1859.- Enamorado de la moda juvenil - Radio Futura

Hablar de Radio Futura no es solo hablar de una banda, sino del momento exacto en que el pop español decidió dejar de copiar lo de fuera para inventar algo propio. Fueron los arquitectos sonoros de "La Movida", pero con una sofisticación que los ponía en otra liga. A finales de los 70, Herminio Molero, un artista plástico y entusiasta de los sintetizadores, buscaba formar un grupo que uniera el arte de vanguardia con el pop, tras poner varios anuncios, reclutó a unos jovencísimos hermanos Auserón (Santiago en la voz y Luis en el bajo) y a Enrique Sierra, que venía de los míticos Kaka de Luxe. En sus inicios el estilo que tenían por bandera era el Tecnopop, los hermanos Auserón y Enrique Sierra sentían que ese estilo ligero no los representaba, ellos querían algo más profundo, crudo y con raíces, el problema se multiplico con la salida de su primer álbum, "Música Moderna", que fue un éxito fulminante gracias a "Enamorado de la moda juvenil", sin embargo, ese exito fue agridulce, la discográfica (Hispavox) los vendía como un producto para adolescentes (estilo "fan-magazine"). Tras el éxito inicial, la banda rompió con Herminio Molero y con su mánager, se quedaron solos, sin dinero y en medio de pleitos legales. Fue un periodo de "resistencia" donde se dedicaron a ensayar ocho horas diarias en un local de la calle Leganitos de Madrid, fue aquí donde Radio Futura se convirtió en la banda que hoy recordamos: abandonaron los sintetizadores juguetones por un sonido de guitarras afiladas y letras con una carga literaria inédita en el pop español.

Pero aunque les pese "Música Moderna" es un disco fascinante, no solo por sus canciones, sino por lo que representó: el choque entre la industria musical de la vieja guardia y unos jóvenes que querían dinamitarlo todo. A diferencia del rock urbano que dominaba España, este disco sonaba a frescura, sintetizadores y cajas de ritmos. Influenciados por grupos como The B-52's, Talking Heads o The Clash, Radio Futura facturó un sonido limpio y bailable que contrastaba con la suciedad del punk previo, el disco es una ráfaga de hits cortos (apenas dura 30 minutos) que se convirtieron en himnos instantáneos donde además de la canción de la que vamos a hablar podemos escuchar "Divina", una versión del tema de T. Rex (Ballrooms of Mars), que demostraba su buen gusto y su conexión con el glam rock o "Interferencias", un tema más oscuro y experimental que ya daba pistas de hacia dónde querían ir realmente los hermanos Auserón.

Aunque Enamorado de la moda juvenil de Radio Futura, no es mi canción preferida, ni de la época ni del grupo, si creo que esta canción representa lo que tras la recuperación de la democracia aconteció en nuestras vidas. Es el himno por excelencia de 1980, una explosión de optimismo que, curiosamente, terminó convirtiéndose en una especie de "jaula de oro" para el grupo. La canción capturó el espíritu de una juventud que salía de la grisura del franquismo y descubría el placer de la estética. Habla de las tiendas de ropa, de los escaparates y de una ciudad (Madrid) que se estaba transformando. Musicalmente, es una pieza de New Wave de manual, el sintetizador es el protagonista absoluto, pegadizo y brillante, la voz de Santiago Auserón suena mucho más "pop" y limpia que el estilo desgarrado y profundo que adoptaría años después y la estructura, es la de un pop perfecto de tres minutos diseñado para la radio, algo que funcionó tan bien que la canción llegó al número 1 de Los 40 Principales.

1843.- La chica de Plexiglas - Aviador Dro

El Aviador Dro y sus Obreros Especializados es uno de los proyectos más singulares de la "Movida Madrileña",  no es solo una banda de música, es la punta de lanza del futurismo en España, el grupo fue fundado en 1979 en Madrid por Servando Carballar (Biovac N) y Arturo Lanz (quien luego formaría Esplendor Geométrico), y nació bajo la curiosa premisa de que la tecnología debía liberar al ser humano del trabajo alienante. Influenciados por la estética del futurismo italiano de principios del siglo XX, el punk y bandas europeas como Kraftwerk y Devo, los integrantes de Aviador Dro adoptaron nombres en clave y se presentaron ante el público con monos de trabajo industriales y gafas de protección, su manifiesto era claro: el hombre y la máquina debían fusionarse para crear un nuevo arte. Su música, etiquetada como tecno-pop o synth-pop, combinaba melodías pegadizas con letras que hablaban de energía nuclear, viajes espaciales, computadoras y distopías científicas. A diferencia de muchos de sus contemporáneos que desaparecieron tras el auge de los años 80, el Aviador Dro ha demostrado una longevidad asombrosa, han sobrevivido a cambios de formación, crisis de la industria y modas pasajeras, manteniendo siempre su coherencia conceptual. A lo largo de las décadas, han explorado el anarquismo científico, la nanotecnología y la defensa de la mutación como motor de cambio. Hoy, liderados por Servando Carballar y Marta Cervera (Arcoiris), el grupo sigue activo, realizando conciertos que son verdaderas ceremonias de "propaganda" futurista. Han pasado de ser vistos como una excentricidad de la Movida a ser reconocidos como pioneros de la electrónica en español, influyendo a generaciones de músicos que ven en ellos el ejemplo perfecto de que la vanguardia y el pop pueden ir de la mano.

Entre sus himnos más recordados se encuentran: "Programa en espiral": Un despliegue de secuenciadores y energía robótica, "Selector de frecuencias": Quizás su éxito más comercial y accesible y sobre todo “La chica de Plexiglás": Un clásico del pop sintético temprano, se preguntan en la «Guía Esencial de la Nueva Ola Española» (Rock Indiana), mero y grueso censo de La Movida, si los Aviador Dro fueron o no unos meros Devo a la española. Lo cierto es que estéticamente plagiaron bastante a los de Akron, pero en cuanto a sonido, si bien bebieron de ellos -como de muchos otros- no veo una especial o sangrante emulación. De hecho, me atrevo a decir, y aún con todo el riesgo que conlleva, que ya les hubiera gustado a los Devo haber firmado canciones como las contenidas en este sencillo, especialmente La chica de plexiglás que se convirtió en una de las piedras angulares del synth-pop en España. La letra describe un amor futurista y deshumanizado, no habla de una mujer de carne y hueso, sino de una entidad artificial o "mutante", el plexiglás (un tipo de plástico acrílico) simboliza la frialdad, la transparencia y la modernidad industrial, sin duda es una oda a la artificialidad, alejándose del romanticismo tradicional del pop de la época. En un momento en que el rock dominaba la escena española, "La chica de Plexiglás" irrumpió con sintetizadores monofónicos y cajas de ritmos primitivas, una estructura minimalista y repetitiva que buscaba la estandarización industrial y voces procesadas que daban un aire robótico y distante. La canción fue el resultado de la visión de Servando Carballar (Biovac N), quien quería romper con los estereotipos del rock. Según el propio Servando, la "Chica de Plexiglás" representaba a ese grupo de chicas que conectaban con el movimiento futurista de una forma "divertida y agradable", lejos del aire sucio del punk convencional.

1809.- Vamos a tocar un rock and roll a la plaza del pueblo - Tequila

Estamos en 1979, España vive sus primeros al final del franquismo y era una España que quería y necesitaba despertar. En ese contexto aparecía una banda de rock que cantaba en español, algo que no era habitual hasta entonces en España. Estaba integrada por tres españoles -Julián Infante (guitarra), Felipe Lipe (bajo) y Manolo Iglesias (batería) - y dos adolescentes argentinos que querían ser los Rolling Stones y habían llegado a Madrid escapando de la dictadura argentina -Ariel Rot (guitarra) y Alejo Stivel (voz)-. Las balas les habían pasado cerca. Ariel y Alejo eran dos inquietos muchachos de 16 años. Salían por las noches a escuchar música hasta que dieron con una banda y les propusieron crear otra. En realidad, ellos terminaron en ese grupo hasta que luego, con un cambio de integrantes y las canciones que traían los argentinos, terminó siendo Tequila. El quinteto vivió los excesos al ritmo de todos sus éxitos y su final un tanto intempestivo y, a la vez, desangelado, poco acorde a la efusividad de sus modos. Rot decidió que debía abandonar el proyecto y el resto decidió no seguir adelante. Los excesos tuvieron sus secuelas, más de una década después. Felipe Lipe abandonó la música definitivamente. Manolo Iglesias nunca pudo controlar sus adicciones y falleció en 1994 y Julián Infante, que en los noventa tuvo un segundo romance con el éxito al haber sido parte del grupo Los Rodríguez (junto a Rot y Calamaro), murió en 2000.

"Vamos a tocar un rock and roll a la plaza del pueblo" es mucho más que una canción; es un himno generacional, una declaración de intenciones y uno de los pilares fundacionales del rock en español moderno, fue lanzada en 1979 como parte del segundo álbum de Tequila, 'Rock and Roll', esta pieza encapsula la energía desenfrenada, el espíritu de rebeldía adolescente, el sencillo se convirtió inmediatamente en un éxito masivo, consolidando a Tequila como la banda de rock más popular del momento. Su contagioso riff de guitarra, obra del magistral Ariel Rot, y la voz inconfundible y carismática de Alejo Stivel, se unieron a una letra directa y simple que resonaba profundamente con la juventud de la época. La letra de la canción es una oda a la libertad, la diversión sin complejos y el deseo irrefrenable de hacer ruido, la imagen es sencillo: un grupo de jóvenes decide tomar el espacio público por excelencia, la plaza del pueblo, para ejecutar su forma de arte el rock and roll (recordemos que en 1979 estaba empezando a surgir en España), ignorando cualquier tipo de convención o autoridad que pudiera oponerse. Musicalmente, la canción es un ejemplo brillante de rock and roll clásico con claras influencias del Rhythm and Blues y la energía del proto-punk. Posee una estructura simple pero efectiva, con un ritmo galopante que incita al baile y una instrumentación pulcra pero potente, logra capturar la crudeza y la vitalidad de sus actuaciones en directo. Este sonido, potente y desenfadado, marcó un contraste significativo con la música melódica que dominaba las listas en España, ofreciendo una alternativa vibrante y moderna.

El impacto cultural de fue enorme, simbolizaban la llegada definitiva de la modernidad y la normalización de la cultura rock en España. Abrieron la puerta a generaciones posteriores de músicos que vieron en Tequila la prueba de que se podía triunfar haciendo rock and roll en español, con autenticidad y sin complejos.

1719.- Para ti - Paraiso

Paraíso fue un grupo de pop formado tras el verano de 1978 por Fernando Márquez "El Zurdo" después de abandonar Kaka De Luxe, proyecto con el que ya no se sentía identificado. El nombre de Paraíso es un homenaje a la película "El fantasma del Paraíso", dirigida en 1974 por Brian de Palma y a menudo es citado como el primer grupo pop de la llamada Movida madrileña de finales de los años 1970 y principios de los años 1980. Fernando en verano de 1978, cuando todavía estaba en Kaka De Luxe pero ya había anunciado su marcha, tras el verano el proyecto empezó a tomar forma, aunque algunos de los que formaron parte del inicio de la andadura no duraron mucho en ella: Carlos Berlanga, quien estuvo muy poco tiempo para marcharse luego a Los Pegamoides, e Isabel San Gabino, que duró unos meses a la guitarra y se marchó a Los Rebeldes de Madrid, luego renombrados como Los Bólidos. Sin embargo, el núcleo de lo iba a ser Paraíso ya estaba presente: "El Zurdo", Juan Luis Lozano, Mario Gil, Antonio Zancajo, Gregorio Pérez y Paco Díez de Velasco. Gregorio y Paco habían estado anteriormente en el grupo Zaratustra. En mayo de 1979 quedaron en segundo lugar del II Trofeo Rock Villa de Madrid, celebrado en la casa de Campo de Madrid. El concurso fue ganado por El Gran Wyoming y Su Banda, quienes con el nombre de Paracelso ya lo habían ganado el año anterior, con Kaka De Luxe como segundos clasificados. El primer trabajo discográfico de Paraíso fue grabado entre el 18 y el 19 de octubre en los estudios Eurosonic, con Luis Soler como productor oficial y Manolo Tena como productor real. Se grabaron "Para ti" y "Estrella de la radio", con Carmen Madirolas, de Los Bólidos, y Alaska sustituyendo a María a los coros. Ambas participaron también en algunos conciertos posteriores. La presentación, a la que fue convocada toda la crítica nacional, fue un desastre, pues la discográfica no sonorizó el local y al tocar con el equipo de ensayo sonó fatal. La discográfica como consecuencia les retiró la promoción, el single tuvo mala distribución y abandonó la idea de publicarles un álbum. Tras varios conciertos en abril, mayo y junio, en los que Paraíso consiguieron recuperar parte del crédito perdido, a finales de junio de 1980 Paraíso grabó cuatro canciones para el programa de Televisión Española, Popgrama, con Carlos Tena como productor. Tras la problemática presentación en El Sol hubo problemas con Zafiro. El grupo quería grabar un álbum u obtener la carta de libertad. Tras muchas discusiones finalmente todo terminó con la disolución de Paraíso en septiembre de 1980.

Paraíso se caracterizó por un pop ecléctico, unas letras provocadoras y variadas (que se deben al Zurdo y Juan Luis Lozano) y por un repertorio muy extenso y variado. Su canción más famosa, Para ti, se ha editado en muchos recopilatorios de la movida madrileña y en cierto modo se ha convertido en un himno de aquella época, la melodía, simple pero irresistible, se complementa perfectamente con la distintiva voz de su vocalista, es una amalgama perfecta de influencias que definieron el new wave y el punk pop de la época. A diferencia de las producciones más complejas o grandilocuentes, Paraíso optó por la simplicidad y la inmediatez. La letra es sencilla y directa y explora el tema universal del amor y evoca una sensación de optimismo y jovialidad, capturando la esencia de una nueva generación de jóvenes que buscaban expresarse de manera libre y desenfadada, no solo hablaba de amor, sino que también capturaba el espíritu de una generación que estaba abrazando la libertad de expresión en todas sus formas. A pesar de su aparente simplicidad, la canción se convirtió en un himno de la escena musical underground, resonando con una audiencia que se identificaba con su espíritu DIY (hazlo tú mismo) y su autenticidad.