0131: Blue Velvet - Bobby Vinton

 

Escrita y compuesta por Bernie Wayne y Lee Morris en 1950, "Blue Velvet” fue uno de los primeros éxitos de Tony Bennett que la interpreto en 1951. Desde entonces, la canción ha sido pieza de muchos intérpretes, despues de la versión de Tony Bennet, Blue Velvet fue grabada por los Clovers para su álbum del mismo nombre y publicada en 1955 a través de Atlantic Records pero nosotros nos vamos a detener en la versión de 1963 que hizo Bobby Vinton y que alcanzó el no. 1.

El nacimiento de la canción se produjo cuando en la visita a unos amigos en Richmond, Virginia, el compositor Bernie Wayne se hospedó en el Jefferson Hotel, y fue la visión de una mujer en una fiesta celebrada en el Jefferson lo que inspiró a Wayne a escribir la letra de "Blue Velvet".  Y llegamos a la interpretación más exitosa la publicada por Bobby Vinton en 1963, llegando al numero 1 en el  Billboard  Hot 100 donde se mantuvo durante las siguientes dos semanas. Stanley Robert "Bobby" Vinton, Jr. es un cantante y compositor estadounidense. En los círculos de la música pop, se hizo conocido como "El príncipe polaco de Poch", ya que su música rinde homenaje a su herencia polaca. Conocido por su voz angelical en las canciones de amor, la cancion "Blue Velvet", la interpret por casualidad, todo vino porque decidió grabar un álbum de canciones "Blue" ("Blue Moon", "Blue Hawaii", "Am I Blue", etc.). Mientras estaba comprando partituras en Nashville, Vinton recibió un regalo del editor Al Gallico. La canción encajaba muy bien con el proyecto de Vinton,

La canción apareció en la banda sonora de Blue Velvet, película dirigida por David Lynch, que si bien constaba de una banda sonora instrumental realizada por Angelo Badalamenti que crea un ambiente totalmente oscuro, aunque también aparecen canciones de los años 60 entre las que se incluyen este Blue Velvet o In dreams de Roy Orbison. Cuando rodaba en 1986 'Blue velvet', a Lynch se le puso en las narices que quería la canción de Vinton en la banda sonora. "Demasiado caro", le dijo Dino de Laurentiis. Bueno, pues para eso tenía Lynch a Angelo Badalamenti, que se marcó una cuasicopia instrumental. Luego se invitó a Bobby al estudio para regrabar las voces, y adiós a los leoninos derechos de autor. Problema: resultó que Vinton, ya cincuentón, era incapaz de llegar a los agudos, así que Baladamenti tuvo que bajar todo un par de tonos. Se repitieron y repitieron tomas, pero entonces Lynch empezó a torcer el morro: aquel no era el terciopelo azul que él quería (y lo quería para envolver la noche). De Laurentiis no dudó. Se imaginó una nueva catarata de neuras del director y cortó por lo sano: aflojó la pasta por la versión original y a correr.

Así fue como quedaron indisolublemente unidos uno de los cantantes más inocentes de los 60 y uno de los cineastas más culpables de la Historia: culpable de trastornarnos a todos con sus insoportables sueños, culpable de crear un increíble y penetrante universo onírico, culpable de inventarse un cine abstracto -por algo empezó pintando- que lo mismo atrae que cabrea.

0114: Rhythm of the rain - The cascades

 

Una de esas bandas cuya música se incrustó en los corazones y las memorias de la generación de los 60 y que los jóvenes posteriores heredaron de sus padres fue The Cascades. Formada en 1960, en San Diego, California, The Cascades comenzó como una banda instrumental orientada al estilo de Surf Rock, muy probablemente influenciada por gente como The Ventures (“Walk, Don't Run”). Sin embargo, al descubrir la música de los entonces también incipientes The Beach Boys ("Surfin 'Safari"), cuyas coloridas armonías atrayeron instantáneamente su imaginación, The Cascades pronto se convirtió en un grupo de Sunshine Pop.

Rhythm of the Rain fue publicada en Valiant Records y capturó el sonido de la exuberancia juvenil, los horizontes soleados y brillantes y los cortes de cabello de aspecto limpio de principios de los años 60. La musica adornada con celestas, que estuvo dos semanas en la lista de audiencias de Estados Unidos en el momento de su lanzamiento y que hasta el día de hoy sigue ocupando un lugar destacado en varias listas de las mejores canciones pop de los 60. Fue escrita por el líder de The Cascades, John Gummoe, que en 2008 se referia a esta cancion en estos terminos: "Escribí 'Rhythm of the Rain' mientras servía en la Marina de los EE. UU. A bordo del USS Jason AR8. Estaba de pie a media guardia en el puente mientras navegábamos hacia Japón. Navegábamos hacia el Pacífico norte, llovía mucho y el mar se agitaba, me gustaba observar el 'anillo' que formaba la lluvia al caer y la forma en que fluía, y esa noche escribí la mayor parte de la letra, era como si la lluvia hablara. Fue más tarde que me senté en un piano y estaba jugando con las teclas negras y comencé a tocar una secuencia de Mi bemol hasta F sostenido, bueno, si lo haces verás que es la melodía que ahora está pegada las cabezas de millones de personas en todo el mundo. Más tarde, cuando hicimos una demostración de la canción, surgió ese pequeño ding ding que dice FC-FC, DA, DA. El gran arreglista Perry Botkin Jr. realzó ese pequeño gancho y fue el productor Barry De Vorzon a quien se le ocurrió la idea de abrir la canción con ese famoso estallido de trueno ".

Es posible que The Cascades no haya sido tan prolífico ni tan influyente como muchos de sus contemporáneos, como The Beach Boys, The Hollies o The Monkees, pero la melodía, la nostalgia lírica y la atemporalidad de las canciones son los rasgos que continúan haciendo que la banda y su música sigan siendo queridos para muchas generaciones en las últimas décadas. ¿Puedes oír el sonido de la lluvia que cae? Creo que puedes ... pero solo si te tomas el tiempo para sentarte y relajarte junto al alféizar de la ventana en tu estado de ánimo más descansado y reflexivo, cierras suavemente los ojos y respiras profundamente unas cuantas veces la neblina fresca de la mañana, dibujas una sonrisa juvenil y vuelva a imaginar la puesta de sol de su vida, mientras escucha de Rhythm of the Rain.

0105: Sealed with a kiss - Brian Hyland

 

Estamos ante una canción de amor arquetípica para adolescentes de secundaria estadounidense, compuesta por Gary Geld y el letrista Peter Udell, el dúo comenzó su asociación de escritura a principios de los años sesenta y escribieron más de 100 canciones juntos. Una de sus primeras canciones fue esta, que escribieron en 1960 y fue un éxito para Brian Hyland dos años después. La grabación original de “Sealed With a Kiss” fue para el grupo The Four Voices y fue lanzada como single en mayo de 1960, sin embargo, no se convirtió en un éxito, el encargado de poner este tema en órbita fue Brian Hyland. Nacido en Woodhaven en Queens, Nueva York de niño ya le encantaba la música, tocaba el clarinete y la guitarra y cantaba en el coro de la iglesia local. A los 14, fundó un grupo de doo-wop llamado DelFis y pero el grupo no consiguió tener éxito, Brian probó en solitario y tras visitar distintas discográficas con sus maquetas pudo firmar con Kapp Records que les dio la oportunidad. Después de algunos temas fallidos, Hyland tuvo un gran éxito a los 16 años con "Itsy Bitsy Tennie Weenie Yellow Polka Dot Bikini", que fue escrita por Lee Pockriss y Paul Vance ("Catch a Falling Star" y "Johnny Angel"), iniciando una carrera que si bien no sería muy exitosa si le otorgó un pico de popularidad que pocos artistas han conseguido.

 

Brian Hyland, grabaría "Sealed with a kiss" cuando ya era un ídolo juvenil, las muchachas estaban locamente enamoradas de él, de su guitarra y de ese pelo engominado tan representativo del artista, era uno más que se disputaba el trono de la música adolescente en dura pugna con Paul Anka o Neil Sedaka. La discográfica sabía que este tema que tenían en la recamara seria su oportunidad de poder superar a sus compañeros, el éxito estaría en esa música, a la que muchos llaman "sonido chicle", que era muy agradable, sencilla y melodiosa, y casaba perfectamente con aquellos tiempos pre-Beatles. Un tema ideal para capturar a todas aquellas jovencitas que estaban deseando sentir el amor en forma de canción y escuchar historias felices de adolescentes como ellas. Y tanto que fue así, estamos quizás ante el único gran tema del artista, tal era la repercusión que tuvo que consiguió liderar las listas de éxitos a ambos lados del océano Atlántico, cosa que pocos artistas lo habían podido conseguir hasta ese momento. Vamos a dejarnos llevar por esas sensaciones sesenteras y demos una oportunidad a esta canción, al fin y al cabo todos de adolescentes hemos tenido una canción chiclosa que nos ha conquistado.

0088: Del Shannon - Runaway

Runaway, Del Shannon

     El año 1961 fue testigo, entre otras cosas, de unos de los grandes clásicos de rock and roll de todos los tiempos, Runaway. 

El tema fue grabado en enero de 1961 en los Bell Sound Studios de Nueva York, y publicado en febrero de ese año por el sello discográfico Big Top. Runaway rápiamente se convirtió en un éxito internacional, alcanzando el puesto número 1 en la listas Bilboard Hot 100 de Esados Unidos, y alcanzando también el puesto número 1 en países como Australia, Canadá, Chile, Nueva Zelanda y reino Unido.

El tema fue escrito por Del Shannon y por el tecladista Max Crook. El cantante y guitarrista Charles Westover y el tecladista Max Crook actuaban juntos como miembros de la banda Charlie Johnson and the Little Show Band antes de que su grupo ganara un contrato de grabción en 1960 con el sello dsicográfico Big Top. Charles Westover tomó el nombre artístico de Del Shannon y Max Crook el de Maximilian. 

La primera sesión de grabación con Big Top resultó ser un auténtico fracaso, y el director del sello, Ollie McLaughlin, les convenció para que escribieran un tema que habían escrito anteriormente y que resaltaba el Musitron, que era un teclado eléctrico que había inventado Max Crook. Así se gestó Runaway.

El personal que participó en la grabación aparte de Del Shannon y Max Crook, fueron Fred Weingberg como ingeniero de sonido y músico de sesión en varias secciones y Al Caiola a la guitarra. El tema trata de un chico que es abandonado por su chica, y éste no hace mas que preguntarse que salió mal. La temática de las relaciones rotas fue una recurrente en los temas de Del Shannon.

0084: Love hurts - The Everly brothers

 

Volvemos y despedimos a The Everly brothers en nuestro recorrido por las canciones, entre el período 1957-1962, The Everly Brothers tuvieron 26 sencillos entre los 40 primeros de las listas de éxitos y llegaron a ser una inspiración para toda una generación de grupos de rock. The Beach Boys y Simon & Garfunkel desarrollaron sus primeros estilos interpretando versiones de Everly, incluso Bee Gees y The Hollies también han confesado su influencia. Bye Bye Love se había convertido en un gran éxito para el grupo, llegando alcanzar el número 1 en las listas de muchos países, el número 2 en las listas de música pop y el número 5 en la categoría de R&B! Con Don cantando el barítono principal y la armonía del tenor Phil, las melodías excepcionales de la pareja, entregadas en tercios diatónicos, parecían irresistibles.

 

“Love Hurts” fue escrita por el equipo de compositores formado por marido y mujer de Felice y Boudleaux Bryant. Fue una de las muchas grandes canciones que escribieron para The Everly Brothers, aunque solo se le atribuye a Boudleaux. A pesar de ser una de sus mejores canciones, originalmente no fue lanzada como single e inicialmente paso desapercibida en la lista de canciones del LP de 1960 del famoso dúo, A Date with the Everly Brothers. Es posible que los tonos oscuros y sexys de la canción desalentaran a los productores de lanzarla como single. “Love Hurts”, es considerado por muchos, hasta el día de hoy, como el último anti-amor. Explorando un lado más psicológico y doloroso del amor a través del rechazo del protagonista a la definición común del amor como un estado de felicidad feliz, es diferente de los éxitos anteriores de Everly Brothers, muy diferente a la visión más dulce del amor que se ofrece en otros temas anteriores. La letra de Love Hurts es bastante sencilla, en ella se relata una serie de cosas terribles que el amor puede hacerte, si no eres lo suficientemente fuerte para soportar el dolor. También sugiere que las referencias al amor como gozoso y reconfortante son simplemente falsas.

 

Ya en 1975 se hizo una versión que rescató del olvido a esta canción a cargo de la banda de hard rock Nazareth , que llevó la canción al Top 10 de Estados Unidos en 1975 y alcanzó el número uno en Noruega y los Países Bajos. En el Reino Unido, la versión más exitosa de la canción fue la del ex miembro de Traffic Jim Capaldi, quien la llevó al número cuatro en las listas en noviembre de 1975 durante una carrera de 11 semanas. La canción también fue versionada por Cher en 1975 para su álbum Stars. Rod Stewart grabó la canción en 2006 para su álbum. “A date with the Everly Brothers” está incluido en el libro 1001 canciones que hay que escuchar antes de morir.

0079: You mean everything to me - Neil Sedaka

 

Hijo de Mac Sedaka, un taxista judío sefardí de origen turco, y de Eleanor Appel, judía de origen polaco y ruso. Con nueve años Neil Sedaka ya tocaba el piano con maestría, y a los doce, fue admitido en la prestigiosa Julliard School of Music. Junto a Howie Greenfield, su vecino, comienza a componer canciones y en 1955 crea The Tokens, grupo de doo-wap con los que obtiene un pequeño hit en Nueva York, I love my baby, para separarse después. Unos años más tarde, los Tokens tendrían el éxito mundial: The lion sleeps tonight. En un comienzo, el timbre de su voz, -un poco chillona para lo que a fines de los 50’s estaba de moda-, no convencía a los editores musicales, pero Sedaka era xapaz de escribir unas canciones de indudable calidad y con un ritmo y arreglos diferentes al estilo du-duá tan en boga en aquellos años. Su primer éxito como compositor lo constituyó el tema “Stupid Cupid” que, en 1958, grabara Connie Francis quien en su exitosa carrera como cantante grabara luego, otros temas del dúo Sedaka-Greenfield. A partir de entonces, Sedaka fue contratado por la RCA Records como intérprete solista posición desde la cual obtuvo sus mayores éxitos y canciones como “Oh Carol”, (dedicada según se dice- a la que fue su novia en el instituto como compañera de clase, la también compositora y cantante Carole King), alcanzó de manera fulminante los primeros puestos del Top 100 del Billboard y se mantuvo hasta 1963, momento de la llegada de The Beatles y toda la invasión británica que paro de golpe la carrera de Sedaka y muchos artistas de su estilo. RCA no renovó el contrato de Sedaka cuando expiró en 1966 y Neil comenzó a realizar giras en el extranjero.

 

Puede que este no sea el tema más famoso de Neil Sedaka, quien tuvo muchos éxitos en los años 60, pero You mean everything to me tiene para mí un encanto especial… esa voz con esa melodía tan pegadiza y unos coros femeninos que suenan lejanos como envolviendo la voz de Sedaka, pero quizás lo que más destaco de este tema es esa aura dramática-épica que han sabido imprimirle con distintos tonos vocales durante la canción, y esas percusiones que son casi militares mientras escuchas como el amor puede significar todo para él y que lo único que desea es tenerte a su lado.

0073: Brenda Lee - I´m sorry

 

Brenda Lee es una verdadera reina de la música country, tras de sí una carrera de más de 60 años, de hecho, está catalogada como la tercera intérprete estadounidense más exitosa de la década de 1960, después Elvis y Ray Charles. Cuenta con 47 canciones que alcanzaron la cima de las listas de éxitos solo en esa década. Su primer éxito fue una canción que escribió y grabó cuando tenía tan solo 15 años; 'I'm Sorry' y alcanzó el número uno en la lista "Billboard Hot 100". Una de las cosas que más llama la atención al escuchar este tema es comprobar la edad en la que fue grabada, es difícil creer que una voz tan poderosa pueda provenir de alguien tan joven, a la edad hay que sumar su figura, con apenas 150 cm y ese chorro de voz que rápidamente te impacta, algo que le valió el apodo de "Little Dynamite" (pequeña dinamita), después de grabar su primera canción, "Dynamite", a la tierna edad de 12 años.

Nacida en Atlanta empezó a mostrar su capacidad vocal con tan sólo 3 años, ganó su primer concurso como cantante a los 5 y a partir de los 7 ya actuaba regularmente en la emisora local. Por esas fechas fue cuando un productor de televisión la presentó por primera vez con su nombre artístico, Brenda Lee. El cantante de country Red Foley la oyó cuando tenía alrededor de 10 años y maravillado con su voz la invitó a participar con él en un popular espacio de televisión. En 1956, ya con 12 años, Brenda fichó por Decca Records grabando su primer sencillo pop, pero "sólo" alcanzó un modesto puesto 43 en las listas estadounidenses. No fue hasta 1960 cuando Brenda consiguió su primer top 10 con un número 4 gracias a Sweet Nothin's, lo que ya hizo que definitivamente se ganará el conocimiento y el favor por parte del gran público. I'm sorry fue grabada a principios del año 1960 pero la discográfica tenía muchas reticencias para publicar la canción por esas cosas del puritanismo estadounidense. Una canción que hablaba de amor no parecía apropiada para una niña de tan sólo 15 años. De esta manera pasaron muchos meses antes de que el sencillo viera la luz y fue bajo la estrategia de montar I'm sorry en la cara B y promocionando principalmente la otra cara titulada That's all you gotta do. Pero, aunque esta brilló con luz propia llegando a un puesto 6, I'm sorry fue definitivamente la que pegó más fuerte consiguiendo el ya mencionado número 1 y desmontando definitivamente los prejuicios de los de de Decca.

"I'm Sorry" es un ejemplo temprano del estilo countrypolitan de Nashville, con sus coros dulces y sus cuerdas suspirantes, el suave drama de ese arreglo sirvió muy bien a la canción, que se ha convertido en un clásico y ha sido versionada por otros cantantes y reconocida alrededor de todo el mundo.

0068: Neil Sedaka - Oh Carol

 

Oh! Carol, Neil Sedaka

     La canción Oh! Carol fue escrita en 1958 por Howard Greenfield y por el propio Neil Sedaka., y publicada en 1959 por el sello discográfico RCA Victor como cara A, siendo el tema One Way Ticket el que ocupó la cara B. Antes del lanzamiento de este sencillo, Neil Sedaka se encontraba en una situación ciertamente comprometida con RCA Victor, pues sus anteriores lanzamientos no habían ido todo lo bien que se esperaba, y el sello discográfico iba a prescindir del artista. Es el productor y compositor estadounidense Al Nevins el que connvence a los ejecutivos de RCA para que den una última oportunidad a Sedaka.

Con toda la presión que esto conlleva, según el propio Neil, cogió algunos de los mejores singles de la época y se puso a escucharlos, dándose cuenta que estos eran muy similares en cuanto a progresión de acordes, melodía y estilo lírico. Luego uso todo ese conocimiento para componer Oh! Carol. También hay quien dice que fue el productor Don Kirshner, quien era amigo de Sedaka, quien le dijo que escribiera una canción con el nombre de una chica en el título y hablara en el medio de la misma como lo hicieron The Diamonds en la canción Little Darlin. En cualuier caso, de una u otra forma Sedaka dio en el clavo, salvando su contrato con RCA Victor, pues el tema pasó 18 semanas consecutivas en la lista estadounidense Billboard Hot 100, llegando a alcanzar el puesto número 9, el puesto número 3 en las listas del Reino Unido, y el puesto numero 1 en las listas de Holanda y en parte de Bélgica.

El nombre de Carol fue puesto en honor a Carol Klein, con quien Sedaka había salido cuando se encontraba en la escuela secundaria. Sedaka había formado su primer grupo en la escuela secundaria, los Linc-Tones, y Carol fue miembro del grupo. Más tarde, Carol Klein se convertiría en Carol King. El letrista Gerry Goffin, esposo de Carol en aquel momento, tomó la melodía de la canción y escribió el tema respuesta ¡Oh Neil!, el cual grabó y lanzó Carol King como sencillo aquel mismo año, aunque obtuvo escaso éxito.

0063: Put Your Head on My Shoulder - Paul Anka

 

 “Put Your Head on My Shoulder” es una de las canciones de amor más apreciadas de todos los tiempos. Paul Anka la escribió y grabó en 1959, en el apogeo de su fama, convertiendose en el cantante adolescente más exitoso de los años 50 que escribiera su propia canción. Había conocido el éxito en 1957 con su canción "Diana". Al igual que sus éxitos anteriores, “Put Your Head on My Shoulder” capturó la tímida ternura de la cultura popular adolescente de la década de 1950. La inspiración de Anka vino de sus fans, al fijarse en ellas durante sus actuaciones.  "Fui consciente del ambiente, mis conciertos estaban llenos de adolescentes y cuando tocaba una balada todos se abrazaban, y yo estaba allí arriba cantando mientras veia sus cabezas sobre los hombros del otro ”, dijo Anka. "Fue algo importante en los años 50, una época de inocencia y romance, nunca había escuchado una canción que expresara tal sentimiento, así que una noche volví a mi habitación de hotel y escribí Put Your Head on My Shoulder”, Pon tu cabeza sobre mi hombro. Sostenme en tus brazos, cariño. Aprietame oh-tan-fuerte. Muéstrame que tú también me amas. Pon tus labios junto a los míos, querida. ¿No me besarás una vez? Solo un beso de buenas noches, tal vez tú y yo nos enamoremos”, dice la canción, bastante explicito y atrevido para la época.

“Put Your Head on My Shoulder” alcanzó el número 2 en la lista Hot 100 de Billboard. Nueve años más tarde, la canción volvió a ser popular en el puesto 44 de las listas con la versión de 1968 de The Lettermen. El cantante canadiense Michael Bublé, que comenzó como el protegido de Anka, también hizo una versión de “Put Your Head on My Shoulder” en su exitoso álbum debut homónimo en 2003.

Pero nadie lo hace mejor que Paul Anka. La leyenda de la música comenzó a ser uno de los mayores ídolos adolescentes de finales de los 50. En 1961, cuando la locura de los ídolos adolescentes comenzó a enfriarse, Anka podía presumir de las más de 125 composiciones en su haber, así como de su propio sello discográfico llamado Spanka, en lugar de dormirse en los laureles, Anka pasó a la esfera adulta y se convirtió en un exitoso intérprete, compositor, artista de grabación y empresario musical que se mantuvo tan bien entrado el nuevo milenio.

0058: Mack the knife - Bobby Darin

 

La canción cuenta la historia de un asesino en serie que mata a sus víctimas con una navaja  y aunque para muchos el asesino de "Mack the Knife" se basaba en el infame y misterioso asesino en serie de la vida real Jack el Destripador del Londres de la década de 1880, nada más lejos de la realidad, el verdadero origen de la canción está en “The Beggar´s Opera”, que el inglés John Gay, dio al mundo en 1728 al popular personaje de un salteador de caminos llamado capitán MacHeath, basado en un criminal real llamado Jack Sheppard que había sido ejecutado cuatro años antes. Dos siglos después, el compositor Kurt Weill y el dramaturgo Bertolt Brecht decidieron actualizarlo, pero eliminaron los rasgos caballerosos del personaje y lo hicieron más cruel, además de darle a la obra el consabido matiz político anticapitalista propio de Brecht. Ese musical fue un gran éxito, quizá el mayor del género durante la República de Weimar, y la canción donde presentaban la entrada a la acción del protagonista lo fue aún más, rara era la noche en que no sonaba en los cabarets.

En Alemania llegó al poder Adolf Hitler, y Kurt Weill tuvo que huir a Estados Unidos, aquella composición quedó en el olvido, hasta que en Estados Unidos, Marc Blitzstein decide hacer una versión dándole el toque clásico de Jazz para homenajear a Weill. La propuesta llegó a oídos del jefazo de la Columbia Records que quedó prendado ofreciéndosela a distintos cantantes, entre ellos a Louis Armstrong. De este movimiento tuvo conocimiento la MGM que hizo su versión en piano, regalando a Bobby Darin un numero uno incontestable, hubo quienes creían que grabar una canción de una ópera podría dañar su carrera, en ese momento Darin era más conocido como uno de los primeros artistas del rock & roll, y su mayor éxito hasta ahora había sido "Splish Splash" que durante 1958 había estado entre los 5 primeros de la lista de éxitos, pero nada mas lejos de la realidad, "Mack the Knife" daría un cambio absoluto a la carrera de Bobby Darin convirtiéndole en una de las estrellas de la Lounge Song.

Como curiosidad y para entender hasta donde llegó el tema, contaros que Pedro Navaja, la famosa canción de Ruben Blades no es ni más ni menos que una versión en salsa de este Mack the knife y si queremos redondear la curiosidad el protagonista de los tebeos de “Makinavaja: el último choriso” de Ivá tiene su origen también en la canción creada por Bretch. La revista Rolling Stone clasificó a "Mack the Knife" como la canción número 251 más grande de todos los tiempos y el magnate de la música pop y el juez de reality shows Simon Cowell dijo en "Desert Island Discs" de BBC Radio 4 que "Mack the Knife" es la mejor canción jamás escrita

0055: Frankie Avalon - Venus

 

Descubrió su afición por el mundo artístico con apenas 9 años época en la cual se inició en el estudio de la trompeta  con el propósito de convertirse en una gran  trompetista al estilo de Louis Armstrong o Harry James, los mejores exponentes del género por aquellos años, está claro que no llegó a eso pero al menos consiguió pequeñas actuaciones en los shows televisivos de Jackie Gleason  y Ray Anthony que le sirvió para convertirse en un “ídolo adolescente” a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, ser conocido en todo el país como cantante y posteriormente estrella de cine, especialmente en películas denominadas de "playa", tenía la estampa del vecinito perfecto, alguien muy familiar. John Wayne había sido su mentor y defensor lo que ayudó a su carrera como cantante y como actor. En verdad, Avalon probablemente era mejor actor que cantante. Dio la casualidad de que se topó con la oportunidad de cantar esta canción muy bien escrita, "Venus", en 1959 y no lo desperdició. Frankie Avalon fue considerado dentro del grupo de los llamados "Caras bonitas", del rock junto a Paul Anka, Bobby Rydells, Fabian o Ricky Nelson entre otros  por su agraciado rostro, situación que contribuía –al menos en aquella época-, de manera importante al éxito comercial de los artistas, especialmente a través de las presentaciones televisivas y actuaciones en directo, pero, como con tantas otras cosas que componían la “escena” de la música pop estadounidense a mediados de la década de 1960, el atractivo de Avalon se desvaneció con la avalancha de la invasión británica.

 

Sociológicamente, "Venus" es un reflejo de una época diferente a la nuestra, una época de valiosa inocencia, tal vez un último reflejo musical pop de la ingenuidad de la posguerra acrecentada por una excelente grabación pop. Escuchar ese clavicémbalo, y por encima de todo, deteneros en esas voces femeninas de acompañamiento de ensueño, una percusión ligera y cambiante, el ritmo inusual, una mezcla de cha-cha y calipso. Era un caramelo que eclipsó todo lo que había hecho antes y por supuesto nunca volveria a cantar otro tema como este, una canción de ídolos adolescentes que trascienda su género. La canción pasó cinco semanas en el número 1 en las listas de éxitos e incluso llegó al número 10 en la lista de R&B, un logro poco común para un cantante pop italoamericano.

0052 La música en canciones: You are my destiny - Paul Anka

Paul Anka grabó su primer sencillo, "I Confess", cuando tenía 14 años. En 1957 fue a la ciudad de Nueva York donde hizo una audición para Don Costa en ABC, cantando lo que se creía que era un verso enamorado que había escrito a un ex niñera. En una entrevista con Terry Gross de NPR en 2005, declaró que se trataba de una chica de su iglesia a la que apenas conocía. Del pop adolescente al swing, pasando por el rock y el jazz, ha interpretado himnos imperecederos de calado intergeneracional que siguen habitando en nuestra memoria colectiva. Es el caso de «Diana» (que le convirtió en uno de los primeros ídolos juveniles de la música) «Put Your Head On My Shoulder», «Lonely Boy», «She’s A Lady», «(You’re) Having My Baby» o la mítica «My way», reinterpretación de la canción francesa «Comme d’habitude». Conviene saber que Paul Anka fue el encargado de trasformara My way en el mercado anglosajon para Frank Sinatra dándoles uno de los mayores éxitos a la voz. 

"You Are My Destiny" es una canción escrita e interpretada por Paul Anka. Fue lanzado en 1958 y alcanzó el número siete en el Billboard 100 de Estados Unidos a principios de ese año y el número catorce en la lista de R&B. La canción también fue lanzada en el Reino Unido, donde alcanzó el número seis.

La letra narra cómo le dice a su amante que es su destino ser amado porque es capaz de compartir su soledad, sus sueños y sólo un tonto rechazaría a alguien como él/ella. Un poco ñoña, o mucho, la canción ha quedado casi como un himno de esos que te gusta escuchar al lado de la persona que amas, (o imaginarte que la escuchas) a pesar que rebose el azúcar por cada nota musical. 

0045: Fever - Peggy Lee

Huérfana de madre con cuatro años, durante toda su niñez sufrió en silencio el maltrato cruel de una madrastra loca, después de que su padre se fuera del hogar. Se casó cuatro veces sin nunca dar con el amor verdadero. Tuvo que esperar treinta y seis años para que por fin un tribunal de California le diera la razón en su batalla judicial contra Disney, que le negaba royalties por la composición e interpretación de la canción principal de La Dama y El Vagabundo, He’s a Tramp (But i Love Him). Luchó toda su vida contra una salud delicada, pero en 1998 sufrió un derrame cerebral que le quitó el habla.

Peggy Lee, conocida por su entrega sensual, sincronización impecable y entonación de blues, ya se había ganado el respeto de los grandes del jazz, mientras que sus éxitos comerciales ganaron legiones de admiradores. Versátil y prolífica, se ha convertido en una de las voces más reconocidas de la era del swing, famosa por éxitos como “Why Don't You Do Right” y “It's a Good Day”, siendo esta última una de sus muchas composiciones originales. En Estados Unidos, era considerada como una de las más grandes damas del Jazz, codeándose con Ella Fitzgerald o Bessie Smith. Billie Holiday le admiraba, Duke Ellington le llamaba The Queen, Sinatra estaba permanentemente fascinado, y Dios Elvis le consideraba como una de sus principales influencias. 

En julio de 1958, casi 20 años después que empezara su carrera Peggy Lee tuvo la posibilidad de hacer una versión de un tema compuesto dos años antes por Eddie Cooley y Otis Blackwell, este último hizo muchas contribuciones al canon del rock'n'roll temprano, incluyendo "All Shook Up", "Don't Be Cruel" y "Great Balls Of Fire", entre otros. Los dos coescribieron “Fever” y fue grabado por la joven estrella de R&B y rock'n'roll Little Willie John, que tenía solo 18 años en ese momento. El original había vendido un millón de copias, pero a Peggy Lee le pareció poco y que podía tener más recorrido, hizo la canción suya, para ello adaptó la letra, quitó todo lo superfluo, quedándose solo con el contrabajo y la batería, ralentizó el tempo, le metió unos chasquidos de los dedos y le implantó una narración satírica de la que se hizo eco la Generación Beat. Lee tenia las cosas claras y vio la nueva época que se acercaba y quería tener su lugar en esta nueva era aprovechando la creciente audiencia del rock'n'roll, y consiguió que Fever fuera su éxito más grande, dejando una de las grandes canciones de la historia de la música popular y sobre todo un sofisticado espectáculo que destacó entre el mercado juvenil mientras, ya que la canción estaba llena de insinuaciones que incomodaban a los padres. Una brillante culminación de la experimentación y la excelencia del pop, “Fever” de Lee fue la voz subversiva de la sexualidad bajo el espíritu represivo de los conservadores años 50: una señal para la revolución sexual que estaba por venir.

0043: The Everly Brothers: All I Have to Do Is Dream

 

Esta canción, que vendió más de un millón de copias, fue escrita por Boudleaux Bryant, quien era la mitad del mundialmente famoso equipo de compositores de marido y mujer, Boudleaux y Felice Bryant . Juntos, esta talentosa pareja consiguió grandes éxitos para los hermanos Everly y otros artistas, como "Bye, Bye Love", "Wake Up Little Susie” que ya hemos reseñado en el blog, vamos con la tercera:

 

Una dulce balada de rock and roll con un coro de voces extremadamente romántico y ligeramente rockero, la leyenda del country Chet Atkins toca la guitarra en la grabación. La canción se basa en la armonía cerrada de las dos voces y la perfecta coordinación de las dos guitarras, creando un efecto magnífico, siendo apoyados por un leve ritmo de batería. La letra nos habla de un amor que es un sueño, en el que tan sólo precisa soñar par tener a su amante en sus brazos, a quien quiere hasta morirse. Lo único malo es que así puede que pase su vida soñando sin dar el paso al mundo real. Para muchos All I Have to Do is Dream fue uno de los primeros ejemplos del nuevo "sonido Nashville" que dominó la música country en los años 60. La idea era eliminar todos los elementos folklóricos del country (violines, flautas, etc.) para que la música fuera más agradable para el público pop, si lo escuchas detenidamente queda claro que es formalmente una balada country clásica que ha sido afinada para adaptarse a las distintivas armonías pop de Everlys.

 

"All I Have to Do Is Dream" se encuentra entre las pistas más melancólicas y etéreas de la época dorada del rock & roll. El atractivo atemporal de su hermosa melodía la ha convertido en una de las canciones más duraderas del canon de la música pop. Ocupa el puesto 142 en las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stones

0028: The Everly Brothers - Wake Up Little Susie

Como comentamos en un artículo anterior (Bye, bye love), The Everly Brothers fue una gran banda que se convirtieron en uno de los referentes del pre-pop y del pre-rock en los años 50, con unas melodías muy exquisitas y un particular sonido muy personal.

Wake up Little Susie fue escrita el matrimonio Bryant, responsables de su anterior éxito antes mencionado y responsables de las canciones de The Everly Brothers en los años 50. El matrimonio también hicieron temas para Bob Dylan, Elvis y Buddy Holly. Fue el primer número 1 de los hermanos Everly y se han realizado versiones maravillosas de lo que ya puede considerarse un clásico: entre ellos Simon & Garfunkel y los Rattlesnakes, un grupo que acabó evolucionando para ser Bee Gees.

Contaros que el tema fue prohibido por todas las emisoras del Boston ya que entendieron que su título “Levántate Susanita” tenía veladas referencias sexuales, ya que la canción cuenta la historia de una pareja de jóvenes que se quedan dormidos dentro de un coche en un cine al aire libre y despiertan a las 4:00 de la madrugada cuando tenian que estar a las 22:00 h en casa. La canción incide en los miedos (exagerados) de su novio, por las consecuencias de un error involuntario y aparentemente inocente como es haberse quedado dormido en un coche, un acto fortuito y no deseado que podrían consecuencias como la vergüenza, el miedo a que dirán y a quedar marcado lo que supondría una gran mancha en ellos, mentalidad total años 50 Estadounidenses, sin duda muy particular, no podemos imaginarnos una canción como está, explicándoles a tus padres que llegas de madrugada porque te has dormido en tu coche

0027: Diana - Paul Anka

Diana fue el primer éxito de Paul Albert Anka, músico y actor canadiense nacido el 30 de julio de 1941. A esta canción, con la que logró fama internacional a finales de los años 50, le siguieron otros grandes temas de la talla de "Lonely Boy", "Put your head on my shoulder" o "She's a lady", esta última popularizada en la voz de otro grande, el "Tigre de Gales" Tom Jones. Paul Anka es también el autor de la letra de "My Way" de Frank Sinatra, por lo que podría decirse, si nos ponemos muy literales, que las cosas que Frank decía hacer "a su manera", en realidad estaban hechas a la manera de Paul. Como lo estaba la canción Diana, una canción tan personal e intransferible, que aunque ha sido versionada por multitud de artistas, siempre estará dedicada a una sola Diana, la antigua niñera adolescente a la que un imberbe Anka declaraba su amor, a lo largo de los versos de esta canción eterna.

Diana nunca correspondió al joven Anka, y no sabemos si se acabo arrepintiendo, aunque solo fuera un poquito, al escuchar este tema basado en el ritmo del calypso caribeño y combinado con el del cha-cha-chá, que alcanzó  a toda velocidad los primeros puestos de las listas de ventas, tanto canadienses como norteamericanas, y que pasaría a la historia como una de las mejores canciones románticas de todos los tiempos. Paradójicamente, el jovenzuelo rechazado se convirtió, gracias a esta canción, en todo un ídolo de adolescentes, que sucumbían a los encantos de su voz aterciopelada, que rogaba desesperadamente a Diana que se quedara a su lado.

Cantantes de la talla de Elvis Presley, Caetano Veloso, Raphael o Enrique Guzmán nunca conocieron a Diana, pero no resistieron la tentación de hacer también suya esta canción e incluirla en sus repertorios, con resultados notables en la mayoría de los casos, pero sin llegar nunca a superar al original, demostrando una vez más que Diana no hubo más que una, porque solo Paul Anka podía cantarla "a su manera".

0023: The Everly Brothers - Bye Bye Love

The Everly Brothers eran hermanos (Don y Phil Everly) tal como anuncian en su nombre artístico, nacen en 1937 y 1939 respectivamente dentro de una familia de artistas country que recorrían el país dando recitales en pequeños locales. Su primer sencillo apenas tendrá repercusión, pero atrae la atención de ese genio de la guitarra que fue Chet Atkins que los apadrina y les consigue un gran contrato y el inicio de una carrera fulgurante. Bandas como The Beatles, The Hollies, The Byrds, The Mamas and The Papas o el dúo Simon & Garfunkel, reconocieron su influencia y entre las versiones más conocidas están las de Roy Orbison, Ray Charles, The Righteous Brotheres, Simon and Garfunkel, George Harrison, The Proclaimers o The Coral.

“Bye Bye Love” fue grabada en 1957 en los estudios RCA de Nashville bajo la supervisión del gran guitarrista y productor de country Chet Atkins amigo de la familia que ayudó a los Everly Brothers a conseguir su primer contrato discográfico con Columbia Records. Sin embargo, su primer sencillo, "Keep A 'Lovin' Me", fracasó y el sello los eliminó. Chet les presentó un nuevo tema compuesto por una reconocida pareja de autores, el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant, y que llegó por casualidad a las manos de Chet Atkins después de haber sido despreciada por más de una treintena de artistas. El éxito fue impactante en gran parte debido al arreglo que el dúo le implementó con su famoso trémolo al inicio y aderezado con la perfecta armonía de sus voces, lo cual desencadenaría en el popular “Sonido Everly” creado también por sus famosas guitarras Gibson acústicas de tapa plana. El tema fue un bombazo y enseguida llegó al nº 2 de las listas Billboard USA. Fue tan rápido que los hermanos Everly, recién regresados de una gira de tres semanas a lo largo del Mississippi, se encontraron con la sorpresa de haberse convertido en los ídolos musicales de toda América.

La canción arranca con un riff de guitarra mítico que da paso a la armonía cerrada de las dos voces y la perfecta coordinación de las dos guitarras, creando un efecto magnífico, siendo apoyados por un leve ritmo de batería. La letra nos habla de un amor que ha terminado por culpa de un tercero y de la tristeza que deja.

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