1127.- Lily of the West - Bob Dylan

 

“Dylan” fue publicado en 1973 por Columbia en un movimiento de venganza después de que Bob se mudara temporalmente a Asylum Records. Sé que no todos estarán de acuerdo conmigo cuando hago esta afirmación, pero honestamente creo que el disco "Dylan" no es tan malo, cierto que el disco no es una joya como Blonde On Blonde, Desire o Modern Times, pero aun así, hay muchas canciones aquí que son buenas y a pesar de que recibió muy malas críticas tras su lanzamiento consiguió alcanzar el puesto 17 en los EE. UU. y fue el decimotercer álbum de Dylan compuesto en esta ocasión por tomas descartadas de sus discos anteriores, principalmente de  los trabajos, Self Portrait y New Morning . Las nueve canciones incluidas en el álbum se componen de seis versiones y tres canciones tradicionales, adaptadas y arregladas por Dylan. El álbum siguió a la salida del artista de Columbia para Asylum Records.

"Lily of the West" es una canción icónica de Bob Dylan que se destaca por su narrativa rica y melódica, es una adaptación de una balada tradicional irlandesa que ha evolucionado a lo largo del tiempo. Dylan logra capturar la esencia de la historia original, pero también infunde su propio estilo distintivo. La letra de "Lily of the West" cuenta la trágica historia de un hombre que se enamora perdidamente de una mujer llamada Lily, a medida que avanza la narrativa, descubrimos que Lily le ha sido infiel, y el protagonista experimenta una montaña rusa emocional mientras intenta lidiar con esta traición el tema está impregnado de una profunda melancolía, y la voz distintiva de Dylan le confiere un matiz adicional de autenticidad y emoción. La instrumentación, característica de la época de Dylan, combina acordes de guitarra suaves con armonías que refuerzan la sensación melancólica de la historia, la armonización vocal también desempeña un papel crucial, aportando capas adicionales de complejidad y profundidad a la canción, la combinación de la narrativa poética y la expresión vocal de Dylan crea una experiencia auditiva magnifica, además a medida que la canción avanza, el oyente se ve inmerso en la angustia del narrador y su lucha con los sentimientos encontrados hacia Lily. La complejidad emocional se manifiesta a través de la prosa cuidadosamente elaborada y la ejecución magistral de Dylan, la interpretación apasionada del artista sirve como puente entre la canción y el oyente, permitiendo que la historia resuene con una amplia audiencia.

 "Lily of the West" es un ejemplo destacado del talento de Dylan para reinterpretar y revitalizar canciones tradicionales. Su habilidad para infundir nueva vida en viejas melodías demuestra su maestría como artista y su profundo respeto por la rica tradición musical de la que provienen estas canciones. A través de esta obra, Dylan consolida su lugar como uno de los principales narradores de historias en la música folk y deja una huella duradera en la cultura musical. Con su enfoque distintivo y su habilidad para transmitir emociones complejas, "Lily of the West" sigue siendo una joya atemporal en el extenso catálogo de Bob Dylan.

Disco de la semana 361 - All things must pass - George Harrison

Muchas cosas tuvieron que pasar para que el "primer" disco en solitario de George Harrison tras la separación de The Beatles viera la luz, y entre ellas, la publicación previa de dos proyectos (la banda sonora "Wonderwall Music" y el disco experimental "Electronic Sounds") mientras los "fab four" aún seguían juntos, lo que, siendo precisos, situaría realmente a "All Things Must Pass" ("Todas las cosas deben pasar") como el "tercer" álbum de estudio de Harrison sin The Beatles.

Publicado por Apple Records en noviembre de 1970, y grabado bajo la producción de Phil Spector, fue el primer gran esfuerzo de Harrison por publicar un álbum elaborado y completo, y el resultado fue un disco que sacó a la superficie todo el talento creativo acumulado por el guitarrista, que repescó buena parte del material acumulado tras varios años de componer canciones que nunca encontraban hueco en los discos de su banda de origen, pero también un disco claramente influenciado por el momento por el que pasaba el músico británico, y la variada paleta de colaboraciones y tendencias tanto musicales como espirituales en las que por entonces estaba interesado.

El camino que le llevó a dar forma a todo el material acumulado, hasta convertirlo en la que fue su obra maestra, comenzó en los estudios Abbey Road en mayo de 1970, solo dos meses después de la separación oficial de The Beatles, pero ya desde las sesiones de grabación del disco "Let it be" (1969) de The Beatles (en las que se grabó una demo de la canción "All things must pass" que daría nombre al disco), a Harrison le rondaba la idea de publicar su primer proyecto serio en solitario. Había acumulado canciones desde 1966, y había compuesto un par de canciones junto a Bob Dylan, además del material que había creado para otros artistas, así que tenía más que suficiente para completar varios discos, si hubiera querido espaciar en el tiempo aquella buena cosecha. Pero él quería sacarlo todo, porque "Todas las cosas deben pasar".

Tal era la cantidad de buen material que George Harrison había acumulado en las alforjas que, viéndolo en perspectiva, y aunque sea compararlo con una obra muy posterior, podría decirse que estamos ante "El Salmón" de George Harrison, un disco triple compuesto de dos vinilos con material original y un tercero de temas extras ("Apple Jam") compuesto de improvisaciones musicales y ensayos que no quiso desechar del conjunto. Phil Spector explicó como nadie, años después en una entrevista, la magnitud de la inmensa producción musical de Harrison en aquella  época:  "George me dijo: Tengo unas cuantas cancioncillas para que las escuches. ¡Era interminable! Tenía literalmente centenares de canciones y cada una era mejor que el resto." 

ALL THINGS MUST PASS

El disco comienza con la primera de las grandes joyas que lo conforman, "I'd Have You Anytime", compuesta por Harrison junto a Bob Dylan, con una letra que encaja como un guante con la magnitud y características del disco: "Todo lo que tengo es tuyo, todo lo que ves es mío". Le sigue la excelsa "My Sweet Lord", una curiosa combinación de música góspel y referencias "Hare Krishna" que, junto a "All things must pass" fue ofrecida a Billy Preston, que las grabó para su álbum "Encouraging Words" (1970) sólo dos meses antes del lanzamiento de "All Things Must Pass", dónde finalmente Harrison decidió incluirlas, siendo además a "My Sweet Lord" el primer single promocional del álbum.

En las tensas sesiones de grabación de "Let it be" y en concreto en una discusión con Paul McCartney, se basó Harrison para la composición de "Wah-Wah", un intenso tema de guitarras, un instrumento por el que en este disco recuperó el interés que hasta entonces había perdido en beneficio del estudio del sitar. La triunfal cara A del disco cierra con la monumental y beatleliana "Isn't It a Pity", glorioso tema de más de siete minutos que está entre lo mejor del disco y de su discografía, y cuya composición se remontaba a 1966. Quizá consciente de la importancia de este tema, decidió incluir una segunda versión, que suena hacia el final del segundo vinilo.

La cara B comienza con "What Is Life", que Harrison compuso durante el trayecto en coche a una sesión de grabación de un disco de Billy Preston en el que estaba colaborando, y con la excelsa "If Not for You", una canción que Bob Dylan le regaló para el disco. La influencia del trovador de Minnessotta es grande a lo largo del álbum, y en "Behind That Locked Door", compuesta la noche anterior a la participación de Dylan en el Festival de la Isla de Wight tras el accidente de moto que sufrió en 1966, su amigo Harrison le transmite fuerza y ánimo. La cara B termina con "Let It Down", otro de los temas que aparecieron como bocetos primerizos en las sesiones de "Let it be", y "Run of the Mill", escrito posteriormente pero basado también en esa época, y en la deteriorada amistad entre los miembros de The Beatles y las constantes discusiones dentro de Apple Corps.

El segundo disco comienza con la intensa y oscura balada "Beware of Darkness", que abre una cara C constituida en su mayor parte por canciones compuestas y grabadas en 1970, y con la divertida y ligera "Apple Scruffs", una de las últimas canciones compuestas para el álbum, y todo un homenaje a un grupo de acérrimos seguidores de The Beatles que, día y noche, se apostaban delante de las oficinas de Apple. "Ballad of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)" es un guiño al anterior propietario de su mansión de Friar Park, en cuyos jardines se realizó la foto de la portada del disco, en la que Harrison aparece sentado junto a cuatro gnomos de jardín, en lo que todo el mundo interpretó como una ácida referencia a The Beatles. Igualmente interesante resulta "Awaiting on You All" por ser, junto a "My Sweet Lord", la canción que más refleja la influencia del movimiento Hare Krishna en la música de Harrison. Tras los cánticos religiosos de este tema, la rescatada canción titular "All Things Must Pass" suena en la voz de su autor más profunda e intensa que en la versión de Billy Preston.

La cara D comienza con "I Dig Love", un interesante ejercicio de guitarra que surgió de un ensayo de Harrison con su guitarra slide. Tras ella, el siguiente plato fuerte de esta cara es la intensa "Art of Dying", el segundo de los temas que Harrison rescató entre sus composiciones de 1966 tras "Isn't It a Pity", que suena a continuación en su segunda versión del disco, antes de echar el cierre a una descomunal colección de grandes canciones con "Hear Me Lord", la última de las canciones rescatadas de las sesiones de "Let it be".

APPLE JAM

Con los dos discos que conforman la parte "ortodoxa" de "All Things Must Pass" ya habría sido suficiente, y en la inclusión de un tercer disco de improvisaciones y ensayos quizá sea dónde este disco colosal muestra sus pies de barro, con temas en su mayor parte instrumentales que poco aportan a un conjunto que ya contaba con suficientes armas para convertirse en el mejor disco de su carrera. Así, "Out of the Blue" está basada en un único y repetitivo riff de guitarra, y temas como "Plug Me In", "I Remember Jeep" y "Thanks for the Pepperoni" tienen una estructura muy básica y mínimos cambios de acordes, y aún así resultan interesantes por los extensos solos de guitarra de George Harrison, Dave Mason y Eric Clapton.

Para completar este deslavazado conjunto, la única canción provista de letra es "It's Johnny's Birthday", que copia el ritmo de "Congratulations" de Cliff Richard, una broma de menos de un minuto que fue grabada para el 30 cumpleaños de John Lennon. Cuesta no plantearse si, entre las más de 20 canciones que fueron descartadas para el disco, no habría otras que merecieran más ser incluidas. De éstas últimas, el propio Harrison acabó grabando algunas de nuevo, como "Try Some, Buy Some" (1973) o "You" (1975), y otras acabaron incluidas en discos posteriores ("Beautiful Girl" y "Woman Don't you Cry for Me" formaron parte de "Thirty Three & 1/3", y "I Live for You" se incluyó como extra en la reedición de "All things must pass" de 2001).

¿Habría sido aún mejor disco con estas canciones? En el fondo ya no importa, porque cada disco tiene su momento, y pretender rehacerlo sería como negar que, como todas las cosas, lo que se hizo en ese momento es lo que tuvo que pasar, y lo que pasó fue algo muy grande y extravagante, que alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos de numerosos países, entre ellos el UK Albums Chart y el Billboard 200 estadounidense, donde el álbum estuvo durante siete semanas en el primer puesto. Como último dato curioso, en 2011 se desveló que el disco había vendido hasta esa fecha más discos que los históricos Imagine (Lennon) y Band on the Run (McCartney) juntos, superando a los dos grandes enanitos de jardín que, durante años, relegaron las composiciones de Harrison al fondo del armario, y haciéndolo con la aparente tranquilidad y la calma con la que, sentado en su jardín, George Harrison nos mira desde la portada de All Things Must Pass.

1083.- Knockin' on heaven's door - Bob Dylan

"Knockin’ on Heaven’s Door" ("Llamando a las puertas del cielo")  forma parte de una banda sonora completa, en su mayor parte instrumental, compuesta por Bob Dylan para la película "Pat Garrett y Billy The Kid" de Sam Peckinpah. En el contexto de la película, la canción describe los últimos pensamientos de un ayudante de sheriff, a punto de fallecer por una herida de bala, pero la letra ha trascendido más allá de ese enfoque concreto y específico de muerte violenta en el salvaje oeste, y las escasas dos estrofas que la componen personalizan como pocas otras el hastío vital y la tristeza de la rendición ante el fracaso.

La música es también minimalista, pero igualmente evocadora y mágica. En apenas cuatro acordes de guitarra acústica, y con la ayuda de unos crepusculares coros, Bob Dylan compuso una canción tan sencilla como perfecta, y el público supo reconocerlo, elevando al sencillo de "Knockin’ on Heaven’s Door" hasta ​el puesto 12 del Billboard Hot 100 estadounidense y al 14 de las listas del Reino Unido, y así como la película no pasó a la historia de los mejores westerns, la canción de Dylan fue votada en 2004 como la 190 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, en una votación realizada por la revista Rolling Stone.

"Knockin’ on Heaven’s Door" ha sido versionada en directo o en estudio por artistas de la talla de Roger Waters, U2, Bon Jovi, Grateful Dead o Eric Clapton, entre muchos otros, pero la versión más famosa quizá sea la de los angelinos Guns and Roses, que la electrificaron y potenciaron el estribillo, acompañando a la afilada voz de Axl Rose con unos intensos coros de góspel de estadios, y la incluyeron en su disco "Use Your Illusion II" (1991). Desde entonces, ha sido un tema imprescindible de todos sus conciertos, algo que jamás hubiera imaginado Jerry Fielding, el arreglista de la música de la película de Peckinpah, al que no le gustó nada aquella cancioncilla, llegando a comentar que "Dylan nunca entendió lo que yo quería para la película". 

0754.- The man in me - Bob Dylan

The Man in Me es una rara avis en la discografía de Bob Dylan. "Semi oculta" como décima canción de un disco que no está entre los más reconocidos del cantautor (New Morning, 1970), sorprende por ser una de las canciones más alegres y positivas de Dylan, dentro de un cancionero habitualmente más agudo, profundo y melancólico. Pese a esa particularidad tan evidente y diferenciadora, la revista Rolling Stone la incluyó en el nº 84, dentro de las "100 grandes canciones de Bob Dylan de todos los tiempos".

La canción tiene un toque bohemio y de exaltación, como si el protagonista fuera un borrachín eufórico que describe su estado de ánimo en ese momento, y sus aparentemente etílicos "la, la, las" contrastan con el tono góspel y de algún modo paródico de los coros. La instrumentación es también parsimoniosa y divertida, y con esos ingredientes, no extraña que fuera elegida por los hermanos Cohen para una de las escenas más oníricas e hilarantes de "El Gran Lebowski" (1998).

Desde entonces, me resulta imposible escucharla sin que vengan a la cabeza imágenes del "Nota", alucinando con que vuela por el cielo entre imágenes kitch relacionadas con su afición a los bolos, tras ser golpeado y privado de su bien más precioso: su alfombra del salón. La verdad, no se me ocurre mejor escena que esta, para reflejar el feeling que transmite The man in me, ni canción más diferente y curiosa en el cancionero de Dylan, una especie de "patito feo" que de repente echa a volar con una sonrisa en el pico, demostrando que, efectivamente, la respuesta estaba "soplando en el viento", pero que eso no implicaba que ese vuelo sin motor tuviera que ser triste.

752.- If Not For You - Bob Dylan

Segundo album de Bob Dylan en el año 1970, pero en esta ocasión estamos ante un álbum mucho más serio que el anterior, Selfportrait, y también mucho más corto, Bob reduce el formato y vuelve al principio del disco 'ultracorto' que se mantendría durante la mayor parte de su 'período country'. En cuanto a la estilística, no es del todo de otro género ni nada por el estilo, todavía está trabajando en el estilo country tranquilo y despojado patentado. Sin embargo, ahora confía mucho más en el piano que en cualquier otra cosa, basando canción tras canción en secuencias de acordes vagas, acuosas, incoherentes y sin tener en cuenta riffs cuidadosamente estructurados. Y esto en ningún momento supone un problema: por caótico que parezca este disco, de alguna manera se las arregla para ser increíblemente pegadizo.

No estoy exactamente seguro de si te gusta o si odias Selfportrait, pero si eres de los que no lo odias, realmente encontrarás New Morning como un punto culminante importante en su carrera. Pegadizo, tranquilo e introspectivo, y también humilde y filosófico, esta vez encuentra a Bob en un estado de ánimo algo melancólico. Pero bueno, ese era probablemente el estado de ánimo real en el que estaba en ese momento, y todo sobre el álbum se siente absolutamente sincero y conmovedor. El álbum también muestra una actitud religiosa evidente, por primera vez en la carrera de Bob, se podría decir que, en cierto modo, New Morning predice el período de 'renacimiento' de Bob, aunque solo sus lados fuertes y ninguno de sus puntos débiles. Me refiero principalmente a los últimos tres minutos del álbum: 'Three Angels' es una pieza solemne, espeluznante basada en el órgano, con Bob recitando un cierto tipo de visión apocalíptica que me da escalofríos; y 'Father Of Night' es solo una cancioncita muy corta, pegadiza, simplista e infantil para completar el disco. Inimaginable en cualquier álbum anterior, pero nunca estropeando la imagen.

Pero vamos a destacar la pieza que abre New Morning se trata del clásico “If Not For You” que fue versionado por George Harrison en su emblemático All Things Must Pass publicado apenas tres semanas después de nuestro homenajeado disco. Fue versionado también por Olivia Newton-John y que da título a su primer LP, Dylan nos dice en la canción que “Si por ti no fuera, la puerta nunca hallaría, ni el suelo jamás vería, estaría triste, si por ti no fuera”. Además de ser el único “single” del disco, es una sencilla pero cautivadora canción de amor de básicamente unos cinco acordes pero de gran calidez, tanto en la original como en la versión de Harrison.

0688.- Wigwam - Bob Dylan

 

Self Portrait es lo que a la gente le gusta llamar un álbum de Bob Dylan de "nivel experto". Con esto quiero decir que, bajo ninguna circunstancia, debe ser el primer disco que alguien que quiere acercarse a Dylan y su música debe escuchar, algo de conocimiento de los antecedentes e influencias personales e históricas de Dylan tampoco vendrrian mal. Los dos últimos discos de Dylan de los años 60 fueron al menos intentos un tanto deliberados de deshacerse de parte de su estatus de "portavoz de una generación" un San Benito que le habían colgado en la primera mitad de la década, cada disco fue un cambio más radical que el anterior, cuya culminación es Self Portrait. Dicho esto, es un trabajo que está lejos de ser perfecto, nos encontramos una mezcolanza, a veces es demasiado hinchada y desigual que no hace necesariamente a Dylan mejor artista pero si es el álbum que finalmente le dio espacio para respirar y volver a ser humano. Aún así, incluso si escuchamos Self Portrait sin concoer todas estas capas de significado oculto, sigue siendo un placer ya que se siente que Dylan nos ofrece una mirada generosa al santuario interior de su proceso creativo, el álbum flota con relativa brisa y ciertamente no es lo peor que puedes escuchar durante una perezosa tarde de domingo.

Y dentro de ese álbum con 24 pistas, casi casi al final encontramos este Wigwam Y así a Wigwam, una canción realmente encantadora, una canción de la que realmente quieres tener letras de Dylan, y sin embargo, nos atormenta con solo cantar la melodía. Creo que el único objetico que tenía Dylan era atormentar (o si lo prefiere, mandar a la mierda) a quienes le exigen que haga más canciones como Blonde y Highway 61. Para mí, él dice que esto podría tener que ver con cualquier cosa que tenga que ver con nuestros tiempos difíciles, contrastando nuestras preocupaciones con nuestros momentos más ligeros, pero no te estoy dando eso, porque eso te hace la vida demasiado fácil. No tengo que darte la letra que quieres, dice Dylan, no tengo que darte las interpretaciones perfectas de mis canciones clásicas, no tengo que darte nada en absoluto, si quiero, puedo tomarme un descanso y simplemente cantar melodías. Admitámoslo, no intenta ser nada que no es, básicamente actúa como el equivalente musical de extender un cálido apretón de manos con una gran sonrisa en la cara. Ese tipo de franqueza refrescante es el tipo de cosa que no obtienes en la carrera de Dylan en general, y solo a trompicones en este álbum en particular, y es un sonido bienvenido a medida que el álbum finalmente llega a su fin (es más de 60 minutos). El final de Wigwam es inesperado, pero también lo es el comienzo, escúchalo de nuevo y escucha el gruñido del bajo después de que entren las guitarras. Viene y va y viene y va. Sospecho que el 99% de las personas que han escuchado esta pieza ni siquiera lo han notado, pero reprodúzcalo de nuevo y escúchelo, hay algo extraño, algo que acecha debajo, esto no es solo una melodía bonita estamos antes su retrato histórico: una vida que pasa a la deriva. Lo mejor que puedo decir sobre esta canción es que probablemente suene mejor si estás afuera en tu porche, con una hielera llena de cerveza con hielo, mirando una puesta de sol realmente hermosa. Eso es algo bastante bueno para decir sobre una canción, ¿no crees?.

 

Bob Dylan - The Times They Are A-Changin’ #Píldora 7

The Times They Are A-Changin’ esta lleno de sangre hirviendo, crítica las deficiencias de la sociedad y señala con el dedo directamente a una clase dominante injusta que simplemente esta afilando sus cuchillos para el festín industrial militar que están a punto de desatar en el mundo. En 1963 el Sr. Zimmerman estaba experimentando mucha presión indirecta por parte de sus colegas de música folk (y también de la compañía discográfica) que querían que presentara un verdadero álbum de canciones de protesta. y lo que entregó fue su primer álbum compuesto únicamente por canciones originales, y en donde vemos que Dylan esta preparado para todo, no es un álbum tan brillante como el anterior, ya que probablemente adolece de homogeneidad y lo tiñe de un aspecto oscuro que no habíamos visto hasta entonces, el humor de su debut se ha desparecido, ya no hay canciones de amor despreocupadas, aqui solo hay un conjunto de canciones crudas y brillantemente observadas sobre el ambiente tenso en el que Dylan estaba rodeado en los años sesenta.

La letra de 'The Times They Are A-Changin' es excelente y la melodia se convirtió en bandera de un movimiento empeñado en cambiar el mundo para mejor, es un comienzo simple aunque conmovedor del viaje que uno emprende con este álbum. En Girl from the North Country la guitarra es más fina, más cansada, la voz humilde y distante se hace eco del sentimiento lírico de navegar a través de ese océano solitario de alguien a quien amas de verdad, amantes de la larga distancia, prepárense para llorar dulcemente en sus almohadas. The Balad of Hollis Brown es oscura y demoledora hasta la médula, cuenta la historia de un granjero de Dakota del Sur que, abrumado por la desesperación de la pobreza, mata a su esposa, a sus hijos y luego a sí mismo, una canción muy dura y deprimente. Otras destacada es With God on Our Side, de alguna manera es una secuela de Masters of War, criticando la actitud de mente cerrada y desinteresada de la sociedad humana, relacionada con quién tiene el derecho último (en contexto 'Dios') de su lado. Only a Pawn in Their Game advierte sobre los antecedentes de racismo de las élites blancas ricas en los EE. UU., que llevaron al asesinato del activista de derechos civiles Medgar Evers. Dolorosa, honesta y descorazonadora. When the Ship Comes In es una pequeña cancioncilla áspera llena de hermosas imágenes construidas alrededor de la llegada de un barco como metáfora de la victoria, presumiblemente una victoria del movimiento de derechos civiles. Con el disco a punto de acabarse, pasamos a una canción tan trágica como asombrosa, 'La saqué de un periódico y cambié la letra', dijo Bob Dylan sobre esta historia de racismo e injusticia a manos de Billy Zatzinger, un hombre que quitó a una persona de raza negra, de la que habla la canción The Lonesome Death of Hattie Carroll y solo cumplió 6 meses por su crimen, su villanía fue apropiadamente inmortalizada por Dylan. Podiamos seguir mencionando mas canciones pero nos quedamos aqui, si te gustan sus álbumes optimistas, te ofrece varios en su discografía, pero si te apetece algo un poco más sombrío, Dylan lo hace aquí muy bien, puede que resulte un album demasiado serio, y tal vez no haya envejecido tan bien como algunos de sus mejores trabajos, pero sigue siendo una obra genial de Dylan.

0556.- Lay lady lay - Bob Dylan

La canción Lay Lady Lay, escrita por Bob Dylan e incluida en su disco Nashville Skyline (1969), tiene la particularidad, como algunos otros temas del álbum, de estar grabada en un tono vocal bajo y en clave crooner, muy alejado del habitual estilo nasal del cantante de Minnesotta. Escrita originalmente para la banda sonora de la película Midnight Cowboy, Dylan la terminó in extremis y no pudo enviarla a tiempo de ser finalmente incluida en la película.

Como ocurre con casi todas las canciones de Dylan, hay cierta controversia sobre su significado, o en este caso, sobre quién es la mujer a la que van destinados los versos de índole romántica y sexual en los que el cantante ruega a una hipotética amante que pase la noche con él. Parece que pudieran estar dedicados a su novia Sara Lownds, a la que dedicó otros temas como "Sad eyed lady of the lowlands" o "Sara". Sin embargo, el propio Dylan, jugando siempre al despiste, dijo en una ocasión que Lay lady lay fue escrita para Barbra Streisand. Fuera quien fuera la destinataria de las palabras de amor y deseo de Dylan, la calidad de la canción la predestinaba inevitablemente al éxito. El single de Lay lady day fue publicado en Julio de 1969, alcanzando el puesto 7 del Billboard Hot 100 estadounidense, y el quinto puesto en las listas del Reino Unido, convirtiéndose rápidamente en uno de los temas imprescindibles del cancionero de Dylan.

Cuesta pensar que este mítico tema a punto estuvo de caer en otras manos, pero en palabras de Don Everly de los Everly Brothers, Dylan les interpretó algunas partes de la canción a finales de los sesenta, cuando andaban buscando nuevas canciones. El encuentro fue bastante curioso por ambas partes, ya que los Everly Brothers le escucharon admirados, pero no interpretaron que Dylan pudiera estar ofreciéndoles un tema tan bueno, y Dylan por su parte se acabó guardando su canción cuando vio que no se la pedían. Curiosamente, los Everly Brothers acabaron grabando una versión de la canción, 15 años después de la grabación de Dylan.

0421.- All along the watchtower - Bob Dylan

All Along the Watchtower, escrita por Bob Dylan, e incluida en su disco John Wesley Harding (1967), acabó estando más asociada a la incendiaria versión que Jimi Hendrix y su The Jimi Hendrix Experience realizaron solo seis meses después de que el artista de Minnesota publicara la canción original. Ya fuera por reivindicar su autoría, o para aprovechar el empuje que el genial guitarrista le dio a la canción, Dylan la incluyó en casi todos sus conciertos, hasta convertirla en el tema que más veces ha interpretado en directo a lo largo de toda su carrera.

Además de la icónica interpretación de Hendrix, la canción de Dylan ha sido versionada en muchas otras ocasiones, por artistas tan variados como U2 (que la incluyó en el disco Rattle and Hum), las versiones en directo de Neil Young o la Dave Mathews Band, o la interpretación de Prince durante su mítica actuación en la Superbowl de 2007, mezclada con el "Best of you" de Foo Fighters, en la que está considerada como la mejor actuación de la historia de los populares intermedios de la Superbowl.

La letra es sumamente críptica, plagada de extrañas metáforas, y abierta a todo tipo de interpretaciones, de las que solo el propio Dylan conoce su sentido y significado real. Comienza con un diálogo entre un "joker" y un "ladrón" que deciden alejarse de la amenaza de un mundo confuso y en el que nadie se toma la vida en serio. Se menciona una "atalaya" de príncipes, lo que podría ser una referencia al poder que ejercen las altas capas de al sociedad. La atalaya se ve amenazada por la presencia de un "gato montés" que merodea alrededor, mientras se acercan dos jinetes que parecen ser el "joker" y el "ladrón", lo que lleva a interpretar que en realidad la canción está escrita cronológicamente al revés, en una muestra más de la confusión y la compleja simbología con la que Dylan dotó a un tema histórico.

0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan

0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan

Una de las mejores canciones de Bob Dylan sin duda es Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again que fue incluida en el disco Blonde on Blonde.

Bob Dylan lo ha vuelto hacer, marca un estilo de narrativa único de Dylan donde los versos sólo están conectados por el tema, y no por ningún sentido de narración lineal. 

La temática de la canción cuenta la historia de un forastero que intenta escapar una sociedad cuadrada, es la historia de un hombre que busca desesperadamente una forma de salir de Mobile's Grand Street y entrar en algún tipo de mundo cuerdo, como el que se puede encontrar, aparentemente, en Memphis.

En primer lugar, el sonido es mucho más estridente y explosivo que cualquier otra canción de Blonde on Blonde, aparte de One of Us Must Know. El estilo de las letras recuerda definitivamente a Desolation Row y Just Like Tom Thumb's Blues. 

La influencia de los poetas Beat es evidente. Una frase como "locos de neón" podría haber sido sacada directamente de un poema de Allen Ginsberg. 

Al igual que muchas canciones de Highway 61 Revisited, la canción presenta una gran cantidad de nombres propios y personajes: el Hombre de Trapo, Mamá, Shakespeare, la Chica Francesa, Mona, los Hombres del Ferrocarril, el Abuelo, el Senador, el Predicador, el Hombre de la Lluvia, Ruthie, la Debutante y el Loco de Neón. La canción tiene más personajes que algunas películas.

Probablemente, Dylan eligió los dos nombres de ciudades que contrastan, Mobile y Memphis, no sólo porque los nombres suenan bien juntos, sino también por el contraste de la historia de las dos ciudades. Mobile es una ciudad de Alabama, uno de los estados con mayor segregación racial del país. Fue escenario de algunas de las infames protestas por los derechos civiles y de la violencia que se produjo en la época en que se grabó Blonde on Blonde. Memphis, en cambio, era la cuna de la "música soul", y se la conocía como una ciudad de moda y de moda.

En la grabación, Dylan canta una línea diferente a la publicada en el libro de letras. En la letra publicada la línea está escrita "Now the preacher looked so baffled". En la grabación, Dylan añade claramente una palabra adicional antes de "preacher", pero no está claro cuál es. Podría ser "tea preacher". 

Stuck Inside sólo aparece en un álbum oficial en directo, Hard Rain. Es una buena versión.

Dylan la interpretó en directo muchas veces a finales de los ochenta y en los noventa. En las versiones en directo, a veces omite varios de los versos centrales, no siempre los mismos.

La mayoría de las versiones piratas no aportan mucho al original. Sin embargo, G.E. Smith, el antiguo líder de la banda de Saturday Night Live, aporta algunos solos de guitarra muy enérgicos a la canción durante los espectáculos de principios de los 90. Las interpretaciones más recientes se realizan de forma muy diferente, muy lentas y tranquilas. Todas son interesantes, pero ninguna se acerca a superar la original.

Daniel 

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0288: I want you - Bob Dylan

 

Grabada en las primeras horas de la mañana del 10 de marzo de 1966, la canción fue la última que se grabó para el doble álbum de Dylan, Blonde on Blonde . Fue publicado como single en junio, poco antes del lanzamiento del álbum obteniendo un relativo éxito para el tipo de música del cantautor al conquistar el puesto 20 en Billboard.

 

I Want You cuenta con Al Kooper en el órgano, y los músicos de Nashville reunidos por el productor de discos Bob Johnston, la parte de Al Kooper es quizás la mas interesante y destacada de toda la canción, al mando de un órgano Lowrey, el mismo tipo utilizado por Garth Hudson en muchas grabaciones de The Band y Dylan / The Band. Uno de los aspectos más llamativos de la canción es que es la típica canción de amor sobre "he decidido nacer para estar con alguien y amarle" pero Dylan le da la vuelta, Dylan no canta sobre 'Nací para estar contigo' , sino más bien canta sobre “No nací para perderte” . En otras palabras, el cantante no cree en un destino mágico de cuento de hadas, pero ahora que se ha convertido en algo grandioso, no lo va a dejar pasar fácilmente. Como muchas canciones de Dylan, no hay un flujo narrativo claro, y como no podía ser de otra manera contiene una letra/mensaje bastante complicado, donde encontramos hasta tres mujeres diferentes a lo largo de la canción. Está el objeto del afecto, por supuesto, pero también está la Reina de Picas a la que "regresa" , y la Sirvienta de cámara a quien el narrador "no tiene miedo de mirar" (La Reina de Espadas y la Sirvienta de Cámara podrían ser la misma persona, no está claro). Dylan a menudo se refiere a las mujeres como "reinas" . Lo hace en Just Like a Woman ("Queen Mary"), Need a Woman ("Bueno, necesito una mujer para ser mi reina") y Gates of Eden ("Reina gitana de dos ruedas").

 

Pero bueno, como siempre encontramos una letra complicada donde enredarse como un loco (Un enterrador culpable, saxofones que hablan, madres lloronas, una taza rota y, sobre todo, ¡la misteriosa Reina de Picas! ¿Una pesadilla surrealista? el aparente anhelo del narrador por el amor es de hecho un anhelo de algo más espiritual), en esta ocasión Dylan nos brinda un tema casi Pop, pocas veces vamos a encontrar a un Dylan tan eufórico, con el cual incluso podemos mover un rato la cadera y menear la cabeza mientras repetimos una y otra vez I want you (Dylan), dentro de sus canciones pesimistas y trascendentales nos está regalando un poco de alegría, de su estilo eso sí, pero alegría

0287: Visions of Johanna - Bob Dylan

Visions of Johanna fue escrita por Bob Dylan para su álbum de 1966 Blonde on Blonde. La crítica especializada la considera una de las letras más inspiradas del músico estadounidense, una canción de amor compleja y un poema extremadamente inspirado, hasta el punto de que poetas ingleses de la talla de Sir Andrew Motion la cataloguen como la mejor letra de canción jamás escrita.

Antes de que la versión final quedara registrada en el disco. Dylan la interpretó en directo por primera vez en diciembre de 1965 en el Berkeley Community Theatre con Joan Baez entre el público asistente. Tras la actuación, Baez declaró estar segura de que la letra de aquella canción nueva se refería a ella. Sin embargo, Dylan vivía por entonces con su novia Sara en el Chelsea Hotel de Nueva York, y los versos hablan de dos mujeres diferentes, una carnal (Louise) y otra espiritual y por tanto inalcanzable (Johanna). Ambas son el objeto de deseo de un Dylan cabizbajo y solitario.

Dylan grabó una versión primeriza de la canción, titulada provisionalmente "Freeze out", a finales de 1965 en el estudio de CBS en Nueva York, y con la ayuda de la banda de acompañamiento The Hawks. Con la llegada del nuevo año, las sesiones de grabación del disco se trasladaron a Nashville, y allí decidió intentar de nuevo pulir una canción con la que no terminaba de sentirse satisfecho, hasta conseguir la versión que finalmente acabaría formando parte de Blonde on Blonde, uno de sus discos más celebrados. Gran parte de la culpa de su éxito la tuvo Visions of Johanna, una de las cimas creativas del genial trovador de Minnesotta.

0286 Rainy Day Women # 12 & 35 - Bob Dylan

 

Rainy Day Women #12 & 35, Bob Dylan

     El 16 de mayo de 1966, Bob Dylan bajo el sello discográfico Columbia Records, publica su séptimo disco de estudio, Blonde on Blonde. Las sesiones de grabación, realizadas entre el Studio A de los Columbia Recording Studios de Nueva York y los columbia Music Row Studios de Nashville, se prolongan desde el 5 de octubre de 1965 hasta el 10 de marzo de 1966, y cuentan con el respaldo de un gran número de músicos, entre los que se encuentran los miembros de la banda The Hawks, la cual se convertirá en The Band cuatro años después.

Este disco, uno de los primeros dobles de la historia de la música moderna, completó la trilogía que Dylan había comenzado con Bringing It All Back Home (1965) y Highway 61 Revisited (1965). Gran parte de la crítica catalogó Blonde On Blonde como uno de los mejore álbumes de rock de todos los tiempos, y consiguió además buenas cifras en las listas de ventas, alcanzado el puesto número 9 en la lista estadounidense Billboard 200, donde consiguió la doblecertificación de platino, y el puesto número 3 en la lista UK Abums Chart del Reino Unido. 

El tema que abre este disco es Rainy Day Women # 12 & 35, compuesta por Dylan y lanzada inicialmente como sencillo en abril de 1966. La canción alcanzó el puesto número 2 en Estados Unidos y el 7 en Reino Unido. Curiosamente el título de la canción no aparece en la letra, es la única del álbum que incluye una banda de instrumentos de viento, y generó debate por su controvertido estribillo "Everyboy must get stoned! ("Todo el mundo debe estar colocado"). 

La canción fue prohibida en muchas emisoras de radio de Gran Bretaña y Estados Unidos debido al boom de las llamadas "canciones sobre drogas", aunque hay otras interpretaciones sobre la canción. Unas dicen que trata sobre las turbulentas relaciones de Dylan con las mujeres, otros mantienen que resalta lo absurdo de las críticas sobre las referencias a las drogas en la música rock de la época, incluso hay quien dice que es un tema en pro del Movimiento por los derechos Civiles.  

En cualquier caso, Dylan siempre insistió en que nunca escribió ni escribiría una canción sobre drogas. En una entrevista hecha al artista por la revista Rolling Stone en 2012, se le preguntó sobre las personas que interpretaban esta canción sobre como drogarse, y Dylan contestó que esas eran personas que no estaban familiarizadas con el "Libro de los Hechos". Dicho libro pertenece al Evangelio de Lucas y contiene un relato de lapidación donde una persona recibe la sentencia tras dar un discurso que nada va a importar a las autoridades diga lo que diga. Esto se ha relacionado a menudo con lo que Dylan sentía por sus críticos, quienes le iban a criticar siempre sin importar lo que hiciera.

0245 Desolation Row - Bob Dylan

 

bob Dylan

     El 30 de agosto de 1965 Bob Dylan publica su sexto álbum de estudio, Highway 61 Revisited, publicado por la compañía discográfica Columbia Records. Será el primer álbum del artista en el que utilizará un banda de acompañamiento para la grabción (exceptuando la cara A de su anterior disco, Bringin At All Back Home).

Incluido en el disco encontramos la canción Desolation Row, tema que se encarga de cerrar dicho trabajo. Grabado el 4 de agosto de 1965 en sesión de grabación en los estudios Columbia de Nueva York, con sus más de once minutos de duración, el tema se convirtió en el más largo grabado por Dylan hasta la fecha. Desolation Row, a través de sus surrealistas letras, nos muestran el caos urbano en el que puede caer el hombre. Las primeras líneas de la canción hacen referencia a tres hombres, que el 15 de junio de 1920 en la localidad de Duluth, Minnesota, se encontraban en la cárcel acusados de violar a una niña. Ese mismo día, un numeroso grupo de gente sacó a la fuerza de la cárcel a los tres hombres y los linchó hasta provocarles la muerte. Abraham Zimmerman, padre de Bob Dylan, tenía ocho años y vivía en Duluth cuando aconteció aquel terrible suceso.

El tema fue grabado por Dylan en un momento en que se encontraba experimentado con el LSD, y rara vez lo solía interpretar en directo, pero cuando lo hacía podía extender la duración del tema más allá de los 45 minutos. El  tema no fue editado como single probablemente debido a su extensa duración, y fue interpretado por primera vez en directo por Dylan el 28 de agosto de 1965, en el Festival de Música de Forest Hills en Queens, Nueva York.

0244: Highway 61 Revisited - Bob Dylan

 “Highway 61, la arteria principal del blues del país, comienza más o menos donde yo empecé. Siempre sentí que comencé sobre ella, siempre estuve en ella y podía ir a todas partes, aún a lo profundo del Delta. Era el mismo camino, lleno de las mismas contradicciones, las mismas ciudades de un solo caballo, los mismos ancestros espirituales… Era mi lugar en el universo, siempre sentí que era mi sangre”  Extraido de las memorias de Bob Dylan.

La Highway 61, llamada igualmente “Blues Highway” es una autopista que va desde Nueva Orleans hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota, lugar de nacimiento de Bob Dylan y recorriendo las ciudades donde vinieron al mundo artistas como Muddy Waters, Son House, Elvis Presley o Charley Patton. También es la carretera del cruce de caminos donde el bluesman Robert Johnson -según cuenta la leyenda- vendió su alma al diablo por el blues. La portada del disco lo dice todo, Dylan, con apenas 24 años y una no despreciable experiencia de ser humano nómada tanto de lugar como de espíritu, mirando fijo hacia la cámara, como desafiando al mundo con su nueva música, es un lenguaje propio, una nueva aproximación a lo más esencial a la hora de crear, una espontaneidad que sólo da la certeza de saber lo que se está haciendo. Pero el nombre de ‘Highway 61 Revisited’ no lo entendía nadie de la discográfica y no estaban demasiado de acuerdo en utilizarlo. Así que Dylan tuvo que tirar de tozudez para conseguir que bajaran los brazos y terminaran diciendo: «dejadle que lo llame como quiera». Aunque nadie entendiese el título, para Dylan era muy importante. Era la forma de auto-reafirmar su evolución del folk a un rock con base de blues. El título era el hilo conductor de ese cambio… la excusa. Y también la forma que tenía de demostrar que su nueva música estaba muy enraizada en los orígenes del blues. El blues que, de alguna manera, recorría con su trazado la autopista 61. 

La épica canción que da nombre al disco, “Highway 61 Revisited”, es un relato, una vez más surrealista que escribió Dylan, donde mezcla pasajes bíblicos con personajes en una carretera que se cruzan en un viaje, dejándonos todo a la propia interpretación en el punto de encuentro de la autopista 61, la temática del tema encarna el espíritu muy liberador que tiene el tono del álbum, en esta carretera fue donde tuvo que empezar su viaje para salir de Minnesota en busca de un nuevo destino. La cancion consta de 5 estrofas, en cada una de ellas un personaje bíblico tiene un problema que se resuelve en la Autopista 61. La canción también se caracteriza por el uso de un sonido de un silbato parecido al de las fiestas que representa el sonido de una patrulla. 

0243: Like a Rolling Stone - Bob Dylan

Bob Dylan grabó Like a Rolling Stone en 1965, durante las sesiones de grabación de su disco más aclamado, Highway 61 Revisited, a partir de un poema que había escrito anteriormente. La canción no terminaba de despegar en el estudio, hasta que el entonces músico de sesión Al Kooper improvisó el riff de órgano que finalmente vestiría al tema, lo cual hizo ver a Dylan que esa canción había nacido para ser interpretada en clave de rock. Pese a las reticencias de la compañía por su tono eléctrico y su larga duración, se puso a la venta como sencillo y se convirtió en un éxito a nivel internacional.

Bob Dylan describió el proceso de creación de Like a Rolling Stone como un largo "vómito de veinte páginas" derivado de una situación de desencanto personal, en la que incluso se había planteando dejar la música por la incomprensión que percibía sobre su obra y su mensaje. Componer una canción así le supuso una fuerte sensación de ruptura con lo que hasta entonces habían sido sus composiciones, y sintió que era exactamente lo que tenía que hacer. De aquellas páginas salieron las cuatro estrofas y el asertivo estribillo, en el que pregunta abiertamente ​"¿Qué se siente estando a tu aire, sin hogar ni dirección, como un completo desconocido... como un Rolling Stone?" 

Para la grabación, Dylan se rodeó de un gran grupo de músicos, tocando juntos en la misma sala del estudio de Columbia Records durante dos sesiones el 15 y el 16 de junio de 1965. Entre ellos estaba Mike Bloomfield de la Paul Butterfield Blues Band a la guitarra, y el mencionado Al Kooper, en principio solo como invitado en la sala de control del productor (Tom Wilson). Kooper aprovechó un momento de despiste para unirse discretamente a los otros músicos con su guitarra. Intimidado por la habilidad de Mike Bloomfield, desistió y volvió a la sala de control, y propuso a Wilson una línea de Hammond para la canción. Wilson se burló de él, pero en palabras de Kooper: "No dijo "no" así que fui para allá". El sorprendido productor no frenó al músico, y tras escuchar la grabación de aquella toma, Dylan insistió en que el órgano de Kooper pasara al primer plano. Tras esta decisión, la cuarta toma de aquel segundo día se convirtió en el tema que todos conocemos.

Like a Rolling Stone dio un vuelco en la carrera de Bob Dylan por su tratamiento eléctrico y su agresiva letra, llena de resentimiento y burla hacia una "señorita solitaria" (Miss Lonely) que siempre lo ha tenido todo y ahora experimenta la realidad y la crudeza de la vida. Pero el odio se transforma en complicidad y liberación cuando, en las estrofas finales, le hace ver que, en esa nueva situación "Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder. Eres invisible ahora, no tienes secretos que ocultar". Es un final feliz para un tema con una influencia enorme, desde su publicación hasta nuestros días. En la gira de presentación del disco, durante un concierto en el Free Trade Hall de Manchester, antes de tocar Like a Rolling Stone un espectador le gritó "Judas" por haberse alejado con ella de la senda del folk. Tras contestarle "No te creo, eres un mentiroso", Dylan pidió a sus músicos que la tocaran "jodidamente fuerte" aquella noche.​ No estaba dispuesto a que nadie le separara del camino que ya había tomado con esta canción, que se convertiría en la más alabada de la historia por la crítica especializada, y en la nº 1 de la lista de 500 mejores canciones de todos los tiempos de, precisamente, la revista Rolling Stone.​

0242.- Ballad of a thin man - Bob Dylan

 

Ballad of a Thin Man es la quinta canción que cierra la cara A del mítico albúm Highway 61 Revisited, sexto en su trayectoria supuso una ruptura total con esas canciones y estilo que ya se venía presumiendo en su anterior "Bringing it all back home". Su sonido se electrifico, su actitud se expresó en rebeldía casi contra todo, bastante chulesca, algo diva, y sus textos cambiaron y empezaron a referirse a temas más personales, de relaciones con mujeres, de sueños, de viajes sobre carreteras desoladas, de la soledad en hoteles, de fiestas con excesos y drogas, de visiones. Es sin lugar a dudas un tema raro. La letra habla de un extraño hombre encerrado en una habitación donde empiezan a ocurrir cosas extrañas, cosas que el señor Jones no entiende. El famoso contrainterrogatorio de Dylan al Sr. Jones tiene un poder majestuoso y una grandeza espeluznante que no se olvidan fácilmente. Es una de esas canciones en las que el estilo de canto elástico de Dylan de mediados de los sesenta cobra sentido de inmediato.

Estamos ante la réplica de Bob Dylan a la sociedad en general que está fuera de si por los cambios que ocurren en la cultura aunque también se puede interpretar como un ataque a los periodistas y los principales medios de comunicación que causan drama a partir de cosas inocentes mientras evitan informar de la realidad, como los problemas sociales como el racismo y el sexismo. Estas imágenes las ha personificado en un tal Mr. Jones, que entra en una habitación donde ve a un hombre desnudo, y le resulta difícil comprender la situación. Esto representa una cierta parte de la sociedad que está en contra de muchos cambios sociales como la contracultura, el feminismo, los movimientos por los derechos civiles, etc. No solo están en contra de estos cambios, sino que también los confunden porque están muy desconectados. . Cuando el Sr. Jones se da cuenta de los nuevos cambios en la cultura, mira a los que participan en ella como si estuviera viendo a un friki en un circo. Uno de ellos lo llama monstruo, lo que lo ofende ya que cree que es la única persona normal allí. Dylan, irónicamente, dice que Jones es inteligente y culto, cuando en realidad todo lo que tiene es un conocimiento superficial y ninguna experiencia en nada de lo que habla.

Se especula con que la identidad de Jones fuera Brian Jones, fundador de los Rolling Stones y amigo íntimo de Bob Dylan que tuvo serios problemas con las drogas hasta su muerte, y así, la canción fuera una alegoría sobre las drogas y el sexo. Aunque en el idioma inglés se utiliza también, el apellido Jones para referirse a un hombre cualquiera. Existe otra teoría que asegura que Mr. Jones es el propio Bob Dylan, quien siempre ha tenido un dilema interno, lleno de dudas y pensamientos dispares. No importa quién sea el Sr. Jones, lo interesante es disfrutar de ese ritmo cadencioso, por momentos cansino y repetitivo que solo el genio de Dylan lograría convertirlo en uno de sus grandes himnos.

0221 It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) - Bob Dylan

0000 It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) - Bob Dylan

It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) es una canción escrita e interpretada por Bob  Dylan. La canción fue lanzada en el álbum Bringing It All Back Home, y

Bob Dylan la escribió y posteriormente la grabó el 15 de enero de 1965. El biógrafo de Dylan, Howard Sounes lo describe como una obra maestra siniestra del autor.

La canción tiene uno de los versos más emblemáticos de Bob Dylan. Entre los versos más conocidos que se conocen están "He not busy being born is busy dying", "Money doesn't talk, it swears", "Although the masters make the rules, for the wisemen and the fools" y "But even the president of the United States sometimes must have to stand naked." La letra de las canciones expresa el enojo de Bob Dylan por la hipocresía percibida, el comercialismo, el consumismo y la mentalidad de guerra en la cultura estadounidense contemporánea. 

Las preocupaciones de Bob Dylan en las letras, sin embargo, se extienden más allá de lo sociopolítico, expresando preocupaciones existenciales y tocando asuntos urgentes de la experiencia personal.

Bob Dylan dijo que "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" es una de las canciones más significativas para él, habiéndola tocado a menudo en conciertos en vivo. Desde su lanzamiento original en Bringing It All Back Home, se han publicado versiones en vivo de la canción en The Bootleg Series Vol. 6: Bob Dylan Live 1964, Concierto en Philharmonic Hall, Before the Flood, The Rolling Thunder Revue: The 1975 Live Recordings y Bob Dylan en Budokan. 

También se puede ver a Dylan interpretando la canción en la película Dont Look Back y en el video del especial de HBO Hard to Handle. La canción ha sido versionada por varios otros artistas, incluidos Roger McGuinn, The Byrds, Billy Preston, Hugo Race, Terence Trent D'Arby, Mick Farren, Caetano Veloso, Marilyn Scott y The Duhks.

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0220 It's All Over Now, Baby Blue - Bob Dylan

 

It's All Over Now, Baby Blue, Bob Dylan

     Después de publicar cuatro trabajos de música folk, Bob Dylan decide apostar por un sonido más eléctrico y publica Bringing It All Back Home, su quinto álbum de estudio, grabado en el Studio A de los Columbia Recording Studios de Nueva York, y publicado en marzo de 1965 por la discográfica propietaria de dichos estudios, Columbia Records.

El título del álbum hace referencia a la llamada "Invasión Británica", como así se llamó al movimiento musical predominante hacia mediados de los años 60 en Estados Unidos con la llegada de grupos procedentes del Reino Unido y que alcanzaron sus cotas más altas con la llegada de The Beatles. A nivel comercial Bringing It All Back Home se convirtió en el segundo álbum de Dylan en alcanzar el primer puesto en las listas de ventas del Reino Unido, mientras que en Estados Unidos llegaba al puesto número 6 en la lista Billboard Hot 200. 

Incluido en este quinto álbum se encuentra It's All Over Now, Baby Blue, tema compuesto y escrito por Bob Dylan  y grabado en sesión de grabación el 15 de enero de 1965 por el mismo Dylan a la guitarra acústica y armónca, y William E. Lee al bajo como única instrumentación. Este tema fue grabado el mismo día en que Dylan grabó otros tres temas, Mr. Tambourine Man, It's Alright Ma (I'm Only Bleeding) y Gates of Eden. 

La letra del tema está influenciado por la poesía simbolista, uno de los movimientos literarios más importantes del siglo XIX. Los simbolistas creían que el mundo era un misterio por descifrar y por ello el poeta debía trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles. En esta canción Dylan nos relata un adiós a la persona llamada Baby Blue y comienza con una amarga declaración: 

"Debes irte ahora, toma lo que necesites, cree que durará 

pero lo que sea que desees quedarte, será  mejor que lo

agarres rápido

y todo ha terminado ahora, Baby Blue..."

En éste verso podemos apreciar el dolor y arrepentimiento que sufre el cantautor y toda la canción será un cúmulo de emociones de desprecio y tristeza. A lo largo de los años muchos críticos e historiadores han especulado sobre la verdadera identidad de Baby Blue, llegando a sonar nombres como Joan Baez, David Blue, Paul Clayton o incluso el mismo Bob Dylan.

0219: Mr. Tambourine Man - Bob Dylan

Mr. Tambourine Man fue escrita por Bob Dylan y la incluyó en su disco Bringing it all back home de 1965, pero The Byrds se adelantaron y publicaron una versión del tema antes de que la original fuera publicada por el artista de Minnesota, consiguiendo con ella el puesto más alto de las listas de ventas. Antes de que los pájaros se la robaran y remontaran el vuelo, Dylan la había interpretado en directo en el Philharmonic Hall de Nueva York en 1964, y ese mismo año había grabado una versión primeriza junto a Ramblin' Jack Elliot.

El disco Bringing it all back home es clave en la carrera de Dylan ya que es el primero en el que algunas canciones mostraron un sonido más eléctrico, alternando con otros temas en los que mantenía su característico sonido acústico. Ejemplo del grupo de canciones acústicas es precisamente Mr. Tambourine Man. La versión de Dylan es más desnuda y acústica que la de los Byrds, que buscaron un sonido más cercano a The Beatles, y tiene la particularidad de empezar directamente con el estribillo.

Mucho se ha escrito sobre la identidad de aquel "hombre del tambourine" en esta bella balada acústica de surrealista letra ¿Se refería realmente a un músico callejero (Oye, Mr. Tambourine Man, toca una canción para mí, no tengo sueño y no hay ningún lugar al que vaya...) o a un camello capaz de proporcionarle un gran viaje psicodélico? (Llévame a un viaje en tu mágico barco giratorio... Llévame desapareciendo a través de los anillos de humo de mi mente, por las neblinosas ruinas del tiempo...) No lo sabemos a ciencia cierta, y eso nos da la excusa perfecta para seguirla escuchando una y otra vez, en busca de esa pista definitiva que nunca nos será desvelada, mientras nos olvidamos "de hoy, hasta mañana" en un más que apetecible viaje musical a través de sus versos.