0928.- Pink Moon - Nick Drake

Nicholas Rodney Drake nació el 19 de junio de 1948 de padres Molly y Rodney Drake en Yangon Myanmar cuatro años después del nacimiento de su hermana Gabrielle Drake. Poco después en 1950 se mudaron a Inglaterra, Warwickshire donde Nick viviría el resto de sus días hasta su fallecimiento el 25 de noviembre de 1974 a la edad de 26 años. La causa de la muerte fue una sobredosis de Tryptizol vendido bajo la marca Amitriptyline, que es un antidepresivo que le recetaron a Nick para combatir sus crecientes problemas de salud mental. No se ha resuelto si su muerte fue un suicidio intencional o un error devastador, pero citando a su hermana Gabrielle Drake, ella "prefirió que muriera porque quería ponerle fin a su vida a que fuera el resultado de un trágico error". Y creo que la mayoría estaría de acuerdo.

En octubre de 1971, Nick Drake se acercó al productor John Wood, el hombre que diseñó a Bryter Layter y comenzó a trabajar en su último álbum, Pink Moon es Nick Drake en su forma más cruda y vulnerable, no queda ni rastor de la amplia gama de instrumentación y orquestación que definió sus 2 álbumes anteriores, solo se trata de la voz de Nick, su guitarra y, en la canción principal de apertura, su piano. Este álbum es una aventura seria en la mente de un músico brillante y talentoso que enfrenta dificultades extremas, para muchos la mente es el lugar más difícil para estar, y esa es una de las mejores cualidades de este álbum: la capacidad de relacionarse y cómo la música puede hablarle al alma. Hay un momento en el disco devastador cuando dice. "Ahora soy más oscuro que el mar más profundo". 'mostrando cómo la depresión puede arruinar a una persona y su perspectiva de la vida, su perspectiva deprimida le hace ver cómo son realmente las cosas y está deprimido por eso y sus pensamientos y estado de ánimo son oscuros. Otra letra que se te clava es aquella en la que dice "Puedo tomar el camino que me llevará a través", siempre he interpretado esta letra como una declaración de despedida del camino que lo verá. Nick se ve a sí mismo como una carga para los demás y nada más que un parásito repugnante este siendo enfatizado aún más en la línea 'puedes verme en la tierra', esta puede ser otra alusión al suicidio y estar bajo tierra, también podría significar que se siente muerto por dentro e inútil para quienes lo rodean sintiéndose como si estuviera mejor muerto. A principios de 1972, después del lanzamiento del álbum, Nick sufrió una crisis nerviosa y fue ingresado en un hospital psiquiátrico durante 5 semanas, su ex psiquiatra creía que podría haber tenido esquizofrenia

La canción de apertura 'Pink Moon', comienza con una alegre y hermosa melodía de guitarra seguida por la voz relajante y magníficamente inquietante de Nick cantada en un rango clásico de barítono. él canta sobre una luna rosa y cómo todos sucumbiremos a ella, esto se demuestra en la línea 'La luna rosa los atrapará a todos'. La luna rosa de la que habla podría aludir a la muerte y podría presagiar su propia muerte. Drake tranquiliza al oyente con acordes agradables y letras repetitivas, deja que la audiencia se deleite en una ola de tranquilidad. La falta de otros instrumentos nos permite conectarnos directamente con Drake, casi como si estuviéramos en la misma habitación que él. Se siente personal, como si te estuviera contando un secreto: "Una luna rosa está en camino". Esta pista se usó en un anuncio de Volkswagen que impulsó la popularidad de Nick y aumentó sus ventas de discos en los EE. UU. de solo 6.000 a 74.000 para el año 2000. En febrero de 1973, Drake se puso en contacto con el ex productor Wood y le dijo que estaba listo para trabajar en su cuarto álbum de estudio. La sesión inicial se realizó en julio de 1974. Luego, el 25 de noviembre de 1974, falleció, su cuerpo fue incinerado y sus cenizas puestas debajo de un roble en la iglesia. Nick Drake vivirá a través del arte que creó durante su breve vida y seguirá impactando a millones con su música.

0926.- Time in a bottle - Jim Croce

Jim Croce escribió la letra de Time in a Bottle en diciembre de 1970, cuando su mujer le dijo que estaba embarazada, volcando en la canción toda la dulzura y la emoción de aquel mágico momento para la pareja, y creando con ello una de las baladas más tiernas y conmovedoras de la música de los años setenta, que se apoya en unos efectivos arreglos de clavicordio que encajan a la perfección con la voz del cantautor estadounidense.

Time in a Bottle fue incluida, casi dos años después, en You Don't Mess Around with Jim (1972), el álbum de debut de Jim Croce, y en la banda sonora de la película para televisión She Lives! (1973) para la cadena ABC, pero no salió como single hasta que, tras la muerte del cantante en un accidente aéreo en septiembre de 1973, Time in a Bottle empezó a sonar insistentemente en la radio, y los oyentes empezaron a demandar un disco que poder llevarse a casa.

La demanda fue tal, que el sencillo de Time in a Bottle fue, tras "Bad, bad Leroy Brown", la segunda y última canción de Jim Croce en alcanzar el número del Billboard estadounidense, y se convirtió además en el tercer single póstumo de la historia en alcanzar el top de las listas de Estados Unidos, tras "Sittin' on the Dock of the Bay" de Otis Redding y "Me and Bobby McGee" de Janis Joplin. Las ventas de la canción impulsaron también las del disco, manteniéndolo en el primer puesto de las listas de ventas durante cinco semanas.

0920.- Heart of gold - Neil Young

En palabras del propio Neil Young, Heart of gold fue el tema que le puso "en el centro de la carretera", y no exageraba, porque fue el único sencillo del músico canadiense que consiguió alcanzar el primer puesto de las listas de ventas de Estados Unidos. Incluida en el disco Harvest (1972), es la más famosa de una serie de canciones acústicas compuestas por Young tras una lesión de espalda que le impidió tocar erguido durante un largo período de tiempo.

Grabada en 1971 en los estudios Quadrafonic de Nashville, Tennessee, cuenta con la curiosidad de incluir a James Taylor y Linda Ronstadt como invitados especiales en los coros. Ambos estaban en Nashville para participar en el programa de televisión de Johnny Cash, y el productor Elliot Mazer les convenció de participara en la nueva canción de Young, en un principio planeada para ser grabada con piano. pero que finalmente se registró en un tono acústico más fiel a la manera en la que el músico la había compuesto.​

Heart of gold también tiene el (dudoso) honor de ser la canción de Neil Young más odiada por Bob Dylan, admirador de Young pero algo contrariado porque le parecía que la canción sonaba en su propio estilo, y que alguien le "copiara" y fuera número uno le provocaba un sentimiento encontrado cada vez que la escuchaba en la radio: "Creo que estuvo de número uno bastante tiempo, y dije: 'Joder, ese soy yo. Si suena como yo, también debería estar yo". Quizá sea lo único que le falte a un tema tan grande para lograr la matrícula de honor, una tercera colaboración especial del mismísimo Dylan, pero en su ausencia, y bromas aparte, sigue siendo un tema sobresaliente.

0919.- Harvest - Neil Young

 

Harvest, Neil Young

     El 1 de febrero de 1972 Neil Young publica su cuarto álbum de estudio en solitario, Harvest. El disco es grabado entre varios estudios de Nashville, Londres y California, bajo la producción de Elliot Mazer, Henry Lewy, Jack Nitzsche y el propio Neil Young, y publicado bajo el sello discográfico Reprise Records. Young contó con la Orquesta Sinfónica de Londres para grabar dos pistas y con las voces de invitados de la talla de David Crosby, Grahamn Nash, Linda Rondstadt, Stephen Stills y James Taylor. El álbum llegó a encabezar las listas de ventas en Estados Unidos en la lista Billboard 200 durante dos semanas.

después de la separación de Crosby, Stills, Nash & Young, Young reclutó un grupo de músicos de sesión, que bautizó como The Stray Gators, y grabó un disco enfocado hacia el country rock. El disco resultó ser un auténtico éxito y cogió con la guardia baja al músico, que reaccionó de primeras alejándose del estrellato. Incluido en este disco se encuentra la pista Harvest, que al parecer fue escrita por Young inspirándose en su por entonces novia, la actriz Carrie Snodgress, cuando ambos estaban hasta arriba de ácido. Young le pedía a su novia que le diera detalles sobre su madre Carolyn, que era una mujer alcohólica que solía fingir suicidarse para llamar la atención y así probar constantemente el compromiso y amor de sus hijos. Harvest es una canción donde Young expresa su culpa por no poder aceptar y corresponder todo el amor que una mujer quiere darle. el músico siempre ha defendido que este subestimado tema es una de sus mejores canciones.

0912.- Me & Julio Down By the School Yard - Paul Simon

 

Una cosa que Paul Simon comenzó a investigar inmediatamente después de que terminaron sus años con Art Garfunkel en 1970, fue la exploración de los estilos musicales del mundo. Desde el principio, tenemos "Mother and Child Reunion" de estilo reggae, "Me and Julio Down By the Schoolyard" que presenta instrumentación brasileña en su enfoque latino similar a la samba. En "Duncan", Simon presenta a Los Incas, el grupo musical andino que apareció en Bridge Over Troubled Water previamente. Estas tres canciones serían los primeros sencillos de la carrera en solitario posterior a Garfunkel de Paul Simon.

" Me And Julio Down By The Schoolyard" no necesita justificaciones, esta en el Top ten de canciones del año 1972, y mirando las listas de éxitos de ese año, creo que eso habla por si solo. El significado detrás de uno de los éxitos en solitario mas recordado de Paul Simon, menudo es difícil de ubicar, una valiente melodía popular, llena de inocencia juvenil y plagada de imágenes que se remontan a la propia adolescencia de Simon, donde cuenta una historia, pero al mismo tiempo no cuenta nada. ¿Hay algo que no ame en esa canción? ¿De qué trata la letra? ¡No tengo ni idea! Y, sin embargo, esas imágenes oscuras son tan hermosas, tan infantiles como parece ('Lo que vio tu mamá / esta fuera de la ley'). Juventud e inocencia, silbando una melodía que se te quedó grabada mientras volvías de la escuela a casa. Encantadora, aunque a veces sin sentido, deja muchas preguntas sin respuesta como "¿Qué vio mamá exactamente?" y "¿Por qué es contra la ley?" Pero la belleza de la canción está en su ambigüedad, que ofrece a los oyentes la libertad de crear su propia narrativa a partir de la melodía. La canción sigue a dos niños, el narrador de la canción y su presunto amigo, Julio, se supone que uno o ambos están en algún tipo de problema, cada vez que se menciona el nombre del narrador, mamá escupe en el suelo y papá dice: "si consigo a ese niño / lo pondré en la casa de detención".

Terminar una canción simplemente tocando los mismos tres acordes de siempre pero más fuerte. Para mí, la genialidad más cautivadora proviene de la forma en que Paul trabaja de tres maneras diferentes para que se cante el título de la canción: si vas a cantar algo tres veces, el procedimiento habitual es usar una estructura ABA, donde el la primera y la última repetición son iguales. En cambio, opta por un tipo de estribillo ABC, donde la última línea de la canción se siente totalmente inconclusa, muy ambivalente en cuanto al estado de ánimo. Tanto ABA como ABB se habrían sentido como resoluciones claras, pero ese último 'nos vemos a mí y a Julio en el patio de la escuela' es... un cambio tan preciso y genial en la forma habitual de proceder que llama la atención. (Ah, y Simon también logra la pronunciación correcta del nombre 'Julio'. Eso es tan elegante que no hace falta decirlo).

0888 - Neil Diamond - I am I said

0889 - Neil Diamond - I am I said

"I Am... I Said" es una canción icónica del cantante y compositor estadounidense Neil Diamond. Fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Stones". La canción destaca por su emotiva letra y la poderosa interpretación vocal de Neil Diamond, convirtiéndose en uno de sus mayores éxitos.

La letra de "I Am... I Said" refleja la sensación de soledad y desorientación de un individuo en busca de su lugar en el mundo. Neil Diamond canta sobre un sentido de desarraigo y una búsqueda interna de identidad. La frase repetitiva "I am... I said" (Yo soy... dije) se convierte en un estribillo pegadizo y se convierte en el leitmotiv de la canción, reforzando el tema central.

La melodía de la canción es melancólica y evocadora, con un piano y una guitarra acústica que brindan un acompañamiento sencillo pero efectivo. La voz distintiva de Neil Diamond transmite una profunda emoción y vulnerabilidad, capturando la angustia y la determinación del narrador mientras lucha con su propio sentido de identidad y propósito.

"I Am... I Said" ha perdurado en el tiempo como una de las canciones más memorables de Neil Diamond. Su resonancia emocional y la habilidad del cantante para transmitir sus sentimientos de manera auténtica la han convertido en un clásico atemporal. La canción ha sido interpretada en conciertos y continúa siendo apreciada por sus seguidores, ya que se conecta con la experiencia humana universal de buscar un sentido de pertenencia y autenticidad.

"I Am... I Said" es una poderosa balada de Neil Diamond que explora temas de identidad y búsqueda de propósito. Con una melodía emotiva y una interpretación vocal conmovedora, la canción ha dejado una huella duradera en la música popular y sigue siendo admirada como una de las obras maestras de Neil Diamond.

Daniel
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0887.- Without you - Harry Nilsson

"Without You" era una canción original de Pete Ham y Tom Evans, del grupo inglés de rock Badfinger, que la grabó por primera vez en 1970 para su álbum "No Dice". Cuando Harry Nilsson la escuchó por primera vez en 1971, creyó estar oyendo una canción de The Beatles, pero cuando se dio cuenta de que los que cantaban no eran los chicos de Liverpool, se atrevió a grabar su propia versión para su disco "Nilsson Schmilsson", y la lanzó como single en Octubre de 1971, con la canción "Gotta get up" en la cara B.

El single alcanzó los primeros puestos de las listas de ventas, convirtiéndose en una de las canciones más emblemáticas de toda su carrera, manteniéndose en lo más alto del Billboard estadounidense y las listas de singles de UK durante varias semanas. Fue también número 1 de ventas en países como Australia, Irlanda o Nueva Zelanda, coronándose como una de las baladas de rock más comerciales de todos los tiempos, eclipsando a la versión original hasta el punto de que muchos creyeran erróneamente que se trataba de un tema original suyo.

La idea inicial de Nilsson era convertir la canción de Badfinger en una pieza de piano, pero el productor Richard Perry le convención de que la transformara en una gran balada apoyada en los arreglos de una orquesta completa. Entre los músicos que participaron en la grabación de la remozada e histórica versión de "Without You" estaban Gary Wright (que había trabajado previamente con Badfinger y George Harrison) al piano, Klaus Voormann al bajo, Jim Keltner a la batería y John Uribe a la guitarra acústica.

0881.- Vincent - Don McLean

Don McLean se sintió atraído por la música folk desde muy joven y, mientras estaba en la universidad, comenzó a actuar en locales especializados en el género. La fama le alcanza con su segundo disco American Pie en 1971, del que se extraen sus dos grandes éxitos el homónimo American Pie (donde narra la tristeza por la muerte de los cantantes en El Día Que Murió La Música) y la canción que hoy traemos Vincent, que le convierten en una figura mundial que recorrerá todos los platós de televisión occidentales y dará numerosos conciertos.

Un 29 de julio de 1890, el famoso pintor Vincent Van Gogh, perdió la vida. Existe la versión de que intentó quitarse la vida, pero 21 años después, apareció otra versión deduciendo que la herida en el pecho fue producto de una bala perdida de René Secrétan, un adolescente quien junto con su hermano Gastón, se encontraba veraneando en Auvers. Como eran conocidos del pintor, no quiso incriminarlos y se echó la culpa del accidente. Pensando quizás que la herida no era grave, llegó a su domicilio en el sur de Francia, muriendo 2 días después. Don McLean se sintió conmovido por la lucha del pintor para mantener su cordura y por su deseo de ser amado y comprendido y que murió con apenas 37 años de trágica manera en el sur de Francia.  La canción lanzada en 1971 está inspirada en el pintor Vincent Van Gogh, una noche mientras el cantante contemplaba el cuadro del artista holandés Noche estrellada (Starry Night), que se encuentra en el Museo de Arte Moderno o MOMA de Nueva York, sintió gran curiosidad y quiso saber más sobre su obra. Después de haber leído su biografía, le puso letra y música a la excelente canción VINCENT, también conocida como Starry Starry Night, (el mismo nombre del cuadro de Van Gogh) la cual, por supuesto, es dedicada al artista y donde muestra las contrariedades del genio y pintor. Una de las estrofas dice: ”Ojos que conocen la oscuridad que hay en mi alma…” y otra que admira al artista “Vincent, este mundo nunca fue hecho para alguien tan bello como tú”. Vincent a menudo se conoce por su primera línea, “Starry starry night”, aunque la letra contiene referencias a otras obras del artista: "campos matutinos de grano de ámbar", "flores llameantes que brillan intensamente" y más, creo que es seguro decir que The Starry Night es la única obra de arte que la canción mejor resume. Los remolinos de color que se despliegan en la pintura se reflejan en los movimientos de una melodía nostálgica que parece hacer una pregunta en cada línea, y las notas de la guitarra acústica de McLean capturan la textura ondulante de las pinceladas de Van Gogh.

En los dos primeros estribillos hay referencias a la cordura de Van Gogh y luego a su suicidio. A lo largo de su vida, Van Gogh estuvo plagado de trastornos mentales, que incluían depresión severa, alucinaciones y delirios de que estaba siendo envenenado: fue diagnosticado como loco y encarcelado en un manicomio entre 1889 y 1890. Pero McLean se da cuenta de que el sufrimiento de Van Gogh solo empeoró con el confinamiento, durante el cual produjo muchas pinturas, incluidas "Irises" y "La noche estrellada" que inspiraron esta canción. “Cómo sufriste por tu cordura” se refiere al trastorno esquizofrénico que padecía Van Gogh. (Eventualmente "se quitó la vida como suelen hacer los amantes"). Sin embargo, a través de su arte, el artista trató de iluminar a otros, "para liberarlos". Las dos últimas líneas recuerdan un cuento de Oscar Wilde (su contemporáneo): “El ruiseñor y la rosa” que habla de la prenda poco apreciada de un amante. El ruiseñor sacrifica su vida cuando una espina atraviesa su corazón para que el rosal estéril pueda producir una rosa roja. Esto puede ser una alusión al famoso acto de van Gogh de sacrificar su oreja por un amor no correspondido y luego presentársela a una prostituta. También puede significar que sus obras artísticas fueron su regalo poco apreciado para el mundo. También sacrificó su vida después de haber tratado de mostrar y enseñar a otros, quienes “no querían escucharlo”.

0880 - Don McLean - American Pie

0880 - Don McLean - American Pie

American Pie es una canción icónica escrita e interpretada por Don McLean, lanzada en 1971. Esta canción ha dejado una huella indeleble en la historia de la música popular y se ha convertido en un himno que evoca la nostalgia de una época y captura el espíritu de una generación.

Con una duración de más de ocho minutos, American Pie es una epopeya musical que narra una serie de eventos y cambios culturales significativos que tuvieron lugar en Estados Unidos desde finales de la década de 1950 hasta principios de la década de 1970. La canción es famosa por su rica y poética letra, que combina metáforas, referencias históricas y personajes emblemáticos de la cultura popular.

La canción comienza con la noticia de la trágica muerte de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959, que se ha convertido en conocido como "El día en que murió la música". Este evento marca el inicio de una narrativa que recorre la historia del rock and roll, los movimientos sociales y políticos, y el espíritu de una nación.

A lo largo de American Pie, Don McLean alude a numerosos momentos emblemáticos de la historia estadounidense, como el asesinato de John F. Kennedy, los disturbios raciales, la Guerra de Vietnam y la contracultura de los años 60. McLean utiliza imágenes vívidas y alegorías para transmitir tanto la pérdida de inocencia como el anhelo de una era pasada.

La melodía de la canción es pegadiza y evoluciona a medida que avanza, creando un ambiente emotivo que refuerza la narrativa lírica. La voz suave y distintiva de Don McLean añade una capa adicional de profundidad y emoción a la interpretación de la canción.

American Pie se ha convertido en un clásico atemporal y ha dejado una marca duradera en la cultura musical. Ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, pero la versión original de Don McLean sigue siendo la más querida y reconocible. La canción sigue siendo objeto de debate y análisis, con diversos intérpretes e historiadores tratando de descifrar su significado completo.

American Pie es una canción extraordinaria y conmovedora que captura el espíritu de una época y ofrece una mirada melancólica pero esperanzadora a la historia y la cultura de Estados Unidos. Su letra poética y su melodía inolvidable la han convertido en un hito en la música popular y un himno perdurable para generaciones de oyentes.

Daniel
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0875 - Wild Night - Van Morrison

0875 - Van Morrison - Wild Night

"Wild Night" es una canción del cantante y compositor irlandés Van Morrison, lanzada en 1971. La canción fue el primer sencillo del álbum "Tupelo Honey" y tuvo un buen desempeño comercial, alcanzando el puesto #28 en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos y el puesto #20 en el UK Singles Chart en el Reino Unido. A lo largo de los años, la canción se ha convertido en uno de los mayores éxitos de Van Morrison y se ha incluido en muchas listas de las mejores canciones de rock de todos los tiempos.

En 1972, Van Morrison recibió el premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina por su álbum "Tupelo Honey", que incluye la canción "Wild Night". La canción ha sido versionada por varios artistas a lo largo de los años, incluyendo a John Mellencamp y la cantante de R&B Alicia Keys. La canción ha recibido críticas positivas por su energía y su mezcla de estilos musicales, incluyendo el rock, el R&B y el soul.

"Wild Night" es una canción sobre disfrutar del momento y vivir la vida al máximo con la persona que amas. La canción ha sido un éxito comercial y ha recibido el reconocimiento de la crítica y la industria musical, incluyendo una nominación y un premio Grammy para Van Morrison. La canción sigue siendo popular y es considerada una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos.

En 2019, la revista Rolling Stone clasificó "Wild Night" en el puesto #285 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 

Daniel
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0874.- La Question - Françoise Hardy

Mick Jagger la llamó su "mujer ideal", Carly Simon siempre “trató de vestirse como ella”. Alexa Chung y Rei Kawakubo la citan como inspiración. La larga y prolífica carrera de Françoise Hardy ha trascendido el mundo de la música francesa, transformándola en un icono mundial de la música y la moda. Su alegre oda a la juventud "Le temps de l'amour" aparece en "Moonrise Kingdom" y, en su mayor parte, representa lo que la mayoría de la gente, incluyéndome a mí en un momento, reconoce de su vasta discografía. Sin embargo, su primer alejamiento de su característico estilo de pop pegadizo, pero desechable, sigue siendo mi favorito y su cima musical. Después de nueve años y más de 15 lanzamientos en el estilo pop francés del ídolo adolescente "Yé-yé" que ganó fama por primera vez con el éxito de 1962, Françoise Hardy decidió cambiar de marcha. Si bien algunos críticos pintan el cambio estilístico que ocurrió con La Question como una especie de cambio radical para Hardy, en realidad es menos un alejamiento audaz de la música pop y más un cambio sutil dentro del pop hacia una música más misteriosa, atmosférica y jazzística. En lugar del pegadizo pero genérico sonido pop de chicle de sus primeros discos, donde los límites de su técnica vocal a menudo se hacían evidentes por el material, la dinámica suave y el misterio espacioso de las canciones de este álbum ponen más énfasis en la personalidad de la cantante y al mismo tiempo cultivan un estado de ánimo palpable. Hardy canta en un estilo más entrecortado y susurrante, solo de vez en cuando eleva su voz al registro superior, ese contraste solo hace que la música sea más dramática y se sienta más, bueno, como esa mirada que tiene. Este estilo al que muchos denomina pop barroco es un estilo de música difícil de conquistar porque la idea misma es pomposa: ¡mezclar elementos clásicos con un descarado rock n' roll!, pero hubo un período mágico en el que este estilo de música se estaba filtrando y, para algunos, Francia es el lugar donde todo sucedió, es un sonido que esta presente en muchos discos. En el caso de La Question, hay un joven guitarrista extremadamente talentoso llamado Tuca (Valeniza Zagni Da Silva, una guitarrista que Françoise había conocido en una reunión de amigos) en el centro de todo, de quien se puede argumentar que es un factor tan importante para el éxito del álbum como el cantante de las canciones. Después de grabar un par de discos en Brasil, Tuca en el exilio graba este disco, y uno de los otros grandes discos de Francia en 1971, Dez anos depois. Pero ningún álbum está hecho solo por un guitarrista, asi que también disfrutas en esta grabación de pop barroco por excelencia, las cosas habituales que obtienes en los grandes álbumes franceses de la época: líneas de bajo fabulosas, arreglos de cuerdas completamente apropiados y, lo más importante, melodías sólidas. Entonces, lo que realmente hace que este álbum sea especial es el hecho de que Francoise Hardy es la cantante, y que ella misma había madurado hasta convertirse en una artista segura de sí misma a estas alturas.

Dentro de este disco destacamos "La Question" una cancion de extraña belleza donde el musica es tan importante como las palabras. Su desnudez nos revela la verdadera naturaleza de una intérprete que nunca quiso esconder su esencia, pero que no había podido exponerla en todo su esplendor, una hermosa meditación sobre lo que podría interpretarse como una relación moribunda, con Hardy cantando: "Je ne sais pas pourquoi je reste dans une mer où je me noie" ("No sé por qué me quedo en un mar en el que me ahogaré”), pero también confesando a su amante: “Tu es ma question sans réponse, mon cri muet et mon silent” (“Tú eres mi pregunta sin respuesta, mi grito mudo y mi silencio” ).

0867 - Barbra Streisand - One Less Bell To Answer A House Is Not A Home

0867 - Barbra Streisand - One Less Bell To Answer A House Is Not A Home

"One Less Bell to Answer/A House is Not a Home" es una de las piezas más icónicas de la legendaria cantante y actriz Barbra Streisand. Escrita por Burt Bacharach y Hal David, la canción fue lanzada originalmente por la banda The 5th Dimension en 1970, antes de que Barbra Streisand hiciera su propia versión en 1971.

La letra de la canción se centra en la idea de perder a alguien que amamos y cómo esto cambia nuestra percepción del hogar y de la vida misma. La canción comienza con los versos "Uno menos de los que pensar / uno menos para llorar / uno menos para elegir / entre el amor y el miedo". Esta línea de apertura establece la sensación de pérdida y dolor que recorre toda la canción.

A medida que la canción avanza, Barbra Streisand canta sobre cómo el hogar ya no es el mismo sin la persona que ha perdido. La línea "una casa no es un hogar / cuando hay uno solo" resume el sentimiento de soledad y vacío que se siente después de una pérdida. A medida que la canción llega a su clímax, Streisand canta con una intensidad emocional: "¿Qué me queda por vivir? / ¿qué me queda por hacer? / ¿sin ti, qué soy yo?"

La canción ha sido regrabada por muchos artistas a lo largo de los años, pero la versión de Barbra Streisand sigue siendo una de las más populares y emotivas. Su interpretación es verdaderamente poderosa, lo que demuestra su habilidad para transmitir la emoción y la sensibilidad a través de su música.

En resumen, "One Less Bell to Answer/A House is Not a Home" es una canción atemporal que habla sobre la pérdida, el dolor y el cambio que esto trae a nuestras vidas. La interpretación de Barbra Streisand es una versión emotiva y conmovedora que sigue resonando con el público hoy en día.

Daniel
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0866.- How Do You Sleep? - John Lennon

 

How Do You Sleep, John Lennon

El 9 de septiembre de 1971 John Lennon lanza su segundo álbum de estudio, Imagine. Coproducido por el mismo Lennon junto a Yoko Ono Y Phil Spector, es grabado entre febrero, mayo y julio de 1971 en los estudios Ascot Sound de Berkshire (Inglaterra), los Record Plant de New York y los Abbey Road de London, bajo el sello Apple Records. Al contrario que su primer disco, donde los arreglos son más básicos, en este segundo trabajo destaca la exuberancia de los mismos. El disco se convirtió en todo un éxito, tanto comercial como por parte de la crítica, llegando a alcanzar el puesto número uno tanto en las listas de ventas del Reino Unido como en las de Estados Unidos. El disco es considerado, junto a John Lennon/Plastic Ono Band, uno de sus mejores trabajos en solitario. En 2012, el disco ue votado en el puesto 80 en la  lista de la revista Rolling Stone de Los 500 mejore álbumes de todos los tiempos.

Incluida en este álbum se encuentra la pieza How do You Sleep?, canción donde Lennon muestra su enojo hacia su compañero de banda en The Beatles, Paul McCartney. Cuando se lanzó originalmente el álbum Imagine, este contenía una postal de John sosteniendo las orejas de un cerdo grande, una clara alusión a modo de burla del disco de Paul McCartney, Ram, lanzado unos meses antes que Imagine, donde Paul McCartney aparecía en la portada sosteniendo los cuernos de un carnero, mientras en la parte posterior aparecía una imagen de dos escarabajos en una actitud explícita, lo que podía ser considerado como otro claro mensaje hacia John Lennon. La canción contó con la colaboración de George Harrison quien aportó el solo de guitarra slide que aparece en la misma. Nos encontramos en el momento de máximo apogeo de la enemistad entre Lennon y McCartney, y eso se nota en las letras de este tema, pues cada línea de la canción es un ataque a algún aspecto de la vida o la música de Paul McCartney.

0865.- Jealous Guy - John Lennon

Jealous Guy fue escrita por Lennon después de separarse de The Beatles. La historia dice que Yoko Ono quería ser el quinto miembro de The Beatles y a pesar de muchos intentos de persuadirla, no hizo caso y exigió ser el quinto miembro. Finalmente, The Beatles decidieron separarse; como intuían, ella habría empeorado aún más las cosas. John Lennon luego le dedicó esta canción a Paul McCartney y trató de decirle que la ruptura fue culpa suya y no de Yoko Ono. Pero para entonces ya era demasiado tarde. Toda la canción se basa en la disculpa de Lennon a McCartney. La canción era originalmente 'Child Of Nature' , de la cual Lennon grabó una demostración en el bungalow Esher de George Harrison antes de las sesiones de grabación del White Album.

La canción comienza con una hermosa melodía de piano (Cortesía de Nicky Hopkins), John Lennon inicia las voces, el tono y la suavidad de su voz hacen que la canción sea tan realista que duele. La letra de la canción es SIMPLEMENTE EXCEPCIONAL y si escucha con atención, puede escuchar la guitarra acústica tocando de fondo, se introduce la batería y el tempo de la canción se establece en un ritmo lento y constante. Un hecho sorprendente sobre esta canción es que el bajo se usa como instrumento principal. Todo se combina perfectamente, y el resultado es una canción alucinante. John Lennon comienza a silbar, no hace falta decir que los silbidos también agregan un poco más de emoción a la canción.

Jealous Guy cuenta la historia de un hombre impulsado por la inseguridad y la paranoia a hacer algo de lo que se arrepiente. Nunca se especifica lo que hace, ni el tema de la canción. Pero las emociones que transmite son claras: por favor, perdóname, actué por dolor y miedo. Lennon nunca explicó en detalle la inspiración de lo descrito en la letra, pero a menudo (repetidamente) habló ampliamente sobre los problemas de celos que lo atormentaron a lo largo de su vida. En 1971, cuando se le preguntó sobre los celos, aludió tanto a experiencias pasadas como a su relación actual con Ono.

0864.- Gimme Some Truth - John Lennon

"Gimme Some Truth" está incluida en el disco "Imagine" (1971) de John Lennon, y aunque eclipsada por la célebre y universal canción titular, es una de las mejores canciones de uno de los mejores discos del ex-beatle. Podríamos catalogarla como "canción protesta" por la multitud de referencias políticas que contiene, de la época en la que fue escrita (con Nixon al frente de la Casa Blanca, durante los últimos años de la guerra de Vietnam) y sus ácidos alegatos contra la hipocresía y las mentiras de la propaganda política de los gobiernos, que le enferma y le cansa, y "solo quiere que le digan la verdad".

Co-producida por Phil Spector junto al propio Lennon, en la grabación participó George Harrison, que se encargó de la guitarra eléctrica, mano a mano con Lennon, y del solo de slide guitar, mientras Nicky Hopkins estuvo al piano, Klaus Voormann al bajo, Alan White a la batería, y Rod Linton y Andy Davis aportaron guitarras acústicas a la grabación final del tema. Sin embargo, las primeras tomas de la canción datan de 1969, de las grabaciones y ensayos del proyecto "Get back" de The Beatles, que acabaría saliendo a la luz con el título final de "Let it be". Según Lennon, fue escrita "uno o dos años antes, probablemente en La India". La canción estuvo un tiempo rondándole en la cabeza, hasta que, finalmente, y tras las sesiones de "Get back", tomó cuerpo para el disco "Imagine" con un sustancial cambio en las letras.

Considerada una de las mejores canciones de Lennon en solitario, dio nombre al film documental "Gimme Some Truth: The Making of John Lennon's Imagine Album", y son muchas las versiones que, desde su publicación, otros artistas han querido hacer de ella. Generation X la grabó como cara B de su single "King Rocker" en 1978 y la incluyó en su disco homónimo y como bonus track de la reedición de 1979 de su "Valley of the Dolls". Travis hizo lo propio en la cara B de su single "More Than Us", de 1998, y Primal Scream como cara B de la canción "Country Girl". Matthew Sweet y Susanna Hoffs hicieron una versión en su disco de versiones "Under the Covers, Vol. 2" (2009), y más recientemente, Cheap Trick la grabó como single en 2019, y un año después, Billie Joe Armstrong (Green Day), la incluyó también en un disco de versiones en clave de power rock y punk.

0863 - John Lennon - Imagine

0863 - John Lennon - Imagine

"Imagine" es una de las canciones más icónicas e influyentes de la carrera de John Lennon, y se ha convertido en un himno para la paz y la unidad en todo el mundo. Fue lanzada en 1971 como la canción principal de su álbum del mismo nombre.

La letra de la canción es una reflexión sobre la visión de un mundo sin fronteras, sin religiones y sin propiedad privada, en el que todos los seres humanos viven en paz y armonía. La canción comienza con las palabras "Imagine there's no heaven" ("Imagina que no hay cielo"), sugiriendo que si no hubiera divisiones religiosas en el mundo, entonces todos podrían vivir juntos en paz.

La canción también hace referencia a otros temas importantes, como la abolición de las guerras, la eliminación de las barreras culturales y la creación de una comunidad global en la que todos los seres humanos son iguales. La canción es especialmente conocida por su coro optimista y pegajoso, que invita a los oyentes a imaginar un mundo mejor.

Musicalmente, "Imagine" es una canción sencilla, con un piano suave y melancólico como su instrumento principal. La voz de John Lennon es cálida y emotiva, transmitiendo la importancia y la urgencia de su mensaje. La canción ha sido versionada innumerables veces por artistas de todo el mundo y se ha utilizado en varias ocasiones como un himno para la paz y la justicia social.

"Imagine" de John Lennon ha sido un gran éxito comercial desde su lanzamiento en 1971. En los Estados Unidos, alcanzó el número 3 en el Billboard Hot 100 y se mantuvo en las listas de éxitos durante 14 semanas. A nivel internacional, la canción también tuvo un gran éxito, alcanzando el número 1 en las listas de varios países como Reino Unido, Canadá, Australia y España.

Además, el álbum "Imagine" se convirtió en un éxito mundial, llegando al número 1 en las listas de varios países, incluidos los Estados Unidos, Reino Unido, Japón y Australia. También fue certificado como Disco de Platino en varios países.

Desde su lanzamiento, la canción "Imagine" ha sido versionada por numerosos artistas y ha aparecido en varias películas, programas de televisión y anuncios publicitarios. Además, su mensaje de paz y unidad ha resonado en todo el mundo, convirtiéndola en un himno para la paz y la justicia social.

En resumen, "Imagine" es una canción icónica que se ha convertido en un llamado a la unidad y la paz en todo el mundo. Su letra sencilla pero poderosa y su melodía conmovedora la convierten en una de las canciones más importantes e influyentes de la historia de la música.

Daniel
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0850.- The Night They Drove Old Dixie Down - Joan Baez

"The Night They Drove Old Dixie Down" es una canción escrita por Robbie Robertson y originalmente grabada por el grupo de rock de raíces canadiense-estadounidense The Band en 1969, sin embargo vamos a detenernos en la versión más exitosa que fue la de Joan Baez y que se convirtió en un disco de oro certificado por la RIAA el 22 de octubre de 1971 y alcanzó el número seis en las listas de éxitos del Reino Unido en octubre de 1971. La grabación de Baez tuvo algunos cambios en la letra, Báez le dijo a Kurt Loder de Rolling Stone que inicialmente aprendió la canción escuchando la grabación del álbum de la banda, y que nunca había visto la letra impresa en el momento en que la grabó, y por lo tanto cantó la letra como lo había hecho, mal escuchada, en años más recientes, en sus conciertos, Baez ha interpretado la canción escrita originalmente por Robertson.

La canción surge de la curiosidad de Robertson, provocada después de escuchar por primera vez el término "el sur se levantará de nuevo" que lo llevó a investigar la Guerra Civil estadounidense. Desde el principio la canción se ha asociado con la ideología de la "Causa Perdida", un conjunto de creencias que incluyen la noción revisionista de que la esclavitud de los negros no estuvo en el centro de la Guerra Civil, esta ideología pretende eliminar toda culpa o reproche asociado con el pasado de este país. Se ha cuestionado la ética o el mensaje de la canción, aunque de ninguna manera glorifica a la Confederación, simplemente es la historia de un sureño pobre al final de la Guerra Civil que "está derrotado", pero la canción se la conoce por la polémica. Quiza el motivo viene cuando Early James interpretó una versión de la canción y decidió cambiar la letra original de la canción para incluir fuertes sentimientos anticonfederados. No es un problema que cualquier artista cambie la letra de una canción para hacerla más pertinente a ellos mismos o a los tiempos, se ajusta a las reglas de la licencia artística, incluso Joan Baez, sin darse cuenta, cambió algunas de las letras de la canción en su versión, malinterpretándolas de la grabación original, los artistas tienen derecho a expresarse como quieran y a usar una canción escrita previamente como plantilla. Algunos pueden ver el esfuerzo de Early como de mal gusto, pero no es un problema. 

“The Night They Drove Old Dixie Down” es literalmente la historia sobre la derrota de la Confederación, y de ninguna manera glorifica su causa o la esclavitud, está contada desde la perspectiva de un sureño pobre de Tennessee que no tenía esclavos y que debido al servicio militar obligatorio, se habría visto obligados a luchar en el ejército confederado, o enfrentarse el encarcelamiento o la ejecución. Es difícil o imposible interpretar la canción como racista, pero también es comprensible qué algunos pueden encontrarla como problemática u ofensiva, ya que menciona "Dixie" en el título y hace referencia a Robert E. Lee y que algunos pueden encontrar polarizante independientemente del contexto. Pero al menos vale la pena entender la canción dentro de un contexto adecuado en lugar de asumir y asignarle una intención racista. Robbie Robertson ha contado la historia de cómo escribió la canción en muchas ocasiones, surgio después de que Robbie se reuniera con los padres de Levon Helm en Arkansas, Levon Helm llevó a Robertson a una biblioteca en Woodstock, Nueva York, para que pudiera investigar sobre la Guerra Civil Estadounidense. La historia del pobre Virgil Caine se cuenta durante la campaña del general de la Unión, George Stoneman, cuyas incursiones detrás de las líneas confederadas, y específicamente la destrucción de las vías del tren en Danville en Virginia, le dieron el reconocimiento de haber encontrado una salida al ejército confederado que se moría de hambre en el invierno de 1865, incapaz de reabastecerse.

0841.- Blue - Joni Mitchell

 

En ese trayecto de lo particular a lo general, sabemos al menos desde Homero y Shakespeare que, únicamente buceando en el abismo personal, es posible dar forma a sentimientos universales. Las sensaciones, estados de ánimo, miserias, alegrías, gozos, dolores del hombre son las mismas desde que el mundo es mundo. Eso lo han plasmado inmejorablemente escritores, pintores y músicos. Y por supuesto, una canadiense de aspecto frágil y temple de hierro, conocida como una desprejuiciada devoradora de hombres, y dotada con el suficiente talento para captar en sus palabras los sentimientos de millones de personas, desde un punto de vista que, si bien parte de su condición femenina, no se olvida de entender, como pocas mujeres, las inseguridades, frustraciones e idiosincrasia masculinas. La pluma de Joni Mitchell recorre con una enorme perspicacia toda la gama de detalles que conforman la vida cotidiana. Es una mirada desde dentro, que trasciende al exterior y devuelve como un espejo todo aquello que nos condiciona, nos afecta, nos marca y nos salva o destruye. En su album "Blue", asistimos a algo parecido a una sesión de psicoanálisis desde un cómodo sillón en un café. Como voyeurs de vidas propias y ajenas, estas narraciones atrapan nuestra atención en apenas unos minutos, al modo de los mejores relatos. Se me antoja que Joni es de la estirpe de los grandes cuentistas, en realidad, es casi proverbial la capacidad de Joni para penetrar por igual en el mundo de ambos sexos.

Dentro de este álbum me gustaría destacar la canción que da titulo a su trabajo, Blue es una canción de sonido sombrío con notas de piano, es desolación pura. Las canciones son como tatuajes, dice. Y es cierto. Esta se tatúa en tu alma de repente, sin aviso ni defensa posible. Es la respuesta, como todo el álbum, a una serie de sentimientos profundos, un desnudo en público provocado, sobre todo, por dos relaciones. Una tremendamente hermosa, pero inevitablemente rota, con Graham Nash y otra totalmente tormentosa con James Taylor, que la dejaría devastada. Todo eso se imprime en esta letanía que ella canta de manera especialmente profunda acompañada de aquél poderoso piano Stenway que andaba por el estudio y con el que, casi a la vez, grabaron sus mejores discos ella y su buena amiga Carole King. Mitchell describe 'Blue' como una oda a los sentimientos de depresión y desolación, mientras menciona las formas en que las personas pueden adormecer el dolor: "Ácido, alcohol/ Agujas, pistolas y hierba/ Mucha de risas”. Pero no hay risas en 'Blue'. Cuando no queda nada más que tristeza, a veces es todo a lo que puedes recurrir hasta que empiezas a formar un vínculo con ella y dependes de ella. “Azul, te amo”. 'Blue' resuena con una gravedad absoluta que puede consumirlo todo, pero también catártica y limpiadora, como exorcizar un demonio o purgar la oscuridad de ti. Mitchell ha hablado de Blue , el álbum y la canción, como un medio para hacer frente a la infelicidad que estaba sintiendo de una manera saludable.

0822.- No soy de aquí - Alberto Cortez

 El cantante y compositor argentino José Alberto García Gallo, conocido artísticamente como Alberto Cortez, nació en Rancul el 11 de marzo de 1940.  Comenzó a grabar álbumes a principios de la década de 1960 e inicialmente disfrutó de una amplia aceptación. Fue conocido entonces con el sobrenombre de Mister Sucu Sucu, por la enorme popularidad que obtuvo con un tema así titulado. Compuso canciones de enorme éxito, hasta el punto que  lanzaba un EP cada tres meses. Pero en 1967, Cortez se cansó de tanta frivolidad y optó por una imagen más seria de artista integral en la línea de sus compatriotas Eduardo Falú o el gran Atahualpa Yupanqui. El 25 de abril de 1967 dio un recital en el teatro de la Zarzuela de Madrid, donde presentó su nueva faceta de cantautor. Contra lo que se podría esperar, triunfó, y en gran manera. En definitiva, abandonó su etapa anterior de canciones insulsas y fáciles y comenzó a trabajar en discos de alta calidad, el primero de ellos fue de poemas y canciones, recogiendo gran parte del mencionado concierto y su recepción fue buena.En 1969, el compositor y cantante publicó el primer gran álbum original de su nueva carrera. Allí incluyó temas que se hicieron clásicos como "Cuando un amigo va", "Abuelo", "Hay un Madrid" o "Manolo". Continuó editando discos con gran regularidad: Distancia, No soy de aquí, Equipaje, etc.

Fue gran amigo del también cantautor Facundo Cabral. Y cuando actuaba con él cantaban temas como ‘No soy de aquí ni soy de allá’, que es muy posible que escribieran juntos en 1968. La canción representa para muchos, un himno propio al forastero en que la vida, a veces sin planearlo, nos convierte. Muchas son las sensaciones que te invaden cuando regresas a tu hogar con la pretensión de recuperar de golpe tu pasado y las emociones que han conformado tu vida pero sólo tienes unos días para lograrlo. Quizás el sabor de un plato de comida de tu infancia, el abrazo y las confidencias de un amigo, pasar por el portal donde vivía tu primera novia … Los recuerdos y sentimientos te golpean desordenadamente para finalmente darte cuenta de que ya no perteneces a ese lugar, esta es la base de la canción.

Alberto Cortez es conocido como ‘el gran cantautor de las cosas simples‘ porque muchas de sus canciones se basan en hechos y personajes reales. O en los sentimientos y las adversidades de la vida.

0820 - Leonard Cohen - Avalanche

0820 - Leonard Cohen - Avalanche

Avalancha es una canción de Leonard Cohen. Aparece en su tercer álbum, Songs of Love and Hate, lanzado en 1971.

La letra se basa en un poema que había escrito anteriormente. Reconoció en una entrevista de 1992 con Paul Zollo que su "chop", su patrón único de tocar la guitarra clásica, está detrás de muchas de sus primeras canciones, y esta presenta el patrón de guitarra clásica sincopado y rápido característico de Leonard Cohen como acompañamiento en la grabación de la canción.

La canción de Leonard Cohen tiene varias covers y algunas de ellas son la de Nick Cave & the Bad Seeds que grabaron una versión de la canción para su álbum de 1984, From Her to Eternity. En 2015, como solista, Nick Cave volvió a hacer una versión de Avalanche para la temporada 2 de Black Sails.

También Aimee Mann grabó la canción como tema de apertura de la serie de televisión I'll Be Gone in the Dark (2020).

Y otra de las versiones es la de Ghost que grabó una versión de la canción para su álbum de 2018, Prequelle.

Daniel 

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