El disco de la semana 148: Nina Simone - Broadway Blues Ballads

Broadway Blues Ballads (1964)

     

Eunice Kathleen Waymon, si pronuncio éste nombre quizás no os suene, pero si digo Nina Simone, su nombre artístico, automáticamente todo el mundo la reconocerá en el acto.

Nina nace en 1933 en Tryon (Estados Unidos), y pronto toma como fuente de inspiración a Marian Anderson, cantante afroamericana que fue un icono de la lucha antirracista, llegando a cantar en sus inicios en la iglesia local de Marian. Nina además llevaba tocando el piano desde los 3 años y estudiaba música clásica y a los 12 debuta tocando en un recital. En dicho recital ocurrió un hecho de esos que acabaría marcando a Nina, sus padres se habían sentado en primera fila para ver la actuación de su hija, pero fueron obligados a moverse a filas posteriores pues las primeras filas estaban reservadas para los asistentes blancos. Hechos como este motivarían a Nina en su lucha en pro de los Derechos Civiles y su lucha contra el racismo.

Gracias a la ayuda entre otros de la profesora de música de Nina, ésta consigue estudiar piano en la famosa Escuela de Música Juilliard en Nueva York, pero Nina se encontraría con un condicionante, la falta de recursos que le impedirían progresar y convertirse en la primera pianista negra de concierto de Estados Unidos. Nina y su familia lo intentarían mudándose a Filadelfia para conseguir un beca del prestigioso Instituto de Música Curtis, pero sería rechazada, el instituto alegaría que su color de piel no tuvo nada que ver y que la causa era el gran número de candidatos que tenían. Nina, que se encuentra totalmente decepcionada decide abandonar la música clásica y para ayudar económicamente a su familia comienza a trabajar en un club nocturno de Atlatic City cantando temas de corte blues y jazz.

En 1954, con apenas 21 años, es cuando adopta el nombre artístico de Nina Simone, Nina era el apodo por el que su novio le llamaba y Simone lo adoptó por la actriz Simone Signoret a la que había visto en la película Casque d'or. Su primer gran éxito llegaría por la interpretación del tema I Love You Porgy, tema que entraría dentro del Top 40 en Estados Unidos. Destacaría también en su primera etapa el tema My Baby Just Cares For Me, tema que en los años 80 alcanzaría una gran repercusión en Inglaterra por ser usado para un anuncio comercial del famoso perfume Chanel No. 5.

Sería en la década de los 60 cuando Nina se involucra y se mete de lleno en Movimiento por los Derechos Civiles, grabando numerosos temas con alta carga de protesta política. En los años 70  Nina abandona Estados Unidos por desacuerdos con agentes, discográficas y con la Agencia de Impuestos Norteamericana, desacuerdos que ella siempre atribuyó al racismo imperante en la época.

El disco elegido para la semana 148 de la aventura de 7dias7notas es el álbum Broadway Blues Ballads, publicado en 1964 y que supuso el segundo trabajo de Nina para el sello discográfico Philips. Un disco que a diferencia de otros de sus trabajos no contiene una gran carga política en pro de los Derechos Civiles por los que Nina siempre luchó. Es un disco quizás más ameno, pero no se olvida del todo de su compromiso con la lucha contra el racismo y nos lo recuerda en algunos temas de este magnífico disco, donde encontraremos temas que Nina interpreta de producciones de musicales de Broadway.

Abre el disco el tema Don't Let Me Be Misunderstood, compuesto por Bennie Benjamin, Horace Ott y Sol Marcus para Nina, un tema que ha sido versionado por artistas como Joe Cocker, The Animals, Gary Moore, Elvis Costello, Cindy Lauper ó Dire Straits entre otros. Si antes no la habíais escuchado, se hace extraño el tempo tan tranquilo que tiene el tema y nos costara valorarla, pero desde luego es una gran interpretación de la misma, y tiene un arreglo de cuerdas realmente bueno.

La melodía y la línea del coro fue ideada en un principio por Horace Ott después de una pelea con su novia y futura esposa Gloria Caldwell, posteriormente se lo presentó a Bennie Benjamin y a Sol Marcus y juntos la acabaron de componer y arreglar. Sobre la acreditación de la composición ocurrió algo curioso en la época, Horace y Gloria pertenecían a IMC, que era una de las cuatro organizaciones de derechos de interpretación que exisitían en ese momento en Estados Unidos, y Benjamin y Sol pertenecían a ASCAP, otra de esas cuatro organizaciones. Las reglas de la época impedían que figuraran en los créditos compositores de diferentes organizaciones de derechos de interpretación, por lo que inicialmente figuraron en los créditos del tema Horace Ott el cuál incluyó a su esposa Gloria Caldwell.

Según los expertos este tema representa y es fiel reflejo de la vida y la carrera de Nina Simone además de llevar implícito un mensaje por el Movimiento de los Derechos Civiles en la época.

Este single está catalogado por la revista Rolling Stone en el puesto nº 322 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Night Song, maravillosa composición que corrió a cargo del letrista estadounidense Lee Richard Adams y el compositor y letrista también estadounidense Charles Strouse. Dos compositores que formaron una de las mejores duplas de la época en la composición de musicales de Broadway. Tema que fue interpretado por primera vez en vivo en septiembre de 1964 por Sammy Davis Jr y grabado por primera vez por él mismo, posteriormente Nina la grabaría en noviembre de 1964. Es una delicia detenerse en el tono que le imprime Nina a la canción y de qué manera va variando las distintas tonalidades según cuenta la canción.

The Laziest Gal In Town, escrita por el famoso compositor estadounidense Cole Porter en 1927 y que sería grabada por primera vez en 1940 por la Orquesta de Frankie Turner con la aportación vocal de Fredda Gibson, también sería interpretada en 1950 por Marlene Dietrich, en la película Pánico en la escena dirigida por el maestro Alfred Hitchcock, son un poco mas de dos minutos, muy bien aprovechados porque nos introduce en una especie de melancolía que acabara abrumándonos.

Something Wonderful, compuesta por Oscar Hammerstein II y Richard Rodgers. Tema que fue compuesto en 1951 para la producción de Broadway El rey y yo. El tema sería grabado también por Bing Crosby (1951), Doris Day (1960), Barbra Streisand (1985) ó Liza Minnelli (2002) entre otros. La canción tiene un tono total de musical, de los de antes, de los buenos.

Don't Take All Night, de nuevo la composición de este excelente tema corre a cargo de Bennie Benjamin y Sol Marcus, dos compositores que colaborarían asiduamente en la composición y arreglos de temas. En esta ocasión la canción nos regala unos aires de jazz magníficos y la fuerza de Nina Simone sale a relucir en cada estrofa, acompañada de unos coros que rozan el gospel.

Nobody, es una canción popular que fue arreglada por Bert Williams que compuso la música y Alex Rogers que hizo la letra, compuesta en 1905. La primera vez que vio la luz el tema fue en la producción de Broadway Abyssinia en 1906. El tema refleja lo difícil que lo tenían los hombre y mujeres negros de la época en Estado Unidos ya que estaban privados de sus derechos, y las dificultades y miserias que sufrían. Tema que refleja el compromiso y la lucha que Nina ejerció durante toda su vida en pro de los Derechos Civiles. Una canción muy melancólica y que expresa una fuerte tristeza, magnifica.

I Am Blessed, otro tema compuesto por la dupla Bennie Benjamin y Sol Marcus que además contó con los arreglos de Horace Ott, un tema donde Nina se luce y donde los coros le dan un color y una calidad al tema magníficos. Para mí una de las joyas de este álbum.

Of This I'm Sure, otro tema en el que aparecen acreditados en éste álbum Bennie Benjamin y Sol Marcus. La dupla Benjamin - Marcus daría mucho de sí en este disco, pues Nina grabaría hasta seis temas compuestos por estos dos compositores.

     See-Line Woman, este está basado en un tema tradicional estadounidense basado a su vez en un tema folklórico africano, Sea Lion Woman. Utilizada en un principio como canción infantil para niños. Este tema fue grabado por primera vez por Herbert Halper, el cual se encontraba recopilando temas para la famosa Biblioteca Nacional del Congreso. Herbert en mayo de 1939 se encuentra con Walter Shipp y su esposa Mary. Walter dirigía el coro de una iglesia local. Las hijas de Walter y Mary, Katherine y Christine serían grabadas por Herbert cantando una versión de Sea Lion Woman. Sería esta versión la que marcaría las líneas maestras y el ritmo del tema Sea Lion Woman que se acabarían usando posteriormente para interpretarla. Este tema volvía a demostrar el compromiso político de Nina en pro de los Derechos civiles.

Aunque no está del todo claro los orígenes del tema, se cree que era un tema del siglo XIX que trataba sobre los marineros que llegaban a puerto y las prostitutas que los esperaban a lo largo del muelle.

Our Love y How Can I son los dos temas últimos temas que aparecen en el disco y que constan acreditados por Bennie Benjamin y Sol Marcus. How Can I sería además publicado como cara B de un single publicado de Nina en 1964 donde la cara A sería para I Am Blessed.

The Last Rose of Summer, este tema que cierra el disco es un poema del poeta irlandés Thomas Moore y que en este caso contó con los arreglos de Richard Alfred Miliken y la propia Nina Simone. Thomas escribió este poema en 1805 mientras se hospedaba en Jenkinstown Park, en el condado de Kilkenny (Irlanda), lugar donde había un especimen de rosa llamado Old Blush, al parecer la rosa en la que se inspiró. Éste poema ha sido arreglado e interpretado por infinidad de artistas. Ludwig Van Beethoven, Bing Crosby, Tom Waitts ó Judas Priest son sólo algunos de los artistas que han interpretado éste poema.

Broadway Blues Ballads es un disco ameno e imprescindible en la discografía de Nina Simone, si bien lo mejor llegaría al año siguiente, os animo a que lo descubráis los que no lo conozcáis y os dejo no sin antes compartir con vosotros el maravilloso poema de Thomas Moore con el que Nina cierra el disco, The last Rose of Summer

'Tis the last rose of summer,

Left blooming alone;

All her lovely companions

Are faded and gone;

No flower of her kindred,

No rosebud is nigh,

To reflect back her blushes,

And give sigh for sigh.

I'll not leave thee, thou lone one!

To pine on the stem;

Since the lovely are sleeping,

Go, sleep thou with them.

Thus kindly I scatter,

Thy leaves o'er the bed,

Where thy mates of the garden

Lie scentless and dead.

So soon may I follow,

When friendships decay,

And from Love's shining circle

The gems drop away.

When true hearts lie withered,

And fond ones are flown,

Oh! who would inhabit

This bleak world alone?

   

      

El disco de la semana 33: Amy Winehouse - Back to black

Vamos a reseñar un disco sensacional, todo un pelotazo en el momento que salio al mercado alla por el año 2006, de una artista hasta ese momento desconocida y que obtuvo todo el reconocimiento del mundo. Un disco lleno de dolor y canciones desgarradoras, con un altisimo nivel musical, y con un éxito impropio para este tipo de música en el siglo XXI

Rehab

Estamos ante el tema que dio a conocer a Amy Winehouse en España al gran publico, enmarca dentro del los cánones propios de la música soul y del R&B. Gran parte de la carga musical recae en instrumentos de viento como el trombón y la trompeta que se encuentran presentes en casi todo momento de la interpretación. Mark Robson contó más de una vez la historia de la canción que fue elegida para abrir el fuego: "Amy había estado internada en un hospital unos días -recuerda Ronson-. Era la época en la que estábamos por empezar a grabar Back to Black. Salimos a caminar por Nueva York para comprar un regalo para su novio y ella me contó que era mucha la gente que le sugería recurrir a una clínica de rehabilitación. Y su respuesta era siempre 'no, no, no'. Simplemente le propuse que escriba eso, tal cual me lo había contado. Ahí había una gran canción". Y claro que lo fue el tema ganó tres Premios Grammy en 2008 en las categorías de "Mejor Grabación del año", "Canción del año" y "Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina".

You Know I´m no good

Una canción de desamor, de las que tanto hizo Amy, que vuelve al luto tras una dolorosa ruptura, y el R&B la acompaña, en el trasfondo de un jazz modernoso y pegadizo. You know I´m no good sigue una temática lírica sombría, desgrana todos sus vicios, todas sus culpas y encuentra un pegajoso ritmo de trompetas, haciendo de esta canción otra de las joyas del disco. Uno de los grandes éxitos de este album

Me & Mr. Jones

Construida sobre el clásico que ya existía, y hace referencia a las penurias, a los cuernos muy en la línea de la manera que Amy afrontaba las dificultades.

Just Friends

Es un número de jazz sensual escrito, como varias canciones de Back to Black , desde la perspectiva de un amante infiel. En realidad, en este caso, la cantante es la otra mujer y es el hombre el que está engañando. Les gustaría ser "solo amigos", pero parece que no pueden ayudar a caer en la cama juntos.

Back to Black

Para este que escribe estamos ante la verdadera obra maestra de la artista, esta canción de ritmo mecánico y la voz implorando una letanía de tristeza y dolor, la percusión marcando el ritmo en todo momento mientras todos bailan alrededor de ella, ritmos pegadizos y de electrificar los beats jazz, haciendo una deliciosa conjunción entre sonidos estridentes y la viril voz de Amy. Dolorosa

We only said goodbye with words

I died a hundred times

You go back to her

And I go back to

We only said goodbye with words

I died a hundred times

You go back to her

And I go back to

Love Is a Losing Game

Tremendo tema donde la voz de Amy se regodea y viaja por todos los estados, y aunque esta llena de pesar, se niega a revolcarse completamente en la autocompasión, pero se desnuda ante el público y muestra su desnudez sin rubor ninguno, el amor estaba ya haciéndole daño y no quiere ocultarlo.

Tears Dry on Their Own

La fuerza vocal de una Amy reclamando por el amor que se va, jazz al estilo Winehouse, y el ritmo acelerado, hacen de este uno de los grandes legados de la cantante y lo demuestra en este tema para la historia uno de los grandes pelotazos de este disco un en palabras de Amy “Es una canción sobre mi ruptura con Blake, mi ex. Muchas de estas canciones [de Back to black] son sobre él. No debí estar en una relación con él porque ya estaba involucrado con alguien más. La canción es sobre cuando nos separamos y me dije a mí misma:’Sí, estás triste, pero lo superarás’. Y lo hice”,

I don't understand

Why do I stress the man

When there's so many bigger things at hand?

We could've never had it all

We had to hit a wall

So this is inevitable withdrawal

Even if I stop wanting you

Wake up Alone

Con ciertos aires de los años 50 sobre todo en el principio, la canción es todo un recital de von vagamente acompañada con un machacón ritmo de swing que casa perfectamente con la intención de la canción hasta que entran los coros que complementa perfectamente la voz de Amy. Otra vez los problemas sentimentales afloran en la temática

Some Unholy War

Estamos quizás ante una de las canciones más asperas del disco, y ni siqueira los coros lo suavizan, la voz se vuelve más inquisitiva

He Can Only Hold Her

Empieza con un optimismo hasta ahora no visto en el disco, casi como un hit pop, pero de nuevo, y como casi toda la tematica del álbum otra vez volvemos al desamor, a una flagelación de los sentimientos.

Addicted

Otra muestra mas de los vicios de la cantante en un nuevo tema, ella no se esconde, nunca se ha escondido y nos deja esta canción con un mensaje claro y un ritmo acelerado para el cierre de un grandioso disco.

El disco de la semana 23: Stevie Wonder - Talking Book

"Estoy buscando un disco para mi hija, es para su cumpleaños, I just called to say I love you, ¿lo tenéis?"

Así comienza una escena memorable de la película "Alta Fidelidad", un padre de aspecto conservador, vestido con corbata, traje y gabardina entra en la tienda de discos del protagonista y pregunta a  uno de los trabajadores de la tienda, el descontrolado freaky de la música interpretado por Jack Black, que contesta: "Sí, lo tenemos"

"Genial, ¿puedes dármelo? contesta el ilusionado padre, que seguramente había buscado antes en otros sitios sin éxito y que parece un poco perdido en el mundillo de los discos.

"No, no puedo", contesta sorprendentemente Jack Black.

"¿Por qué?" contesta a su vez el padre, que pasa rápidamente de ilusionado a sorprendido.

"Porque es una horterada sentimentaloide y da pena, ¿cree que en esta clase de tienda venderíamos algo así? ¡Dese el piro!"

"¿Pero qué te pasa?" protesta el padre, sin tiempo para decir más porque en ese momento Jack Black estalla:

"¿Conoce bien a su hija? ¡Es imposible que le guste esa canción!. ¿Ha estado usted en coma?"

Sin estar totalmente de acuerdo con la animadversión del personaje hacia "I just called to say I love you", si que coincido en que el mundo parece haber estado en coma selectivo durante el período de los 70 en el que Stevie Wonder realizó varios discos míticos, entre ellos el "Talking Book" de esta reseña. De otra manera no se explica que las radio fórmulas recurran siempre a la amorosa llamada de teléfono de Stevie en los 80, olvidando  canciones del calibre de "You are the sunshine of my life", "I believe" o por supuesto "Superstition" (esta quizá algo más recordada en radios más puristas en los momentos en los que el coma selectivo tiene remisiones o leves signos de esperanza en la recuperación).


Talking Book se publicó en Octubre de 1972, el segundo de una serie de discos de lo que se conoce como el período clásico de Stevie Wonder, en el que se incluyen también discos de la talla de Innervisions o Songs in the key of life. Stevie ya era una estrella de la Motown, y en contra de las clásicas y férreas directrices de control que la caracterizaban, se le dió total libertad artística para desarrollar su idea sobre como quería que sonaran las canciones.

Decidió que el peso del ritmo de las canciones lo llevarían sus interpretaciones de sintetizadores y teclados, especialmente a través del uso del Hohner Clavinet en algunos temas, que dió empaque y unidad sonora al disco, además de dotarlo de un marcado sabor funky. El distintivo sonido del disco lo consiguió además sustituyendo los arreglos tradicionales de orquesta por infinitas capas de sintetizadores, tocados por el propio Wonder.

 El álbum arranca con “You Are The Sunshine Of My Life”, uno de los temas de más éxito, en el que además del teclado de Wonder destaca una inspirada percusión.

El tono cambia después hacia el funky con tintes rock de “Maybe Your Baby”, o al piano intimista de "You and I". Por supuesto no se puede olvidar la mención a “Superstition”, cumbre absoluta del disco y probablemente de su carrera, canción de brillante ritmo funk ante el que es imposible quedarse quieto. Su ritmo de teclado es ya histórico e imperecedero, a la altura del mejor de los "riffs" de las canciones rockeras que todos recordamos.

Pero sería injusto quedarse solo con esta canción, teniendo el disco temas de exuberantes arreglos como "Big Brother" o rutilantes baladas de la calidad de “Lookin’ For Another Pure Love” (con la colaboración de Jeff Beck en el solo de guitarra).

El disco cierra como empezó, a lo grande y con otro de los temas bandera de esta colección de hits, la brillante y atmosférica “I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)”, en castellano "Creo que cuando me enamore será para siempre".

Que así sea, Stevie. Pero cuando lo hagas, recuerda no decirle a nadie que la llamaste para decirle que la quieres. El mundo podría entrar en coma, y olvidarse de este y otros grandes discos que nos regalaste, para no despertar jamás de ese letargo intrascendente. Y ahora ya no hay tiendas de discos ni dependientes mal encarados que puedan despertarnos y decirnos que nos demos el piro cuando llevemos el rumbo errado.

El disco de la semana 5: Booker T & the MG's, McLemore Avenue

En la semana 5 nos dimos una vuelta por la Avenida McLemore en Memphis, Estados Unidos.

Allí se encontraban los estudios STAX, donde Booker T. & the MG's grabaron en 1970 un disco que recreaba el "Abbey Road" de los Beatles, pasado por el tamiz de la música afroamericana de los M.G's a lo largo de 4 cortes instrumentales totalmente deslumbrantes.

Una apuesta arriesgada y un tributo inmediato si tenemos en cuenta que el disco de los Beatles es de 1969, publicado tan solo unos meses antes.

Tanto el título como la portada son un guiño divertido al mítico album de los Beatles.

Si Abbey Road era el nombre de la calle en la que estaban los estudios en los que grababan sus discos los de Liverpool, los MG's grababan en el 926 East McLemore Avenue. Y si los Beatles cruzaban en la portada el icónico paso de cebra de Abbey Road, los MG's cruzaban la Avenida McLemore en un homenaje para la posteridad.

Parece un juego de los de "encuentra las 7 diferencias"

El propio Booker T. Jones comentó al respecto que cuando escuchó Abbey Road se sintió impresionado por la valentía de los Beatles en el cambio musical que habían realizado en los últimos discos, superándose y reinventándose cuando habrían podido seguir explotando su vena comercial. 

La música le pareció increible y decidió que a su manera podía rendirles tributo con este disco, uno de los favoritos de mi colección por su sonido y la calidad de las interpretaciones.

De la calidad de las canciones ya se habían encargado los Beatles, pero los MG's le dieron un toque diferente y una calidad interpretativa que todavía me tiene de vez en cuando cruzando de Abbey Road a McLemore y después otra vez de vuelta. Gran homenaje orquestado por músicos de primer nivel, que no tuvieron reparos en reconocer la excelencia de otros músicos que habían sacado un disco mayúsculo solo unos meses antes.

Cada uno de los cortes funciona como un "popurri" de varias canciones del disco de los Beatles, a excepción del tema que consideraron más relevante y al que le dieron un tratamiento individual, es el caso de "Something". Además en mi opinión es el mejor tema del disco, la versión que hacen de la canción de George Harrison va más allá de lo que sería una simple versión instrumental. Hay mucho oficio y mucha calidad, como en todo el disco en conjunto.

No es el disco más comercial del mundo al ser instrumental, ni el más original teniendo en cuenta que son versiones de canciones de otro disco, pero es una auténtica rareza y una curiosidad que merece la pena escuchar. Espero que si os genera interés y lo buscáis os guste tanto como a mí.