Rank - The Smiths #MesTheSmiths

 

El 5 de septiembre de 1988 el grupo británico The Smiths publicaba Rank, su único álbum en vivo, que contenía material que había sido grabado casi dos años antes, concretamente el 23 de octubre de 1986 en el National Ballroom de Kilburn, Londres. De los 21 temas grabados en aquel concierto 14 vieron la luz en Rank. El disco fue publicado por el sello discográfico Rough Trade en Reino Unido y por el sello Sire en Estados Unidos. En Reino Unido el álbum consiguió posicionarse en el puesto número 2 de las listas de ventas y en Estados Unidos en el puesto 77. De los catorce temas que aparecen en este directo, todos habían sido compuesto por Johnny Marr y Morrissey excepto His Latest Flame (Doc Pomus, Mort Shuman), The Draize Train (Marr), y el comienzo de The Queen Is Dead, que es una grabación de audio de la pieza clásica Montagues and Capulets, compuesta por Sergei Prokofiev.

Abre la cara A de este directo The Queen Is Dead, buque insignia de la banda, un tema que muestra la disconformidad con realeza británica, un ataque en toda regla contra dicha realeza. A medida que pasaba el tiempo Morrissey y compañía iban perdiendo la fe y la confianza en la realeza británica. Panic, incluida en su álbum recopilatorio The World Won't Listen (1987). Escrita por Morrissey y Marr tras el devastador accidente de la central nuclear de Chernobyl, Ucrania. Los dos se econtraban escuchando las noticias en la radio sobre el incidente, cuando de repente empezó a sonar la canción I'm Your Man de Wham!, ¿Que diablos tenía que ver aquello en aquel momento con la realidad y la vida de las personas?. La canción lamentaba el estado trivial de la música pop contemporánea y animaba a los oyentes a "quemar la discoteca", algo que algunos malinterpretaron como un ataque racista a la música negra.

Vicar In A Tutu, tema que nos habla sobre no ser acepetado por la sociedad. Aunque la letra se burla de los valores religiosos y su mentalidad cerrada, Morrissey afirmaba ser católico de nacimiento y no haber abandonado nunca su fe en Dios. ASK, una canción de corte pop aparentemente optimista y positiva construida alrededor de los acordes principales de guitarra, con una letra que nos habla de la timidez y anima a la gente a superar sus inhibiciones. His Latest Flame/Rusholme Ruffians, donde el grupo realiza una introducción de la canción His Latest Flame, de Elvis Presley, para dar paso a continuación a Rusholme Ruffians, Incluido en su álbum Meat Is Murder (1985). The Boy With The Thorn In His Side, canción que hace alusión a la industria de la música, de como ésta, personificada en una espina, se clava en un niño que trata de deshacerse de ella. Rubber Ring/What She Said, que realmente es la canción What She Said que comienza sorprendentemente con el ritmo de Rubber Ring, tema que sería publicado en la reedición de 2017 de coleccionismo de The Queen Is Dead.

Se encarga de abrir la cara B Is It Really So Strange?, tema por entonces inédito y que sería editado en la reedición de lujo de The Queen Is Dead en 2017, como parte del concierto dado por el grupo en Boston en 1986, y que ocupa la cara 4 del doble álbum de dicha reedición. Cemetery Gates, canción que nos cuenta lo triste que se siente el protagonista, mientras pasea por un cementerio, por todas las personas que han muerto y con ellas sus pasiones, amores, ilusiones y odios. London, tema que sería publicado en el recopilatorio The World Won't Listen, que sería publicado en febrero de 1987. I Know It's Over, una sombría balada, incluída en The Queen Is Dead (1986), donde un moribundo hombre reflexiona sobre lo que ha sido su solitaria vida y como la ha desperdiciado.

The Draize Train, un instrumental inédito que realmente es una variación de la canción Barbarism Begins At Home, incluida en Meat Is Murder (1985). Still Ill, de su álbum debut, The Smiths (1984), una reflexión personal de Morrissey, mientras mira al pasado, sobre sus viejos sueños y libertades, en la era de Margaret Thatcher, los cuales estaban muertos, y sobre su orientación sexual. Bigmouth Strikes Again, incluido en The Queen Is Dead. Se encarga de cerrar este directo este claro ataque a los medios de comunicación y sus tácticas exigentes y agresivas. Hay un verso que alude al "audífono de Juana de Arco que se derrite", todo un guiño un fan. En el momento del lanzamiento de la canción, Morrissey había empezado a utilizar audífonos cuando actuaba como muestra de apoyo a un fan con problemas de audición que le había escrito recientemente.

El disco de la semana 289: British Steel - Judas Priest

 

British Steel, Judas Priest

     En abril de 1980 la banda británica Judas Priest publica su sexto álbum de estudio, British Steel. Este trabajo sería el que consagraría definitivamente a la banda en todos los mercados mundiales. El disco fue grabado en los Starling Studios de Ascot, Reino Unido, propiedad de Ringo Starr, bajo la producción del productor discográfico e ingeniero de sonido británico Tom Allom, y publicado el 14 de abril de 1980 por el sello discográfico Columbia Records. La grabción del álbum fue realizada en tan solo 28 días, entre enero y febrero de 1980. Este sería el primer álbum con el baterista Dave Holland, quien reemplazaba a Les Binks. El resto del grupo eran los ya conocidos Rob Halford (voz), Ian Hill (bajo), K. K. Downing (guitarra) y Glenn Tipton (guitarra).

Este álbum les consagra en todo el mundo, llegando tras su lanzamiento al cuarto puesto en las listas de ventas del Reino Unido, vendiendo allí en poco más de un mes más de 60.000 copias. Para la promoción del disco el grupo se embarca en una extensa gira llamada British Steel Tour, contando con Iron Maiden como teloneros en sus conciertos en Reino Unido, mientras que Estados Unidos tuvieron como teloneros a bandas como Def Leppard y Scorpions. Para la mayoría de la crítica este trabajo, además de consagrar a la banda, colocó al heavy metal en la escena musical de principios de los 80, y además es considerado como el punto de inflexión que encabezó el llamado NWOBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico).

Durante la grabción del material del álbum, tanto el productor Tom Allon como la banda quisieron agregar diversos efectos a sus canciones, pero como por entonces todavía no existían maquetas de ellos, tuvieron que crearlos. Dichos efectos se aprecian por ejemplo en Metal Gods, donde simulan el sonido de un látigo con el cable de una guitarra golpeando una maleta sobre una mesa. Los truenos que se escuchan al principio fueron creados por el vaivén de una puerta que se cerraba de golpe. El sonido que simula una marcha de robots se hizo balanceando unos tacos de billar en el aire. En la canción Breaking The Law se realizo el efecto de unos vidrios que se rompen los cuales fueron hechos con botellas de leche y cerveza que fueron rotos en el porche de lo estudios propiedad de Ringo Starr, y el sonido de la sirena de policía que podemos escuchar fue creado con el trémolo de la Fender Stratocaster de K. K. Downing, posteriormente Tom Allom se encargó revertir y comprimir el sonido en el estudio. 

Al final del proceso de grabación del álbum fue creado un rumor por Tony McBrain, agente de la empresa de relaciones públicas London PR, dicho rumor consistía en afirmar que las cintas de las grabaciones habían sido robadas. El rumor, que llegó incluso hasta los medios de comunicación, fue inventando sin consentimiento de la banda ni del equipo de producción. Precisamente fueron los medios de comunicación los encargados de alimentar el rumor, afirmando incluso que la banda ofrecía una recompensa por la recuperación de las cintas y que la gira promocional corría peligro. Al final la banda tuvo que dar numerosas conferencias para desmentir y afirmar que todo había sido un montaje a sus espaldas.

La portada del disco fue creada por Rolav Szaybo, quien al conocer el título, se basó en la empresa siderúrgica del mismo nombre, British Stell Corporation, que se dedicaba a la fabricación de acero inoxidable para la elaboración de hojas de afeitar. Curiosamente el guitarrista Glenn Tipton trabajó durante cinco años en dicha empresa. Para ello Rolav colocó en una mano una hoja de afeitar con el logo de la banda en el interior de la misma, y en ambos costados el título del álbum. 

Abre la cara A del álbum Breaking The Law, compuesta al igual que todos los temas del álbum por K. K. Doning, Glenn Tipton y Rob Halford. En el tema introdujeron los ya mencionados efectos de vidrios quebrados y la sirena de policía hecho con el trémolo de la guitarra de Downing. Estamos ante una de las canciones más famosas de la historia del heavy metal. La letra habla de un hombre cansado de llevar una ordinaria y aburrida vida, esto le llevará a arriesgarse y a comenzar a romper la reglas violando la ley. Rapid Fire, una canción con un frenético e implacable ritmo que nos habla sobre le fín del mundo. Metal Gods, tema donde usaron tacos de billar balanceados al aire para simular la marcha de robots. La temática está clara, los Dioses de Metal (Metal Gods), son robots que se han revelado y vienen a destruirnos a todos. Grinder, Rob Halford escribió la letra como una crítica de como los gobiernos y las grandes corporaciones trataban a las personas como pedazos de carne, explotándolas para sus propios medios. La canción también era una forma de expresar la tensión sexual que Halford sentía como un hombre gay encerrado, buscando "carne" y esforzándose por mantener discretas citas por el temor a que su secreto saliera a la luz. Cierra la cara A United, llamada por Halford como "Un himno de nosotros contra el mundo". Inspirada en la impopularidad del gobierno conservador del Reino Unido a principios de la década de los años 80. También era una llamada a los metaleros en un país donde el movimiento punk predominaba sobre todos los demás. 

La cara B se encarga de abrirla Living After Midnight, otro de los grandes temas de la banda. La canción trata sobre la vida nocturna de una estrella de rock que  deambula por la ciudad a la 1 de la madrugada y hasta el amanecer. El título surgió a raíz de un incidente cuando el cantante Rob Halford estaba tratando de dormir un poco. Una noche, sobre las 4 de la madrugada, Glenn Tipton configuró su amplificador y empezó a trabajar en riffs de guitarra. Arriba de la sala se encontraban los dormitorios, y Rob Halford, que se encontraba durmiendo, se despertó a causa del ruido, por lo que bajó, le pidió a Tipton que bajara el volumen del amplificador y le dijo: "¡Vas a vivir después de la medianoche aquí abajo, Si!", Tipton respondió emocionado que aquella frase era un gran título para una canción. Halford escribiría la letra de la canción ese mismo día. You Don't Have To Be Old To Be Wise, canción que al igual que Breaking The law nos invita romper las reglas establecidas, a revelarnos contra los poderes que en todo momento nos programan y nos dicen que hacer en todo momento. The Rage, otra canción con carácter reivindicativo. El comienzo e la canción es algo atípico por sus primeros 40 segundos con su ritmo reggae. Cierra la cara B  Steeler, una gran forma de cerrar este memorable e imprescindible álbum con esta canción con un salvaje ritmo y los grandes y poderosos riffs de guitarra de Tipton y Downing.

The Smiths - #mesTheSmiths

The Smiths #mesThe Smiths

Un nuevo mes una nueva banda, y en este mes de Agosto queremos recorrer la trayectoria de The Smiths una banda de rock alternativo que lanzó su primer álbum en 1984.

Comenzaremos su carrera con su primer álbum homónimo The Smiths lanzado el 20 de febrero de 1984. Este su primer álbum fue bien recibido por la crítica y el público de la época, y estableció a The Smiths como una de las bandas más prominentes de Gran Bretaña durante la década de los años 1980.

En 1989, el álbum fue puesto en el lugar #22 de la lista de la revista Rolling Stone, "los 100 mejores álbumes de los 80". En 2003 fue colocado en la posición 481 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. 

El álbum abre con "Reel Around the Fountain", es de los temas que conserva una de las más propias melodías del grupo debido a la forma de cantar modulando las vocales al final de las frases. La canción es utilizada en unas pocas líneas de la película "A Taste of Honey" por Shelagh Delaney. Junto con "The Hand That Rocks the Cradle" provocaron acusaciones del tabloide británico The Sun y la revista The Sounds por promover la pedofilia.

El título de la canción "Pretty Girls Make Graves" es una cita del escritor Jack Kerouac.

Musicalmente, la canción "The Hand That Rocks the Cradle" es un tribúto a la canción de Patti Smith, "Kimberly" del álbum "Horses".

"This Charming Man" no apareció en el Reino Unido ni en los lanzamientos europeos de The Smiths. Sin embargo, fue, incluido en el lanzamiento en Estados Unidos, debido a que no había sido lanzado como sencillo en Estados Unidos, y también participó en el lanzamiento del casete original del álbum. Cuando WEA relanzó todos los álbumes de The Smiths en 1992, se utilizó el formato americano.

"Hand in Glove" y "What Difference Does It Make?" originalmente fueron lanzados como sencillos y ambos lograron ocupar una posición buena en el UK Indie Chart. Según Morrisey "Hand in Glove" narra la historia entre el protagonista y otra persona (en ningún momento sobre una mujer) lo que sugiere la posibilidad de que la canción habla sobre el supuesto amor platónico que Morrissey sentía por su compañero de banda el guitarrista Johnny Marr.

El álbum The Smiths abre la puerta a esta banda británica de rock alternativo y nos queda todo el mes de agosto para seguir descubriendo los discos de The Smiths 

Daniel 

Instagram storyboy 

Tina Turner - Foreign Affair #MesTinaTurner

 

Foreign Affair, Tina Turner

     Tina Turner venía de arrasar en las listas de todo el mundo con Break Every Rule (1986), y su posterior álbum en directo Live In Europe (1988), donde había contado con las importantes colaboraciones de Eric Clapton, David Bowie, Bryan Adams y Robert Cray. Había dejado el listón muy alto, y sería capaz de mantenerlo con su siguiente trabajo, Foreign Affair (1989), con el que volvería a arrasar en las lisas de medio mundo.

Foreign Affair es grabado durante 1988 y 1989 en los estudios The Hit Factory de Nueva York y los estudios Pathé-Marconi de París, bajo la producción de Dan Hartman, Roger Davies, Rupert Hine, Graham Lyle, Tony Joe White y la propia Tina Turner, y publicado el 13 de septiembre de 1989 por el sello discográfico Capitol Records. En la grabación del álbum participan músicos de la talla de Albert Hammond, Mark Knopfler, Edgar Winter y Neil Taylor entre otros, lo que sumado a la excelente producción, da como resultado una excelente calidad de sonido. 

Foregin Affair, el séptimo álbum de estudio en solitario de Tina Turner, tenía la  difícil papeleta de mantener el éxito obtenido por sus anteriores trabajos, Private Dancer (1984) y Break Every Rule (1986). En Estados Unidos no logró alcanzar el éxito esperado, no consiguiendo colarse en el top 30 de la lista Billboard 200. Pero donde sí llegaría a alcanzar el éxito es en Europa, llegando a alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas del Reino Unido, Alemania, Noruega, Suecia y Suiza, obteniendo también muy buenas cifras en países como Austria, Francia, Australia y España. El disco llegaría a vender más de 6 millones de copias en todo el mundo. 

Del álbum Foreign Affair se lanzan seis sencillos, y todos se convertirán en grandes éxitos, especialmente en Europa: Steamy Windows, escrito por Tony Joe White, una canción que trata sobre tener intimidad en el siento trasero de un coche en un lugar apartado de la carretera. cuando las ventanas se empañan por el calor del cuerpo, se crea cierta privacidad natural y hace que todo sea más sensual. Si normalmente es el chico quien suele preparar el escenario para poder tener intimidad en el coche, Tina nos canta la canción desde la perspectiva de la chica, quien es la que lleva al chico al asiento trasero del coche. Tina Turner, que en el pasado había sufrido una relación abusiva, dejaba claro que había recuperado su vida y que era ella la que tenía el control de la misma. Esta canción le valió a Tina una nominación a los premiso Grammy. The Best, escrita por Holly Knight y Mike Chapman, y grabada por primera vez por Bonnie Tyler en 1988 en su álbum Hide Your Heart. Pero será Tina la que convierta este tema en un gran éxito y en una de las canciones más reconocibles de toda su carrera, siendo conocida la cantante también como el título de la canción, "The Best". Antes de grabar la canción, Tina le pidió a la compositora Holly Knight algunos cambios  en la canción, como la inserción de un puente y un cambio en la tonalidad. La canción cuenta con un magnífico solo de saxofón interpretado por Edgar Winter. Look Me In the Heart, escrita por Billy Steinberg y Tom Kelly, una canción de corte pop con tintes de soul que llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas de Estados Unidos. Be Tender With Me baby, escrita por Albert Hammond y Holly Knight, una balada de corte rockero que comienza con suavidad y que termina in crescendo con la cantante demostrando todo su potencial vocal. I Don't Wanna Lose You, compuesta por Albert Hammond y Graham Lyle, es toda una declaración de amor con una gran interpretación vocal de Tina y un muy buen trabajo del saxofón. Y Foreign Affair, canción que da título al álbum, compuesta por Tony Joe White y  que además cuenta con la colaboración en la guitarra de Mark Knopfler. 

     Con Foreign Affair Tina Turner seguía en la cresta de la ola, demostrando que los años 80 eran suyos, y los 90 los iba a comenzar de la misma forma. Se había ganado a conciencia el apodo "The Best".

#MesU2: Rattle and Hum - U2

 

Rattle and Hum, U2

     A pesar de haber conseguido el cartel de ser una de las bandas con más éxito de la década de los 80, los irlandeses de U2 habrían de esperar hasta 1987 para alcanzar el estrellato absoluto. Sería con la publicación de su quinto álbum de estudio, The Joshua Tree, cuando alcanzarían dicho estatus, siendo además el primer disco de la banda irlandesa en alcanzar el puesto númer uno el las listas de ventas de Estados Unidos, y el tercero en alcanzar tal puesto en Reino Unido.

U2 decide dar un paso más allá y para su siguiente lanzamiento deciden filmar una película documental que captura y graba las experiencias del grupo durante la gira estadounidense del Joshua Tree Tour, grabando además un doble disco con canciones en vivo junto con material nuevo. A este proyecto se le llamó Rattle and Hum. El álbum incluía nueve pistas en estudio y seis presentaciones en vivo, incluidas colaboraciones con Bob Dylan y BB King. La película documental lograba unas pobres críticas por parte de los especialistas en la materia, y el álbum Rattle and Hum si lograba un gran éxito, si bien es cierto que en un principio una pequeña parte de la crítica musical mostró su incomprensión y menosprecio. Le costó entender a la crítica que este album era un homenaje a las raíces de la música popular norteamericana, y que además funcionaba como bisagra en la trayectoria del grupo, serviría como eje para cerrar su exitosa etapa que había tenido su momento cumbre con The Joshua Tree, y abrirse a nuevos horizontes musicales, pues en la década de los 90 la banda se reinventrá a través de una nueva dirección musical e imagen pública. 

El proyecto Rattle and Hum captura sus contínuas experiencias con la música de raíces estadounidense en el Joshua Tree Tour, incorpora elementos de blues rock, folk rock y música gospel en su sonido, y se nutre de una serie de canciones nuevas de estudio, presentaciones en vivo y versiones de canciones, incluyendo además colaboraciones con Bob Dylan, BB King y el coro de gospel Harlem's New Voices of Freedom. El álbum es grabado entre finales de 1987 y el primer semestre de 1988, Producido por Jimmy Lovine, y publicado el 10 de octubre de 1988 bajo el sello discográfico Island Records. Se grabaron 11 canciones nuevas que de por sí podrían haber configurado un disco enteramnte nuevo, pero el grupo quería hacer algo distinto, por lo que finalmente lanzaron un doble disco que se basaba en tres elementos: Versiones en directo de la gira Joshua Tree Tour (1987), grabaciones originales realizadas durante el tour (casi todas en los Sun Studios de Memphis, Tennessee), y nuevos temas grabados en su mayoría en los A&M Studios de Los Ángeles. Por ese hecho dos de los 11 temas grabados, Hallelujah y A Room At The Heartbreak Hotel, serían descartados y editados como lados B.

Entramos en materia en el álbum y comenzamos con la maravillosa versión de los Beatles grabada en vivo de Helter Skelter, a la que sigue Van Diemen's Land, escrito por The Edge, quien además la interpreta en su totalidad. La canción trata sobre la Gran Hambruna Irlandesa que ocurrió entre 1845 y 1849 debido a la falta de alimentos causada por las políticas económicas británicas. El título es además una referencia a a la deportación que sufrió, a la que a día de hoy es la actual Tasmania, el líder irlandés John Boyle O'Reilly por orquestar una rebelión contra los ingleses. Desire, escrita por Bono, fue además el  primer sencillo del álbum. Una canción que trata sobre la ambición y la dedicación necesarias de un grupo musical para tener éxito. También hace crítica a los predicadores estadounidenses que estafan dinero a sus fieles seguidores. Este tema incorpora el llamado "Bo Diddley Beat", un ritmo que el genial músico hizo famoso. Hawkmoon 269 es un tema inspirado en la localidad de Hawkmoon, en Dakota del Norte, por la que el grupo había pasado durante su gira. El número 269 hace referencia a la cantidad de mezclas que sufrió la canción antes de la grabación final. Según The Edge la banda estuvo trabajando en este tema unas tres semanas. Seguidamente viene la magnífica versión en diecto que se marcan de All Along The Watchtower de Bob Dylan, tema antesala de la interpretación en directo de la maravillosa I Still Haven't Found What I'm Looking For, uno de los grandes temas de siempre de la banda, y que había sido publicado en el anterior disco The Joshua Tree. Freedom For My People es un pequeño entreacto de paenas 40 segundos hecho a partir de una canción escrita por Sterling Magee, Bobb Robinson y Macie Mabins, y que era interpretada en las calles por el propio Magee y Adam Gussow, dos músicos que tocaban en las calles y que luego grabarían tres álbumes como dúo de blues bajo el nombre Satan and Adam. Tema que sirve de antesala para los dos temas que cierran el primer disco, Silver And Gold, interpretada en directo. Fue escrita por Bono después de viajar a una misión de ayuda en Etiopía. Es una canción que critica claramente el Apartheid, denunciando también como el dinero parece ser más importante que la libertad de las personas, y Pride (In The Name Of Love), interpretada también en directo. Esta canción fue el primer sencillo lanzado del álbum The Unforgettable Fire (1984).

El segundo vinilo de este doble álbum comienza con la poderosa Angel Of Harlem, otro de los grandes temas la historia de la banda. El tema es todo un tributo a la gran cantante estadounidense de jazz Billie Holiday, "El Ángel de Harlem". Billie Holiday se mudó a Harlem cuando era adolescente en 1928. Allí tocó en infinidad de clubes nocturnos haciéndose famosa por su capacidad para llegar a la gente. Tuvo que lidiar durante casi toda su vida con el racismo, las malas relaciones y los problemas con el alcohol. Love Rescue Me, basada en una antigua canción de Gospel. Bono había estado trabajando en un tema que empezó a componer una noche después de despertarse habiendo soñado con Bob Dylan. Curiosamente, durante la gira, Bono Recibió una llamada telefónica en la que le preguntaban si le gustaría visitar a Dylan, no se lo pensó dos veces. Bono visitó a Dylan en Malibú y éste le ayudo a terminar la canción en la que había estado trabajando. Bono le dió los créditos como coautor de la canción. When Love Comes to Town, tema que se convirtió en el tercer sencillo del doble álbum y en el que colabora BB King poniendo su voz junto a Bono. En 1987 BB King había tocado en Dublín, en aquel concierto descubrió que entre el público se encontraban los componentes de U2, los cuales acababan de lanzar al  mercado The Joshua Tree. El maestro blusero se sintió muy honrado de saber que eran grandes admiradores no sólo de él, tembién del género blues. Acabado el concierto King pudo conocer a la banda y le pidió a Bono que pensara en él y en algún tipo de colaboración cuando escribiera una canción, y este tema fue el resultado. Heartland, canción que se gestó a raíz de un viaje que el bajista Adam Clayton y Bono hicieron. La canción está llena de pequeños fragmentos de los viajes que había plasmado Bono en un diario. La canión comenzó a escribirse en 1984 durante las sesiones de The Unforgettable Fire, siendo retomada durante las sesiones de The Joshua Tree. God (Part II), es una respuesta a la canción God de John Lennon. En God, Lennon nombraba una lista de las cosas en las que no creía, y en este tema Bono sigue la misma formula creando su propia lista. The Star Spangled Banner, interpretada en directo, es el tributo de la banda a la performance que Jimi Hendrix hizo del himno nacional estadounidense. Bullet the Blue Sky, la banda toca en directo este tema, grabado en su anterior álbum, The Joshua Tree, toda una crítica a las políticas exteriores de los países del primer mundo que tenían como fín defender su bienestar a base de promover o mantener guerras en países del tercer mundo. El Broche de oro de este segundo vinilo y que cierra por tanto el álbum lo pone All I Want Is You, tema que fue además el cuarto y último sencillo publicado de Rattle and Hum. La canción fue un homenaje de Bono a su esposa, donde le expresaba a partir de los tranquilos versos del tema su amor hacia ella, y donde los potentes riffs de guitarra de The Edge al final del tema son la reacción de ella a su declaración de amor. 

U2 cerraban con Rattle and Hum una etapa que habían abierto con The Joshua Tree, su Ópera Magna hasta el momento. La década de los 80 se esfumarían, y U2 como los conocíamos hasta ese momento también, pues volverían en la siguiente década reinventándose a sí mismos y agrandando más si cabe su leyenda... 

#MesU2: War - U2

 

En general el sonido de War se encuentra a medio camino entre el estilo post-punk de sus predecesores y la vibra de "rock épico" de los próximos discos como The Joshua Tree. En particular, el álbum se deshace de la estética turbia y el canto oscuro que fue predominante en October y nos deja un álbum de mayor accesibilidad sin olvidar el post-punk. War es también el último disco de U2 lanzado antes de la famosa colaboración de la banda con Brian Eno. El veterano productor de U2, Steve Lillywhite, había comenzado a enfatizar el melodismo cambiante que Eno provocaría en The Unforgettable Fire. En cuanto a las melodías vocales, Bono ha aumentado el dramatismo, pero no parece dispuesto a abandonar por completo el marco post-punk. Si miras más allá de un puñado de pistas de grabación más lenta, es en las melodías vocales donde War suena más retrospectiva. Es algo magnifico, la banda es lo suficientemente joven como para que puedas escuchar todos sus sudorosos impulsos biológicos alimentando la política, el estado de ánimo que prevalece es ansioso, casi defensivamente hormonal. Desde el punto de vista de la producción, es un álbum súper divertido porque las guitarras suenan crudas y enojadas como el infierno, pero el bajo rebota con la batería para lograr ese sonido clásico de Joy Division. Creo que Steve Lillywhite es un ejemplo realmente interesante y poco convencional del sonido de los 80, que aporta muchos de los trucosque aprendió de Martin Hannett, pero deja entrar un poco de aire fresco para mantener fresca la instrumentación.

El álbum empieza con Sunday Bloody Sunday, la canción ya es un clásico intemporal de U2, que fue inmortalizada con su famosa interpretación en el War Tour, cuando Bono izó la bandera blanca de rendición y gritó "¡No más! ¡No más! ". Ritmo militar, batería furiosa e implacable, guitarra agresiva, Bono esta sublime y además te encuentras un violín que suena fantástico. El texto habla de una tragedia ocurrida el 30 de enero de 1972: el ejército inglés abre fuego en Derry (Irlanda del Norte) sobre la multitud reunida para una manifestación pacífica, matando a 14 personas e hiriendo a otras numerosas y una letra donde demuestras la rabia y la tristeza, pero no de revuelta como dice Bono durante el concierto en Colorado: "Esta canción hizo hablar mucho a la gente, quizás demasiado, esta no es una canción de revuelta, esto es Sunday, Bloody Sunday"….. “No puedo creer las noticias de hoy…”.  

Seconds a pesar que parece una procesión de marcha, las letras son devastadoramente estremecedoras, lo que me hace aferrarme aún más a los hermosos interludios donde Bono es solo una especie de suspiro, me encanta cómo es tan sarcástica y pegadiza, mientras habla de la guerra concretamente la nuclear ya que a lo largo de la década de 1980 se hablaba claramente de la posibilidad de una guerra atómica. En esta canción se pueden sentir los sentimientos de ira e impotencia ante la posibilidad de que un puñado de políticos pueda destruir el mundo entero en segundos. New Year's Day, otra gran canción, inspirada en el levantamiento popular en Polonia a principios de la década de 1980, encabezado por el sindicato independiente Solidaridad. En diciembre de 1981, el primer ministro polaco, general Jaruzelski, hizo arrestar a Lech Walesa (presidente del sindicato) y proclamó la ley marcial, disolviendo oficialmente el sindicato. El texto luego habla de dos amantes distantes. Musicalmente es perfecto: sólida base de bajo y batería, fantástico Bono en la voz, Edge hace magia entre piano y guitarra. Like a Song, venimos de tres temas muy potentes y puede que este nos parezca que baja el nivel, de nuevo presente el tema de la guerra, de nuevo otra pieza agresiva en la que la batería y la guitarra que se ven acompañadas de una gran voz……. hay miles de "pequeñas" guerras, libradas en pequeñas realidades, entre bandas que se enfrentan sólo por un pin o una bandera, por un credo político o una religión diferente…… aquí está la clave de esta canción, cruda verdad. Drowning Man es el experimento The Cure de U2, es una cosa rara, una forma de bajarte a la tierra, una parada abrupta por un camino que nos llevaba a la gloria, no entiendo cómo se coló esta canción, es lenta y aburrida para mí, de hecho, para mi es la peor canción del álbum, aunque eso no significa que la canción sea terrible, la salva un enorme bajo, siempre constante, la percusión elegante y sobre todo Bono quizás en uno de sus momentos mas brillantes……… y el violín que regresa después de Sunday Bloody Sunday.

The Refugee es una canción interesante lejos de lo mejor del álbum pero tampoco la nombraríamos como un relleno, encaja con la tematica de la guerra, el texto habla de la guerra que causa dolor, miseria y poblaciones de refugiados huyendo y la canción se centra en una pequeña refugiada cuyo padre se fue a luchar y ella se quedó sola con su madre y como intentan escapar a un país rico y pacífico. Two Hearts Beat as One tiene la particularidad que la letra se interconecta con la letra de "Sunday Bloody Sunday", y eso la vincula con el tema de la guerra, mientras que también puede considerarse una canción de amor si la miras desde otro ángulo y mas cuando fue escrita por Bono en su luna de miel, una canción dedicada a su esposa. Red Light tiene un comienzo magistral, pero luego la canción se vuelve bastante normalita, es la historia de un chico enamorado de una prostituta que intenta convencerla de que abandone la calle ofreciéndole su amor. Surrender podría ser como dicen ahora en el cine el sleeper del año, nadie contaba con ella pero podría ser el mejor recuerdo que guardes del álbum, empieza con unas texturas tan bonitas y resignadas que querrás tumbarte a descansar durante mil años. Pero luego entra Bono, con ese canto áspero pero hábil que te hace resucitar de entre los muertos nuevamente. El texto nos cuenta la historia de Sadie, que no logra integrarse en la sociedad y renuncia a todo. Cierra el álbum 40, una canción que se publicó de casualidad, al final de la grabación de War, aún quedaba una pieza para completar el álbum, por lo que, en los últimos 20 minutos disponibles, U2 improvisó esta canción, Bono tomó la Biblia y cantó las palabras del Salmo 40… y quedó tan bien que en los conciertos esta es la pieza de cierre, Edge y Adam intercambian sus roles con este último en la guitarra y Edge en el bajo.

War fue un álbum diferente de los otros dos, el salto de calidad es que era mucho más audaz y mucho más que un álbum de rock. Realmente revolucionó a la banda y los envió por el camino que siguieron durante el resto de la década de 1980. Su uso del niño nuevamente en la portada de su álbum representa un nuevo comienzo y un renacimiento en un nuevo género.

Thin Lizzy: Chinatown (Mes Thin Lizzy)

La música en historias: Chinatown - Thin Lizzy #mesThinLizzy

Vamos a hablar de un disco que se podría decir, ocupa un lugar en la historia del rock, un disco que por considerar la situación de sus creadores la banda Thin Lizzy, era muy complicado que saliera publicado, considerando que se rumoreaba si disolución. 

Pero a fin de cuenta Chinatown salió publicado y se podría decir que es uno de los mejores disco de la banda.

Luego de suscitarse varios problemas en la banda, por agotamiento, tras años de abusos con las drogas y el alcohol, la banda traería novedades y una de ellas fue la incorporación de Snowy White este no sería la única novedad, también se incluyó como colaborador a un fan inglés de 17 años llamado Darren Leight Wharton, que tocaba los teclados en una banda de versiones, y que a día de hoy sigue vinculado a la banda en sus distintas reencarnaciones.

Impredecible y genial como todos los grandes artistas, Phil Lynott sorprendió a cuantos vaticinaron un disco en la línea, del pop y ecléctica, tras su debut en solitario, pero Phil Lynott tenia bien en claro que ambas eran dos carreras y dos bandas completamente diferentes, que la relajación y la variedad quedaban para Solo in Soho su disco como solista y entregó Chinatown, el disco más visceral, salvaje y punk que escribiría en toda su vida. 

Phil Lynott escogió la temática de Chinatown, según explicaba, pensando en la mano de obra barata china que en los siglos XIX y XX había emigrado a las ciudades occidentales de América para trabajar en la construcción de ferrocarriles. Los asiáticos se aislaban en sus ghettos, dando lugar a los populares barrios chinos, que el occidental siempre ha mirado con respeto y desconfianza, con la habitual mezcla de curiosidad y temor hacia lo exótico y lo desconocido. 

Phil Lynott aseguraba haber grabado el disco en el Barrio Chino de Londres, un submundo integrado en el Soho, a espaldas de Piccadilly Circus, convertido hoy día en atracción turística lleno de restaurantes donde por 7 o 8 libras tienes un menú, pero que encajaba en los planteamientos, siempre rebeldes y al margen de la ley, que guiaban la vida del poeta rockero.

El Dragón de la portada, es la mejor ilustración del habitual Jim Fitzpatrick junto a la maravillosa cubierta de Johnny the Fox, estaba lleno de significados, con sus tres garras representando los pilares sobre los que se asienta la estructuración de la mafia china Poder, Maldad y Dinero.

Y en cuanto a la música, el grupo experimenta un proceso similar al que también vivían Aerosmith aquellos días, al borde de la ruptura, con tanta droga en sus venas como nieve hay en las cumbres montañosas en Invierno, con Whitford y Perry fuera, pero grabando discos soberbios como Night in the Ruts y Rock in a Hard Place.

En Chinatown solo hay una concesión a la suavidad en la relajante canción Didn´t I, una preciosa balada con arreglo de cuerda, orquestada por el productor Tony Visconti, Hey You, taquicárdica canción de Lynott y Downey llena de cambios de ritmo, tan pronto sonando elegantes como embalados calle abajo y sin frenos. Sobre Didn´t I, decir que podría encuadrarse en un género por sí sola, es música de salón irlandesa, con un trabajo de guitarras gemelas que suena a música celestial, a fina lluvia otoñal reverdeciendo los prados de la Isla Esmeralda.

El resto muestra a un grupo enfurecido, comandado por un Lynott rugiente, que en temas como We Will be Strong entona una sensación de hastío, tristeza y enojo, inéditos hasta el momento. En esa y otras canciones no vamos a escuchar más al adolescente que se divertía, diciendo que el  haberse saltado las reglas maternas sobre la hora de llegar a casa, como hiciera en Dancing in the Moonlight. Aquel Phil Lynott ha dejado de existir. Un nuevo personaje mucho más peligroso, malherido, pero determinado a seguir en pie, y su voz, escuchada con atención y conocimiento, genera estas sensaciones.

Las guitarras dobladas, eso sí, ejerciendo como sustitutas de lo que serían los riffs entre estrofa y estrofa, en esta joya y en otras como Sweetheart, suenan a algo gratificante y conocido, a un murmullo que lleva uno siempre en su interior, y que aflora y llena de felicidad cuando te reencuentras con ello, como el golpe de la brisa en la cara al volver a la tierra natal tras una larga ausencia.

El mal carácter, propio de Phil Lynott "blandidor de botellas" , como lo llamó Mick Wall, ese al que Guns n´Roses atacaron en la incendiaria Get in the Ring, está presente en el title track, que cuenta con un solazo de guitarra de Snowy White lleno de tensión, precedido por una risita cabrona de Lynott que acongoja más que las carcajadas diabólicas que registró Gillan en el Disturbing the Priest de Black Sabbath, y un segundo punteo, de Gorham esta vez, con menos nervio, pero majestuoso. La maquinaria guitarrística seguía funcionando a la perfección, al menos en el estudio.

Atención de hecho a un tema como Having a Good Time, cuyos coros pueden confundir y hacer creer que estamos ante una canción ligera, En su segundo tramo, los dos unas guitarras que destilan azufre, que de hecho me recuerdan, solo en ese instante, al eco distorsionado, a la sensación de espacio cargado de electricidad de alto voltaje, que preside los surcos de los discos clásicos de Motörhead.

Sugar Blues suena a boogie rock asilvestrado, y es una de tantísimas perlas a descubrir en las vitrinas de ese museo, en las que se expone la mejor de las Artes, que es la música de Lizzy. En la bestial Genocide tenemos a un Phil ecologista, preocupado por las matanzas de bisontes en las llanuras de Norteamérica, y para la virulenta y agria Killer on the Loose se fijó en los crímenes de un tipo llamado Peter Sutcliffe, apodado el Asesino de Yorkshire, que asesinó a trece mujeres en la Inglaterra de finales de los 70. Lynott fue criticado por entenderse que frivolizaba sobre el asunto, lo cual no le impidió protagonizar el vídeo clip caminando por las calles de Londres envueltas en niebla, como un moderno Jack the Ripper.

Pese a todos estos logros, parece que sobre Chinatown siempre pesará esa estela negativa, esa condición de inferior, que no representa un papel relevante, que no es notorio dentro de la producción Lynott/Lizzy. Y es que grandeza llama a grandeza. Chinatown no es, en efecto, un disco notorio en la carrera de este grupo. No es notorio, y tampoco es notable. Es sobresaliente. 

Daniel 

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La música en historias: The Head On The Door - #MesTheCure

 

The Head On The Door, The Cure

     En 1985 The Cure, formada en ese momento por Robert Smith (voz, guitarra, teclados), Simon Gallup (bajo), Lol Tolhurst (teclados), Porl Thompson (guitarra, teclados) y Boris Williams (batería, percusión), lanzan el sexto álbum de la banda, The Head on the Door, siendo el primer disco donde se presenta la banda como un quinteto. El álbum está marcado por el regreso a la banda de Simon Gallup. El guitarrista Porl Thompson, quien había tocado teclados y saxofón durante la gira anterior, llamada The Top, se convierte aquí en miembro oficial.

El disco es grabado en los estudios Angel Recording de Londres bajo la producción del líder de la banda Robert Smith y de David M. Allen, y publicado el 26 de agosto de 1985 por el sello discográfico Fiction en Reino Unido y por el sello Elektra en Estados Unidos. El álbum supone el primer gran éxito comercial de la banda y el espaldarazo definitivo hacia la fama, alcanzando el puesto número 75 en las listas de Estados Unidos, alcanzó además el Top 20 en numerosos países, y consiguió la certificación de oro en Estados Unidos, Reino Unido y Francia. 

En este disco Robert Smith, quien compone y escribe todas la canciones, da una nueva dirección musical a la banda, buscando un equilibrio entre el sonido más triste y oscuro de la banda con un sonido más comercial y bailable de estilo pop, mostrando la capacidad del cantante de usar ritmos más pop y bailables para expresar sus sentimientos de angustia. 

Para la composición de los temas que componen el álbum, Robert declaró haberse inspirado en los discos Kaleidoscope de Siouxsie & The Banshees y Dare de Human League. Robert tenía clara la dirección de su nuevo trabajo, quería un disco ecléctico con diferentes estilos, sonidos y estados de ánimo. 

El álbum abre con el que fue el primer sencillo del disco, In Between Days, convirtiéndose en un gran éxito internacional, siendo la  primera canción de la banda que conseguía meterse en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100, y consiguiendo grandes cifras en Europa. Un tema donde las optimistas guitarras y el riff del sintetizador contrastan con unas letras que reflejan envejecimiento, pérdida y miedo. Tema que es un fiel reflejo del genial equilibrio de Robert para transmitir sentimientos tristes a través de pegadizas y algres melodías. Le sigue Kyoto Song, tema con un fuerte toque japonés, que refleja la idea de Robert de incorporar otros sabores internacionales, y que se verá reforzada con el aire flamenco de la guitarra en el tema The Blood. En Six Different Ways el cantante utilizó la línea de piano que había usado anteriormente para el sencillo Swimming Horses de Siouxsie & The Banshees. Cierra la cara A The Push, tema que presenta una geniales letras de corte psicodélico acompañadas por unas geniales guitarras.

Comienza la cara B con The Baby Screams, tema con una excelente línea de bajo donde Gallup se luce, y que precede a otro de los grande temas de siempre de la banda, Close To Me, un tema que curiosamente no tenían claro que fuera a ser definitivamente de la partida de álbum. No fue hasta que se puso Robert a grabarla y realizar las tareas de producción cuando sintió ese sonido claustrofóbico que cobró vida y que le hizo cambiar de opinión. Además de la versión para el disco se lanzaron dos versiones más, una extendida de 12" y otra más simple de 7". La versión del disco no contiene una parte incluida de la sección de metales que sí tienen las otras, que fue adaptada de una melodía tradicional, "La marcha fúnebre de Nueva Orleans". A Night Likes This, temazo de corte oscuro, uno de los puntos álgidos del disco donde Robert Smith nos regala uno de sus mejores lamentos escoltado por unas repetitivas guitarras que logran crear el ambiente, y que contiene además un brutal sólo de saxofón realizado a cargo de Ron Howe. Screw, quizás el tema más flojo del disc y que precede al último de esta cara y que se encarga de cerrar por tanto el álbum, Sinking, apostando por un sonido muy pesado del sintetizador, y donde Robert Smith juega con unas letras de corte introspectivo y muy oscuras. 

The Head On The Door es uno de los mejores trabajos de The Cure, y pone de manifiesto la habilidad de su líder, Robert Smith, para combinar esa oscuridad que rodea el aura de la banda con ritmos más frescos y alegres.

La música en historias: Pornography - #MesTheCure

 

Pornography, The Cure

     The Cure en su primera etapa musical había desarrollado un estilo propio dentro de la corriente post-punk que imperaba por aquellos años, y gracias a su personal estilo fue considerado como grupo de culto dentro de la corriente dark wave (rock gótico). Durante esa primera mitad de los años 80 tanto la música como la actitud del grupo se había vuelto muy introspectiva, durante las actuaciones no solían atender a las peticiones e interpretar de su repertorio sus temas más antiguos y alegres. La situación llegaba hasta el punto de que Robert Smith tenía que abandonar los conciertos llorando debido a que se había metido tanto en el personaje que le tocaba interpretar que llegaba a afectarle.

En 1982 llegaría su punto más álgido, hasta el momento, con la publicación de Pornography, un disco que será considerado fundamental en la carrera de la banda. Pornography se convertirá en el último disco de la llamada Trilogía Gótica junto con sus dos anteriores discos: Seventeen Seconds (1980) y Faith (1981). Así, Robert Smith (voz, guitarra, chelo y teclados), Simon Gallup (bajo y teclados) y Laurence Tolhurst (batería y teclados), graban en los estudios RAK de Londres, entre enero y febrero de 1982 el material que verá la luz en Reino Unido bajo el sello discográfico Fiction Records, en Estados Unidos bajo el sello Elektra Records, y en el resto del mundo bajo el sello Polydor Records. El álbum cuenta con la producción del propio grupo y del compositor y productor discográfico británico Phil Thornalley. El encargado para el diseño de la carátula del álbum fue el fotógrafo Michael Kostiff , y el disco llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas del Reino Unido, así como buenas cifras en países como Países Bajos, Francia, Nueva Zelanda y Suecia. 

Para comprender Pornography hay que remontarse a finales del año 1981, pues por aquella época Robert Smith había sufrido una crisis personal, y la base del material de este disco fue concebido en aquella época. Justo antes de la publicación de Pornography, el grupo edito el sencillo Charlotte Sometimes, tema que únicamente alcanzó el puesto número 44 en las listas británicas. Para la grabación del video de este tema, el grupo se trasladó a un manicomio abandonado, donde al parecer, Robert Smith se encontró una calavera que usó para confesarse de manera análoga en plan soliloquio "ser o no ser" de Shakespeare, lo que a la postre inspiraría los versos del tema The Figuerehead. A partir de aquel momento Robert Smith empezó a sentir un gran interés por la salud mental, ya que aquel suceso le había servido para exorcizar sus demonios internos. Las relaciones con el resto de la banda habían empezado a deteriorarse y Robert Smith había empezado a monopolizar la faceta creativa de la banda. Todo esto sumado a la muerte por suicidio de Ian Curtis, líder de la banda Joy Division (que afectó prfundamente al vocalista), fueron el caldo de cultivo que dio como resultado Pornography.

Las letras de álbum nos hablan sobre la frustración, la muerte, la autodestrucción, la violencia, la moral, la fascinación por las drogas (los excesos con las drogas fueron una constante en aquella época) y el apocalipsis. Las letras, acompañadas por unos pesados y oscuros ritmos, nos trasladan a una atmósfera de auténtica desesperanza. Entramos en materia y nos encontramos abriendo la cara A y por tanto el disco One Hundred Years, donde unos tristes teclados y unas dolorosas guitarras con sus riffs, acompañan la oscura y duras letras de Robert Smith: "It doesn't matter if we all die / Ambition in the back of a black car / In a high building there is o much to do / Going home time / a story on the radio" - "No importa si todos morimos / Ambición en la parte trasera de un autobús negro / En un edificio alto hay tanto que hacer / Hora de irse a casa / Una historia en la radio". Demoledor comienzo y toda una declaración de intenciones sobre lo que nos espera en éste álbum. A Short Term Effect, donde las guitarras y la línea de bajo ayudan a recrear esa atmósfera para que el vocalista siga recreandose en la amargura y la oscuridad. The Hanging Garden, conocido también como A single, fue el único lanzado como sencillo del álbum. Publicado en 7 y 10 pulgadas, llegó a alcanzar el puesto numero 34 en las listas de sencillos del Reino Unido. Muy destacables los contínuos redobles de batería que hacen que el tema suene bastante menos oscuro y sea, en cuanto a sonido se refiere, el menos deprimente del disco . Cierra la cara A Siamese Twins, tema vuelve la oscuridad absoluta para hablarnos de un mundo apocalíptico donde prima la muerte. 

Abre la cara B The Figuerehead, donde el recitado de Shakespeare de "ser o no ser" inspiró unos versos donde Robert nos dibuja sobre un escenario frío y desolador un panorama de tristeza y desesperanza. A Strange Day, tema que sigue con es oscuridad que rodea el disco, con una batería y una línea de bajo casi hipnóticos mientras que el cantante nos lanza sus lamentos: "Move slowly through drowning waves / Going away on a strange day / My head falls back and the walls crash down" - "Muévete lentamente través de las olas que se ahogan / Irse en un día extraño / Mi cabeza cae hacia atrás y las paredes de derrumban". Cold, como su nombre bien indica, y gracias al chelo de Robert, es capaz de trasladarnos más aún si cabe a un ambiente y una atmósfera muy gélida y triste. Cierra la cara B, y por lo tanto este álbum impactante, Pornography, tema que da título al álbum, y que según va avanzando va creciendo hasta sumergirnos en esa oscura atmósfera en la que Robert Smith se encuentra atrapado. el comienzo de esta canción abre con una parte del debate que aconteció sobre el tema de la pornografía entre Germaine Greer, académica, escritora y locutora australiana considerada como una de las representantes feministas más importantes del siglo XX, y el comediante del conocido grupo Monty Python Graham Chapman. La canción, que trata sobre la pornografía, ya se encontraba escrita cuando el productor Phil Thornalley y Robert Smith se encontraron el debate por accidente, probaron a ensamblarlo en la canción, y sencillamente funcionó.

Pornography, como hemos comentado anteriormente, suponía el cierre de la llamada Trilogía Gótica, un álbum que realiza un recorrido a través de la oscuridad, la depresión y la desesperanza, y que se convirtió, por derecho propio, en imprescindible y fundamental para la evolución de la música gótica.

Disco de la semana 247: Power, Corruption & Lies - New Order

 

New Order es una de las grandes bandas de la historia, e incluso en los discos más flojos podemos encontrar cosas por las que hay merecido escuchar el álbum por encima de todos su tuviera que quedarme con uno solo me decanto por Power, Corruption & Lies. Descubrí este disco hace un año, fue uno de los primeros de la ronda que estoy haciendo de #Los4000de7d7N (fue la parada 17 de las 4000) y me enamoré instantáneamente. Cada canción de este álbum es un descubrimiento, los sonidos únicos de este álbum lo convirtieron en un álbum esencial en el género synthpop, al tiempo que conserva las influencias del rock de Joy Division y los primeros trabajos de New Order. Comparado con el álbum debut del grupo, Movement, este es un gran salto.

El álbum comienza maravillosamente con Age of consent y una línea de bajo de Peter Hook unida por guitarras tintineantes y un sintetizador bajo. Esta canción habla del amor y el desamor, la canción se vuelve más fluida canta "Te he perdido, te he perdido" repetidamente. Esta canción, como muchas pistas del álbum, no tiene coro, sino lo que se denomina un coro instrumental, mientras que la guitarra y el bajo permanecen igual, Gillian toca una melodía de sintetizador agudo que simplemente te engancha a la cancion, y entre tantas alabanzas a los instrumentos no olvidemos a Stephen y su gran trabajo de batería en esta canción, que es increíblemente rápida y bien sincronizada. Age of Consent es un buen comienzo para el álbum, aunque es muy diferente de muchas de las otras pistas del álbum. Tiene un estado de ánimo feliz pero triste al mismo tiempo, casi melancólico. We all stand es un pequeño bajonazo, una canción de ritmo más lento y mucho oscura que Age of Consent, parece un tema fuera del álbum, además es una canción difícil de interpretar, aunque tiene referencias a los soldados y una playa ensangrentada. Con una instrumentación más pobre, el canto de Bernard aumenta en algunos puntos y eso es quizás lo más destacable. Con The Village nos cambian de nuevo el paso y nos entregan una canción pop alegre, un sintetizador brillante inicia la pista con un ritmo de baile, junto a Hooky en su bajo, la pista comienza y te envuelve como un cálido abrazo. 5 8 6 empieza demasiado tranquila, casi no hay música durante el primer minuto, una caja de ritmos, sintetizadores funky y una línea de bajo oscura después de aproximadamente un minuto y medio, todo se detiene y aparece un ritmo más energético y bailable, con un ritmo que te atrapa y es que instrumentalmente, esta pista es bastante interesante, y nos puede recordar al legendario single Blue Monday del grupo, esta es una de las canciones más interesantes del álbum para mí, ya que las letras son en gran parte un misterio.

La segunda parte del álbum empieza más tranquila con Your Silent Face, reproducida con un tempo mucho más lento, esta canción crea un ambiente diferente al de muchas de las otras pistas del álbum. La pista comienza con un patrón de sintetizador más lento con una fuerte reverberación, se une a un sintetizador que toca una hermosa sección de cuerdas que crea el ambiente para toda la pista, finalmente, una melódica interpretada por Bernard. Aunque la canción no es triste, tiene una energía muy melancólica con hermosas cuerdas de sintetizador y el bajo de Hooky, así como el elemento más importante del tema, la melodía. Ultraviolence abre con un ritmo de baile y una línea de bajo de sintetizador funky, es otra de las canciones oscuras de PC&L, tanto lírica como instrumentalmente, he leído en varios sitios que esta podría ser una de las peores canciones de New Order, no estoy de acuerdo, más bien me parece que está bastante subestimadas de New Order, sabemos que la instrumentación de esta canción, aunque repetitiva, es muy interesante. Hay muchos sonidos y ritmos de batería diferentes que mantienen la canción en movimiento. La línea de bajo de Hooky también es bastante interesante y Bernard se une a la pista tocando la guitarra. 

Ecstacy es bastante similar a Ultraviolence, aunque se hace menos cargante los sintetizadores de la pista suenan muy extraños, empezando porque la canción abre con una línea de bajo de sintetizador oscilante y un bombo junto con algunos otros efectos antes de cambiar a un ritmo disco. Esta canción me trasmite cierta sensación de estar drogado o con algún tipo de droga alucinógena, tal vez LSD. Las voces codificadas por voz pueden representar confusión y alucinaciones como si mientras estás drogado con este tipo de droga. Cierra el álbum con Leave Me Alone es una canción post-punk melancólica que oscila entre la felicidad y la tristeza, a menudo es citada como la mejor pista del álbum, es una pista muy relajante que sirve como una buena despedida final para este maravilloso disco, a diferencia de las otras canciones del álbum, esta pista no cuenta con sintetizadores y se maneja principalmente con la guitarra.

 

La música en historias: Alchemy: Dire Straits Live #MesDireStraits

 

Alchemy, Dire Straits

     Hace tiempo ya, en uno de los espacios dedicados a Deep Purple, contaba como cayó en mis manos por primera vez el directo Made in Japan en mi adolescencia. Era el primer disco que escuchaba en mi vida del grupo británico, y aquella primera escucha me pareció insufrible. Además de Deep Purple, por aquella época cayó en mis manos otro directo, un tal Alchemy: Dire Straits Live. Está claro que por aquel entonces no había química alguna entre los discos en directo y yo, pues tampoco supe apreciar lo que había caído en mis manos. Rectificar es de sabios y con el tiempo, el que aquí escribe, pudo redimirse y apreciar, saborear y valorar esta obra como se merece.

En enero de 1983, Dire Straits había lanzado un EP de cuatro canciones titulado ExtendancEPlay mientras el álbum anterior, Love Over Gold, se batía el cobre en las listas de éxitos. Uno de los sencillos del EP, Twisting By the Pool, alcanza el Top 20 en las listas del Reino Unido y Canadá. El grupo se embarca en una gira llamada Love Over Gold que dura unos ocho meses, la cual termina con dos conciertos que agotan las entradas en Londres, en el Hammersmith Odeon, los días 22 y 23 de julio de 1983. Se acababa de plantar el embrión que daría lugar al mítico Alchemy: Dire Straits Live.

Alchemy: Dire Straits Live es un doble álbum y el primero en vivo editado de la banda británica. El material del disco está extraído de los conciertos en el Hammersmith Odeon de Londres, los días 22 y 23 de julio de 1983, bajo la producción de Mark Knopfler, y publicado el 16 de marzo de 1984 bajo el sello discográfico Vertigo Records internacionalmente y el sello Warner Bros. Records en Estados Unidos. El disco contiene material de sus primeros cuatro álbumes de estudio, el EP ExtendedcEPLay y la banda sonora de la película Local Hero, realizada por Mark Knopfler. La portada del disco fue una adaptación de una pintura realizada por el artista australiano Brett Whitley, titulada Alchemy 1974. 

El disco, al parecer fue lanzado sin sobregrabaciones, lo que otorga más mérito al mismo. Un discazo que abre Once Upon a Time in the West, unas de las joyas del álbum Communiqué, alargada hasta los 13 minutos, y que además de mostrarnos ya de primeras el potencial del grupo en directo, contiene uno de esos grandes solos de Mark Knopfler para ir abriendo boca y que nos deja con ganas de más. Romeo and Juliet, otra de sus grandes joyas, basada en el romance que Mark tuvo con la líder del grupo Holly And The Italians, Holly Vincent. En la canción, una pareja, la cual está enamorada, se acaba separando porque no es el momento adecuado para esa relación, y el hombre nunca dejara de querer a la mujer. 

La cara B del primer disco es abierta por Expresso Love, otro tema de amor incluido en Making Movies. Es uno de los temas más pesados del directo, con un potente riff de Mark Knopfler y un excelente trabajo a los teclados de Alan Clark. Private Investigations, tiempo para una excelente balada donde los teclados siguen cobrando protagonismo. Mark se basó para escribir el tema en algo que leyó sobre el personaje de Philip Marlowe. Marlowe fue un personaje, un detective privado creado por el novelista estadounidense Raymond Chandler. Cierra esta cara B y el primer disco Sultans of Swing, un tema que si ya de por sí es brutal, en directo pasa a ser una obra maestra con unos solos increíbles de Mark Knopfler. Un tema que trata sobre un grupo de chicos que después del trabajo salen a divertirse y escuchar música, y no les importa en absoluto la imagen que pueda tener la banda, lo que puede valer perfectamente para Dire Straits, lo que importa es la calidad, y de eso estos chicos van sobrados.  

Abre el disco 2 y su cara A Two Young Lovers, un tema donde podemos disfrutar del pedazo de saxofonista que es Mel Collins, y que nos sirve de antesala para otra de las joyas de la banda, Tunnel of Love, tema que cierra  esta cara A. Una gozada de más de 14 minutos que cuenta con una introducción que es un extracto del tema The Carousel Waltz, de los compositores estadounidenses Richard Rogerds y Oscar Hammerstein II. El tema, con unas excelentes improvisaciones, vuelve a mejorar la versión de estudio, algo difícil de conseguir. 

Abre la cara B Telegraph Road, si no nos hemos repuesto todavía de lo que acabamos de escuchar, llega esta otra joya con una duración que sobrepasa los 13 minutos, y que hace referencia a una importante vía que recorre de norte a sur Michigan. Mark se había inspirado para escribir esta joya en un viaje turístico que hizo en autobús y que recorrió la famosa vía Telegraph Road. turno para Solid Rock, tema incluido en el genial Making Movies. Otro gran tema, pero que tiene la mala suerte de ir justo después de Telegraph Road, y que es la antesala del tema que cierra esta cara y por tanto este brillante directo, Going Home, tema incluido en una de la mejores bandas sonoras que han salido de la mano de Mark Knopfler, Local Hero. 

Alchemy: Dire Straits Live además de convetirse por derecho propio en el disco definitivo del grupo, también se convirtió en uno de esos directos imprescindibles en la era del rock.