que ese objetivo era tan desproporcionado, como injustas las comparaciones con aquellos discos. En definitiva, juzgar así un disco como éste puede resultar muy "peligroso".

La música en historias: Los soldados robados de África

Confrontation

     El 23 de mayo de 1983 se publicaba Confrontation, el duodécimo álbum de estudio de Bob Marley & The Wailers. Éste disco tenía la particularidad de ser el primer disco publicado a título póstumo, pues Bob Marley nos dejaba desgraciadamente a causa de un cáncer el 11 de mayo de 1981.

     Confrontation fue realizado en los Tuff Gong Studios de Kingston (Jamaica) a partir de material inédito y singles grabados durante la vida de Bob Marley. Muchos de los temas del álbum fueron hechos a partir de demos, añadiendo voces en algunos casos, armonías en otros, y algunos arreglos aquí y allá para dotar al disco de un sonido consistente.
La portada del álbum muestra a Bob Marley convertido en San Jorge luchando contra el dragón.

     Incluido en el álbum se encuentra el tema Buffalo Soldier, el cual hace referencia a un hecho histórico. Los Buffalo Soldiers fueron creados en septiembre de 1866 en Fort Leaventworth, Kansas (Estados Unidos) por el Ejército de la Unión. Originalmente eran miembros del 10º Regimiento  de Caballería del Ejercito de los Estados Unidos, con la particularidad de que todos sus miembros eran afroamericanos. Buffalo Soldiers fue  el apodo que las tribus indias americanas dieron a los miembros de esta caballería que lucharon en las guerras indias. El apodo fue extendiéndose a todos los demás regimientos compuestos únicamente por afroamericanos que surgieron después del 10º de Caballería: Noveno Regimiento de Caballería, 24º Regimiento de Infantería, 25º Regimiento de Infantería y 38º Regimiento de Infantería.
Fueron bautizados como los Soldados de Búfalo por los nativos indios porque pensaban que el pelo de los afroamericanos se parecía mucho a la piel de búfalo.

     Bob Marley con esta canción protesta ponía de manifiesto el hecho de que se utilizara a hombres negros en una guerra para que los llamados "blancos civilizados" pudieran obtener las tierras donde los indios nativos americanos se habían criado durante toda su vida. Además, se daba una curiosidad, muchos de esos combatientes afroamericanos eran esclavos procedentes del continente africano.
Bob Marley con este tema quiso poner de manifiesto el papel del hombre negro en la construcción de un país que a día de hoy todavía continúa oprimiéndolo.

Buffalo Soldier, dreadlock Rasta

There was a Buffalo Soldier

In the heart of America

Stolen from Africa, brought to America

Fighting on arrival, fighting for survival

I mean it, when I analyze these things

To me, it makes a lot of sense

How the dreadlock Rasta was the Buffalo Soldier

And he was taken from Africa, brought to America

Fighting on arrival, fighting for survival

Said he was a Buffalo Soldier, dreadlock Rasta

Buffalo Soldier, in the heart of America

If you know your history

Then you would know where you coming from

Then you wouldn't have to ask me

Who the heck do I think I am

I'm just a Buffalo Soldier

In the heart of America

Stolen from Africa, brought to America

Said he was fighting on arrival

Fighting for survival

Said he was a Buffalo Soldier

Win the war for America

Said he was a, woe yoy yoy, woe woe yoy yoy

Woe yoy yoy yo, yo yo woy yo, woe yoy yoy

Woe yoe yoe, woe woe yoe yoe

Woe yoe yoe yo, yo yo woe yo woe yo yoe

Buffalo Soldier, troddin' through the land woo ooh

Said he wanna ran, then you wanna hand

Troddin' through the land, yea, yea

Said he was a Buffalo Soldier

Win the war for America

Buffalo Soldier, dreadlock Rasta

Fighting on arrival, fighting for survival

Driven from the mainland

To the heart of the Caribbean

Singing, woe yoy yoy, woe woe yoy yoy

Woe yoy yoy yo, yo yo woy yo woy yo yoy

Woy yoy yoy, woy woy yoy yoy

Woy yoy yoy yo, yo yo woe yo woe yo yoy

Troddin' through San Juan

In the arms of America

Troddin' through Jamaica, a Buffalo Soldier

Fighting on arrival, fighting for survival

Buffalo Soldier, dreadlock Rasta

Woe yoe yoe, woe woe yoe yoe

Woe yoe yeo yo, yo yo woe yo woe yo yoe

El disco de la semana 176: Gary Moore - Run For Cover

Run For Cover, Gary Moore

En 1982 Gary Moore ya había decidido centrar sus esfuerzos en lanzar su carrera en solitario, y ese año publica su primer disco centrado enteramente en el hard rock, Corridors Of Power, un muy buen álbum que llamó la atención del mercado estadounidense, situándolo en el puesto número 149 de la famosa lista Billboard 200. La carrera de Moore empezaba a despegar y a dar sus frutos. Un año después, en 1983 y aprovechando el gran éxito que generó en sus directo en Japón, se publica su primer álbum en vivo, Rockin' Every Night - Live In Japan. Unos meses después, la compañía Jet Records, que posee material de Gary antiguo, aprovechando el tirón y sin previa consulta publica su segundo álbum en directo, Live At The Marquee, grabado en la mítica sala londinense a finales de 1980 a partir de dos conciertos que allí da por entonces.

A finales de 1983 Moore publica Victims Of The Future, el álbum que le consagra dentro del hard rock y le permite tocar en los principales mercado esuropeos, y además le abre las puertas de Estados Unidos, presentandose en directo allí con muy buenos resultados. A finales de 1984 se publica el doble álbum en directo We Want Moore!, considerado por el que aquí escribe uno de los mejores discos registrados en directo de artistas irlandés.

Viendo el tirón y la popularidad que Gary está teniendo, la compañía Jet Records vuelve a la carga y en 1983 publica el álbum de estudio Dirty Fingers para el público nipón, y en 1984 lo lanza para el europeo. El disco es publicado a partir de un material antiguo que Moore había grabado en 1981 y que había dejado guardado en un cajón, pero Jet records quiere sacar tajada y edita el álbum a su antojo, con un material que Gary considera ya viejo, y sin las mezclas acabadas ni pulidas.

Moore está asentado dentro del hard rock y su popularidad ha crecido, ahora sólo falta darle consistencia, una consistencia que llegará con la publicación de su siguiente álbum, Run For cover en 1985, el disco recomendado para la ocasión por 7dias7notas.
Run For Cover se publica en septiembre de 1985 bajo la discográfica Virgin Records, y consigue dar continuidad a su anterior disco en las listas de ventas, consiguiendo situarse en el puesto número 12 en la famosa lista británica UK Albums Chart, consiguiendo además el disco de plata en el país británico, y en Estados Unidos consigue posicionarse en el puesto número 146 en la lista Billboard 200.

Gary no tiene una formación fija, y al igual que en anteriores trabajos decide llamar a unos cuantos amigos para grabar el disco, así acuden a su llamada, Neil Carter (teclados, guitarra rítmica y coros. Un fijo que lleva acompañándolo desde 1983) Glenn Hughes (bajo, voz y coros), Phil Lynott (bajo y voz), Andy Richards (teclados), Don Airey (teclados), Paul Thompson (batería), Bob Daisley (bajo), Gary Ferguson (batería), Charlie Morgan (batería) y James Barton (batería).

Entramos en materia, y el tema que abre la traca es Run For cover, que además da título al disco., escrita por Gary Moore e interpretada por él mismo, tema clásico del hard rock de los años 80 que imperaba en la época. Reach For The Sky, compuesto por Moore e interpretado por Glenn Hughes, tema pesado con un toque blusero.

Y llegamos a una de las joyas del disco, Military Man, escrita por Phil Lynott, Laurence Archer y Mark Stanway. Una vez disuelto el proyecto de Thin Lizzy, Phil Lynott se embarca en otro proyecto a mediados finales de 1983 y forma una banda de acompañamiento para una gira por Escandinavia. La banda, Grand Slam acabaría quedando formada por Lynott, Stanway (teclados), Archer (guitarra) y Robbie Brennan (batería). Este proyecto dura hasta 1985, tiempo suficiente para realizar varias actuaciones en vivo con composiciones en solitario de Lynott, material de Thin Lizzy y material compuesto por Archer, Stanway y Lynott para Grand Slam, entre los que se encuentran Military Man. El tema es rescatado por Lynott y Moore para la ocasión y es grabado por ambos para el disco de Moore. El tema es un alegato antimilitarista donde un soldado desilusionado escribe una carta a su madre contándole sus penurias. Fantástico tema con excelentes cambios de ritmo, dotado de cierto toque soul en ciertas partes del tema, una joya.

Empty Rooms, tema que fue compuesto por Moore y Neil Carter y publicado en su anterior álbum, Victims Of The Future, y que Moore decide volver a regrabar para la ocasión. Este tema se ha convertido en uno de los temas más exitosos del guitarrista irlandés. Tema que habla de un romance que se acaba, y del que Moore afirmaba que lo esciribió porque este hecho es algo por el que todos pasamos alguna vez en la vida. Sobre este tema, Neil Carter, que comparte créditos en la composición, siempre decía en broma que este tema había pagado su casa.

Out Of My System, compuesta por Moore, interpretada por Glenn Hughes, vuelve a la senda de los dos primeros temas con ese característico sonido pesado de los años 80. Le sigue Out On The Fields, el tema más exitoso del álbum, tema que alcanzó el puesto número 5 en la lista británica UK Singles Charts. Compuesta por Moore e interpretada a dúo por él mismo y por Lynott, fue la última grabación en la participó Phil Lynott antes de su muerte, el 4 de enero de 1986. El tema, que es un tema para enmarcar por su letra, melodía y ritmo, trata sobre la agitación religiosa y la guerra. Moore comentaba sobre este tema que no fue escrito específicamente por la situación de Irlanda del Norte, sino que fue escrita contra la guerra en general.

Llegamos a la parte final del álbum con Nothing To Lose, compuesto por Moore, vuelve a dejar los mandos vocales a Hughes, que nos regala una interpretación de alta escuela. Once A Lifetime, compuesto e interpretado por Moore, donde se relaja y nos regala un tema melódico donde los teclados de Andy Richards marcan la pauta del tema. All Messed Up, compuesta por Moore y Carter, y para mí una la tapada del disco, un trallazo compuesto y pensado para el directo, donde el tema gana enteros. Arrolladores riffs de guitarra de Moore para acompañar a un Glenn Hughes desatado y que está a un grandísimo nivel. El disco, en mi opinión se podría haber cerrado aquí, pero Moore no opina lo mismo y nos regala un último tema, Listen To Your Heartbeat, compuesto e interpretado por el mismo, se trata de una baladita pop más propia de Madonna o del Phil Collins más meloso, pero no importa porque a Gary Moore se lo perdonamos todo.