1350 - KISS - Beth

1350 - KISS - Beth

"Beth" es una de las baladas más emblemáticas de la banda de rock estadounidense KISS, y representa un hito en su carrera musical. Lanzada en 1976 como parte de su álbum Destroyer, esta canción destaca no solo por su melodía y lirismo, sino también por su contraste con el estilo característico de la banda.

KISS, conocida por sus actuaciones enérgicas, maquillajes icónicos y un sonido duro y agresivo, sorprendió al mundo del rock al incluir "Beth" en uno de sus álbumes más exitosos. Esta balada, escrita principalmente por el baterista Peter Criss junto a Stan Penridge y Bob Ezrin, muestra una faceta más suave y emocional de la banda. A lo largo de la canción, KISS cambia los potentes riffs de guitarra y la estridencia que los caracteriza por una instrumentación más delicada, dominada por el piano, cuerdas y un sutil acompañamiento orquestal.

La letra de "Beth" es simple pero cargada de emotividad. Narra la historia de un músico que se dirige a su pareja, Beth, disculpándose porque no puede regresar a casa debido a los compromisos con su banda. En un tono melancólico, el narrador expresa su pesar por no poder estar con ella, pero también deja claro que su amor por la música y el deber hacia su banda son inevitables. La canción captura la lucha interna entre el amor y la responsabilidad, un tema que resuena con muchos músicos y artistas que se enfrentan a las tensiones entre su vida personal y profesional.

La interpretación vocal de Peter Criss es uno de los aspectos más destacados de la canción. Su voz rasposa pero suave transmite una vulnerabilidad que difiere del habitual despliegue de energía de KISS. Esta interpretación emocionalmente cargada añadió una nueva dimensión al perfil de la banda, mostrando que también podían ofrecer música introspectiva y conmovedora.

El éxito de "Beth" fue inesperado pero impresionante. Se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de KISS, alcanzando el puesto número 7 en el Billboard Hot 100, y ayudó a consolidar la popularidad de Destroyer. La canción recibió críticas favorables por su sinceridad y por la habilidad de la banda para diversificar su sonido.

"Beth" no es solo una balada más en la discografía de KISS, sino una pieza que ayudó a redefinir la percepción pública de la banda. Es un recordatorio de que incluso los grupos más ruidosos y audaces tienen una capacidad para la vulnerabilidad y la introspección. Este tema sigue siendo un clásico, demostrando que KISS no solo era capaz de incendiar el escenario, sino también de tocar los corazones de su audiencia.

Daniel 

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1349.- Shout It Out Loud - KISS

1971, una desconocida banda neoyorquina llamada Rainbow decide cambiar su nombre a Wicked Lester. Este grupo se formó en 1970 cuando el bajista Gene Klein y el teclista Brooke Ostrander reclutan al guitarra solista Stephen Coronel, amigo de la niñez de Klein, quien a su vez recomendó la inclusión del guitarra rítmica Stanley Eisen. En la breve existencia de la banda sólo dieron dos conciertos: el primero en el Teatro Rivoli de New York el 23 de abril de 1971, y el segundo (y último) en Atlantic City, New Jersey en el verano de ese año. Poco después les robarían todos sus instrumentos. Cuando todo parecía desmoronarse conocen al ingeniero de grabación de los estudios Electric Lady Ron Johnsen, quien les da la oportunidad de grabar algunas demos. La grabación inició en noviembre de 1971, finalizando en julio del año siguiente, contando con un nuevo guitarrista, Ron Leejack, el resultado de las sesiones no gustó en la discográfica. Tras el rechazo del álbum, Klein y Eisen abandonan el grupo, con la intención de reinventarse a todo nivel. Gene Simmons (Klein) y Paul Stanley (Eisen) sumarían al batería Peter Criss y al guitarrista Ace Frehley, para el nuevo proyecto: Kiss. Del material ya grabado recuperarían tres temas para el futuro grupo, tomando incluso del título de un cover de The Hollies (We Want To Shout It Out Loud) la inspiración para un futuro himno-rock: Shout It Out Loud.

Vamos varios años adelante. Shout It Out Loud tuvo su génesis (tal como la conocemos) durante los ensayos para el álbum Destroyer, en agosto de 1975, mientras el grupo estaba en la gira promocional para el disco en directo Alive!. El productor Bob Ezrin estaba a los mandos por el expreso deseo de la banda de crecer como músicos y llevar su sonido al siguiente nivel, manteniendo el éxito comercial alcanzado hasta ese momento. Ese mismo mes de agosto (antes de juntarse con Ezrin) el grupo había escrito y grabado quince canciones en los Estudios Magna Graphics, pero fueron rechazadas casi todas, rescatando sólo fragmentos aislados que luego se convertirían en God of Thunder, Flaming Youth, Sweet Pain, Detroit Rock City y Shout It Out Loud, además de futuras composiciones para el disco Rock and Roll Over (1976) y el álbum solista de Simmons (1978). Durante las sesiones de grabación, Ezrin impuso una férrea disciplina para aumentar la calidad de la música que Kiss grababa. Debido a que ninguno de los cuatro integrantes eran músicos entrenados, el productor detuvo las sesiones temporalmente para darles lecciones de teoría musical básica. Incluso, Ezrin llegó a utilizar un silbato alrededor del cuello y les arengaba con frases como: “Campistas, ¡vamos a trabajar!”. Uno de los más afectados por esta forma de trabajo fue Gene Simmons (por su ego desbordante) y lo refleja la anécdota cuando Gene, en un momento dado, dejó de tocar durante la grabación de un outro y recibió la severa reprimenda de Ezrin: “¡Nunca dejes de tocar a menos que yo te lo diga!”. Este suceso no influiría en la posterior opinión del ‘Demonio’ sobre la experiencia: “Era exactamente lo que necesitábamos”. Por otro lado Paul Stanley comparó más tarde el trabajar con Bob Ezrin como un “campamento de entrenamiento musical”.  Shout It Out Loud" tomó su título e inspiración original de la canción de los Hollies de 1970 "I Wanna Shout", que Stanley y Gene Simmons habían reinterpretado previamente como "We Want to Shout It Out Loud" en el álbum homónimo inédito de 1972 de su banda anterior a Kiss, Wicked Lester. "Siempre pensé que la idea era más grande que lo que intentaban decir con ella", dijo Simmons sobre el original de los Hollies en Behind the Mask . "Siempre pensé, al igual que ese comercial [no especificado] en la televisión, que era simplemente 'Grítalo'. Cuando tienes algo, quieres gritarlo al mundo, y no importa lo que sea. Bob y Paul seguían diciendo: '¿Gritar qué?'. Yo dije: '¡A quién le importa!' Ya sea fervor nacional o que mi equipo sea mejor... es una manifestación del equipo. Y luego a Paul se le ocurrió el verso". Stanley y Simmons escribieron la canción una mañana mientras tocaban el piano en la casa de Ezrin antes de una sesión de grabación, con la música de Motown inspirando los coros de la canción. "Recuerdo que lo más destacado de la canción fue la línea de bajo descendente", recordó Ezrin. "Una vez que la escuché, supe exactamente cómo quería tratar la canción".

Shout It Out Loud se lanzó como el sencillo principal del álbum Destroyer el 1 de marzo de 1976, convirtiéndose en el segundo single de Kiss en entrar en el Top 40, después de Rock and Roll All Nite. También fue el primer tema del cuarteto en encabezar las listas, ya que alcanzó el número 1 en Canadá el 22 de mayo de 1976. Shout It Out Loud se ha tocado en casi todas las giras durante muchos años, y es una de las canciones más reproducidas del catálogo de Kiss, habiendo sido tocada más de mil cuatrocientas veces hasta el año 2014, apareciendo además en Greatest Hits, discos en vivo, videojuegos, series de televisión, films y verrionda por muchos artistas.

1348.- Detroit Rock City - Kiss

Escrita por Paul Stanley y el productor Bob Ezrin, "Detroit Rock City" es una de las canciones más populares de la banda estadounidense de heavy metal Kiss. Incluida en el disco Destroyer (1976), está considerada una de las canciones más técnicas y elaboradas del grupo, con momentos en los que el duelo de guitarras entre Paul Stanley y Ace Frehley alcanza cotas memorables.

Sin embargo, su publicación como tercer single promocional del álbum no alcanzó los resultados comerciales esperados, y para sorpresa de toda la banda, la balada "Beth" que ocupaba la cara B le robó todo el protagonismo y el éxito en las emisoras de radio estadounidenses, lo que a la postre provocó que el single fuera editado de nuevo, con "Beth" como canción principal y con "Detroit Rock City" desterrada a la cara B.

Como curiosidad, las versiones del disco y el single eran diferentes, ya que mientras en "Destroyer" la canción estaba entrelazada con el siguiente tema ("King of the Night Time World") con el ruido de un coche estrellándose, en la versión editada como single se suprimió la intro de la canción y el ruido del coche fue insertado hacia la mitad del tema. Poco importan en realidad estas diferencias porque, en cualquiera de las dos versiones, "Detroit Rock City" brilla como uno de los más grandes himnos de la discografía de Kiss.

The Kinks - Face to Face (Mes The Kinks)

 

Face to Face, The Kinks

     The Kinks fueron una de las bandas más importantes de los inicios de la Invasión Británica, lanzando varios singles exitosos que siempre parecieron atender al estado de ánimo adolescente de la época. Con el nacimiento del llamado "The Summer of Love", la banda se vio incapaz de alcanzar el Top 40 en los Estados Unidos. Este hecho, sumado a las disputas entre los hermanos Davies, harían que la banda se viera aislada en el Reino Unido sin poder llegar a los Estados Unidos. Entonces decidieron desarrollar una pieza teatral para el teatro británico y un álbum conceptual que vería la luz del día en Village Green Preservation Society (1968). Antes de ese álbum vendría Face to Face, un álbum lanzado en 1966 cuando la banda estaba en su apogeo creativo absoluto con un Ray Davies desatado.

Para los seguidores de los primeros grandes éxitos de The Kinks, la música de Face to Face les cogería por sorpresa. Ray Davies demostró que podía escribir mucho más que aullidos de tres acordes, incorporando elementos del Music Hall inglés, las melodías de Broadway y el pop puro. Estas canciones tomaron por sorpresa al público británico, ya que muy pocas bandas, durante esta gran ola de experimentación musical que se extendió más allá de mediados de los años 60, lograrían lanzar un álbum o canciones individuales que abrazaron tan fervientemente una gama tan amplia de temas.

Face to Face fue entre mediados de abril y el 21 de junio de 1966 bajo la producción de Shel Tamy, y publicado el 28 de octubre de 1996 por el sello discográfico Pye Records en el Reino Unido y por el sello discográfico Reprise Records en Estados Unidos. El disco marcó un cambio de estilo en la música del grupo, del puro estilo beat que catapultó al grupo a la fama internacional pasaron a marcarse un álbum conceptual en toda regla, con elementos de music hall, rock psicodélico o rock art entremezclados con el pop puro.

Ray Davies había sufrido una crisis nerviosa antes de las sesiones principales de grabación del disco. El grupo, paso del sonido "obsceno" de sus anteriores trabajos para acercarse a un estilo de composición de canciones más suave. El avance del disco con el sencillo Sunny Afternoon, alcanzando el puesto número 1 en Reino Unido, demostró que el grupo había acertado con este nuevo estilo de composición. La crítica especializada del mundillo del rock llegó a acreditar este trabajo como uno de los primeros álbumes conceptuales de pop/rock que dedicaba la temática del mismo a la observación social. Originalmente, Ray Davies intentó unir las canciones con efectos de sonido, pero se vio obligado por la compañía Pye Records a volver al formato del álbum estándar antes del lanzamiento del mismo. Se llegaron a mantener algunos de aquellos efectos sonoros, como en temas como Party Line, Holiday in Waikiki o Rainy Day in June.

El álbum consta de 14 canciones, cada una con su propia identidad y enfoque temático, comenzando con Party Line, que a través de un tono ligero y humorístico nos describe la frustración de compartir una línea telefónica con extraños, algo que solía ser habitual en la década de 1960. La voz de Ray Davies alterna entre la narración y la interpretación del propio personaje atrapado en esta situación. Rosy Won't You Please Come Home es una lenta pieza donde Davies nos relata la tristeza de unos padres que añoran el regreso de su hija. Dandy se convirtió un éxito en Europa, especialmente en Alemania. Es una sátira relatada en tono humorístico sobre la despreocupada vida de un joven mujeriego. Too Much on My Mind es una introspectiva balada que nos habla sobre la ansiedad y las preocupaciones. Session Man rinde homenaje a los músicos de sesión, al trabajo que suelen hacer a la sombra y al poco o nulo reconocimiento que suelen recibir por ello. Rainy Day in June a través de una melancólica melodía nos describe un día lluvioso que parece reflejar el estado emocional del protagonista en ese momento. Cierra la cara A A House in the Country, que a través de su irónico tono, critica a los ricos que se alejan de las preocupaciones cotidianas de la mayoría de las personas para irse a vivir al campo.

La cara B comienza con Holiday in Waikiki, otra canción con mensaje, toda una crítica contra el turismo de masas hacia destinos exóticos como Hawai. Most Exclusive Residence for Sale critica el materialismo y las falsas apariencias. El protagonista de la canción se ve obligado a vender su lujosa casa por no poder hacerse cargo de ella. En  Fancy Davies y compañía experimentaron con el sonido, fusionando elementos del rock psicodélico y de la música india. Little Miss Queen of Darkness presenta un fuerte contraste entre su alegre ritmo y la tristeza de la letra, que trata sobre una joven atrapada en una vida de la que desea escapar. You're Looking Fine es una de las canciones más rockeras del álbum, con un ritmo acelerado y lleno de energía, y una letra directa que nos habla sobre la atracción física. Sunny Afternoon es la canción más famosa del disco, toda una crítica en toda regla del sistema impositivo británico y la decadencia de la clase alta. I'll Remember cierra la cara B, y por tanto este interesante álbum. La canción, con un tono nostálgico y reflexivo, aborda el tema del paso del tiempo y la importancia de los recuerdos.

Como podemos comprobar, Face to Face es un disco con una extensa variedad de estilos y temáticas, que abordan desde las críticas sociales hasta las complejas reflexiones y emociones personales. Todo un reflejo del talento compositivo de Ray Davies y la capacidad de The Kinks para evolucionar musicalmente. Problemas contractuales retrasaron el lanzamiento del álbum durante varios meses después de que se completara su grabación. La portada del disco también tuvo su polémica, pues el tema psicodélico de la misma originó un conflicto con la discográfica Pye Records, que la veía como inapropiada. A esto hay que sumar los problemas internos del grupo, como los del bajista Pete Quaife, que se lesionó, renunció al grupo, y posteriormente se reincorporó. El disco fue bien recibido por la crítica, pero no se vendió demasiado bien en el momento de su lanzamiento, especialmente en Estados Unidos, lo que hizo que estuviera agotado durante muchos años debido a la falta de reediciones. Face to Face llegó a ser incluído en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".

1347.- God of Thunder - KISS

God of Thunder, Kiss

     No fue hasta los años 70, cuando el maquillaje, los atuendos llamativos, los peinados voluminosos y las acrobacias escénicas extrañas hicieron su entrada espectacular y caótica en la corriente principal de la música rock.  El ambiente siempre estuvo ahí, pero el veneno nunca había estado tan presente antes. El maquillaje, los atuendos extravagantes y los enormes efectos de escenario y la generosa cantidad de accesorios se combinaron para formar una amalgama única que pocas veces se había visto en el mundo de la música rock. La idea de KISS era despertar al niño rebelde y divertido que todos llevamos dentro y transportarnos lejos de nuestros aburridos problemas cotidianos a un entorno más feliz con canciones inspiradoras y un espectáculo de diversión y fantasía. La banda responsable de este terremoto de emoción surgió en la escena del rock a mediados de los años 70. Desarrollaron su maquillaje, vestuario, personajes y efectos especiales en un espectáculo itinerante de rock, recorriendo el mundo para regalarnos dicho espectáculo, La banda demostró que debajo de esa oscura fachada se escondía un grupo con una personalidad encantadoramente musical. KISS demostró que si una banda tiene los ingredientes adecuados, no sólo será escuchada, sino también vista y adorada. A mediados de la década de 1990 muchos de los fans originales se dieron cuenta de que estas preciosas imágenes de visiones completas de rock glam-metal difícilmente se repetirían. 

En 1976 KISS publica su cuarto álbum de estudio, titulado Destroyer. Incluido en dicho álbum se encuentra God of Thunder. Estamos ante una de las canciones más emblemáticas de la banda, conocida por su sonido oscuro y su relación con la imagen de Gene Simmons como el "Demonio" de la banda. La canción fue escrita por el guitarrista y vocalista de la banda, Paul Stanley, pero fue adaptada y cantada por el bajista Gene Simmons. Originalmente, Stanley había compuesto la canción con un ritmo más energético y rápido, pero el productor Bob Ezrin sugirió que sería más apropiada para Simmons, dada su imagen escénica. Ezrin ralentizó la canción y la dotó de un sonido más pesado y siniestro, que encajaba perfectamente con la personalidad de "Demonio" que Simmons representaba en el escenario. La versión final de God of Thunder presentaba efectos sonoros inquietantes, como voces de niños gritando y efectos de sonido, que fueron añadidos por Ezrin para dar una atmósfera más aterradora y dramática. Las voces de los niños de fondo son los hijos del productor Bob Ezrin, David y Josh, a quienes grabó haciendo ruidos espeluznantes a través de un walkie-talkie barato. Tres años antes, Ezrin ya había utilizado a sus hijos en la canción de Lou Reed The Kids. La canción no fue lanzada como sencillo, pero consiguió ser considerada como una de las canciones más emblemáticas debido la representación  teatral y el potente estilo de la banda en su representación.

1346 - Boz Scaggs - Lowdown

1346 - Boz Scaggs - Lowdown

"Lowdown," una de las canciones más emblemáticas de Boz Scaggs, se lanzó en 1976 como parte de su exitoso álbum Silk Degrees. Esta pieza se ha convertido en un clásico del género "blue-eyed soul," un término utilizado para describir a artistas blancos que interpretan soul y R&B. La canción, que combina elementos de rock, jazz, funk y soul, es una muestra del estilo distintivo de Boz Scaggs y su habilidad para fusionar géneros musicales de manera fluida y natural.

Desde los primeros compases de "Lowdown," la canción capta la atención del oyente con su ritmo funky y suave, impulsado por una línea de bajo penetrante y un groove contagioso. El bajo, interpretado por David Hungate (quien más tarde se unió a Toto), es el corazón del tema, proporcionando una base sólida sobre la cual se construye el resto de la composición. El ritmo relajado pero seguro invita a moverse al compás, mientras que la batería y los teclados crean una atmósfera envolvente y casi hipnótica.

La voz de Boz Scaggs, con su tono suave y ligeramente rasgado, añade una capa de sofisticación y emoción al tema. Boz Scaggs canta sobre la desilusión en una relación, explorando los altibajos emocionales que conlleva. La lírica, aunque simple, es efectiva y resonante, capturando ese sentimiento de traición y la inevitabilidad de la verdad que sale a la luz, lo que el título sugiere como un "lowdown", o "verdad amarga". La interpretación vocal de Boz Scaggs es tanto melancólica como cautivadora, transmitiendo un aire de resignación y aceptación.

Además del bajo y la voz, el uso del teclado y la guitarra es crucial en "Lowdown". El teclado, a cargo de David Paich, se mueve entre acordes suaves y sutiles, y momentos de mayor protagonismo, especialmente durante el puente instrumental. La guitarra de Les Dudek añade textura y profundidad, con riffs que complementan la línea de bajo y la voz, sin opacar el resto de los elementos musicales. El resultado es una composición equilibrada, donde cada instrumento tiene su espacio y función clara dentro del arreglo.

"Lowdown" no solo fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 3 en el Billboard Hot 100, sino que también ayudó a definir el sonido de la década de 1970. Fue reconocida con un premio Grammy por Mejor Interpretación de R&B por un Grupo o Dúo, lo que refleja su aceptación en ambos mundos, el del rock y el del R&B.

"Lowdown" es un testimonio de la capacidad de Boz Scaggs para crear música que trasciende las barreras de género y tiempo. Es una canción que no solo captura la esencia de una época, sino que también sigue siendo relevante y apreciada décadas después de su lanzamiento.

Daniel 

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Disco de la semana 394: No Name - Jack White

 

Little Room no es, quizás, la canción más celebrada del catálogo de The White Stripes, aparece a mitad de White Blood Cells (2001 ), dura apenas 50 segundos y consiste principalmente en Jack White tocando sobre los ritmos más rudimentarios de Meg White. Sin embargo, los 20 segundos de letra resumen de manera efectiva una paradoja con la que White ha estado lidiando, afortunadamente, durante unas buenas dos décadas. La canción, si no la recuerdas muy bien, es un retrato del artista lo-fi que “trabaja en algo bueno” en la pequeña habitación que le da nombre al disco, pero, a unos meses de alcanzar una fama inimaginable, contempla lo que sucederá después cuando “si es realmente bueno/ vas a necesitar una habitación más grande”. Las habitaciones más grandes, por supuesto, traen consigo sus propios desafíos. En ellos, White aconseja: “Puede que no sepas qué hacer/ puede que tengas que pensar en cómo empezaste/ sentado en tu pequeña habitación”. Cuando The White Stripes se convirtió en un fenómeno global a principios de los años 2000, White inicialmente se mantuvo firme en su postura de grabar en los entornos más primitivos. “En ese momento, lo más punk contra lo que podía rebelarme era contra este nuevo mundo digital donde todo está hecho de plástico y todo parecía tan falso y desechable”, le recordó a Andrew Male de MOJO en 2018.

 

En el fondo soy un gran fan de Jack White, los White Stripes siempre han sido la cumbre creativa de su música desde mi punto de vista. En los cinco discos principales en solitario que White ha publicado, ha habido muchos más fracasos que éxitos, "Blunderbuss" tiene algunas canciones realmente geniales y otras que realmente son vulgares, "Hip (Eponymous) Poor Boy"). "Lazarretto" se apoya mucho en la peculiaridad establecida en el disco anterior para peor, se nota sobreproducido y los momentos que son directamente flojos superan a los momentos que suenan geniales o interesantes demasiadas veces. Quizás su mejor logró fue con el experimental y extraño “Boarding House Reach”, aunque lejos de ser perfecto, creo que este disco es fácilmente el mejor proyecto que ha lanzado desde su época en The White Stripes. Es Jack apoyándose en sus conceptos raros, que rompen con el género y son artísticos sin reservas de una manera que se sintió sorprendentemente fresca e increíblemente original. Ni siquiera voy a detenerme en el díptico dolorosamente mediocre de “Fear Of The Dawn” y “Entering Heaven Alive”, pero lo que predomina en todos estos lanzamientos en solitario parece ser un exceso de experimentación, teatralidad y producción, incluso cuando funciona, como en “Boarding House Reach”. Hace unas semanas, un misterioso álbum sin nombre de Jack White circulaba en tiendas selectas de Third Man Records en todo el mundo, aquellos que tuvieron en sus manos el disco lo alabaron y lo llamaron su mejor trabajo en años, tenían razón, White y su equipo hicieron un asombroso disco de rock de garaje que es la banda sonora perfecta de un mundo en llamas. “No Name”, es todo lo contrario de “Boarding House Reach”, y en el mejor sentido posible. Es Jack White entregando un montón de éxitos rockeros de garaje contundentes y directos. Es un ejemplo perfecto de lo gratificante que puede ser ir a lo seguro en las circunstancias adecuadas. Todo suena sudoroso, ansioso y eléctrico como si hubiera sido grabado en un sótano muy húmedo con un equipo rudimentario. Estas canciones están impulsadas por la desilusión de White con el mundo que lo rodea y la necesidad de canalizar su frustración en una música rock genial, lo deja todo en sus partes más básicas, lo que lo convierte en uno de los retrocesos más emocionantes de los últimos tiempos. Pocos podrían haberlo logrado tan bien como lo hizo White. Incluso con ese enfoque crudo, su comprensión de cómo crear una gran canción se muestra plenamente aquí. Como no hay lista de canciones ni etiquetas además de los títulos de cada lado del disco, es un poco más difícil de lo habitual entrar en detalles sobre ciertas canciones de este disco, prácticamente todo destaca por igual. No por ser extraordinario o alucinante, sino simplemente por estar bien escrito y ser un rock and roll rudo y despojado de todo.

Cada canción rezuma tensión, sabes que habrá un momento en el que todo se descontrolará. “That's How I'm Feeling” comienza a medio tiempo antes de despegar y la guitarra de Jack es tan melódica en la canción que es una de sus favoritas. En "Archbishop Harold Holmes", White hace su mejor imitación de un predicador paranoico que intenta frenéticamente llevar a la gente a la salvación con algunos de los riffs más abrasadores del álbum. A esto le sigue el éxito de punk de garaje "Bombing Out", que es irresistiblemente catártico. No se puede decir lo suficiente de las actuaciones de White aquí, tanto en voz como en guitarra, que son algunas de las mejores de su carrera. Su voz en el tema de apertura "Old Scratch Blues" se siente tan apasionada, como si estuviera luchando para que lo escuches. Le da a estas canciones la cantidad perfecta de energía que requieren, están tan completamente realizadas de una manera muy poco convencional. Algunas de las cosas que hace en la guitarra aquí son simplemente geniales, simples y sencillas. Como hace que su guitarra suene como un tono de marcado en "That's How I'm Feeling" o los riffs mareados en el pre-estribillo de "It's Rough On Rats", es simplemente increíble. Aparte de los trucos ocasionales, cada riff aquí tiene mucho peso, diablos, cada instrumento aquí tiene un peso considerable. Sientes todo, es envolvente. Hay una urgencia aquí que no ha estado presente en su trabajo en mucho tiempo emparejado con algunas de las canciones más emocionantes que ha escrito. El álbum termina con una canción rockera de ritmo rápido, “Missionary”, seguida de una pista atmosférica que es lo más cercano a una balada que se puede encontrar en el álbum, “Terminal Archenemy Ending”, que es un título fabuloso. Después de que el álbum termine, no puedo esperar a ponerme de pie y dirigirme al tocadiscos para comenzar de nuevo. Este es un rock n roll glorioso y divertido y Dios, lo necesitamos ahora mismo.

No Name es sin duda uno de los mejores discos de rock del año. Es infinitamente emocionante a un grado casi embriagador, nunca te decepciona ni un solo segundo. Simplemente no puedo tener suficiente de él. Uno de esos álbumes que salió en el momento justo. Hay tanta mierda sucediendo todo el tiempo, a veces todo lo que necesitas es un disco de rock de garaje estridente para sumergirte. ¡Pulsa play en esta cosa y tócala a todo volumen! Puede haber belleza en la simplicidad, pero Jack White se deleita en la fealdad. Realmente no hay mucho más que decir sobre este disco. El tono de guitarra en todo momento es asombroso. Escuchar a Jack hacer música punk es asombroso. La consistencia que se muestra aquí no solo es asombrosa, sino que parece un milagro en comparación con otros lanzamientos en solitario de Jack. Estoy muy feliz de que esto exista y estoy emocionado de ver cómo me va gustando.

1345.- I never cry - Alice Cooper

I Never Cry, Alice Cooper

     Alice Cooper es un artista musical e intérprete influenciado por la música heavy. A menudo se le considera un pionero del hard rock teatral y del heavy metal. La primera banda de Cooper, The Spiders, comenzó en 1964 cuando tenía solo 16 años. Durante los años siguientes, cambiaron de nombre varias veces. Como el éxito aún se les escapaba, en 1969 cambiaron su nombre a Alice Cooper, llamado así por una supuesta bruja que querían sacrificar en el escenario. La banda finalmente llegó a las listas ese mismo año, con el sencillo I'm Eighteen y el álbum Love It to Death. La combinación de una voz que contradecía su género y payasadas exageradas en el escenario atrajo la atención del público. Después de una serie de sencillos de éxito, el grupo lanzó su trabajo de mayor éxito comercial en 1971 en forma de álbum conceptual, llamado School's Out. Pero en esta ocasión, lo que vamos a hacer es centrarnos en el año 1976 y su éxito I Never Cry.

Alice Cooper, la banda, se separó en 1974, y Alice Cooper, el hombre, encontró el éxito nuevamente ese mismo año con su álbum Alice Cooper Goes To Hell.  I Never Cry fue lanzada en 1976 como parte de dicho álbum. La canción fue escrita por Alice Cooper y Dick Wagner, y es conocida por su estilo más suave en comparación con otras canciones de Cooper, lo que la clasifica dentro del género soft rock. Estamos ante una balada reflexiva caracterizada por acordes de piano melancólicos y letras tristes pronunciadas en un tono emotivo pero resignado. Trata sobre sufrir dolor físico y emocional sin expresar dichos sentimientos. En general, detalla las desventajas de un estilo de vida hedonista a través de imágenes de lágrimas y arrepentimiento. La canción aborda las luchas personales de Alice Cooper con el alcoholismo. Cooper ha descrito I Never Cry como una "confesión alcohólica", reflejando su batalla con la adicción que eventualmente lo llevó a rehabilitación un año después del lanzamiento de la canción. Esta sinceridad en la letra le dio un toque personal y emotivo, diferenciándola de sus trabajos más teatrales y oscuros. I Never Cry tuvo un buen desempeño en las listas de éxitos, alcanzando el puesto número 12 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y el número 9 en Cash Box en enero de 1977. En Canadá, la canción llegó al número 5 y permaneció en esa posición durante dos semanas. Este éxito comercial hizo que I Never Cry fuera uno de los dos únicos sencillos de oro de Cooper en los Estados Unidos, junto con Poison, publicada en 1989. 

I Never Cry ha sido interpretada en varias giras de Alice Cooper, sin embargo no siempre fue una constante en sus setlists. Después de su regreso a los escenarios tras superar su adicción, la canción volvió a ser parte regular de sus conciertos durante las giras "Dirty Diamonds" (2005-06) y "Theatre of Death" (2009-10). Y por último y como curiosidad, la canción ha sido versionada por varios artistas, como la banda de glam metal Poison, que grabó una versión para su álbum de covers Poison'd! en 2007, o el grupo español Hombres G, que hizo una versión en español titulada No lloraré, incluida en su álbum debut de 1985. 

1344.- Charley's Girl - Lou Reed

"Charley's Girl" es una canción de Lou Reed incluida en su disco "Coney Island Baby" (1976), el sexto álbum de estudio en solitario del músico estadounidense. "Coney Island Baby" es posiblemente el disco más romántico publicado por Lou Reed en toda su carrera discográfica, y las ocho canciones que lo componen se inspiraron y fueron dedicadas a su novia y musa de entonces, Rachel Humphreys.

Eso incluye también a "La chica de Charley", en cuya letra Reed explora las complejidades que acompañan a las relaciones sentimentales, a través de un protagonista que lamenta no haber escuchado las advertencias sobre lo complicado que sería enredarse en una relación con ella ("Y ahora mira el problema en el que estoy metido. Sabes, será mejor que tengas cuidado con la chica de Charley").

Para la grabación de "Charley's Girl" y del resto de temas de "Coney Island Baby", Reed reunió al mejor grupo de músicos con el que había grabado desde la Velvet Underground, y eso se nota muy especialmente en una instrumentación más melodiosa y elaborada de lo habitual, potenciando el distintivo estilo de guitarras soft rock de Lou Reed, que abandona su fría pose vocal de antaño para darle un tono más cálido y emotivo a su interpretación vocal.

Artista del mes The Kinks: Álbum The Kinks Kontroversy (Mes The Kinks)

Artista del mes The Kinks: Álbum The Kinks Kontroversy #mesTheKinks

"The Kinks Kontroversy," lanzado en 1965, es el tercer álbum de estudio de The Kinks, una banda británica que se destacó por ser pionera en el desarrollo del rock británico de la década de 1960. Este álbum representa un punto de inflexión en la carrera del grupo, ya que captura el final de su fase más temprana, marcada por su característico sonido de rock crudo y directo, y comienza a esbozar la sofisticación y madurez lírica que caracterizaría sus trabajos posteriores.

"The Kink Kontroversy" llega en un momento crítico para The Kinks. Tras el éxito de sencillos como "You Really Got Me" y "All Day and All of the Night", que definieron el sonido del rock pesado y agresivo, la banda enfrentaba la necesidad de evolucionar más allá de los riffs contundentes y las letras simples que les habían ganado fama. Este álbum es un reflejo de esa evolución, con Ray Davies, el líder y principal compositor de la banda, comenzando a explorar temas más personales y sociales en sus letras.

La recepción del álbum fue positiva, aunque no tan entusiasta como la de sus primeros éxitos. Los críticos reconocieron la creciente habilidad de Davies para escribir canciones con contenido lírico más profundo, aunque la banda aún estaba lejos de alcanzar el estatus de icono cultural que lograrían con discos como "The Village Green Preservation Society" o "Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire)".

1. "Milk Cow Blues"

El álbum comienza con "Milk Cow Blues", una versión de un clásico del blues que originalmente fue popularizado por Sleepy John Estes. La interpretación de The Kinks es feroz y energética, con guitarras distorsionadas y una interpretación vocal agresiva por parte de Ray Davies. Este tema conecta con las raíces del rock and roll y el blues, pero también anticipa el enfoque más crudo y directo que la banda adoptaría en su posterior trabajo. Aunque es un cover, muestra la habilidad de The Kinks para apropiarse de una canción y hacerla suya, añadiendo su marca distintiva.

2. "Ring the Bells"

Esta canción marca un contraste significativo con la apertura del álbum. "Ring the Bells" es una balada más suave y melódica, con una lírica introspectiva que refleja la habilidad de Davies para escribir canciones emocionales y personales. La melodía es conmovedora y destaca la versatilidad de la banda, capaces de moverse entre el rock pesado y las baladas melancólicas con facilidad.

3. "Gotta Get the First Plane Home"

Con un ritmo más rápido y un enfoque más enérgico, "Gotta Get the First Plane Home" vuelve al estilo rockero que caracteriza a gran parte del álbum. Las letras expresan un deseo de escapar, un tema recurrente en la música de The Kinks, y la interpretación es urgente y apasionada. La canción es un buen ejemplo de cómo The Kinks podían combinar letras significativas con música rockera accesible.

4. "When I See That Girl of Mine"

Este tema continúa con la energía del anterior, pero con una estructura más cercana al pop. La letra, que describe el amor juvenil y la devoción, es sencilla pero efectiva, y la melodía pegajosa hace que sea una de las canciones más accesibles del álbum. Aunque no es tan compleja como otras composiciones de Davies, "When I See That Girl of Mine" funciona bien dentro del contexto del álbum como una pieza ligera y agradable.

5. "I Am Free'

"I Am Free" es una de las pocas canciones del álbum escritas por Dave Davies, el hermano de Ray y guitarrista principal de la banda. La canción tiene un aire optimista y celebra la libertad personal, tanto lírica como musicalmente. Dave Davies aporta una frescura a la composición, con un estilo que difiere ligeramente del enfoque más introspectivo de su hermano. Es una pieza destacada que añade variedad al álbum.

6. "Till the End of the Day"

Uno de los sencillos más exitosos del álbum, "Till the End of the Day" es un ejemplo perfecto del sonido característico de The Kinks en esta época. Con un riff de guitarra potente y una estructura simple pero efectiva, la canción captura la energía y el espíritu rebelde de la banda. Las letras, que hablan de vivir la vida al máximo, resuenan con el optimismo juvenil y la despreocupación de la época.

7. "The World Keeps Going Round"

Aquí, Ray Davies muestra una madurez lírica, explorando temas de resignación y la inevitabilidad del cambio. "The World Keeps Going Round" es una canción más reflexiva que destaca por su estructura menos convencional y su tono sombrío. Este tema es un precursor de las composiciones más elaboradas y temáticamente complejas que Davies escribiría en los próximos años.

8. "I'm On an Island"

Con un ritmo relajado y una atmósfera que evoca el aislamiento y la soledad, "I'm On an Island" es una canción que destaca por su simplicidad y sinceridad. La letra expresa un deseo de desconexión, tanto física como emocional, lo que la convierte en una de las piezas más introspectivas del álbum. La melodía suave y el acompañamiento mínimo refuerzan el sentimiento de aislamiento que transmite la canción.

9. "Where Have All the Good Times Gone"

Esta es una de las canciones más conocidas del álbum y una de las primeras en mostrar el estilo nostálgico y crítico que definiría gran parte del trabajo posterior de Ray Davies. La canción lamenta la pérdida de la inocencia y los buenos tiempos pasados, con una mezcla de cinismo y melancolía que se convertiría en una firma del estilo de Davies. Musicalmente, es un rock contundente con un riff de guitarra memorable que le da una sensación de urgencia.

10. "It's Too Late"

Con una melodía simple y letras directas, "It's Too Late" es una canción que aborda la decepción y la pérdida. Aunque es una de las piezas más cortas y menos complejas del álbum, su sencillez le otorga una efectividad que la hace destacar. La interpretación vocal de Ray Davies es particularmente emotiva, capturando el sentimiento de resignación que impregna la letra.

11. "What's in Store for Me"

Esta canción retoma el ritmo rápido y la energía del rock que caracteriza al álbum. "What's in Store for Me" trata sobre la incertidumbre y la búsqueda de propósito, temas que resonarán en la audiencia joven de la época. Aunque musicalmente no es tan innovadora, sigue siendo una pieza sólida que complementa bien el resto del álbum.

12. "You Can't Win"

El álbum cierra con "You Can't Win", una canción que encapsula el tono ambivalente y resignado de gran parte del álbum. Las letras reflejan una lucha constante contra las adversidades, con un tono pesimista que se equilibra con la melodía pegajosa y el ritmo animado. Es un cierre adecuado para un álbum que explora tanto las altas como las bajas de la vida juvenil.

"The Kink Kontroversy" es un álbum que, aunque a menudo se pasa por alto en comparación con los trabajos más aclamados de The Kinks, es fundamental para entender la evolución de la banda. Es un punto de transición que muestra a Ray Davies desarrollando su voz como compositor y a la banda comenzando a explorar un rango más amplio de temas y estilos musicales. Aunque no es un álbum perfecto, su mezcla de rock directo, baladas introspectivas y letras cada vez más sofisticadas lo convierten en una obra significativa en la discografía de The Kinks. Es un testimonio del talento de la banda para capturar tanto la energía cruda del rock como la complejidad emocional de la experiencia humana.

Daniel 

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1343.- Coney Island Baby - Lou Reed

1343 - Lou Reed - Coney Island Baby

"Coney Island Baby", lanzada en 1975 como parte del álbum del mismo nombre, es una de las canciones más icónicas y conmovedoras de Lou Reed. Este tema destaca por su combinación de vulnerabilidad emocional, lirismo evocador y un enfoque musical que mezcla la sencillez del rock con la poesía urbana que siempre caracterizó a Lou Reed.

La canción comienza con un riff de guitarra suave y melódico que establece un tono nostálgico. A medida que avanza, la instrumentación minimalista, con la guitarra y un bajo pulsante, crea un ambiente íntimo que permite que la voz de Lou Reed sea el centro de atención. Su interpretación vocal es, como siempre, única: un poco áspera, pero profundamente sincera, lo que le da al tema un carácter confesional.

Líricamente, "Coney Island Baby" es un viaje introspectivo a través de los recuerdos y las emociones de Lou Reed. La canción, dedicada a alguien llamado "Little Joe", quien se cree que podría ser una referencia a su amigo y compañero de banda en The Velvet Underground, Joe Dallesandro, o una referencia más personal, mezcla elementos autobiográficos con un sentido de anhelo y redención. Lou Reed habla de su juventud, de sus sueños y de cómo ha cambiado su perspectiva a lo largo de los años. Hay una tensión palpable entre su pasado como joven rebelde y su deseo de encontrar un lugar de paz y aceptación en su vida adulta.

Una de las líneas más memorables de la canción es cuando Lou Reed canta: "I’d like to send this one out for Lou and Rachel". Esta línea, aparentemente sencilla, lleva un peso emocional considerable, ya que Rachel era la pareja de Reed en ese momento, una figura importante en su vida que lo ayudó a superar muchos de sus demonios personales. Este tipo de menciones personales y directas son raras en la música de Lou Reed, lo que hace que "Coney Island Baby" se sienta como una confesión sincera y vulnerable.

Musicalmente, la canción no es complicada, pero eso es parte de su belleza. Reed siempre fue más un poeta que un músico técnico, y en "Coney Island Baby", esta faceta brilla con fuerza. La simplicidad de la melodía permite que la narrativa de la canción sea el enfoque principal, logrando una conexión profunda con el oyente.

"Coney Island Baby" es una de las obras más personales y emocionales de Lou Reed. Es un reflejo de su capacidad para capturar la esencia de la experiencia humana, llena de nostalgia, arrepentimiento y esperanza. Es un testimonio de su talento como narrador y de su habilidad para transformar lo mundano en algo profundamente significativo.

Daniel 

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Canciones escondidas: Punch Brothers - Julep (2005)

Punch Brothers es un grupo de Bluegrass & Folk con sede en Brooklyn formado por Chris Thile, Chris Eldridge, Noam Pikelny, Gabe Witcher y Paul Kowert. Su música es difícilmente clasificable, un crossover entre bluegrass, pop, americana, clásica y de todo, tocado con instrumentos clásicos de bluegrass (mandolina, guitarra, violín, banjo, bajo) y voces. Entre sus reconocimientos se incluye un Grammy® al Mejor Álbum de Folk por su lanzamiento de 2018, All Ashore, y los elogios de los medios de comunicación, incluido The Washington Post, que dijo: "Con entusiasmo y experimentación, los Punch Brothers llevan el bluegrass a su siguiente etapa evolutiva, inspirándose a partes iguales en el cerebro y el corazón". Y en muchos sentidos, Punch Brothers ha derribado muros entre géneros como el bluegrass y el folk y en este álbum, casi diría que están intentando derribar otro muro, esta vez hacia el Indie Folk/Indie Rock.

Podéis empezar escuchando The Phosphorescent Blues es su cuarto LP de larga duración y estamos ante un disco que te llega como como una tarde soleada en un cálido día de primavera: el primer amanecer después de la dureza del invierno, las hermosas flores en los campos, el aumento general de humor que todos parecen experimentar es lo que te va a trasmitir y empezaras a sentir en el momento que empieces a escucharlo. Voy a detenerme en “Julep”, esta podría ser la mejor canción que hayan escrito los Punch Brothers, no sólo es la canción de amor más pura que hayan publicado, sino que también tiene una madurez que viene con la edad y la experiencia, hay algo maravillosamente simple en la línea de base de Paul Kowert, se necesitan años para llegar a esa simplicidad. Parte de la culpa es que se basa en la relación de Chris Thile con su ahora esposa Claire Coffee, en la fiesta donde se conocieron Claire hizo julepes (cóctel alcohólico típico del sur de Estados Unidos que se hace tradicionalmente con cuatro ingredientes: menta, bourbon, azúcar y agua, los julepes se sirven en copas de plata o peltre que se sostienen solo por la base y los bordes superiores), sin embargo, no se trata sólo del momento que se conocen y se enamoran, también hay una visión del tiempo, “Morí feliz mientras dormía”, comienza la canción, e incluso dada la exuberancia juvenil de la banda, sabes que esto es otra cosa. Por extraño que parezca, la narración nunca se vuelve fantasmal, persiste en la belleza de la memoria y en esos momentos puros y perfectos en los que miras a alguien y de repente sabes que cada centímetro de ellos quedará grabado en tu cerebro por el resto de tus días porque lo amas. Esta canción es inquietante, pero nunca está embrujada, el narrador muere feliz, recordando “amor para siempre”, y el oyente siente lo mismo: maldita sea, qué canción, qué vida….. Que todos aspiremos a este nivel.

1342.- Baby I love your way - Peter Frampton

"Baby, I Love Your Way" fue escrita por Peter Frampton para su disco de 1975 "Frampton", y fue además publicada como single en septiembre de 1975, en una versión recortada y con la canción "(I'll Give You) Money" en la cara B, pero desafortunadamente la canción, que destacaba por su agradable tono acústico y melódico, no consiguió unos buenos resultados comerciales.

Sin embargo, y solo un año después, Peter Frampton la incluyó entre las pistas de su celebrado disco en directo "Frampton Comes Alive!" (1976), un exitoso álbum que alcanzó el puesto 12 del Billboard Hot 100 estadounidense. La versión en directo era más rockera y animada que la versión original, y tras su nueva publicación en single, esta vez con "It's a Plain Shame" en la cara B, el estribillo de esta nueva entrega no tardó en hacerse extraordinariamente popular.

En 2017, Peter Frampton se defendió de lo que consideraba un trato injusto por parte de las grandes plataformas digitales, por la forma en la que pagaban por el número de reproducciones de las canciones, y lo hizo poniendo sobre la mesa un dato demoledor: Por 55 millones de reproducciones de "Baby I Love Your Way" había recibido la ridícula cantidad de 1.700 dólares. Sin duda son "Malos tiempos para la lírica", pero esa es otra canción a la que seguramente llegaremos más adelante.

1341.- Sara - Bob Dylan

Sara, Bob Dylan

     Desire es el decimoséptimo álbum de estudio de Bob Dylan. Fue grabado entre julio y octubre de 1975 en los Studio E y los Columbia Recording Studios de Nueva York, bajo la producción de Don DeVito, y publicado el 5 de enero de 1976 por el sello discográfico Columbia Records. Este trabajo requirió de un gran esfuerzo colaborativo, pues incluyó el mismo personal que participó en la gira de Dylan "Rolling Thunder Revue", entre otoño de 1975 y la primavera de 1976. Además, dos de sus canciones generaron cierta controversia, Joey, vista como una alegoría del gangster Crazy Joe, y Hurricane, que narra la acusación de homicidio contra el boxeador Rubin Carter, a quien Dylan defendió en esta canción. Desire fue concebido entre dos etapas de la gira de Dylan Rolling Thuner Revue. Corría el año 1975, y el artista tenía ya una amplia experiencia en tocar con otras bandas, pero estos grupos se reunieron con otros. En el caso de The Hawks, posteriormente conocidos como The Band, el grupo había tocado durante varios años antes de conocer a Dylan. La idea de Dylan de formar su popia banda, más tarde conocida como The Rolling Thunder Revue, surgió cuando vio a Patti Smith y a su grupo tocando en el local The Other End el 26 de junio de 1975. Por aquella época Smith aún no había grabado todavía un disco, pero estaba atrayendo la atención de la prensa y de la industria musical. Dylan quedó impresionado por la química entre Smith y la banda, y de ahí su idea de estar con una única banda.

El disco fue bien recibido por la críticia musical, llegando a alcanzar el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200 durante cinco semanas, convirtiéndose además en uno de los álbumes más exitosos en ventas de Dylan. La revista Rolling Stone llegó a situar a Desire en el puesto 174 de la lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos". Incluído en este álbum se encuentra Sara, la canción que se encarga de cerrar la cara B. Esta canción fue una de las muestras más públicas de afecto de Dylan por su entonces esposa, Sara, con quien se casó en 1965. La canción fue un ambicioso homenaje que resultó ser una de las pocas canciones de Dylan en las que sale de su personaje público y se dirige directamente a una persona real. En el momento de escribirla, la pareja se encontraba al borde del divorcio, y este fue el intento de Dylan de reconciliarse con su "radiante joya mítica esposa". A pesar los intentos por salvar la relación, Dylan y Sara finalmente se divorciarían un año después, en 1977.

1340.- One More Cup of Coffee - Bob Dylan

Una de las cosas que más extraño por la mañana es una taza de café decente (tengo una cafetería local que hace un excelente café con leche), con esto en mente, inmediatamente me puse a escuchar “ One More Cup of Coffee” de Bob Dylan, de su clásico álbum “ Desire” de 1975. Esta balada melancólica, con sabor a Oriente Medio, es una canción fascinante y mística que narra una historia desde el punto de vista de un hombre que debe abandonar a una bella mujer con ojos “como dos joyas en el cielo” y “un corazón como un océano, misterioso y oscuro” porque su amor por ella no es correspondido. El protagonista masculino le dice a su compañera femenina, cuyo padre es un proscrito, que tomará: " Una taza más de café antes de ir al valle de abajo". Es una canción maravillosamente atmosférica, gracias en gran parte a la inquietante interpretación del violín gitano de Scarlet Rivera, pero también a la rica imaginería de Dylan y los inquietantes coros de Emmylou Harris, que la revista Rolling Stone describió brillantemente como un "ángel asustado". Según Dylan, “One More Cup of Coffee” fue escrita “durante un festival gitano en el sur de Francia un verano” –el pintor David Oppenheim lo había llevado allí. Mientras estaba en el festival, que coincidió con su cumpleaños, Dylan conoció a un rey gitano que tenía “16 esposas y 125 hijos”. Cuando llegó el momento de irse, pidió una taza más de café para el camino –los gitanos se la dieron en una bolsa, la cogió y “se fue”. La canción desarrolla su estilo “gitano” a través del uso de la escala menor armónica (un concepto muy occidental y que no tiene nada que ver con la música romaní), en la que Dylan utiliza los acordes que surgen de la versión descendente de la escala (la menor, sol, fa, mi). No es una escala romaní en el verdadero sentido de la palabra (como la escala gitana húngara o la escala dominante frigia). El bajista Rob Stoner le dijo a la revista Mojo en octubre de 2012: “El comienzo de 'One More Cup of Coffee'… no estaba preparado para que yo hiciera un solo de bajo. Scarlet no estaba lista. Bob comienza a tocar su guitarra, no pasa nada. Alguien debería tocar algo, así que comienzo a tocar un solo de bajo. Básicamente, los ensayos se convirtieron en las primeras tomas”.

Hay una excelente versión en vivo, ralentizada, de " One More Cup of Coffee" de la gira Rolling Thunder Revue de 1975, con congas, lo que le suma la sensación exótica; está disponible en el álbum " Bob Dylan Live 1975" , que es el volumen cinco de la " Bootleg Series". Los White Stripes versionaron la canción para su álbum debut homónimo de 1999, convirtiéndola en un blues crudo, primario y metálico, mientras que Roger McGuinn de The Byrds, que tocó en la banda Rolling Thunder Revue de Dylan, se asoció con Calexico para grabar una versión Tex-Mex para la banda sonora de la película biográfica de Todd Haynes sobre Dylan, I'm Not There. En 2005, Dylan causó controversia y fue acusado de traición cuando firmó un contrato exclusivo con Starbucks para el lanzamiento de su álbum "Live At The Gaslight 1962". Para algunos de sus seguidores, esta fue una taza de café de más.

1339.- Melina - Camilo Sesto

Como ocurre con Mónica Naranjo, donde la unanimidad es apabullante, no hay cantante de heavy metal español que no alabe y elogie las capacidades vocales de este cantautor y productor, Una bestia escénica de incuestionables méritos que, por desgracia, acabo siendo fagocitado por su propio personaje en un ‘envejecimiento artístico’ que no estuvo a la altura de su época estelar o de otros compañeros de generación como pueden serlo Raphael o Miguel Ríos.

 En el año 1975 sale Amor libre, disco en el que Camilo sigue jugando, como los grandes de la canción melódica, con pequeños devaneos estilísticos, dentro de la canción romántica. Un poco de clásico, un poco de ritmos brasileros, otra de folclore griego, un poco de funk disco, góspel, y, siempre, con unos pulmones y una tesitura y registro vocal infinito. De ahí la barba. Curiosamente, Gillette pagó una campaña publicitaria para que se afeitara con una de sus cuchillas. Camilo accedió, pero donó el dinero a un orfanato. Estuvo producido por el propio Camilo y se publicó el 27 de octubre de 1975, lanzado meses antes que Sesto estrenara su propia adaptación de Jesucristo Superstar, contiene no solo algunas de las canciones más hermosas compuestas por el español, sino que nos encontramos en su punto de interpretación más alto. “Jamás” y “Adiós” muestran al cantante llegando a las notas con total tranquilidad, en medio de arreglos de cuerda que adornan y elevan de forma majestuosa el ambiente del disco. con un título libertario valiente, puesto que todavía quedaban unas semanas para que se muriera el dictador. No solo nos habla de un tipo de amor que no se relaciona con los típicos clichés de la época, evidenciado en el tema que da título a esta producción que explora un lado más erótico, 

La canción principal del disco y quizás la mejor canción de Camilos Sesto rescata la figura de Melina Mercouri, en un tema titulado con su nombre, y que tiene uno de los versos que caracterizan tanto el legado de la artista, como el suyo propio: “La fuerza de tu canto echó raíces”. Camilo Sesto le cantaba a una mujer real, a la actriz, cantante y política Melina Mercouri, a la que le dedicó versos como éstos: "Has vuelto, Melina, alza tus manos hacia Dios, que Él escuche tu voz" o "la huella de tu canto echó raíces". Maria Amalia Merkoúri, más conocida como Melina Mercouri, fue una cantante, actriz, política y activista griega nacida en 1920. Entre sus películas, rodadas entre 1955 y 1978, destacan “Stella”, “Fedra”, “Topkapi” o “Nunca en domingo”. Su faceta como cantante se desarrolló, principalmente, durante el tiempo que estuvo viviendo en Francia, donde grabó varios álbumes. Hija, nieta y sobrina de políticos y mandatarios griegos, fue una de las más firmes opositoras a la dictadura militar griega instaurada en 1967, conocida como “Dictadura de los coroneles”. Organizó conciertos y marchas contra la Dictadura, y se reunió con intelectuales y políticos de renombre internacional, eso sí, siempre desde Francia, país donde residió durante los siete años que duró la Dictadura (1967-1974). La Junta de los coroneles confiscó sus bienes, censuró sus discos y películas, y también retiró su ciudadanía, a lo que ella debió responder con una frase que ya forma parte de la leyenda que envuelve a Melina Mercouri: “Nací griega y moriré griega. Stylanos Pattakos nació fascista y morirá fascista”. Regresó a su país tan pronto se reinstauró la democracia; ya en Grecia, fue parlamentaria por el Movimiento Socialista Panhelénico (PASOK) y, en 1981, se convirtió en la primera mujer griega en ocupar el cargo de ministra de Cultura, puesto que desempeñó entre 1981 y 1989 y, posteriormente, entre 1993 y 1994. Fumadora empedernida, falleció en 1994, a los setenta y tres años, víctima de un cáncer de pulmón; parece que, cuando murió, su tumba se llenó de cientos de cajetillas de tabaco de la marca que fumaba, puestas allí por sus seguidores.

Disco de la semana 393: "Nunca tuve tanto blues" (1988) de Memphis La Blusera

Disco de la semana 393: "Nunca tuve tanto blues" (1988) de Memphis La Blusera

En el panorama musical argentino de los años 80, donde el rock y el pop dominaban las listas, surgió una banda que, con su estilo único y auténtico, se estableció como pionera del blues en español. Memphis La Blusera, con su inconfundible sonido que fusionaba el blues, rock y ritmos urbanos, lanzó en 1988 un álbum que no solo consolidó su carrera, sino que también dejó una huella indeleble en la música argentina: "Nunca tuve tanto blues."

A finales de los 80, Argentina estaba en un proceso de recuperación tras años de dictadura, y el rock nacional se había convertido en un vehículo de expresión popular. Sin embargo, el blues, un género que nació del sufrimiento y la lucha, todavía era un nicho. En ese contexto, Memphis La Blusera se atrevió a llevar el blues al público masivo, cantando en español y adaptando las historias de los viejos bluesmen norteamericanos a las vivencias del argentino urbano.

Memphis La Blusera ya había logrado cierta notoriedad con su álbum homónimo de 1982 y con "Medias Negras" en 1986, pero fue con "Nunca tuve tanto blues" que alcanzaron su madurez artística y comercial. Este álbum es un testimonio de la habilidad de la banda para mezclar la melancolía del blues con letras que capturaban el espíritu de la vida en Buenos Aires, todo envuelto en un sonido que era a la vez crudo y sofisticado.

"Nunca tuve tanto blues" es un álbum que consta de 10 pistas, cada una de las cuales aporta algo único al conjunto. La banda, liderada por el inconfundible vozarrón de Adrián Otero, nos lleva a un viaje por las calles de Buenos Aires, abordando temas universales como el amor, la soledad, la nostalgia y las dificultades de la vida, pero siempre desde una perspectiva muy porteña.

El disco abre con "Montón de nada," una canción que se ha convertido en un himno para los fans de la banda. Con una introducción de armónica que inmediatamente te transporta al corazón del blues, la letra refleja el sentimiento de desilusión y vacío que a menudo acompaña a la vida moderna. La voz de Otero, cargada de emoción, se complementa perfectamente con la instrumentación de la banda, creando una atmósfera melancólica pero poderosa.

Otra pista destacada es "La flor más bella," una canción que, aunque mantiene la esencia blues, tiene un aire más optimista. Aquí, la banda muestra su capacidad para crear melodías pegajosas sin perder la profundidad emocional que caracteriza su música. La letra es un homenaje a la belleza y la complejidad del amor, y la interpretación de Otero es tanto apasionada como vulnerable.

"Nunca tuve tanto blues," la canción que da título al álbum, es quizás la mejor representación de lo que Memphis La Blusera estaba intentando lograr con este disco. Es una canción que encapsula la esencia del blues, pero con un toque rioplatense. La letra habla de la tristeza y la desesperación, pero lo hace con una ironía que es típicamente porteña. La interpretación de la banda aquí es sublime, con cada miembro contribuyendo al sentimiento de desolación que permea la canción.

El álbum también incluye "Qué clase de amor," una canción con una letra más introspectiva que examina las complejidades del amor y las relaciones. La guitarra de Emilio Villanueva se destaca en esta pista, con riffs que son a la vez dolorosos y hermosos, capturando la esencia del blues en cada nota.

Un momento más relajado llega con "Blues de las 6 y 30," un tema que, como sugiere el título, captura la monotonía y el cansancio de la rutina diaria. Es una canción que, aunque es simple en su estructura, tiene un impacto emocional profundo gracias a la honestidad de su letra y la autenticidad de su interpretación.

Finalmente, el disco cierra con "Pocoequivocado," una pista que resume el viaje emocional del álbum. Con un ritmo más animado y una letra que mezcla humor con reflexión, es una conclusión perfecta para un álbum que ha explorado tanto el lado oscuro como el luminoso de la vida.

La producción de "Nunca tuve tanto blues" está a cargo de Ricardo Pegnotti, quien hizo un trabajo sobresaliente al capturar la esencia de la banda. La producción es limpia pero nunca pierde la crudeza que es esencial para el blues. Cada instrumento tiene su espacio, y la voz de Otero está perfectamente situada en el centro, permitiendo que las emociones de las letras se transmitan con claridad y fuerza.

El sonido del álbum es un testimonio de la habilidad de Memphis La Blusera para tomar un género nacido en las orillas del Mississippi y hacerlo suyo, sin perder la autenticidad. La influencia de grandes bluesmen como Muddy Waters y B.B. King es evidente, pero siempre filtrada a través de la experiencia argentina, lo que resulta en un sonido que es a la vez familiar y único.

"Nunca tuve tanto blues" no solo fue un éxito comercial para Memphis La Blusera, sino que también fue crucial en la difusión del blues en español. El álbum abrió puertas para que el género fuera más aceptado y apreciado en el mundo hispanohablante, y mostró que el blues podía ser adaptado y transformado sin perder su esencia.

Este disco consolidó a Memphis La Blusera como una de las bandas más importantes de Argentina y les permitió seguir explorando y experimentando con su sonido en los años siguientes. Las canciones de este álbum siguen siendo parte fundamental de su repertorio en vivo y continúan resonando con nuevas generaciones de oyentes.

"Nunca tuve tanto blues" es una obra maestra del blues en español y un álbum fundamental en la historia de la música argentina. Es un disco que captura la melancolía, la belleza y la complejidad de la vida urbana, todo ello envuelto en un sonido que es a la vez universal y profundamente local. Para los amantes del blues y del rock, este álbum es imprescindible, una joya que sigue brillando más de tres décadas después de su lanzamiento.

Daniel 

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1338.- Poetas Andaluces - Aguaviva

El disco Poetas Andaluces de ahora de Aguaviva supone un regreso a las raíces del grupo, que va a usar como leitmotiv de este álbum conceptual su mayor éxito popular: Poetas andaluces, que va a sonar hasta tres veces con distintos arreglos; unos arreglos, por cierto sobresalientes, a cargo de José Nieto, que elabora unas instrumentaciones más elaboradas que en anteriores LP. Es menester comenzar diciendo que la canción, interpretada por Aguaviva, se convirtió rápidamente en un gran éxito generalizado tras su lanzamiento en 1969. Lo cual era casi más lógico en el extranjero (incluso se grabó una versión en inglés unos meses después) que dentro de las fronteras españolas, bajo los convulsos años finales de la dictadura.  Y sin embargo, Poetas andaluces escaló rápidamente las listas nacionales y obtuvo el favor del gran público, para asombro de un régimen que debió de alucinar ante la acogida a un tema cuya letra era un poema de... ¡Rafael Alberti! ¡Un poeta todavía vivo, en el exilio y comunista! (“no hemos ganado la guerra para que ahora se escuche a Alberti en nuestras radios”, parece que se llegó a decir). Por no mencionar su estilo casi experimental: ciertamente, ya habían precedentes de poemas musicados (por ejemplo, lo que Serrat acababa de hacer con Antonio Machado muy poco antes), pero ninguno de ellos era directamente recitado de manera literal con un trasfondo melódico.

Con fondo de guitarra andaluza, la voz del solista masculino (José Antonio Muñoz) recita versos de Rafael Alberti, con réplica primero de un coro femenino y después de un coro mixto. Está considerado un clásico de la música española contemporánea. La letra retoma los versos escritos por Alberti en 1950 en el poema Balada para los Poetas Andaluces. Se trata de una crítica soterrada a los poetas andaluces del momento por no alzar su voz frente a las injusticias que se vivían en la España de la época, Dos de los componentes de la banda, José Antonio Muñoz y Manolo Díaz, se desplazaron a Roma, donde vivía exiliado el escritor, para recabar su permiso para utilizar sus palabras en la canción. Alberti opuso inicial resistencia, ya que la crítica contenida en su texto ya había perdido vigencia, pues habían transcurrido 20 años desde que fue escrita, a lo largo de los cuales ya se habían alzado voces condenando el empobrecimiento y las injusticias del país. Pero finalmente consintió, siempre que se especificara que la letra había sido escrita en 1950. El tema, pese a contener versos de un autor en aquel momento proscrito por la dictadura en España, logró superar la censura de la época, pese a que algún comentarista radiofónico del momento, aun proclamó que no se había hecho una guerra (civil española) para oír la voz de un comunista en la radio de España. La canción tuvo un enorme éxito tanto en España como en los mercados internacionales, especialmente el italiano, en el que llegó a situarse en las listas de los más vendidos. En Italia participaron en varias ediciones del Festival de San Remo. La canción fue editada en formato sencillo, con el tema "Cantaré" en la cara B. Editaron un disco en Estados Unidos, "12 Who Sing of Revolution" (1971), en el que aparece la versión en inglés recitada por el actor Raúl Juliá.

1337.- Hurricane - Bob Dylan

Compuesta por Bob Dylan para denunciar la situación del boxeador Rubin Carter, acusado injustamente de haber cometido un triple homicidio, "Hurricane" se convirtió en la canción de más éxito de su álbum "Desire" (1976), y dio además a conocer públicamente el caso a través de su letra, desencadenando un apoyo popular que no habría tenido de no haber existido esta canción. Tras visitar a Carter en la prisión de New Jersey en la que se encontraba recluido, Dylan comenzó a escribir "Hurricane", tomando el título del apodo de Carter como boxeador de los pesos medios, e inspirándose para la letra en la lectura de "The Sixteenth Round", la autobiografía que el boxeador le había enviado.

El proceso de composición no fue fácil, y Dylan tuvo que cambiar parte de la letra y regrabar la canción, alertado por los abogados de la discográfica Columbia Records del alto riesgo de enfrentarse a una demanda por algunas de las frases de la versión original. Pese a los cambios realizados, una de las testigos del juicio demandó a Dylan, y la canción tampoco estuvo exenta de polémica al considerar sus detractores que el músico no había sido totalmente objetivo en la descripción del protagonista y lo había ensalzado por encima de sus logros reales, refiriéndose a Carter como "the number one contender" ("el aspirante número uno"), cuando en el momento de su detención estaba en el noveno puesto del escalafón mundial.

Alejado como estaba durante la década de los setenta de las temáticas de protesta social y política que poblaron sus mejores éxitos de la década anterior, "Hurricane" fue todo un soplo de aire huracanado que se convirtió en uno de los singles de más éxito de su carrera (llegó al puesto 31 del Billboard estadounidense), y generó además los fondos y la publicidad necesaria para abrir un nuevo proceso del caso, aunque Carter fue encontrado de nuevo culpable en 1976, y no obtuvo la libertad condicional hasta 1985. En 1988 los cargos fueron por fin retirados, poniendo punto final a "...la historia de un huracán, al que culparon las autoridades de algo que nunca hizo, y le encerraron en una prisión, pero una vez pudo ser campeón del mundo".

1336 - Mr. D.J. (5 for the D.J.) - Aretha Franklin

En 1975 Aretha Franklin lanza el álbum n.° 28, You, y su segundo álbum que no salió en CD ni llegó a los servicios de transmisión, You tiene sentido que se haya quedado en el olvido. Solo comercialmente, fue un desastre, llegando al puesto n.° 83 en las listas de éxitos del pop, aunque no tanto como parece, llegando al puesto n.° 9 en las listas de R&B. Lo que sugiere que tal vez su alma no encajaba con la suficiente fluidez en el panorama disco, a pesar de sus esfuerzos o era demasiado negro para cruzar a las listas generales. En realidad, ninguna de las anteriores. Arruinó el audio subiendo los BPM para impresionar al público disco y no sucedió. Dicho esto, las canciones están lejos de la calidad a la que estamos acostumbrados. Cada vez que veas un crédito de Van McCoy, se te aconseja que recuerdes lo increíblemente concurrido que puede llegar a estar, y cuando el sonido, producido por Aretha y Jerry Wexler, lo deja metálico y un poco estridente, es muy probable que haya sido intencional. Sin embargo, You es un buen álbum. Nadie diría que You es una obra maestra, y aun así es Aretha y Aretha en su mejor momento a los 33 años, luce impresionante en la portada del álbum y tiene la fuerza para transformar material de segunda categoría. Cuando llegas a la canción principal, no importa si es disco o funk, es una canción llena de suspenso, una fiesta de baile desenfrenada y Atlanta necesitaba lanzar esto.

La primera canción, la propia Aretha la borda, titulada “Mr. DJ (5 for the DJ)” es un buen momento de música disco y, sí, fue emocionante con sus palmas vocales, las interrupciones de los instrumentos de viento y los lamentos que se descontrolan. Esa es razón suficiente para lanzar el álbum en servicios de streaming, pero es una gran canción que no logró alcanzar las alturas que Aretha esperaba. Aretha le agrega una voz conmovedora y poderosa, pero la letra se queda corta. La canción solo alcanzó el puesto 53 en las listas de éxitos. Realizó una interpretación entusiasta y prolongada de “Mr. DJ” en The Midnight Special en 1976. “Mr. DJ (5 For The DJ)” fue una de las 4 canciones de los 5 LP de Aretha que se reeditaron. Fue remasterizada para el box set de 1994 The Queen of Soul: The Atlantic Recordings .