Led Zeppelin - Led Zeppelin I (Mes Led Zeppelin)

Artista del mes: Led Zeppelin - Album Led Zeppelin I

Amigos del rock llegó el mes de mayo, y junto al buen clima, y sin olvidarnos del dicho "hasta el 40 de mayo no te quites el sayo", nos acompañará todo este mes una de las bandas Londinense que merece tener su mes, por ello abrimos este mes de mayo en reconocimiento de Led Zeppelin #MesLedZeppelin.

Y como toda buena historia arrancaremos con su primer álbum de estudio que llevó el mismo nombre de la banda, Led Zeppelin y fue editado y publicado en Reino Unido en marzo de 1969.

Led Zeppelin I es el primer álbum de estudio de la banda británica de hard rock, este álbum fue publicado el 12 de enero de 1969. Este fue un álbum de Led Zeppelin que introdujo un mundo de nuevos conceptos para el rock, creando una interpretación completamente nueva del género.

Led Zeppelin I el cual lleva el mismo nombre de la banda, que fue lanzado el 12 de enero de 1969 por Atlantic Records. En la formación de la banda de ese entonces se encontraba Jimmy Page en las guitarras y también quien produjo el álbum, John Paul Jones en el bajo, John Bonham encargado de la batería y percusiones y Robert Plant a la voz y harmónica, aunque debido a cláusulas de contrato con CBS Records, sus créditos no aparecen en el trabajo.

La portada del álbum es una imagen a alto contraste de la foto tomada por Sam Shere del incendio del dirigible Hindenburg en 1937. 

Por ello recordaremos las canciones de este álbum debut de la banda Británica, comenzaremos con Good Times Bad Times que fue lanzado cómo single junto con Communication Breakdown, la canción inicia con dos acordes acompañándose de los platillos y el cencerro de Bonham, hasta que el mismo hace un redoble que abre la canción para que toda la banda comience a sonar, es una canción corta, rítmica y que destaca por su coro y un solo impresionante.

La banda sigue luego con Babe I’m Gonna Leave You una canción más suave por su guitarra acústica y la voz susurrada de Robert Plant al inicio, con trozos donde interactúa la batería con redobles en los toms para dar dinamismo a una canción tan tranquila, que Plant y Page destacan en sus respectivos instrumentos para que la canción pase a un sonido más rockero el resta de la canción.

You Shook Me la tercer canción del álbum comienza con un fraseo de guitarra que se convierte en un blues en su mejor expresión, la guitarra sigue la voz de Plant en los versos y a continuación los solos toman su lugar, los teclados, la harmónica y la guitarra toman protagonismo, y termina con una conversación donde la voz y la guitarra se imitan concluyendo esta excelente canción.

Un bajo excepcional con una guitarra llena de efectos es la introducción de Dazed And Confused, donde lo que más destaca es el la voz de un Robert Plant, donde el blues es el centro de atención haciéndonos sentir increíblemente maravillados, un estilo que se volverá característico de Led Zeppelin. 

Vamos ahora con Your Time Is Gonna Come una canción donde la tranquilidad se apodera de nosotros gracias a la belleza que recae en los teclados, guitarras y un ritmo tan pegadizo. Pero Your Time Is Gonna Come se corta abruptamente y sigue inmediatamente esta Black Mountain Side, las guitarras acústicas y las percusiones nos llevan a un paisaje que pocas canciones pueden lograr, aunque corta, crea un perfecto contraste con la siguiente canción.

Communication Breakdow, la antítesis de los últimos 6 minutos que hemos vivido llega, con un riff veloz y ultra rockero abre el single del lado B, acá la agresividad se toma por estandarte y desemboca en un solo que inspirará generaciones y bandas posteriores.

Todo vuelve a la calma con I Can’t Quit You Baby un sexy blues de los 50’s revive para dejarnos esta gran canción, los licks en guitarra son simplemente majestuosos y llenos de sentimiento, y si a eso le sumamos un bajo que se acompaña de maravilla con los ritmos sincopados de la batería, el saldo es una canción increíble.

El álbum cierra con How Many More Times, el más largo de todo el trabajo, una canción donde el espíritu rockero es casi palpable, cabe destacar la gran labor de todos los integrantes de la banda en la canción y en todo el álbum en general, 

Este disco marcó un antes y un después en la música, definitivamente es uno de los álbumes más importantes de la historia del rock. Es el inicio de la que sería una de las bandas más legendarias del rock, por todo ello el mes de mayo será su mes #MesLedZeppelin

Daniel 

Instagram storyboy 

Disco de la semana 269: Grand Funk - Grand Funk Railroad

 

Grand Funk, Grand funk Railroad

     Grand Funk, también conocido como The Red Album (El album rojo) por su caracterísitica portada de color rojo, es el segundo disco de estudio de la banda estadounidense Grand Funk Railroad. El disco, con un sonido basado en el hard rock, es grabado en estudio entre el 10 y el 21 de octubre de 1969 bajo la producción del productor, cantante, compositor y promotor estadounidense de rock and roll Terry Knight. El disco es publicado por el sello discográfico Capitol Records el 29 de diciembre de 1969, tan sólo cuatro meses después del lanamiento de su álbum debut, On Time.

Originalmente este disco fue puesto a la venta en formatos casete, LP, cartucho de ocho pistas y magnetófono de bobina abierta. El magnetófono de bobina abierta fabicado por Ampex, la famosa compañía de electrónica estadounidense, se convirtió en pieza muy valiosa al contener versiones editadas de los temas Please Don't Worry, Mr. Limousin Driver e Inside Looking, ya que no están disponibles en ningún otro formato. En febrero de 1970, apenas dos meses después, y a pesar de la poca difusión, Grand Funk ya había obtenido la certificación de Disco de Oro. 

Mark Farner, Mel Schacher y Don Brewer utilizan la formula del Power Trío influenciados en bandas como Cream y The Jimi Hendrix Experience, y consiguen ese característico sonido de rock clásico a base de buenos riffs de blues y rock y unas letras sencillas, combinando la crudeza de su sonido con unas armonías vocales y melodías más suaves, jugando con ritmos como el funky o el soul, y convirtendo esta mezcla en la seña de indentidad del grupo. Al igual que otros grupos de la época, la energía y el sonido pesado de este trabajo ya indicaban el camino a seguir del género havy metal. 

El trabajado sonido de la banda unido al crecimiento como compositor de Farner dan como resultado un disco con temas como Got This Thing On The Move, compuesta, al igual que casi todas las canciones por Mark Farner. El tema es todo un trallazo con un sonido pesado donde por momentos podemos disfrutar de muy buenas improvisaciones. Cabe destacar el increible trabajo de Mel Schacher, que con su bajo muy bien acompañado por la batería de Brewer, consigue un sonido increiblemente crudo y pesado; Please Don't Worry, compuesta por Brewer y Farner, donde destaca el trabajo voocal de Farner muy bien acompañado por los coros vocales; I Need comienza con una suave melodía, pero según va avanzando el tema este va creciendo, adquiriendo un sonido más pesado y primando la parte instrumental. La comunión del bajo, la batería y la guitarra es total y funcionan al unísono como una maquinaria bien engrasada; Winter And My Soul, tema en clave de blues con unos riffs de guitarra muy contundentes y un bajo más acelerado. El tema adquiere todo su esplendor cuando Farner, Schacher y Brewer se marcan una más que interesante jam en una parte del tema; o la genial versión del tema de The Animals, Inside Looking Out, grabada por estos tres años antes, en 1966. El tema comienza muy melódico y va cambiando hasta transformarse en una gran sesión de Jam, muy bien apoyado, al igual que todo el álbum, en una gran sección rítmica. En esta magnífica versión Farner agregó algunas referencias a la marihuana en la letra. Esta canción acompañó en sus presentaciones en vivo a la banda durante muchos años. 

Es cierto que con el paso del tiempo esta banda se suavizó mucho y ha sido criticada por los especialistas en la materia durante mucho tiempo, pero a menudo olvidamos el poder de su sonido, sobre todo el de principios de los años 70. Grand Funk Railroad, con ese sonido y al igual que bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath, Depp Purple o Lucifer's Friends, influyó en el  crecimiento del heavy metal.

Thin Lizzy: El final del Mes Thin Lizzy

Thin Lizzy

     Mis primeros recuerdos de Thin lizzy vienen de mi infancia, una infancia donde descubrí a mi primer gran amor musical, Gary Moore. Mi afán por conseguir todo material del guitarrista de Belfast me llevó con tiempo, esfuerzo  y dedicación (ya que por entonces no teníamos las facilidades de búsquedas e información a un sólo clic de Internet) a descubrir que habia formado parte de un grupo llamado Thin Lizzy y que incluso había grabado un disco con dicha banda. Con aquella información me fuí con la determinación del pirata que acaba de encontrar un tesoro a la busqueda de aquel disco donde había participado, un disco titulado Black Rose. Así me planté en la acogedora tienda de discos llamada Discos Lennon, ubicada en la C/ San José de Calasanz en Getafe, el lugar donde me crié. Todavía recuerdo vagamente la figura del dueño, curtido en mil batallas musicales, y cómo al preguntarle por aquel disco de Thin Lizzy fue a uno de los múltiples expositores y sacó el vinilo de Black Rose. 

Con la ilusión de un niño con zapatos nuevos fuí corrienddo a casa para poder escucharlo en el flamante equipo de música que con mucho esfuerzo mis padres me habían comprado. Una vez en casa me puse cómodo, me senté frente al equipo de música y procedí a disfrutar del ritual que suponía comprar un vinilo nuevo, un proceso que comenzó por sacarlo de aquella bolsa amarilla de la tienda donde en uno de los lados tenía impresa la cara de los cuatro músicos de Liverpool. Lo primero que me llamó la antención del vinilo fue la portada, que estaba ocupada por entero por una rosa negra, y en la parte inferior derecha venía la firma de su creador Jim Fitzpatrick. ¿Cómo podía ser que el disco se llamara Black Rose si la rosa de la portada era morada? Con el tiempo descubrí que debido a su especiales características, las rosas negras únicamente crecen en una parte el mundo de forma natural, ubicada en Turquía, en el distrito de Halfeti, perteneciente a la provincia de Şanlıurfa. El secreto está en el PH del agua que hay allí, y sólo adquieren el color negro durante el verano, el resto del año presentan un color rojo oscuro / morado. En la contraportada, también diseñada por Jim Fitzpatirck, en el interior de la rosa negra estaban dibujados la imagen de los cuatro músicos del grupo: Gary Moore, Scott Groham, Phil Lynott y Brian Downey.

Inmediatamente después del ritual de disfrutar de la portada y contraportada saqué el vinilo y me dispuse a ponerlo en le tocadiscos. El disco lo compré porque en él figuraba Gary Moore, y en aquella primera escucha no me pude llevar un chasco más grande, el disco no era un compendio de sólos y virtuosismo del guitarrista irlandés. Me encontré con un compendio de temazos donde Gary era sólo una de esa partes perfectamente compenetradas y engranadas. Fue amor a primera vista, ese mítico sonido de guitarras gemelas unido a esas historias que Lynott relataba con maestría y que tuvieron su punto culminante en Roisin Dubh (A rock Legend). Ese día empezó mi relación con una banda que acabaría acompañándome por siempre, ya que a día de hoy lo sigue haciendo. 

Cuando surgió la idea de dedicarle este mes de enero a la formación irlandesa me invadió nuevamente aquella sensación de antaño, la ilusión de aquel chiquillo que fue a la caza de un tesoro y que se llevó algo mucho más grande: descubrir a Thin Lizzy. Durante este mes hemos podido compartir con vosotros la historia del grupo contada a través de sus discos, desde sus inicios, donde un chiquillo irlandés de color demostró, además de un gran compositor, ser también una gran poeta y contador de historias. Lynott, acompañado de su inseparable amigo de la escuela, el baterista Brian Downey, y el guitarrista Eric Bell, iniciaba en 1969 la fulgurante carrer de una banda que sería de las primeras en lograr abrirse paso fuera de las fronteras irlandesas y marcar el camino a seguir por las que llegarían después. 

Thin Lizzy era una de las bandas más peligrosas del planeta, no todo el mundo podía tocar en ella, tenías que estar preparado para lo bueno y lo malo. La banda consiguió un estilo propio, en directo eran de lo mejorcito del panorama rockero, una apisonadora, y su indiscutible líder, Phil lynott se erigió como uno de los mejores compositores que ha dado la historia del rock. Pero para pertenecer a Thin Lizzy también debías estar preparado para lidiar con el alcohol y las drogas. Thin Lizzy era una banda arrolladora dentro y fuera del escenario, y en 1983, sus componentes, extenuados por vivir siempre al límite dirían basta. Tan sólo tres años después de la disolución de la banda, el 4 de enero de 1986, nos dejaría su líder Phil Lynott. Pero con apenas 36 años, Lynott y sus Thin Lizzy habían dejado su impronta, quedaría para la historia su enorme legado musical, siendo nombrada como una gran influencia por artistas de la talla de Alice in Chains, Def leppard, Creed, Bruce Dickinson, Creed, Blondie, Guns & Roses, y tantos otros. En España Los Suaves siempre se declararon abiertamente grandes admiradores del grupo y de Phil Lynott.

Cuando inicié allá por el año 2018 esta aventura musical de 7dias7notas junto a mis queridos amigos Chema, Nevermind y Storyboy, y me dieron la oportunidad de estrenar el blog con la publicación del primer disco recomendado tuve claro que debía ser aquel tesoro que descubrí en aquella tienda de discos y que me abrió las puertas a esta magnífica banda. Un disco cuya rosa negra de la portada llevo tatuada en mi pecho, pues simboliza mi pasión y admiración por este noble arte llamado música.

Thin Lizzy: Thunder and Lightning (Mes Thin Lizzy)

 

"Renegade" fue el undécimo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa Thin Lizzy y no tuvo mucho éxito y el estilo de vida comenzó a afectar a la banda: Brian Downey fue noqueado en un bar danés y en varios miembros del grupo el problema de las drogas empeoró lo que influia enormemente en su música y aunque lucharon por encontrar nuevas ideas, Snowy White decidió dejar la banda, sin duda era un tipo muy talentoso pero no era el hombre indicado para tocar la guitarra en una de las bandas más ruidosas y peligrosas del planeta, Thin Lizzy. Los problemas de Scott Gorham y Phil Lynott con las drogas no parecían que fueran a disiparse, por lo que Gorham sugirió tomarse un descanso, pero la gerencia insistió en que la banda debería grabar un álbum más y tocar una gira más antes de tomar un descanso, tanto Lynott como Gorham estuvieron de acuerdo a pesar de estar no estar 100% convencido de esta idea, en ese momento Thin Lizzy estaba casi muerto, el guía espiritual de la banda Phil Lynott lo sabía, pero ese gran espíritu decidio no dejar morir a la banda, y trataron de darle un último empujón, reclutando al joven guitarrista John Sykes para su concierto, la banda comenzó a grabar un álbum de estudio final, saliendo en gira, para luego cancelarlo. No sé si fue la ira que brotaba dentro de la banda debido a su falta de ganas de seguir delante, o si la mera infusión de sangre nueva simplemente prendió la mecha, pero Thunder And Lightning es un poderoso album de metal, más fuerte que cualquier cosa que se les haya ocurrido en la memoria reciente (con la excepción de algunos cortes de Black Rose), es una excursión sin tonterías a grandes canciones, interpretaciones apasionadas y tal vez, solo tal vez, la mejor colección de clásicos de Lizzy hasta ahora. Si has estado siguiendo la historia hasta ahora, entenderás que no sería poca cosa para una banda con un catálogo tan aplastante.

  

Thunder and Lightning despega como el transbordador espacial, haciendo temblar tu boca y golpeando tus tímpanos con su entrega de alta velocidad y lírica frenética, no es innovador, pero ¿a quién diablos le importa? su furia te derribará, algo a lo que no estábamos acostumbrados al desvirgar un disco de los irlandeses, y ya vemos desde el principio que esto va a ser distinto… muy distinto. This is the One es otro tema con un ritmo colosal, un estribillo muy característico y un duelo de guitarras estratosférico. Llegamos a una balada espeluznante y líricamente inquietante The Sun Goes Down (nadie podría escribir letras sin esperanza con el mismo tipo de optimismo condenado que el gran Lynott) tiene un brillo metálico moderno, huele a gran canción y para ser una balada encontramos la mayor cantidad de energía que jamás se haya contenido en un trozo de vinilo de Thin Lizzy, muchas veces, a las buenas bandas les pasan cosas malas, estamos ante el típico tema de Lynott que te arranca una sonrisa seguida de una lágrima, pues hasta el final de sus días, y por mucho que estuviera ahogado en vicios y problemas, conservó siempre ese lado de niño grande que en realidad solo quería divertirse sin hacer daño a los demás. 

La grisácea Holy War cuenta con un riff pausado tremendamente original, con las guitarras girando como un molinillo sobre sí mismas, y un Phil que canta como abatido, con un tono ya imposible de disimular de desesperanza y cansancio. Te taladrara el metal de alta tecnología de Cold Sweat, en el que Sykes muestra exactamente por qué está aquí, escupiendo metralla de cuerdas pirotécnicas a cada paso, también ayuda la letra inteligente de Lynott y un riff que incrusta una calavera. Someday She Is Going To Hit Back juega con riffs progresivos/jazzy entregados bajo la presión del metal, y la verdad que queda de lujo, un esquema típicamente Lizzy, pero que, con la inclusión de los solos de Gorham-Wharton-Sykes (por ese orden) en él, le dan otra dimensión, más metálica. Baby Please Don´t Go, con la enésima exhibición de onanismo guitarrero del bueno y un crescendo de locura en la mitad, nos llevarán de nuevo al terreno por el que la banda es más recordada: El Hard de infinita calidad. Y aunque Bad Habits es un buen número en sí mismo, parece poca cosa en comparación con los otros lamentos de drogas anteriores del hombre ("It's Getting Dangerous", "Got To Give It Up"). Heart Attack te envenena con suficiente furia y dureza para compensar ese ligero paso atrás anterior.

 

Y a veces, a los grandes músicos les pasan cosas malas. Tras la muerte de Lizzy, Phil Lynott descendería aún más a la adicción a la heroína, en medio de los esfuerzos para grabar en solitario y formar una nueva banda (Grand Slam). Pero su dedicación a la autodestrucción fue demasiado para su corazón de poeta, y el 4 de enero de 1986 murió en un hospital en Dublín, Irlanda, con su madre Philomena Lynott a su lado prometiendo ayudarlo a dejar las drogas, la heroína, mezclada con los miles de litros de alcohol ingeridos a lo largo de su vida, llevaron a la tumba al inimitable Phil Lynott, un tipo como Ted Nugent reaccionó con furia contra él, ganándose el desprecio de miles de fans y de unos cuantos críticos, pero no de Philomena, la madre de Phil, que entendía que la Bestia de Detroit estaba lamentándose en voz alta por la pérdida de un talento tan enorme, que no se había sabido cuidar, ni encontrar un equilibrio en su vida, tenía 36 años…. Y había escrito su propia leyenda para la eternidad.

Disco de la semana 260: Who's Next - The Who

¿Puede realmente el éxito nacer de un fracaso? Es lo que me pregunto, mientras observo como cuatro tipos de aspecto setentero acaban de orinar sobre una especie de monolito de hormigón en mitad de un campo de Sheffield. Los cuatro tipos son Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra y sintetizadores), John Entwistle (bajo) y Keith Moon (batería), integrantes del grupo The Who, y aparecen de esa guisa en la portada de Who's Next, su quinto álbum de estudio. El grupo venia de entregar una de sus obras magnas, la intrincada ópera rock de Tommy (1969), y se embarcó en otro megalómano proyecto llamado Lifehouse, una ópera rock futurista que planeaban grabar en vivo, interactuando con el público pero, tras muchos e infructuosos esfuerzos, lo cancelaron porque su extrema complejidad y la insatisfactoria respuesta de la audiencia, que esperaba escuchar sus éxitos, les estaba llevando al límite. En palabras de Roger Daltrey: "The Who nunca estuvieron más cerca de separarse".

Abandonado ese enfoque, y liberados de la enorme tensión que les había generado, rescataron algunas de las canciones de Lifehouse para el replanteado disco. Hasta ocho temas, de los nueve que componen el disco, fueron planeados inicialmente para el proyecto Lifehouse, y liberados en el estudio del complejo hilo argumental de aquel proyecto, pasaron a formar parte de lo que sería Who's next. Y así fue como, fracasando en el intento de hacer una nueva ópera rock en la línea de Tommy, acabaron facturando el que la mayoría consideramos el mejor disco de su carrera. Y su mayor éxito, nacido del mayor de sus fracasos.

Al no necesitar ceñirse a la estructura argumental cerrada de una ópera rock conceptual, les permitió centrarse en pulir al máximo las nuevas canciones, y eso se nota, sobre todo, en el acabado final de las mismas, especialmente en los singles, tan perfeccionados que se han convertido en auténticos hitos de la carrera de The Who. El primero de ellos, Won't get fooled again, es además el primer tema que se grabó para el disco, en el estudio móvil de los Rolling Stones, un hit de más de siete minutos en el que manejaron con maestría los sintetizadores, un recurso nada habitual en los discos más clásicos de la banda, que buscaba conscientemente un nuevo enfoque para su música.

Con la pista básica del primer tema grabada, se trasladaron a los estudios Olympic Sound Studios en Barnes, para seguir trabajando las canciones. La elegida para abrir el disco fue Baba O'Riley, el segundo single, y de nuevo destaca el magistral uso de los teclados, tejiendo una tela de araña sonora que acompaña a la perfección a los intensos ramalazos de guitarra de Townshend. Al final de la canción, poco después de que Daltrey cante la mítica frase "It's only Teenage Wasteland" (Es solo yerma tierra adolescente), que a punto estuvo de ser el título de la canción, nos sorprenden con un ecléctico violín firmados por Dave Arbus, demostrando que este disco es justo todo lo contrario, un terreno fértil de deslumbrante creatividad y maduros frutos musicales. 

Bargain comienza con la frase "Me encantaría perderme para encontrarte", de Meher Baba, por entonces gurú de Pete Townshend, al que hace también referencia el título del tema anterior (El "Riley" es por el compositor minimalista Terry Riley). En este tema vuelven a sus esquemas clásicos de rock, combinando la guitarra acústica del ritmo con los tradicionales rasgueos de Townshend. Tras dos cargas de profundidad, rebajan decibelios en Love ain't for keeping, un tema más melódico en el que la guitarra de Townshend nos lleva a terrenos más sureños y virtuosos.

My wife, escrita por John Entwistle. es la única canción que no procede del proyecto Lifehouse, y fue incluida a última hora en el disco, ya que inicialmente estaba destinada a un proyecto en solitario de su autor. Si este disco es un éxito nacido de un gran fracaso, este tema sería entonces un relleno que no sobra en absoluto, y la parte final, con varios instrumentos de metal sobre-grabados para emular una sección de vientos, constituye uno de los momentos instrumentalmente más acertados del álbum. Tras ella, cierra la cara A The song is over, con la colaboración de Nicky Hopkins al piano, e incluyendo en el final un fragmento de la intro de Pure and Easy, otro tema de Lifehouse que finalmente no fue incluido en Who's next.

La cara B abre con Gettin' in tune, la segunda colaboración de Nicky Hopkins en el disco, con una estructura musical similar a su antecesora en el inicio, pero el tema va evolucionando progresivamente y ganando en intensidad. La atmósfera de liberación y despreocupación que se generó tras abandonar el proyecto Lifehouse queda plasmada en los primeros versos: "Estoy cantando estas notas porque encajan bien con los acordes que estoy tocando". Así de sencillo, sin mayores complicaciones, y sin tener que ajustarse a esquemas o guiones preconcebidos, en el que quizá sea el tema más esperanzador y positivo del álbum, como demuestra el repetido estribillo, en el que el protagonista declara abiertamente "Estoy en sintonía".

De la esperanza a la alegría solo hay un paso, apenas unos segundos de silencio en los surcos del disco, los que separan Gettin' in tune de Going Mobile, el tema más alegre del disco. La letra describe un reconfortante viaje en camioneta de un granjero escocés y su familia, pero bien podría tratarse de un guiño a una caravana que Townshend compró en 1970, con la que fue al concierto de la banda en el Festival de la Isla de Wight.​ Pese a ser un tema más ligero, son reseñables los envolventes efectos de distorsión del solo de guitarra de Townshend.

Y en el final, como toda buena ópera rock que no fue realmente, un disco de esta envergadura tenía que tener un cierre tan épico y descomunal como el que conforman Behind Blue Eyes y la ya mencionada Won't Get Fooled Again. Para la primera, una de las mejores canciones de la historia de la banda, se construyeron dos partes diferentes, en lo que supuso uno de los cambios de ritmo más brillantes del disco. En la primera parte, no aparece en ningún momento la batería, en lo que el biógrafo de la banda describió después como "el tiempo más largo que Keith Moon estuvo quieto en toda su vida".

Para el tema de cierre, el órgano y los efectos de los sintetizadores de Townshend toman con fuerza el timón de la banda, mientras Daltrey escupe proclamas que son, a la vez, anti-revolucionarias e instigadoras de la lucha en las calles. Lucharemos, pero "no nos engañarán de nuevo", porque sabemos que no servirá de nada, y que no lograremos cambiar el politizado orden establecido. Sería como pretender desintegrar un monolito de hormigón, a base de orinar sobre una de sus caras. Mas fácil sería que el éxito pudiera nacer del mayor de los fracasos, como cuando los pedazos dispersos de una obra inabarcable se convirtieron en uno de los mejores álbumes de rock de la historia.

Thin Lizzy: Chinatown (Mes Thin Lizzy)

La música en historias: Chinatown - Thin Lizzy #mesThinLizzy

Vamos a hablar de un disco que se podría decir, ocupa un lugar en la historia del rock, un disco que por considerar la situación de sus creadores la banda Thin Lizzy, era muy complicado que saliera publicado, considerando que se rumoreaba si disolución. 

Pero a fin de cuenta Chinatown salió publicado y se podría decir que es uno de los mejores disco de la banda.

Luego de suscitarse varios problemas en la banda, por agotamiento, tras años de abusos con las drogas y el alcohol, la banda traería novedades y una de ellas fue la incorporación de Snowy White este no sería la única novedad, también se incluyó como colaborador a un fan inglés de 17 años llamado Darren Leight Wharton, que tocaba los teclados en una banda de versiones, y que a día de hoy sigue vinculado a la banda en sus distintas reencarnaciones.

Impredecible y genial como todos los grandes artistas, Phil Lynott sorprendió a cuantos vaticinaron un disco en la línea, del pop y ecléctica, tras su debut en solitario, pero Phil Lynott tenia bien en claro que ambas eran dos carreras y dos bandas completamente diferentes, que la relajación y la variedad quedaban para Solo in Soho su disco como solista y entregó Chinatown, el disco más visceral, salvaje y punk que escribiría en toda su vida. 

Phil Lynott escogió la temática de Chinatown, según explicaba, pensando en la mano de obra barata china que en los siglos XIX y XX había emigrado a las ciudades occidentales de América para trabajar en la construcción de ferrocarriles. Los asiáticos se aislaban en sus ghettos, dando lugar a los populares barrios chinos, que el occidental siempre ha mirado con respeto y desconfianza, con la habitual mezcla de curiosidad y temor hacia lo exótico y lo desconocido. 

Phil Lynott aseguraba haber grabado el disco en el Barrio Chino de Londres, un submundo integrado en el Soho, a espaldas de Piccadilly Circus, convertido hoy día en atracción turística lleno de restaurantes donde por 7 o 8 libras tienes un menú, pero que encajaba en los planteamientos, siempre rebeldes y al margen de la ley, que guiaban la vida del poeta rockero.

El Dragón de la portada, es la mejor ilustración del habitual Jim Fitzpatrick junto a la maravillosa cubierta de Johnny the Fox, estaba lleno de significados, con sus tres garras representando los pilares sobre los que se asienta la estructuración de la mafia china Poder, Maldad y Dinero.

Y en cuanto a la música, el grupo experimenta un proceso similar al que también vivían Aerosmith aquellos días, al borde de la ruptura, con tanta droga en sus venas como nieve hay en las cumbres montañosas en Invierno, con Whitford y Perry fuera, pero grabando discos soberbios como Night in the Ruts y Rock in a Hard Place.

En Chinatown solo hay una concesión a la suavidad en la relajante canción Didn´t I, una preciosa balada con arreglo de cuerda, orquestada por el productor Tony Visconti, Hey You, taquicárdica canción de Lynott y Downey llena de cambios de ritmo, tan pronto sonando elegantes como embalados calle abajo y sin frenos. Sobre Didn´t I, decir que podría encuadrarse en un género por sí sola, es música de salón irlandesa, con un trabajo de guitarras gemelas que suena a música celestial, a fina lluvia otoñal reverdeciendo los prados de la Isla Esmeralda.

El resto muestra a un grupo enfurecido, comandado por un Lynott rugiente, que en temas como We Will be Strong entona una sensación de hastío, tristeza y enojo, inéditos hasta el momento. En esa y otras canciones no vamos a escuchar más al adolescente que se divertía, diciendo que el  haberse saltado las reglas maternas sobre la hora de llegar a casa, como hiciera en Dancing in the Moonlight. Aquel Phil Lynott ha dejado de existir. Un nuevo personaje mucho más peligroso, malherido, pero determinado a seguir en pie, y su voz, escuchada con atención y conocimiento, genera estas sensaciones.

Las guitarras dobladas, eso sí, ejerciendo como sustitutas de lo que serían los riffs entre estrofa y estrofa, en esta joya y en otras como Sweetheart, suenan a algo gratificante y conocido, a un murmullo que lleva uno siempre en su interior, y que aflora y llena de felicidad cuando te reencuentras con ello, como el golpe de la brisa en la cara al volver a la tierra natal tras una larga ausencia.

El mal carácter, propio de Phil Lynott "blandidor de botellas" , como lo llamó Mick Wall, ese al que Guns n´Roses atacaron en la incendiaria Get in the Ring, está presente en el title track, que cuenta con un solazo de guitarra de Snowy White lleno de tensión, precedido por una risita cabrona de Lynott que acongoja más que las carcajadas diabólicas que registró Gillan en el Disturbing the Priest de Black Sabbath, y un segundo punteo, de Gorham esta vez, con menos nervio, pero majestuoso. La maquinaria guitarrística seguía funcionando a la perfección, al menos en el estudio.

Atención de hecho a un tema como Having a Good Time, cuyos coros pueden confundir y hacer creer que estamos ante una canción ligera, En su segundo tramo, los dos unas guitarras que destilan azufre, que de hecho me recuerdan, solo en ese instante, al eco distorsionado, a la sensación de espacio cargado de electricidad de alto voltaje, que preside los surcos de los discos clásicos de Motörhead.

Sugar Blues suena a boogie rock asilvestrado, y es una de tantísimas perlas a descubrir en las vitrinas de ese museo, en las que se expone la mejor de las Artes, que es la música de Lizzy. En la bestial Genocide tenemos a un Phil ecologista, preocupado por las matanzas de bisontes en las llanuras de Norteamérica, y para la virulenta y agria Killer on the Loose se fijó en los crímenes de un tipo llamado Peter Sutcliffe, apodado el Asesino de Yorkshire, que asesinó a trece mujeres en la Inglaterra de finales de los 70. Lynott fue criticado por entenderse que frivolizaba sobre el asunto, lo cual no le impidió protagonizar el vídeo clip caminando por las calles de Londres envueltas en niebla, como un moderno Jack the Ripper.

Pese a todos estos logros, parece que sobre Chinatown siempre pesará esa estela negativa, esa condición de inferior, que no representa un papel relevante, que no es notorio dentro de la producción Lynott/Lizzy. Y es que grandeza llama a grandeza. Chinatown no es, en efecto, un disco notorio en la carrera de este grupo. No es notorio, y tampoco es notable. Es sobresaliente. 

Daniel 

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Thin Lizzy: Bad Reputation (Mes Thin Lizzy)

 

Tras las aventuras de "Johnny The Fox", cronológicamente y en el #MesThinLizzy llega el momento de hablar de la "mala reputación" de ese y otros personajes del universo Thin Lizzy. Bad Reputation (1977) fue el octavo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa. Y quizá fue esa misma "mala reputación" de persona difícil y conflictiva la que alejó a Brian Robertson del resto de la banda, hasta el punto de ser expulsado y, posteriormente, readmitido para tocar en tan solo dos de los temas del disco. Con Robertson fuera de la ecuación, Lynott decidió que Scott Gorham asumiera la totalidad de las guitarras del álbum. Gorham no lo tenía tan claro, y dejó sin grabar los solos de guitarra de un par de canciones, antes de convencer a Lynott para que llamara de nuevo a su antiguo compañero y le dejara grabarlos.

Robertson regresó temporalmente, grabando los solos de Opium Trail y Killer Without a Cause, y compartiendo la guitarra principal con Gorham en That Woman's Gonna Break Your Heart, pero Bad Reputation quedó para siempre identificado como el álbum de Thin Lizzy sin Brian Robertson. La portada del disco, una fotografía de los otros tres miembros, contribuyó también a magnificar esta separación. Robertson ya no estaba, y no fue la única baja, porque la fotografía tampoco fue obra de Jim Fitzpatrick, encargado de las portadas de los discos anteriores. La culpa de esta ausencia la tuvo la ciudad de Madison, en la que Jim vivía. Lynott voló a Madison para reunirse con el fotógrafo, pero aterrizó en Madison (Wisconsin) cuando su destino debería haber sido Madison (Connecticut). Sin tiempo para deshacer el error, y en tiempos en los que no eran posible las reuniones por Teams o Zoom, Lynott tiró por la calle del medio (de Madison) y decidió usar una fotografía previa de la banda en formato trío.

Quizá todas estas tensiones y malentendidos internos acabaran volcándose en el contenido de Bad Reputation, pero lo cierto es que, además de ofrecer un sonido más duro que en el álbum anterior, Thin Lizzy entregan una de sus mejores obras. Temas como  Dancing in the Moonlight (que fue elegido como single y cosechó un meritorio puesto 14 en las listas de ventas del Reino Unido), Soldier of Fortune (que abre magistralmente el disco a golpe de gong y de épica rock) o la preciosista y delicada Southbound están en lo más alto de la discografía del grupo. Temas vigorosos que, al mismo tiempo, muestran un sonido más cuidado y enriquecido, y ahí se nota la influencia de Toni Visconti, el genio detrás de la lámpara en los mejores discos de David Bowie.

El afamado productor aporta equilibrio y elegancia en temas como Downtown Sundown o Dear Lord, y deja al mismo tiempo espacio para que Lynott y compañía sigan siendo fieles a su sonido más característico y contundente en Killer without a Cause y Opium Trail, brillantes excesos de mala reputación, desbocada hasta el límite y reforzada como nunca, con las manos adicionales del compañero desterrado, que volvió momentáneamente para librar codo con codo la última de las batallas.

Thin Lizzy: Johnny The Fox (Mes Thin Lizzy)

 

Debo reconocer que mi relación con "Johnny The Fox" ("Johnny el Zorro"), el séptimo álbum de la banda irlandesa Thin Lizzy, ha empezado hace tan solo cuarenta minutos, el tiempo que he tardado en escucharlo por primera vez para poder escribir sobre este disco en el #MesThinLizzy. No lo conocía, y solo cuarenta minutos después, el zorro de Phil Lynott y compañía me ha robado el corazón, con la misma facilidad con la que el Zorro de las películas desarmaba con su espada a sus oponentes, para dejarles después marcada en el pecho su inconfundible marca de la "Z".

Publicado en 1976, entre "Jailbreak" y “Bad Reputation”, ambas obras maestras parecen a menudo ensombrecerle, cuando en realidad Johnny el Zorro está agazapado y a cubierto, dispuesto en cualquier momento para sorprendernos con alguna de sus más que reseñables canciones sobre forajidos, aventuras y desamores. Hablamos de un disco memorable ya desde su portada, obra de Jim Fitzpatrick, diseñador habitual de la banda, que representa un tapiz o pergamino que muestra en todo su esplendor la inquietante figura de un zorro, observando una ciudad lejana bajo la luz de la luna.

El disco arranca, como no podía ser de otro modo, con la canción de su nocturno protagonista. Johnny The Fox es una pieza de intenso rock "Made in Thin Lizzy" que no desmerece ante ninguno de sus hits más clásicos e imperecederos. Rocky mantiene la intensidad y la fuerza del comienzo, con una memorable demostración de "guitarras gemelas" por parte de Scott Gorham y Brian Robertson. Tras un arranque tan eléctrico, la balada de toques sureños Borderline nos sirve para coger aire y prepararnos para el siguiente tema, Don't believe a word, un temazo que Gary Moore incluyó también en su "Back on the streets" (1978), en una versión más cercana al blues. Tras este trallazo, rozan la épica con los dedos en el comienzo coral de Fool's gold, regalándonos además un intenso riff de guitarra para redondear un grandioso cierre de la primera parte del disco.

En la cara B, las aventuras de Johnny el Zorro continúan en Johnny The Fox meets Jimmy the Weed, ("Johnny el Zorro conoce a Jimmy el Hierba”), brillante y arriesgado tema que juega con el spoken-word y que tiene un alma canalla y una estructura inesperadamente funk. Old Flame es un nuevo remanso de calma, el descanso del guerrero o, en este caso, del forajido, que no tarda en volver a la acción en la intensa obra maestra que es Massacre, en la que Thin Lizzy vuelve a sonar en lo más alto de esa colina imaginaria desde la que el zorro contempla amenazante al resto de los mortales, inundando los surcos del vinilo de dobles guitarras al galope y de ese sonido tan reconocible e inimitable de rock con toques celtas. Para el final se dejan una nueva vuelta a la tierna balada en Sweet Marie, para que Lynott se luzca en una interpretación llena de sentimiento, y un cierre sorprendente con Boogie Woogie Dance, en la que Brian Downey da toda una "master class" a los mandos de una desenfrenada batería.

Una inquietante silueta animal sigue mirando a la lejana ciudad, en la que a estas horas duermen los protagonistas de las historias de fracaso y mala suerte que pueblan un magnífico disco. Anónimos irlandeses huyendo del hambre a mediados del siglo XIX y en busca del sueño americano, y carismáticos delincuentes de ebria épica y fatal destino, todos ellos irresistibles perdedores dibujados por la pluma y la imaginación de Lynott. Entre la espectacular fuga que fue Jailbreak, y la bien ganada mala reputación que vino después, un carismático zorro campó a sus anchas por las oscuras callejuelas de finales de los setenta. Te dirán que es mejor que no te toparas con el, pero es todo lo contrario. Nunca es tarde para descubrirle. ¿Su nombre? Se llamaba Johnny... ¡Johnny The Fox!

Thin Lizzy: Jailbreak (Mes Thin Lizzy)

 

Los dos primeros álbumes de la era Thin Lizzy, "Night Life" (1974) y "Fighting" (1975), no habían prendido fuego al mundo en términos de ventas, así que la presión estaba sobre Thin Lizzy para entregar un álbum de primer nivel que tuviera un aceptable nivel de ventas. Para ser justos, "Fighting" se había metido en los escalones más bajos de la lista, algo que ninguno de los álbumes anteriores había logrado, pero los singles si habían hecho ruido y las giras habían sido de un alto nivel, la reputación que tenían como grupo en vivo lo mantenían en el boca a boca. El ex productor de The Who, John Alcock, fue contratado para producir su sexto álbum, después de otra gran gira, esta vez con Status Quo, la banda fue a los estudios Ramport en Londres para comenzar a trabajar en lo que se convertiría en el álbum que los pondría definitivamente en el mapa, "Jailbreak". Inicialmente, Alcock no quedó demasiado impresionado con el material y, aunque intuia que parecía prometedor, comenzó a sugerir cosas que en las que las canciones podrían afinarse, pulirse un poco más y hacerse un poco más comerciales. Si bien Lynott estaba bastante abierto a estas sugerencias y ansioso por aprender cualquier cosa que pudiera ayudarlo a convertirse en un mejor escritor, el guitarrista Brian Robertson, en particular, no estaba contento con el empleo de músicos de sesión para aumentar el sonido lo que llevo a negarse a tocar en la cancion 'Running Back'. Vamos a desgranar esta gran obra.

El álbum comienza con la canción que da título al álbum y es una apertura realmente grandiosa, Jailbreak capta tu atención enseguida, cuando las notas iniciales estallan a través de los auriculares, te sientes poderoso acompañado por esa letra amenazante de tipo duro de Lynott que sobresale sobre una armonía de guitarras gemelas con algunos buenos efectos de wah wah de Robertson, estamos ante uno de esos clásicos del rock de los que nunca te cansas, para mí es la mejor pista del álbum y está cerca de ser la mejor de su repertorio. Angel of the Coast tiene un riff funky casi jazz y es otra de las obras maestras líricas narrativas de Lynott, el solo de jazz y el riff en realidad me recuerdan a Trapeze e incluso a bandas como The Doobie Brothers en algunos momentos. La canción es un homenaje al socio estadounidense de Thin Lizzy, Scott Gorham. El riff sigue siendo clave en Running Back, esta fue la canción que causó todos los problemas con Robertson cuando Alcock desechó la versión de blues que Robertson había grabado y lo reemplazó con Tim Hinkley en los teclados y la armónica. Decir que Robertson no estaba contento es quedarse corto y se negó a tocar el nuevo arreglo. Inicialmente iba a ser el primer sencillo y seguramente le habría ido bastante bien en las listas de éxitos en ese momento, Robertson finalmente grabó su propio arreglo original en su álbum de 2011 "Diamonds and Dirt". Romeo and The Lonely Girl tiene otro riff de jazz animado y algunas letras interesantes de Lynott, el solo rápido es probablemente lo más destacado, y aunque no es de las más apreciada por los fans, la pista es mucho más que un relleno. La primera mitad del álbum termina con Warriors, que es mucho más heavy y está más en línea con la canción que abre el álbum que con las tres canciones más ligeras y jazzísticas intermedias. Lynott imita vocalmente a Jimi Hendrix en algunos momentos y, aunque la guitarra obviamente no es Hendrix, el solo que hacen nos recuerda mucho a él.

 

La segunda mitad comienza con el inconfundible sonido de riffs de ametralladora de The Boys Are Back In Town, una canción que inspiró a una generación a salir a pavonearse y vivir la noche del sábado. Es un ejemplo clásico de cómo presentar una melodía de rock duro a una audiencia mayoritaria sin perder poder ni credibilidad. Estamos ante uno de los sencillos de rock más importantes de todos los tiempos para mí y estoy seguro de que nadie lo puede discutir. Por supuesto, con una pista como esa, todo lo que sigue inmediatamente va a sonar un poco pobre, acabamos de tocar el cielo. Y más si el álbum sigue con la que posiblemente sea la pista más débil del álbum Fight or Fall, Lynott no tiene una buena voz y el solo relajado es agradable, pero todo está muy perdido y no logra que llame tu atención en ningun momento. 

Muchos citan a menudo a Cowboy Song como una de sus canciones favoritas y, de hecho, se encuentra entre las mejores del álbum, Lynott proporciona una excelente voz que en la introducción de ritmo más lento recuerda mucho a Frankie Miller. Es la pista más larga del álbum y presenta a la guitarra como gran protagonista, de hecho, se pudo escuchar en vivo antes de que se grabara la versión de estudio, y una versión anterior estaba disponible en el álbum UK Tour 75'. Emerald es una de las pistas más reconocibles y queridas de Lizzy, presenta algunos grandes duelos de guitarra, así como una voz sincera llena de pasión amenazante de Lynott, es probablemente uno de los mejores ejemplos del característico sonido de guitarra doble de Thin Lizzy. Para mí, la versión de estudio simplemente carece de la pasión y la emoción de algunas de las versiones en vivo. Después de escuchar las versiones en vivo, esta mezcla de estudio puede sonar un poco plana al principio.

 

Jailbreak se terminó de grabar en enero de 1976 y se lanzó al público a fines de marzo de ese mismo año. Con su portada tipo ciencia ficción y la historia en la contraportada, a algunos les pareció una especie de álbum conceptual al principio, pero, aunque hay algunos temas que vinculan el elemento narrativo con la letra, la portada solo se refiere realmente al título. Tras el éxito del lanzamiento del sencillo de 'The Boys Are Back In Town', se convirtió rápidamente en el álbum más vendido de la banda y, junto con "Black Rose", sigue siendo citado regularmente por los fans como el mejor álbum de Lizzy. En verdad, Thin Lizzy siempre fue mejor en vivo que en un disco de estudio, pero si vas a tener un álbum de estudio de Thin Lizzy, entonces "Jailbreak" o "Black Rose", que publicarían unos años más tarde, serían los indicados, pero yo me compraría los dos.

Thin Lizzy: Fighting (Mes Thin Lizzy)

 

Fighting, Thin Lizzy

     Thin Lizzy con Phil Lynott (bajo y voz), Brian Downey (batería), Brian Robertson (guitarra) y Scott Gorham (guitarra), realizan una gira por Estados Unidos a principios de 1975, en marzo, apoyando durante unas seis semanas a la banda canadiense de rock Bachman-Turner Overdrive, y también a Bob Seger. Una gira que ayudará a la banda a pasar al siguiente nivel, llegando a foguearse en pabellones con aforos de hasta 20.000 personas. El grupo tenía un directo brutal, a lo que se sumaba el hecho del carisma que Phil Lynott era capaz de proyectar encima del escenario, era capaz de llenarlo  con su sola presencia. El impacto que aquella gira por suelo estadounidense produjo en Lynott fue enorme.

En mayo de 1975 el grupo se mete en los Olympic Studios de Londres para grabar su quinto álbum de estudio, Fighting, el cual es producido por el mismo Phil Lynott. Conscientes de que su anterior trabajo, Nightlife (1974), tenía una mezcla de demasiados estilos que confundían a la gente, en Fighting consiguen darle una cohesión en cuanto a sonido y estilo. Para la foto de portada, Lynott tuvo una primera idea de una fotografía con una primera plana de los cuatro componentes de la banda golpeados y ensangrentados. La fotografía llegó a hacerse pero la discográfica Phonogram la rechazó por lo que al final se utilizó para la portada la fotografía realizada por el fotógrafo británico Mick Rock (Reconoido por sus icónicas imágenes a bandas y grupos de rock y heavy metal) en la que simplemente aparecen posando los cuatro componentes. Este es el único disco de estudio donde aparece además en la portada el logotipo de la banda, que había sido diseñado por Jim Fitzpatrick. Cuando Phil Lynott entregó el material terminado del disco a  Phonogram, el sello transmitió al cantante que el material no era lo suficientemente bueno y que deberían grabar cuatro temas más, por lo que al grupo no le quedó más remedio que volver al estudio para preparar cuatro nuevos temas más. 

Figthing empieza a dar muestras de que el grupo empieza a funcionar como un rodillo bien engranado, por una parte Lynott sigue creciendo como letrista y compositor, y se entiende a la perfección con los guitarristas Gorham y Robertson, algo que dará como resultado potentes canciones que nos hablan de venganza, violencia, suicidio o independencia. Por otro lado el uso de las guitarras gemelas empieza a dar sus frutos en este disco, un sonido y un estilo que definirá a un grupo que pulirá y explotará como pocos este estilo convirtiéndolo en su seña de identidad. Curiosamente, según relata el mismo Scott Gorham el característico estilo de sonido de la banda surgió por accidente: "Brian Robertson estaba en el estudio grabando una toma y el ingeniero se dejó un delay (Efecto de sonido aplicado a la guitarra que consiste en un retardo o retraso. Este efecto se encarga de repetir las notas que se interpretan en la guitarra a modo de eco) en su guitarra. Fue como un milisegundo, de modo que Robertson empezó a armonizar consigo mismo. Aquello sonó muy bien y a lo demás les gustó mucho, de modo que le pidieron a Robertson que repitiera su fraseo original y yo salí para añadirle una armonía en paralelo". De hecho el grupo no empezó a pesar en aquello como un sonido característico hasta que leyeron una reseña en un periódico que rezaba "Patentado el sonido Thin Lizzy de melodías de guitarras gemelas". 

Comercialmente el disco funcionó bastante mejor que el anterior disco, Nightlife, llegando a vender unas 20.000 copias y consiguiendo alcanzar el puesto número 60 en las listas de ventas del Reino Unido, siendo el primer álbum en alcanzar entrar en dichas listas. A pesar de los mediocres resultados de ventas, este disco supuso el punto de inflexión, pues explotará el característico sonido de la banda. Gracias también a sus grandes directos en el escenario la banda seguirá creciendo gracias al boca boca. Parte de la crítica desribió Fighting como el disco que inició la etapa era clásica del grupo, sin embargo para algunos críticos no fue suficiente, como el para el por entonces editor de la revista musical Sounds y posteriormente fundador de la revista Kerrang, Geoff Burton, quien cuenta una anécdota que pone de manifiesto el carácter y carisma de Phil Lynott. En aquel momento Fighting no fue suficiente para él, quien escribió sobre el disco que era el segundo LP de la banda con su nueva formación de guitarras gemelas, y que era un álbum de rock correcto sin más, y que el trabajo grabado en el estudio adolecía de falta de energía y contundencia. Un mes después Geoff Burton fue a ver a Thin Lizzy en directo, y aproximadamente a la mitad del concierto Lynott empezó a realizar una pequeña reprobación hacia los críticos de rock. En ese momento Burton se llegó a preguntar si Lynott sabría que él estaba entre el público, pues ¡vaya si lo sabía!, porque al acabar el discurso, Lynott se encogió de hombros y con una sonrisa dijo: "Pero pase lo que pase, esta próxima canción es para Geoff Burton: Still In Love With You". Recordaba Burton que aquel momento fue uno de los momentos donde más verguenza había sufrido en su carrera.

El disco abre con Rosalie, tema escrito por Bob Seger y del que Lynott y compañía hacen una magnífica versión. La gira americana que el grupo había hecho unos meses antes había marcado profundamente a Phil Lynott y Fighting contenía matices de ese sonido americano. De hecho el disco, además del sonido contiene muchas alusiones estadounidenses, como los dólares y diners. For Those Who Love To Live, compuesta por Downey y Lynott. Esta canción la solía dedicar en directo Phil Lynott a George Best, la estrella irlandesa del club de fútbol Manchester United, el jugador favorito del cantante, bajo el lema que a veces era mejor vivir la vida al máximo. Suicide, el tema estrella de álbum. Una canción que se convertirá en fija en casi todos los conciertos de la banda. Lynott se basó en un episodio de la serie estadounidense de televisión Perry Mason llamado El caso del salto del amante, emitido en abril de 1963, donde Perry Mason desenmascara a un asesino que ha encubierto su fechoría haciendo que la persona que ha matado parezca que se ha suicidado. En este tema podemos identificar claramente el sonido de las guitarras gemelas, ese brillante duelo que se marcan Gorham y Robertson queda ya para la historia del rock. Curiosamente esta canción fue interpretada por primera vez en julio de 1973 en un programa de la BBC cuando todavía estaba en la banda Eric Bell. Se interpretaba con con diferentes letras bajo el título "Baby's Been Missing" y le faltaba la sección central tan famosa que aparece en Fighting. Wild One, otro tema que explota y eleva a la máxima expresión el uso de las guitarras gemelas. El tema tiene un comienzo impactante con Gorham y Robertson a la par mientras Lynott nos habla de la dificultad de estar separado de la mujer que amas. Fighting My Way Back se encarga de cerrar la cara A. Tema escrito por Lynott, con unas letras que van en la línea del disco, donde la lucha y la rudeza están presentes. En la cara B seguimos con la continuidad de sonido y temática donde la violencia y la pelea siguen presentes en temas como King's Vengeance , temas con un toque a ese sonido americano como Ballad Of hard Man, el único tema no compuesto por Lynott, siendo Scott Gorham su creador, temas donde la lucha por la libertad y la independencia está presentes como Spirit Slips Away y Freedom Song, y temas como Silver Dollar donde las alusiones a los dólares, al continente americano y a los amores están presentes.

Ya nada quedaba de esa banda que había tenido éxito con Whiskey In The jar, una vieja canción tradicional de taberna irlandesa, canción de la que Lynott siempre acabó renegando, Thin Lizzy era más que aquella canción, y con Figthing la banda irlandesa había plantado los cimientos, habían creado su propio estilo, tenían un directo brutal e iban en la dirección correcta. Sólo les hacía falta pasar al siguiente nivel con un disco que les consagrara. Lo mejor estaba por llegar.

Thin Lizzy: Nightlife (Mes Thin Lizzy)

 

Nightlife, Thin Lizzy

     Nos encontramos en 1974, y el trío de Thin Lizzy, Phil Lynott, Brian Downey y Eric Bell ya tienen publicados tres álbumes de estudio más un EP. Parece que las cosas les empiezan a salir de cara tras trabajar duramente, pero un nuevo revés les hará pensar en la disolución del grupo: La marcha de Eric Bell. Eric Bell decide dejar la  banda tras la presión ante tantas giras, grabaciones y los excesos que rodean a la banda, ya no puede más. Pero como reza el dicho de que las desgracias nunca vienen solas, al abandono de Bell se suma que el contrato con el sello discográfico Decca se ha terminado. Lo primero que hacen Lynott y Downey es tirar de recursos y llamar a un viejo conocido de la banda, Gary Moore, el cual permanece unos meses en la banda. Cuando todo parece empezar a encarrilar, Moore decide dejar Thin Lizzy, pues tiene otros planes y acaba fichando por el grupo de jazz-rock fusión Colosseum II. Entre Moore y Lynott siempre hubo un vínculo especial y una gran amistad. Como músico Moore era superior a Lynott, pero Lynott era más carismático y mejor compositor. Ls dos cuidaban los detalles hasta lo obsesivo, y aunque juntos se complementaban brillantemente, son dos gallos en un mismo corral. De hecho dicen los que recuerdan aquella época que ver en el escenario a Lynott, Moore y Downey era harina de otro costal, arrasaban donde iban.

Lynott y Downey se vuelven a encontrar solos y deciden fichar a dos guitarristas, el alemán Andy Gee y John Cann (Atomic Rooster), con los que acaban la gira por Irlanda e Inglaterra en la que están inmersos como buenamente pueden. Al acabar los compromisos Brian Downey se piensa seriamente abandonar Thin Lizzy, pero es convencido por uno de sus representantes, Ted Carroll, para que aguante un poco más para ver si son capaces de recomponer la banda. Acabada la gira, el grupo tiene una merecida reputación pero no tienen guitarrista, Downey está pensando seriamente en abandonar y encima no tienen contrato discográfico, pero finalmente Lynott y Downey deciden hacer un nuevo intento. La idea que tiene Lynott, en vez de apostar por un guitarrita solista y otro rítmico, es la de dos guitarristas que sean capaces de repartirse ambas tareas, la rítmica y la solista, que sean capaces de entrelazar armonías, combinar dos líneas melódicas a la vez, que no sean egoístas, y que puedan trabajar equitativamente ambos. Con esta idea en la cabeza acaban fichando a dos guitarristas, el escocés Brian Robertson y el californiano Scott Gorham.  

El problema del guitarrista parece estar resuelto de momento, pero el grupo sigue sin contrato. Ted Carroll, uno de los representantes del grupo en esa época junto a Chris O'Donnell había decidido dejar la representación del grupo, hecho que comunica a Lynott, diciéndole que antes de irse quiere dejar los asuntos del grupo en orden. Las compañías Polygram y CBS habían rechazado al grupo, y RCA les había hecho una oferta pero se negaban a pagar al grupo cualquier adelanto, algo que necesitaban pues estaban hasta arriba de deudas. La compañía Island está a punto de ficharles, pero el acuerdo se va al traste por falta de consenso en el seno de la compañía. El representante Ted Carroll había decidido dejar el grupo para centrarse de lleno en su tienda de discos situada en Londres, Rock On. Neil Grainge, que trabajaba en la discográfica Phonogram Records, y era cliente habitual de la tienda de Carroll, en una de sus asiduas visitas fue abordado por Carroll quien le comentó que Thin Lizzy estaban buscando discográfica. Grainge no era muy fan del grupo pero sabía que tenía un directo muy bueno. Gracias a este contacto el grupo liderado por Lynott tuvo la oportunidad de mandar una maqueta a la discográfica con dos temas. Uno de esos que contenía la maqueta era Still in Love With You, y al escucharlo, a los dirigentes de la discográfica les pareció absolutamente maravilloso. A Grainge y a la discográfica les habían asegurado que el tema había sido grabado por sus dos nuevos guitarristas, Gorham y Robertson, una mentira piadosa, pues el tema había sido grabado por Gary Moore antes de marcharse.

El sello discográfico Phonogram estaba decidido a fichar al grupo pero antes querían verlos en directo. El grupo tuvo que pedir un préstamo para cubrir los gastos de la audición en el mítico Marquee de Londres. La noche de la audición hacía un calor espantoso y las guitarras de Gorham y Robertson se desafinaron, pero poco importó porque el cuarteto era tan bueno que quedó contratado de inmediato. Seguidamente el grupo se metió en el estudio para la grabación del que sería su cuarto álbum de estudio, Nightlife.

Nightlife es grabado entre los Saturn estudios de Worthing (Inglaterra) y los Trident Studios y los Olympic Studios de Londres entre abril y septiembre de 1974, y publicado el 8 de noviembre de 1974. El disco fue producido por Phil Lynott y por el productor estadounidense Ron Nevison, quien había trabajado antes como ingeniero para el álbum Quadrophenia de The Who y en los tres primeros discos de Bad Company. La carátula, diseñada por Jim Fitzpatrick, muestra lo que parece ser una pantera en una escena de la ciudad. Se pensaba que la pantera representaba a Lynott, pero el mismo Fitzpatrick  confirmó que ésta se refería a los Panteras Negras y a figuras políticas afroamericanas como Malcolm X Y Martin Luther King Jr. 

El resultado es un disco que si bien podemos considerar correcto, es el trabajo que supuso el punto de inflexión de la banda. Es el primer álbum donde aparece el cuarteto que marcará la época dorada de la banda (Lynott, Downey, Robertson y Gorham), un cuarteto que acabará funcionando como un rodillo bien engrasado. También empiezan a asomar por primera vez en la banda destellos del característico sonido de las guitarras gemelas de la banda y que les convertirá en una apisonadora en directo, un sonido que acabarán explotando en su siguiente disco, Fighting. Thin Lizzy fue una de las bandas que mejor supo entender y explotar dicho sonido de las guitarras gemelas. Un álbum al que a pesar de faltarle una dirección clara y algo de contundencia y cohesión ya da muestras de lo que está por venir, y donde destacan temas como Philomena, un tema escrito por Lynott en honor a su madre Philomena Lynott. Un tema con una fuerte influencia irlandesa en su sonido; Sha La La, escrita por Lynott y Downey, esta canción crecía exponencialmente interpretada en directo; y la suave y melódica balada Frankie Carrol, que nos recuerda a los primeros temas de Lynott. Pero por encima de todos los temas destaca Still in Love With You, una de las óperas primas de la banda. En 1974, cundo Gary Moore llega al grupo para suplir a Eric Bell, durante ese periodo que permanece en la banda se mete en el estudio y graba algunos temas. Uno de esos temas es Still in Love With You, el cual al parecer es una composición que Moore había realizado allá por el año 1969 y que todavía no se había decidido a grabar todavía. Cuando Thin Lizzy se encontraba en el estudio grabando Nightlife, a Brian Robertson le ofrecieron grabar el sólo de guitarra de este tema pero el se negó, pues consideraba que el sólo de Moore era tan bueno que era imposible de mejorar. La grabación original contaba con un dúo en las partes vocales entre Lynott y Moore, posteriormente se volverían a grabar estas partes vocales siendo interpretadas por Lynott y por el cantante escocés Frankie Miller.

Nightlife es un disco fundamental en la obra de Thin Lizzy, pues suspuso el punto de inflexión de la banda y marcó el camino a seguir, un camino que se vería reforzado con los siguientes trabajos de la banda. La explosión de la banda y sus mejores trabajos estaban por llegar...

La música en historias: ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!

Phil Lynott 

       Hoy, 4 de enero de 2022, se cumplen 36 años de la muerte de Phil Lynott. El 4 de enero de 1986, Lynott, que llevaba los días anteriores inmerso en una vorágine de alcohol y drogas, nos decía definitivamente adiós. En 7dias7notas queremos rendir homenaje a su figura, y lo vamos a hacer con un tema que Los Suaves, declarados fans incondicionales de Thin Lizzy y de la obra de Phil Lynott, compusieron en 1988 en honor a su figura y publicaron en su álbum Ese día piensa en mí, el tema ¿sabes? ¡Phil Lynott murió!:

     Campanas de muerte resuenan, pues en la ciudad del rock and roll ya no brillan las estrellas. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, aquel irlandés de tez morena que desde bien pequeño ya tenía claro lo que quería ser, y comenzó su andadura en bandas como The Black Eagles ó Skid Row.

     En un día de noche negra tocó su canción del adiós. El libro del tiempo se cierra. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese que en 1969, y contando con apenas 20 años fundaba su propia banda, acompañado de su inseparable amigo de la escuela y baterista Brian Downey y del guitarrista Eric Bell.

     Y es que hoy, en la madrugada se paró su reloj. Se durmió, sueña para siempre sueños de algodón. Y es que hoy un manto de sombras cubre el rock and roll. Se durmió, sueña para siempre sueños de algodón. Sí, ese que tras mucho trabajo y esfuerzo, consiguiera su primer éxito con Whiskey in the Jar. Curioso que este tema le diera su primer éxito a Phil, pues consideraba que este tema no representaba su esencia musical ni la de su banda.

     ¡Silencio! silencio en la arena, el bajo llora en un rincón. Las guitarras ya no suenan. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese irlandés que consiguió que el mismísimo Bob Dylan cayera rendido a sus pies, pues consideraba que Lynott era un magnífico compositor, poeta y contador de historias, llegando a decir de él que era un genio.
 
     Que se cierren las fronteras en el país del rock and roll, para guardar nuestra pena ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese que estando su grupo al borde de la desaparición, y cuando todo estaba perdido, y junto con su queridísimo amigo de la infancia, Brian Downey, se tiró un farol con un tema salvador (Still in Love with you) y apostó por dos guitarristas muy dispares, un escocés (Brian Robertson) y un californiano (Scott Gorham). Aquella formación acabaría marcando toda una era e influenciando a infinidad de bandas de rock posteriores.

     Y es que hoy un manto de sombras cubre el rock and roll. Se durmió, sueña para siempre, sueños de algodón. Sí, aquel genio que fue derribando barreras y abriendo puertas para que la música irlandesa y los músicos irlandeses se dieran a conocer en el mundo entero.

     Seguro que Lynott está ahora mismo observándonos mientras está sentado alrededor de una hoguera, contando a los allí presentes antiguos cuentos y leyendas de príncipes y princesas, cuando los reyes y reinas bailaban en el reino de la rosa negra.......

Black Rose, A Roisin Dubh

Tell me the legends of long ago
When the kings and queens would dance in the realm of the Black Rose
Play me the melodies I want to know
So I can teach my children, oh

Pray tell me the story of young Cuchulainn
How his eyes were dark his expression sullen
And how he'd fight and always won
And how they cried when he was fallen

Oh tell me the story of the Queen of this land
And how her sons died at her own hand
And how fools obey commands
Oh tell me the legends of long ago

Where the mountains of Mourne come down to the sea
Will she no come back to me
Will she no come back to me
Oh Shenandoah I hear you calling

Far away you rolling river
Roll down the mountain side
On down on down go lassie go
Oh Tell me the legends of long ago

When the kings and queens would…

When the kings and queens would dance in the realms of the Black Rose
Play me the melodies so I might know
So I can tell my children, oh
My Roisin Dubh is my one and only true love

It was a joy that Joyce brought to me
While William Butler waits
And Oscar, he's going Wilde
Ah sure, Brendan where have you Behan?

Looking for a girl with green eyes
My dark Rosaleen is my only colleen
That Georgie knows Best
But Van is the man

Starvation once again
Drinking whiskey in the jar-o
Synge's Playboy of the Western World
As Shaw, Sean I was born and reared there

Where the Mountains of Mourne come down to the sea
Is such a long, long way from Tipperary