0319 You're Gonna Miss Me . 13th Floor Elevators

 

You are Gonna Miss Me, 13th Floor Elevators

     Turno para la banda de rock psicodélico de Austin, Texas (Estados Unidos), 13th Floor Elevators, formada y liderada por el vocalista y guitarrista Roky Erickson. Esta considerada como  la primera banda que se refirió a su música como rock psicodélico. En 1966 la banda debuta con su primer álbum: The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, haciendo referencia ya en el título a su sonido psicodélico. El disco es grabado en los Sumet Sound Studios de Dallas, Texas, publicado el 17 de octubre de 1966 bajo el sello discográfico International Artist, y producido por el productor y ejecutivo discográfico Lelan Rogers.

El sonido de la banda incluye elementos de psicodelia, hard rock, garage rock, folk y blues. Incluido en este álbum debut encontramos el que supuso a la postre el gran éxito del grupo, You're Gonna Miss Me. El tema fue lanzado como sencillo en enero de 1966 por el sello discográfico Contact Records y alcanzó un más que meritorio puesto número 55 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos a pesar de una mala gestión y distribución por parte del sello discográfico. 

Para la grabación del tema se uso el instrumento casero conocido como jarra instrumental, y durante todo el proceso de grabación la banda estuvo bajo los efectos del ácido, la droga alucinógena. La canción, compuesta por Roky Erickson, trata sobre una mujer que tras su separación está haciendo daño al cantante, pero él se jacta de que al final ella "le va a a extrañar y echar de menos" cuando pase tiempo de su separación. Un significado alternativo hace referencia a las ausencias prolongadas lejos de su familia del compositor Roky. El compositor reconoció en su momento que hubo tres canciones que influyeron en la composición de la canción, I Don't Mind de James Brown, Early in the Morning, y la grabación menos conocida   de Muddy Waters, You're Gonna Miss Me.

0318 Good Vibrations - The Beach Boys

0318 Good Vibrations - The Beach Boys 

Good Vibrations es una canción del año 1966 del grupo de rock estadounidense The Beach Boys, la cual fue compuesta por Brian Wilson y su letra es de Mike Love. 

Se publicó como sencillo en octubre de 1966 y fue un éxito comercial, encabezando las listas de éxitos en varios países, y sobre todos en los Estados Unidos y el Reino Unido.

Caracterizado por sus complejo sonido,  fue el sencillo más costoso jamás grabado por la banda. Por ello Good Vibrations fue ampliamente reconocida como una de las mejores y más importantes obras de la era del rock.

Good Vibrations determinó una nueva forma de crear música, en lugar de canciones enteras con estructuras sintácticas claras a gran escala, el autor  se limitó a grabar fragmentos cortos e intercambiables. Mediante el método de empalme de cintas, cada fragmento podía ensamblarse en una secuencia lineal, lo que permitía producir posteriormente cualquier número de estructuras más grandes y estados de ánimo divergentes Este fue el mismo enfoque modular utilizado durante las sesiones para Smile y Smiley Smile. 

La producción de Good Vibrations abarcó más de una docena de sesiones de grabación en cuatro estudios diferentes de Hollywood, en una época en la que la mayoría de los singles pop se solían grabar en uno o dos días. 

Se dice que se utilizaron más de 90 horas de cinta magnética, con un presupuesto final estimado en decenas de miles de dólares, lo que lo convierte en el single más costoso grabado hasta la fecha. 

Una estimación de los gastos generales de producción es de entre 50.000 y 75.000 dólares (equivalente a 400.000 y 600.000 dólares en 2020), En comparación, la totalidad de Pet Sounds había costado 70.000 dólares (560.000 dólares), en sí mismo un coste inusualmente alto para un álbum. 

Daniel 

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The Top - The Cure #MesTheCure

 

Pornography fue un hito absoluto, tanto para el grupo como para el panorama musical, y eso había pasado factura, después de dos años largos The Cure finalmente volvió para lanzar su tan esperado siguiente disco, la banda volvia a ofrecernos un nuevo trabajo o más bien, sería más exacto decir que su líder siempre presente y el único que ha permanecido siempre en el grupo, Robert Smith, volvia a dar el callo. Y era algo maravilloso tener de nuevo un LP con el nombre de The Cure, pero esto es poco más que un álbum de Cure solo de nombre, en palabras de Smith, el "álbum en solitario que nunca hice, es responsabilidad mia” asi podemos encontrar algo de la música más brutal, fea, amarga, enojada, maníaca e intransigente de The Cure que la banda (¿Robert Smith?) había hecho. El álbum es complicado, os advertimos desde aquí, y mas si no eres un fan absoluto de los chicos de Crawley, quizás puedas encontrar refugio en The Caterpillar una canción de amor extraña y caprichosa, pero también delicada y bonita, aunque surrealista, esta canción no debería haber sido una gran sorpresa, por supuesto, para aquellos que habían escuchado The Glove's Blue Sunshine y / o las canciones posteriores de 1983 Cure, con las que  comparte su fantasía psicodélica y distorsión de modismos populares. Su extraordinaria introducción, que comienza con una nota de piano baja con altas disonancias chirriantes en el mismo instrumento. Pero esta canción es totalmente inusual en The Top en su conjunto, y desafortunadamente esto en sí mismo es el defecto fundamental del álbum.

Abre el álbum "Shake Dog Shake" un tema bastante bueno, abriendo el álbum y que nos regala una buena cantidad de energía, estamos ante una de las canciones más ruidosas y angustiosas, que desarrolla una inquietud en tu mente a base de golpes y reverberación en la voz de Robert Smith, sin darte cuenta eres testigo del desconcertante estado psicótico de Robert, el psicópata cargado de graves, una combinación perfecta para la alarmante filantropía y el auto-disgusto, una rareza muy jodida, y sin embargo, es un éxito tan grande que han continuado incluyendala en sus conciertos desde que vio la luz. “Bird Mad Girl” es más moderada y melancólica hasta el punto que puede resultar más interesante en todos los aspectos, ya que recibimos y agradecemos un poco más de calidez y melodía, con una línea de bajo alegre, casi bailable, un atractivo riff de guitarra acústica rasgueada, contramelodías de teclado, el ramalazo más pop y brillante que podremos encontrar en este álbum. “Wailing Wall” transmite esta sensación de oscuridad y sufrimiento, es un punto culminante en el album, con su ominoso pero hipnótico tamborileo, sirenas de teclado y melodías grandiosas y claramente moriscas que se desvanecen desde la breve y brumosa introducción, evocando un estado de ánimo de misticismo fatal pero magistral. Podemos estar ante uno sus ritmos más inventivos hasta la fecha, al convertirse en un ominoso zumbido de ruidos inescrutables, que la vuelve aún más enigmática. “Give Me It” representa la ruptura definitiva y el grito desesperado de ayuda de Smith y una liberación de su tormento: lo más cerca que se acerca este álbum a la veloz energía punk de la era de los Three Imaginary Boys, pero mucho más frenético, neurótico, intenso y paranoico que cualquier otra cosa de aquel período, con sus gritos, remolinos nauseabundos de guitarra, tambores frenéticos, coros vocales que se gritan más que se cantan y un saxofón estridente que de vez en cuando emerge entre todo el estruendo. “Dressing up” es extraña, es darte de bruces con The Cure en modo synthpop, no es que sea de sus mejores canciones pero agrada el oído después de la tormenta anterior y se desliza dulcemente en teclados gomosos, flautas falsas y un Smith que suena a hada.

 

 

La segunda cara empieza con el único single oficial que sacaron del disco “The Caterpillar”, uno de sus experimentos pop más entrañables e ingeniosos, y también para el que escribe, la mejor canción del disco. Caprichosa y hermosa, la canción nos entrega un pop psicológico de la manera en que solo The Cure puede hacerlo, esa melodía tan cursi solo podría ser ellos y salirle tan bien, añade una intro totalmente fuera de lugar de pianos en cascada, tambores silenciados y violines disonantes. Llegamos a “Piggy in the Mirror”, Robert continúa con sus intentos de expandir su rango vocal, pero sinceramente, la jugada no le sale muy bien, no logra nada, es la primera y única canción que realmente quedas con la sensación de que sobra, por lo que no vamos a ahondar más en ella. “The Empty World”, es flojita pero en cambio es agradablemente pegadiza, con una letra engañosamente oscura, como tantas veces en The Cure, la voz triste de Robert es acompañada por una melodía de flauta folclórica irónicamente optimista sobre un ritmo militar. 

“Bananafishbones” nos da la oportunidad en reparar en la inquietante forma en que utiliza principalmente los registros externos, combinando una floritura de armónica introductoria, un riff de órgano agudo dominante, una línea de guitarra eléctrica y más coros de falsete, con una parte de teclado grave y retumbante aderezado con una batería que suena ligeramente borracha pero resulta, el motico de incluirla quizás sea un ligero guiño al período gótico de The Cure. Cerramos con “The Top”, que contiene una atmósfera pesada, la voz de Robert se llena de pavor y un ritmo lento y melancólico nos va envolviendo, y un mensaje sobre su loca vida inducida por las drogas o la confusión de la banda que se desmorona. Una canción de libro de The Cure por si acaso pensábamos desviarnos.

0317: Green Green Grass of Home - Tom Jones

Green, Green Grass of Home es un tema country escrito por Claude "Curly" Putman Jr., que fue grabado por Johnny Darrell por primera vez en 1965. Obtuvo cierta popularidad ese mismo año en una versión de Porter Waggoner, e incluso fue grabada por Jerry Lee Lewis para su disco Country Songs for City Folks, pero fue la versión de Tom Jones en 1966 la que pasó a la posteridad. Impresionado por la escucha de la canción de Jerry Lee Lewis, decidió grabarla y alcanzó con ella el nº1 de las listas del Reino Unido, dónde permaneció durante siete semanas.

La letra describe la vuelta de un hombre al hogar de la infancia, al que no había vuelto desde mucho tiempo atrás, y el reencuentro con sus padres y su amor de juventud, que le reciben emocionados en la estación de tren. La canción narra después un paseo con su amada hasta "el viejo roble en el que jugaba", sintiendo la emoción del contacto con "la hierba verde, verde del hogar". De repente, todo parece ser un sueño, del que despierta entre "cuatro paredes grises" de la celda de la prisión en la que se encuentra recluido.

La vida real es, en contraposición al sueño, una auténtica pesadilla, porque el hombre despierta justo el día programado para su ejecución, a la que asiste con tristeza y amargura su padre, que regresará después a casa, "a la sombra de ese viejo roble, para recostarle bajo la verde y verde hierba del hogar".

0316: Gimme Some Lovin' - The Spencer Davis Group

Capitaneados por los hermanos Winwood (Steve y Muff) y con la inestimable colaboración de Spencer Davis quien daba nombre al grupo porque entre todos los componentes decidieron que él fuera la cabeza visible del grupo ya que era el único que disfrutaba dando entrevistas, The Spencer Davis Group fue una banda británica formada en Birmingham fundada en 1963 y que en su corta carrera publicaron cuatro Lp’s el ultimo días antes de que su principal valedor, Steve Winwood decidiera abandonar este proyecto para embarcarse en Traffic, y si bien el grupo sigio adelante con cambios de componentes, su época gloriosa la podemos enmarcar cuando Winwood permaneció en el grupo.

 

Gimme Some Lovin' fue escrita por Steven Winwood a la edad de 17 años, y cuentan entre risas y asombro que la hizo en tan solo 10 minutos, dicen que las mejores canciones casi se escriben ellas mismas. Roy Orbison afirmó que Oh, Pretty Woman le llevó media hora. A Tony Iommi se le ocurrió el riff de Paranoid mientras el resto de Black Sabbath estaban almorzando. Keith Richards supuestamente soñó (I Can't Get No) Satisfacción en una habitación de hotel de Florida. Windwood había nacido para esto y estaba tocado por la magia… Dame algo de amor, gritaban, este tema es una gota de agua fría que te sacude la mente, dispuesta a refrescarte, arrastrándose como un hielo que recorre tu cuerpo, su sonido logrará que olvides el calor y se extravíen en sus acordes. Arranca con un punteo de bajo, constante y desafiante, la batería entra sin grandes aspavientos, pero manteniendo un ritmo imprescindible. Entonces es cuando llega el Hammond, haciendo acto de presencia Steve Winwood con vigor y descubriéndonos la melodía que tantas veces hemos escuchado, notas que han resonado en nuestros cerebros en un sinfín de ocasiones…. Y cuando todos están a tope, confirmando que tienes delante un verdadero temazo, entra en escena la voz de Spencer Davis, posee nervio, elegancia y un registro propio que pocos pueden presumir de ellos. No es poco que en aquellos turbulentos años sesenta londinenses Gimme Some Lovin´ llega al número 2 de las listas británicas y al siete en los Estados Unidos, sufriendo, como era habitual para la época, una edición distinta a cada lado del Atlántico: más reposada la de aquí, mucho más desbocada la de allí. El regusto negroide de la canción no es ni mucho menos casual ya que, como la mayoría de músicos británicos, el Spencer Davis Group bebía en las fuentes de la música negra americana de la que recibía más que influencia e inspiración, de hecho el riff básico de la canción estaba basado en el tema (Ain't That) a Lot of Love de un cantante y compositor negro llamado Homer Banks que años más tarde escribió cosas para los Staple Singers y Elvis Costello, pero que no vio ni un penique de su aportación a uno de hits más importantes del “British Rhythm & Blues”. La canción ha sido multitud de veces versionada, y ha aparecido en multitud de películas, la disfrutamos en la BSO de “Días de Trueno” (Tony Scott, 1990), o con los Blues Brothers en “Granujas a todo ritmo” (John Landis, 1980). Pero además es protagonista de escenas claves como en Slepeers o Nothing Hill, está claro que es una canción que ha calado muy profundo.

Disco de la semana 249: 2112 - Rush

 

2112, Rush

     El 1 de abril de 1976 los candienses Alex Lifeson (guitarra), Geddy Lee (voz, bajo, teclados) y Neal Peart (batería), o lo que es lo mismo, el grupo Rush, publican su cuarto album de estudio, 2112, para mí una de sus operas primas. El álbum es grabado en lo estudios Toronto sound de Toronto, Canadá, bajo la producción del propio grupo y del británico Terry Brown. El disco llega a alcanzar un más que notable quinto puesto en las listas de ventas candienses. Y en Estados Unidos llega a alcanzar el puesto número 61 en la lista Billboard Top Lps & Tape, consiguiendo además la certificación de oro en dicho país. Pero para el grupo llegar hasta aquí no iba a ser fácil, ni mucho menos...

El grupo ha editado ya tres discos de estudio y tiene serios problemas financieros, de hecho, su sello discografico, Mercury Records, quiere dejarlos abandonados a su suerte. Sin embargo, el mánager de la banda Ray Danniels consigue que la discográfica les de una última oportunidad y les concede la grabación de otro álbum, pero a cambio les exige que graben para éste un material más comercial y accesible. Lejos de arrugarse, Lifeson, Lee y Peart deciden que esa última oportunidad sea para reafimarse y seguir evolucionando con su sonido pase lo que pase. Así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo. 

Abre la cara A del álbum, 2112, tema que con sus poco más de 20 minuos es el único corte de esta cara. Estamos ante una auténtica joya, no sólo del disco, también de toda la discografía del grupo canadiense. La letra del tema está basada en a novela Himno del novelista judio-estadounidense nacido en Rusia Ayn Rand. El tema nos relata una historia ambientada en la ciudad imaginaria de Megadon en el año 2112, donde el individualismo y la creatividad están prohibidos y penados. Una ciudad que está controlada por unos sacerdotes malvados que resien en los Templos de Syrinx. Hay una guerra en la galaxia que provoca que todos los planetas se unan para luchar contra la Federación Solar, que se encuenta simbolizada por la Estrella Roja de la portada del álbum. La canción, como si de una suite se tratase, está dividida en siete partes: Obertura, la introducción al año 2112 que comienza con la letra "y los humildes heredarán la terra...", referencia a los pasajes de Libro de salmos 37:11 y San Mateo 5:5; Los Templos de Syrinx, que trata de los templos y los sacerdotes que los habitan; Decubrimiento, que relata el decubrimiento por parte de un hombre de un antiguo artilugio que en realidad es una guitarra; Presentación; que relata como presenta este antiguo artilugio a los sacerdotes y éstos destrozan la guitarra considerando que no es necesario ese camino, el de la música; Oráculo, donde el hombre vuelve a la cueva de la que salió y durmiendo sueña con que el Oráculo o raza mayor lo lleva de vuelta a su mundo, lejos de los lazos implacables de la Federación controlada por los sacerdotes; Soliloquio, el hombre ya no puede más y no quiere estar bajo el control de la Federación, y su única esperanza de evadirse de este control es la muerte. Cree que así se librará del control de los sacerdotes; y Gran Final, que deja paso al cierre del tema con un gran final instrumental. En defintiva: más de 20 minutos de puro éxtasis progresivo.

Abre la cara B A Passage To Bangkok, canción que habla sobre la marihuana, Como Lifeson afirmaría más tarde, es un pequeño y divertido viaje por todos los lugares del mundo donde se cultiva la mejor "hierba": Bogotá, Acapulco, Marruecos, Bangkok, Katmandú o Nepal. Para el título de la cancion Neal Peart se basó en la novela A Passage To India de E. M. Forster. The Twilight Zone, el baterista Neal Peart era un gran fan de la serie de televisión The Twilight Zone, y se basó en dos episodios de dicha serie para ecribir la canción, el episodio 28 de la temporada 2, que se desarrolla en un restaurante y que se centra en el tolerante contador de tres ojos, y el episodio 30 de la temporad 5, que trata sobre una pareja que se va de fiesta y se emborracha y al día siguiente despiertan en una casa vacía y al mirar hacia arriba ven a un niño gigante que les guiña ojo. Se han convertido en los juguetes del pequeño niño. Lessons, aunque Neal Peart es el responsable de la mayoría de las letras desde su llegada, esta es una de las únicas canciones escritas y compuestas únicamente por el guitarrista Lifeson. Turno para la romantica balada Tears, tema con el que la banda quería dotar al disco de más variedad y profundidad. Esta es la pimera canción donde el grupo incorporaráel sonido de un Mellotron. Cierra la cara B y por tanto el disco Something For Nothing, tema que explora las ideas de la libertad y el libre albedrío. Para escribir la letra Neal Peart se inspiró en unos grafitis que vió en una pared cuando se dirigía de camino a un concierto al Shrine Auditorium en Los Angeles. Dichos grafitis contenían frases como "Freedom ins't for free" (La libertad no es gratis), y decidió adaptarlo para la canción.

Al igual que en la suite de más de veinte minutos que abre el disco, los chicos de Rush decidieron no seguir las imposiciones de los Sacerdotes de la discográfica y gracias a su empeño y rebeldía nos regalaron esta joya de disco llamada 2112.

0315 Lilac Wine - Nina Simone

 

Lilac Wine, Nina Simone

     El 16 de septiembre de 1966 se publica el sexto álbum de estudio de la gran Nina Simone, bajo el título Wild Is The Wind. El disco es publicado por el sello Philips Records y consiste en una compilación de varias grabaciones que se habían realizado entre 1964 y 1965 para álbumes anteriores y que se habían quedado fuera. El disco fue producido por el compositor y arreglista estadounidense Hal Mooney. En el año 2020 la revista Rolling Stone la situó en el puesto número 12 de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone", fue calificado como el quinto mejor álbum de la década por Pitchfork, y también fue incluido en los "101 álbumes de Robert Dimery que debes escuchar antes de morir".

Incluido en este álbum se encuentra la canción Lilac Wine, compuesta y escrita por el conocido compositor y escritor estadounidense de Broadway de los años 30 James Shelton en 1950. La letra nos cuenta la angustia de perder a un amante y tener como único consuelo el vino hecho de un árbol de lilas, centrándose en el felíz olvido que se logra al caer bajo los efectos del vino. La canción fue inspirada a partir de una situación que aparece en la novela de 1925 Sorrow in Sunlight, del novelista inglés Ronald Firbank, en la que el personaje principal, Miami Mouth, aparece en una fiesta ofreciendo "un vino ligero, lila, dulce y embriagador".

La canción, además de Nina Simone, también ha sido grabada por multitud de artistas, incluidos Eartha Kitt, Helen Merrill, Katie Melua, Jeff Buckley, Clare Maguire, Jeff Beck, John Legend, Miley Cyrus y The Cinematic Orchesta entre otros, pero la única versión que obtuvo un auténtico éxito fue la realizada por Elkie Brooks en 1978.

0314: Wild is the wind - Nina Simone

Wild Is the Wind fue escrita originalmente por Dimitri Tiomkin y Ned Washington para la película del mismo título, estrenada en 1957. La canción, grabada por Johnny Mathis para la película, se convirtió en single a finales de ese año, consiguiendo una nominación a la mejor canción original en los Oscars de 1958.

La versión de Nina Simone, que dio también título a su sexto álbum de estudio de 1966, ralentizaba la instrumentación y elevaba el nivel lírico y sentimental en una interpretación más intensa y conmovedora. La cantante estadounidense la interpretó en directo por primera vez en 1959, y aquella primera versión quedó registrada en el álbum en vivo Nina Simone at Town Hall, pero su interpretación más conocida acabó siendo la del disco Wild Is the Wind, incluido en los 1001 discos que debes escuchar antes de morir de Robert Dimery.

Wild Is The Wind fue también interpretada por David Bowie en su álbum de 1976 Station to Station, en una versión igualmente memorable e intensa. Bowie decidió grabarla tras un encuentro entre ambos músicos en 1975, y comentó que la versión de Nina Simone le había calado tan hondo, que decidió grabarla como homenaje a la genial intérprete y pianista.

La música en historias: Pornography - #MesTheCure

 

Pornography, The Cure

     The Cure en su primera etapa musical había desarrollado un estilo propio dentro de la corriente post-punk que imperaba por aquellos años, y gracias a su personal estilo fue considerado como grupo de culto dentro de la corriente dark wave (rock gótico). Durante esa primera mitad de los años 80 tanto la música como la actitud del grupo se había vuelto muy introspectiva, durante las actuaciones no solían atender a las peticiones e interpretar de su repertorio sus temas más antiguos y alegres. La situación llegaba hasta el punto de que Robert Smith tenía que abandonar los conciertos llorando debido a que se había metido tanto en el personaje que le tocaba interpretar que llegaba a afectarle.

En 1982 llegaría su punto más álgido, hasta el momento, con la publicación de Pornography, un disco que será considerado fundamental en la carrera de la banda. Pornography se convertirá en el último disco de la llamada Trilogía Gótica junto con sus dos anteriores discos: Seventeen Seconds (1980) y Faith (1981). Así, Robert Smith (voz, guitarra, chelo y teclados), Simon Gallup (bajo y teclados) y Laurence Tolhurst (batería y teclados), graban en los estudios RAK de Londres, entre enero y febrero de 1982 el material que verá la luz en Reino Unido bajo el sello discográfico Fiction Records, en Estados Unidos bajo el sello Elektra Records, y en el resto del mundo bajo el sello Polydor Records. El álbum cuenta con la producción del propio grupo y del compositor y productor discográfico británico Phil Thornalley. El encargado para el diseño de la carátula del álbum fue el fotógrafo Michael Kostiff , y el disco llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas del Reino Unido, así como buenas cifras en países como Países Bajos, Francia, Nueva Zelanda y Suecia. 

Para comprender Pornography hay que remontarse a finales del año 1981, pues por aquella época Robert Smith había sufrido una crisis personal, y la base del material de este disco fue concebido en aquella época. Justo antes de la publicación de Pornography, el grupo edito el sencillo Charlotte Sometimes, tema que únicamente alcanzó el puesto número 44 en las listas británicas. Para la grabación del video de este tema, el grupo se trasladó a un manicomio abandonado, donde al parecer, Robert Smith se encontró una calavera que usó para confesarse de manera análoga en plan soliloquio "ser o no ser" de Shakespeare, lo que a la postre inspiraría los versos del tema The Figuerehead. A partir de aquel momento Robert Smith empezó a sentir un gran interés por la salud mental, ya que aquel suceso le había servido para exorcizar sus demonios internos. Las relaciones con el resto de la banda habían empezado a deteriorarse y Robert Smith había empezado a monopolizar la faceta creativa de la banda. Todo esto sumado a la muerte por suicidio de Ian Curtis, líder de la banda Joy Division (que afectó prfundamente al vocalista), fueron el caldo de cultivo que dio como resultado Pornography.

Las letras de álbum nos hablan sobre la frustración, la muerte, la autodestrucción, la violencia, la moral, la fascinación por las drogas (los excesos con las drogas fueron una constante en aquella época) y el apocalipsis. Las letras, acompañadas por unos pesados y oscuros ritmos, nos trasladan a una atmósfera de auténtica desesperanza. Entramos en materia y nos encontramos abriendo la cara A y por tanto el disco One Hundred Years, donde unos tristes teclados y unas dolorosas guitarras con sus riffs, acompañan la oscura y duras letras de Robert Smith: "It doesn't matter if we all die / Ambition in the back of a black car / In a high building there is o much to do / Going home time / a story on the radio" - "No importa si todos morimos / Ambición en la parte trasera de un autobús negro / En un edificio alto hay tanto que hacer / Hora de irse a casa / Una historia en la radio". Demoledor comienzo y toda una declaración de intenciones sobre lo que nos espera en éste álbum. A Short Term Effect, donde las guitarras y la línea de bajo ayudan a recrear esa atmósfera para que el vocalista siga recreandose en la amargura y la oscuridad. The Hanging Garden, conocido también como A single, fue el único lanzado como sencillo del álbum. Publicado en 7 y 10 pulgadas, llegó a alcanzar el puesto numero 34 en las listas de sencillos del Reino Unido. Muy destacables los contínuos redobles de batería que hacen que el tema suene bastante menos oscuro y sea, en cuanto a sonido se refiere, el menos deprimente del disco . Cierra la cara A Siamese Twins, tema vuelve la oscuridad absoluta para hablarnos de un mundo apocalíptico donde prima la muerte. 

Abre la cara B The Figuerehead, donde el recitado de Shakespeare de "ser o no ser" inspiró unos versos donde Robert nos dibuja sobre un escenario frío y desolador un panorama de tristeza y desesperanza. A Strange Day, tema que sigue con es oscuridad que rodea el disco, con una batería y una línea de bajo casi hipnóticos mientras que el cantante nos lanza sus lamentos: "Move slowly through drowning waves / Going away on a strange day / My head falls back and the walls crash down" - "Muévete lentamente través de las olas que se ahogan / Irse en un día extraño / Mi cabeza cae hacia atrás y las paredes de derrumban". Cold, como su nombre bien indica, y gracias al chelo de Robert, es capaz de trasladarnos más aún si cabe a un ambiente y una atmósfera muy gélida y triste. Cierra la cara B, y por lo tanto este álbum impactante, Pornography, tema que da título al álbum, y que según va avanzando va creciendo hasta sumergirnos en esa oscura atmósfera en la que Robert Smith se encuentra atrapado. el comienzo de esta canción abre con una parte del debate que aconteció sobre el tema de la pornografía entre Germaine Greer, académica, escritora y locutora australiana considerada como una de las representantes feministas más importantes del siglo XX, y el comediante del conocido grupo Monty Python Graham Chapman. La canción, que trata sobre la pornografía, ya se encontraba escrita cuando el productor Phil Thornalley y Robert Smith se encontraron el debate por accidente, probaron a ensamblarlo en la canción, y sencillamente funcionó.

Pornography, como hemos comentado anteriormente, suponía el cierre de la llamada Trilogía Gótica, un álbum que realiza un recorrido a través de la oscuridad, la depresión y la desesperanza, y que se convirtió, por derecho propio, en imprescindible y fundamental para la evolución de la música gótica.

0313: Summer in the city - The Lovin' Spoonful

Summer in the City, grabada por The Lovin Spoonful para su álbum de 1966 Hums of the Lovin' Spoonful, alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 y se mantuvo en lo más alto durante tres semanas consecutivas, y fue incluida en el puesto 401 dentro de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Necesitado de canciones para completar el tercer disco de la banda, John Sebastian tomo prestado un esbozo de canción que su hermano pequeño Mark Sebastian había dejado sin terminar, y que databa de su período de adolescencia en la ruidosa ciudad de Nueva York. John Sebastian añadió varios versos, y completó la canción con efectos de sonido de tráfico, bocinas de automóviles y martillos neumáticos, para reflejar el ruido de las calles de la ciudad.

La letra describe una puesta de sol en el corazón de la urbe, ese momento en el que el calor veraniego empieza a dar una tregua y la efervescencia de la vida nocturna empieza a desplegarse por toda la ciudad. Salir, bailar, conocer chicas, y anhelar que los días fueran siempre noches bajo el cielo estrellado de la ciudad que nunca duerme. Pero el sol termina siempre por salir de nuevo, y con él vuelve del desagradable calor del verano y el ruido ensordecedor del tráfico. Y todo vuelve a empezar de nuevo, al ritmo de las manecillas del reloj y de este brillante tema de Lovin' Spoonful.

Grandes éxitos y tropiezos: INXS

Grandes éxitos y tropiezos: INXS

Quienes hemos vivido el rock de la década de los '80 seguro que tenemos algún disco de esta banda australiana formada por los hermanos Farris a fines de los '70, en Australia más específicamente en la ciudad de Sídney.

Pero no venimos a contar su historia, sino a comprar sus discos, a llevarnos una colección de esta banda que tiene tantos géneros como discos ha logrado editar, Pop rock, new wave, rock alternativo, dance rock y  funk rock. 

Así que si quieres llevarte algo de esta banda de nuestra tienda virtual de 7dias7notas, aquí van algunos de sus mejores discos de estudio y álbumes en vivo que tiene la banda. Pero como en toda discografía o carrera artística, nos podemos encontrar con al tropiezo. 

INXS tiene en su haber 12 álbumes de estudio editados, y si no eres muy fanático de la banda también tienes para elegir cerca de 10 álbumes compilados que te podrían interesar, donde tendrás más de uno de sus éxitos. 

Y dentro de esos éxitos de la banda no te puede faltar The Swing, su cuarto álbum de estudio, disco que INXS lanzará en mayo de 1984. Este álbum se convirtió en un éxito de ventas y sobre todo el tema 'Original Sin', una canción que sonó en todas las radios del mundo. Después de haber publicado este álbum a la banda se le abrieron las puertas para participar en el concierto Live Aid de 1985.

Otros de los álbumes que no deberían faltar son Listen Like Thieves y Kick, que son dos de los álbumes que se podría decir de demuestran la consagración del grupo.  En 1985 lanzaron el álbum Listen Like Thieves, cuyo sonido es un poco más roquero pero sin dejar de lado sus influencias new wave, uno de los éxitos fue la canción What You Need se colocó, en el Top 10 en los Estados Unidos, convirtiéndose en el éxito internacional que sería consolidado con su siguiente disco Kick, el cual se lanzaría en 1987. Y podemos hablar de muchos de sus éxitos que se encuentran en este álbum, como New sensation, Need You Tonight, una balada única como Never Tear Us Apart, o también mencionar  Mystify.   

Y si quieres tener un álbum en vivo con todos sus éxitos no te puede faltar el Live Baby Live, su primer álbum en directo. Contiene temas grabados en diferentes ciudades, y fue lanzado al mercado el 11 de noviembre de 1991. 

Pero lamentablemente la banda tubo un golpe muy duro con la muerte de Michael Hutchence, su líder y vocalista, en el año 1997. La banda a pesar de la muerte de Hutchence, continuó como grupo reclutando a vocalistas temporales, entre ellos Terence Trent D'Arby, Suze DeMarchi y Jimmy Barnes, pero no fue lo mismo, y ha editado un último álbum en 2005, Switch, su undécimo álbum de estudio con el cantante J. D. Fortune, pero ya no será lo mismo sin la voz inconfundible de su líder Michael Hutchence. 

Una banda que ha marcado muchos éxitos en la historia de la música, y aquí hemos dejado una muy buena selección de discos que te puedes llevar a casa. 

Daniel

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0312 The 59th Street Bridge Song - Simon & Garfunkel

0311 The 59th Street Bridge Song - Simon & Garfunkel 

"The 59th Street Bridge Song" es una canción del dúo británico de folk-rock Simon & Garfunkel, está canción fue escrita por Paul Simon e incluida en su álbum de 1966 Parsley, Sage, Rosemary and Thyme.

Paul Simon ya se había inspirado en historias asociando lugares y momento en sus canciones, con esta canción saca su nombre del puente de la calle 59, (conocido también como Ed Koch Queensboro Bridge) que es un puente de la ciudad de Nueva York que se completó en 1909.

En la versión de estudio participan los miembros del Dave Brubeck Quartet Joe Morello (batería) y Eugene Wright (contrabajo). En la película Monterey Pop de 1967 aparecen imágenes de Simon y Garfunkel interpretando la canción, En su gira de despedida, Simon se "penalizó" por interpretar erróneamente la letra de otra canción cantando este tema, que confiesa odiar.

Un problema legal que tuvo la banda fue cuando se descubrió que el tema del programa de televisión infantil estadounidense H.R. Pufnstuf, compuesto originalmente por Sid y Marty Krofft, imitaba estrechamente "The 59th Street Bridge Song" después de que Simon lo demandara; posteriormente se añadió su crédito de autoría al tema de H.R. Pufnstuf.

Se han hecho varias versiones de esta canción, una de ellas la versión popular de 1967 fue grabada por el grupo californiano Harpers Bizarre, alcanzando el número 13 en el Billboard Hot 100 y el número 4 en la lista Easy Listening Su versión fue arreglada por Leon Russell, que tocó el piano en el tema. Otros músicos fueron Glen Campbell, Carole Kaye y el baterista Jim Gordon; también contó con una sección coral armónica a cappella y un cuarteto de vientos con flauta, oboe, clarinete y fagot.

Daniel 

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0311.- Scarbourg Fair / Canticle - Simon and Garfunkel

 

'Scarborough Fair / Canticle' como bien se comprueba en el titulo se compone de dos canciones, la primera Scarborough Fair es una canción cuya melodía y letra aparecieron alrededor del año 1300, que fue escrita y cantada por bardos medievales en toda la campiña inglesa. Se desconoce quién fue el autor de la canción de la que tratamos, ni tampoco en qué momento exacto se compuso o interpretó por primera vez, pero la hipótesis más aceptada sitúa su aparición en torno al siglo XII. En aquella época, la ciudad de Scarborough, ubicada en la costa oriental inglesa y bañada por el Mar del Norte, era uno de los nodos comerciales más importantes de la isla. De hecho, su feria -que comenzaba cada 15 de agosto- se prolongaba durante 45 días, atrayendo comerciantes de toda Gran Bretaña e incluso de la Europa continental, en un momento en el que el intercambio comercial era más intenso de lo que popularmente se suele creer. Como ocurre con la mayoría de la música folclórica, a medida que pasaba el tiempo, se añadían más letras y versos. Pero aparte sobre esa melodía Simon & Garfunkel agregaron "Canticle", la canción se vuelve legendaria no solo en un nivel estético sino en un nivel de genio. ENTONCES, agregue las octavas de rango inferior de Andy Williams y obtendrá ... una clase magistral de armonía. “Scarborough Fair” se basa en una balada inglesa y es más o menos una canción de amor. "Canticle" que es una reelaboración de "The Side of a Hill", con una nueva melodía compuesta principalmente por Art Garfunkel, incluyendo una letra antibélica que Paul Simon hizo en 1963 Es bastante común que ambas canciones se combinen en una, pero técnicamente son dos canciones separadas. Paul Simon conoció esta canción cuando estaba de gira por Inglaterra, donde la escuchó en boca de un popular cantante de folk llamado Martin Carthy. Cuando Carthy escuchó la interpretación de Simon & Garfunkel, acusó a Simon de robar la forma en que la cantaba él. Esto creo una serie de conflictos en tre Carthy y Simon que no se solución hasta el año 2000, cuando Simon le pidió a Carthy que la cantara con él en un espectáculo en Londres. Carthy dejó a un lado sus diferencias e hizo el espectáculo y en cierto modp Paul admitia que Carthy tuvo que ver mucho en la canción.

 

En cuanto a la temática, un joven le habla al oyente y le solicita que, en caso de que se dirija a la feria de Scarborough, hable con su antigua amada -que vive allí-, y le diga que solo podrá recuperar su amor en caso de completar una serie de tareas imposibles (que le teja una camisa de batista -un tejido de lino- sin costuras o remiendos, que le consiga un acre de tierra entre el agua del mar y la tierra, que siegue la tierra con una hoz de cuero…). En cada una de las estrofas se repite un verso: “parsley, sage, rosemary and thyme” (en español, “perejil, salvia, romero y tomillo”). Aunque no está del todo claro a qué se debe esta enumeración de hierbas, posiblemente se refiera a una pócima popular por aquel entonces se creía que si la tomabas podrías lograr el enamoramiento de la persona deseada.

Faith - The Cure #mesTheCure

Faith - The Cure #mesTheCure

Luego del exitoso debut de la banda, nos vamos a parar en su tercer álbum de estudio Faith, el cual se lanzó el año 1981 y el cual está considerado uno de los álbumes de culto de la banda Británica.

Y es parte de una trilogía de álbumes que sacó The Cure entre los años 1980 y 1982.

Pero el trasfondo del álbum que lleva a tener esa estética y estilo tan gótico, con sus letras existencial y carácter depresivo, pone en manifiesto la situación vivida tanto por el vocalista de la banda Robert Smith con la muerte de su abuela, y el baterista Lol Tolhurst con la pérdida de su madre. Esta situación vivida por ambos miembros de la banda se verán reflejada en la composición de las canciones de la banda.

Y así lo noto la crítica especializada, quien destacó un poso de angustia adolescente que hacía que uno no pudiera tomarse aquello demasiado en serio..., pero sin embargo desde su lanzamiento en 1981, Faith ha ido ganando peso dentro de la discografía de The Cure, como uno de los más importantes de su carrera.

La promoción del disco se hizo en una gira de presentación del disco Faith que se dividió en dos fases, la primera de ellas The Primary Tour tan solo en UK y Europa, y el The Picture Tour su segunda etapa, donde se le añadieron Estados Unidos, Australia y Francia.

El exito de The Cure desde sus inicios se había convertido en imparable y eso lo demuestra en sus comienzos, y lo continúa en este si tercer disco de estudio, tanto que Faith es remasterizado en el año 2005 como parte de las series Deluxe de la discográfica Universal. La nueva edición, de dos CD incluyó una versión remasterizada del LP original, y la canción «Carnage Visors» en el primer CD, así como una colección de demos, canciones en vivo y el sencillo «Charlotte Sometimes», no incluido en ninguno de los álbumes de la banda. También existe una edición monodisco, que incluyó el álbum original remasterizado. 

Por ello The Cure es una de las bandas de rock gótico más emblemáticas de todos los tiempos.

Daniel 

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0310 Homeward Bound - Simon & Garfunkel

 

Homeward Bound, Simon & Garfunkel

     El 24 de octubre de 1966 aparece publicado el tercer álbum de estudio de Simon & Garfunkel, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, bajo el sello discográfico Columbia Records. El disco es grabado entre diciembre de 1965 y agosto de 1966 en el estudio, y consiste en su mayor parte en piezas acústicas que fueron escritas en su mayoría durante el periodo que Paul Simon había pasado en Inglaterra el año anterior.

El disco fue considerado por parte de la crítica como un gran avance en el proceso de grabación del dúo y uno de sus mejores trabajos. Algo que se vio reflejado en las listas de ventas, alcanzando el puesto número cuatro en el Billboard Pop Album Chart de Estados Unidos, consiguiendo además la certificación triple platino en dicho país merced a sus ventas.

Incluido en dicho álbum se encuentra la canción Homeward Bound, compuesta por Paul Simon y producida por el conocido productor estadunidense Bob Johnston. La canción fue lanzada como sencillo el 19 de enero de 1966, fue grabada durante las sesiones de su anterior álbum, Sounds of Silence, e incluida en en ese disco en el Reino Unido, siendo incluida posteriormente en Parsley, Sage, Rosemay and Thyme. 

En Estados Unidos el tema alcanzó el puesto número cinco en la lista Billboard Hot 100, permaneciendo en dichas listas durante doce semanas. También consiguió buenas cifras en países como Canadá, Países Bajos, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Reino Unido y Australia. En cuanto a la temática del tema, Paul Simon escribió la canción mientras vivía en Inglaterra, concretamente en Brentwood, Essex. Ideó la canción en la estación de tren mientras esperaba el tren de regreso a casa después de haber estado en Wigan, donde tocaba habitualmente. La canción tiene un doble significado, pues además de hablar literalmente de querer un ticket de regreso a su casa por entonces en Brentwood, también hablaba del anhelo del artista por regresar a su hogar en Estados Unidos.

0309.- Here, there and everywhere - The Beatles

 

La última canción que repasamos del disco Revolver es una balada perfecta, hasta tal punto que John Lennon declararía que era la “única” canción compuesta por Paul McCartney que le parecía buena. Cuenta la historia de la canción que Paul fue a casa de John Lennon y mientras esperaba a que se levantara, al lado de la piscina empezó a trabajar en la canción, “Me senté al lado de la piscina con mi guitarra y empecé a tocar, poco después ya tenía algunos acordes. Para cuando Lennon se había despertado ya tenía casi terminada la canción, entonces entré y la terminé... “ Se inspiró, al menos en parte, en la canción de The Beach Boys, God Only Knows". A McCartney se le preguntó en 1990 sobre la influencia de The Beach Boys en esta canción, Paul comento con respecto al asunto: "En realidad, es solo la introducción la que está influenciada. John y yo solíamos estar interesados ​​en lo que los escritores anticuados solían llamar el verso, que hoy en día llamaríamos la introducción: todo este preámbulo de una canción, y quería tener uno de esos en la entrada.' John y yo estábamos muy interesados ​​en las canciones antiguas que solían tenerlas, estábamos haciendo armonías, y la inspiración para eso fueron los Beach Boys”. Las armonías estaban compuestas por Paul, John y George y fueron arregladas por George Martin, más tarde explicaría…. “Las armonías en esta canción son muy simples, solo tríadas básicas que los chicos tarareaban desde atrás, algo fácil de hacer, no hay nada extraordinario, no hay contrapunto, solo armonías, muy fácil pero muy eficaz, teníamos claro que las teníamos que meter durante la introducción.

El tema es muy reconocido por su tonalidad agridulce, por las armonías antes mencionados y por su sencillo y simple arreglo, la ayuda el hecho de que contiene una melodía muy dulce que junto a la interpretación la hacen una pequeña obra maestra. Fue McCartney, que siempre ha dicho que es uno de sus temas preferidos, quien mencionó en la serie de radio de 1989, McCartney On McCartney, que el comienzo de la canción con los coros de "ooh-aah" en el fondo, estaba planeado para tener un sonido como el de los Beach Boys. Here, There and Everywhere presenta uno de los rangos vocales más altos de McCartney, ya que, si bien la canción fue escrita con Jane Asher en mente, McCartney encontró inspiración para su voz en una fuente menos probable… “cuando la canté en el estudio, recuerdo haber pensado, la cantaré como Marianne Faithfull; algo que nadie sabría jamás ... Así que esa era una vocecita, utilicé una voz casi en falsete” En muchas ocasiones McCartney ha descrito esta canción como su favorita de todas las canciones de los Beatles, no es de extrañar, ya que es el tema musical más versionado del cuarteto después de “Yesterday”

Disco de la semana 248: Historias - La Beriso

Disco de la semana 248: Historias - La Beriso 

Hoy tenemos muchas Historias que contar, o que cantar, ya que de la mano de una banda de rock argentino con un estilo muy de las bandas de rock de barrio, nos trae este álbum cargado de emociones de la banda La Beriso.

Una banda oriunda del barrio de Avellaneda de la provincia de Buenos Aires, que espero descubrir junto a todos uds, por no conocer mucho de su discografía.

Historias es su quinto disco de estudio, que la banda de rock argentino ha lanzado a la venta, este disco se presentó en octubre de 2014, bajo el sello discográfico Sony Music Argentina, y se convirtió en el álbum más exitoso de la banda, hasta ese momento.

Una banda con un estilo muy particular al de las bandas rock de barrio, con el ADN del sonido del rock argentino, y con influencias de reggea en algunas de sus canciones. 

Pero en particular este disco contiene una carga emocional muy grande por parte su líder, ese mismo año Rolo Sartorio vocalista de la banda pierde a una de sus hermanas tras padecer un cáncer, pero ya la familia Sartorio había pasado por una situación similar unos años atrás con la pérdida de otras de las hermanas del vocalista. 

Tras esta penosa historia, creo creer que todo ellos se traslada en canciones tan sentidas como ser Como Olvídate donde no sólo su letra, sino una canción tan instrumental que cala hondo, es la canción número 10 del disco, un disco de 14 canciones o historias. 

Pero el disco comienzan con No me olvides con un comienzo suave que va subiendo el ritmo, buen comienzo buen rock, sin hacernos esperar Ella el segundo tema del disco marcado por las guitarras pero también una historia de violencia, que la banda enmarca en la lucha contra la violencia de género. Te burlaste sigue la línea de las primeras canciones del disco, el más puro rock para encerrar una historia de amor en este caso. 

Madrugada, la banda ahora cambia el ritmo y pasa a un sonidos de Reggae, está canción es parte de un sencillo anterior al lanzamiento del disco, con la participación Néstor Ramljak y Martín Mortola de la banda Nonpalidece. 

Traicionero vuelve al sonido del rock envuelto en una combinación de guitarra, bajo y batería, y fue otro de los cortes de difusión de la  banda para este disco, continuamos con Otra noche más, donde mantiene el sonido y pareciera ser como la continuación de la canción anterior, pero de repente nos vemos ante Donde Terminaré y Mañama dos canciones que suben el ritmo, cambia a un rock más eléctrico con un sonido de guitarras mas marcadas. 

Recuerdos no soy un experto, pero con un sonidos de country rock pareciera ponerle ritmo a esta canción y una nueva historia. Enloquecer nos trae una especie de balada, con una pero no abandona la banda las guitarras siempre presentes en cada canción, Resistir y Amargo Dolor vuelve el rock y las historias profundas un disco cargado de emociones no podría terminar de otra forma, Mi destino otra canción sentida junto a un piano que acompaña la voz del cantante, y así nos despedimos, con un disco repleto de historia, historias tan sentidas como vibrantes. 

Amigos, este disco me ha emocionado, y me ha hecho querer más de esta banda de rock, que con sus canciones me ha trasladado a cada una de las historias que su vocalista y líder Rolo Sartorio intenta contar, incluso historias propias del artista. 

La Beriso una banda de rock con el espíritu de la música de barrio en la sangre, el ADN de un rock que muy pocas veces se suele escuchar, porque las bandas creen, cambian, y esto no significa que sea malo, sino que es parte de la evolución, así que si tienen la oportunidad les recomiendo no dejarla pasar y escuchar a esta banda y en especial a este disco. 

Daniel 

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0308: Tomorrow never knows - The Beatles

Tomorrow never knows, incluida en el disco Revolver de The Beatles, marca el comienzo de una historia muy especial narrada en "El sonido de los Beatles: Memorias de su ingeniero de grabación" de Geoff Emerick y Howard Massey. El ingeniero de sonido al que hace mención el título era el propio Geoff Emerick, que con aquel disco y con tan sólo 19 años, debutaba como ingeniero principal de los Beatles.

Las innovaciones sonoras que Emerick puso en práctica durante la grabación de esta canción son innumerables, como el uso del sistema ADT (que permitía duplicar el sonido de la voz) o la utilización, por vez primera en un tema de los Beatles, del altavoz Leslie (que generaba efectos de vibrato de la voz sin la necesidad de recurrir al habitual Hammond). Todo ello en respuesta a la rocambolesca petición de John Lennon de sonar como cien monjes tibetanos cantando en lo alto de una montaña, y para acabar convirtiendo a Tomorrow never knows en la canción más experimental y psicodélica del álbum.

Y la cosa no quedó ahí. Se incluyeron guitarras tocadas a la inversa (El solo de guitarra de Taxman se cortó en varias partes que fueron invertidas y adaptadas al tono del tema), mezcladas con instrumentos orientales como el sitar o el tanbur, efectos de saturación del sonido y una interminable sucesión de bucles y loops que Paul McCartney había grabado en su casa, y que incluían desde acordes orquestales extraídos de una sinfonía de Sibelius, hasta efectos de flauta y violines interpretados con un mellotron.

El origen del título está en un error gramatical de Ringo Starr durante una entrevista en la BBC en 1964. A una de las preguntas de la entrevista, Ringo respondió "Tomorrow never knows" ("El mañana nunca sabe", para expresar que no se puede saber lo que va a ocurrir mañana. A Lennon le hizo gracia aquel error, y acabó usando ese título para quitarle hierro a una canción inspirada en los efectos del LSD y el Libro Tibetano de los Muertos.​ Poco podía imaginar Emerick que, aquel día, estaba empezando a escribir la brillante historia sonora de una serie de discos insuperables (Sgt. Pepper's, Abbey Road...) pero es que "nunca se sabe lo que ocurrirá mañana". O como dijo Ringo, "El mañana nunca sabe".

Three Imaginary Boys - The Cure #mesTheCure

Three Imaginary Boys - The Cure #mesTheCure

En este mes de noviembre vamos con una banda originaria de Crawley, Inglaterra, que lanzó en el año 1979 edita su primer álbum de estudio bajo el nombre de Three Imaginary Boys, la banda tiene un muy buen comienzo ya que el debut del álbum empieza a tener éxito. 

Este primer gran álbum de la banda bajo el título Three Imaginary Boys, lo editaron en mayo del año 1979 y en junio ya entró en las listas británicas de música, llegando al puesto número 44, todo una gran proeza para el debut de una banda apenas conocida. Curiosamente, el álbum, cuyo diseño lo firmó Bill Smith, no incluía ninguna foto de la banda, ni créditos ni títulos de las canciones, sustituidos por pictogramas ideados por Robert Smith. 

Además, y para dar más misterio al asunto, al final de la cara B aparecía un instrumental no acreditado y que se descubrió que se titulaba The weedy burton.

En realidad lo que contiene Three Imaginary Boys es un conjunto de canciones de estructura pop pero dotadas de una pátina especial afterpunk que las hacían diferentes a lo que se hacía por entonces. Por ejemplo, es el caso de ‘Another day‘, un corte en el que se apuntaba la oscuridad que iban a tener sus canciones en el futuro.

Aparte de la cara B del primer single, un tema que es un clásico absoluto de The Cure, destacan del resto el aroma pop de ‘Grinding Halt‘ y ‘Fire in Cairo‘, el frío rock a ralentí que da título al disco , la contundencia rockera de ‘It’s not you‘ y una rarísima y extraña versión de ‘Foxy lady‘, de Jimi Hendrix, que el trío tocaba en sus ensayos y que en disco acaba siendo cantada por su bajista.

Cuando vas tan sobrado que tu mejor single está fuera del disco debut

Sin embargo, el siguiente single, que se editó un mes después de la salida al mercado de este primer LP, no estaba dentro del álbum; era Boys don’t cry, el tema más pop de aquellas sesiones y primer gran éxito de The Cure. Como curiosidad hay que recordar que para el mercado americano y australiano se editó en febrero de 1980 el álbum Boys Dont’ Cry, titulado así por el éxito de aquel tema en Estados Unidos, que incluía las caras A de los singles, inéditos y otros cortes del primer elepé.

Three Imaginary Boys apareció en una Deluxe Edition en 2004 remasterizado y con un segundo disco de veinte rarezas 1977-1979, donde nos encontramos con maquetas de estudio, maquetas caseras, out-takes, temas en vivo y temas extras como Jumping someone else’s train, que sería a la postre el tercer single que publicaron en noviembre de 1979.

Es un disco que, en realidad, poco tiene que ver con el grupo que acabaron siendo, pero las cosas iban demasiado rápido entonces. Apenas un año después, The Cure ya llegan a Seventeen Seconds. El salto temporal no se corresponde con el cambio musical: es como si ambos grupos vivieran en multiversos distintos.

Pero, como debut, Three Imaginary Boys es estupendo, un disco muy, muy notable con grandes canciones y suficientes requiebros como para ser válido incluso aunque el resto hubiese sido mediocre. Cosa que, es obvio, no lo fue: el resto es la historia de como The Cure se hicieron más grandes que la vida.

Por eso en este mes de noviembre recorreremos la discografía de esta banda.

Daniel 

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0307: Eleanor Rigby - The Beatles

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0307: Eleanor Rigby - The Beatles 

En 1966 la banda Británica The Beatles lanza la canción Eleanor Rigby y simultaneámente también la banda Británica lanza en el álbum Revolver y como sencillo doble en el lado-A.

La canción fue escrita por Paul McCartney con ayuda de Lennon, por ello esta acreditada a Lennon/McCartney.​ La canción continua con la transformación de la banda y esta es interpretada con un doble cuarteto de cuerdas orquestado por George Martin y la llamativa letra sobre la soledad, la canción hizo continuar la transformación del grupo, principalmente en el rock y el pop haciendo ver una banda de estudio más seria y experimental. La revista Rolling Stone la puso en el puesto número 137 de su listado de las 500 mejores canciones de la historia.

La canción fue grabada entre los días 28 y 29 de abril, y el 6 de junio de 1966, en los estudios 2 y 3 de EMI Studios, con Paul McCartney como voz principal y John Lennon y George Harrison haciendo los coros. 

Los demás músicos que participaron en la grabación de este tema son: Tony Gilbert, Sidney Sax, John Sharpe y Jurgen Hess en los violines; Stephen Shingles y John Underwood en las violas, y Derek Simpson y Norman Jones en los violonchelos.

En 2008, se subastó un documento acerca de Eleanor Rigby. El manuscrito es un registro salarial del hospital de la ciudad de Liverpool y presenta el nombre y la firma de Eleanor Rigby, una asistente de cocina que había firmado por su pago mensual. Sus ganancias anuales sumaban 14 libras. Este documento estaba en poder de Paul McCartney hasta que fue donado para una fundación de ayuda a las personas con discapacidad.

Daniel 

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0306 Taxman - The Beatles

 

Taxman, The Beatles

     El 5 de agosto de 1966 el mítico grupo The Beatles publica su séptimo álbum de estudio, Revolver. El disco es grabado en los EMI Studios de Londres entre el 6 de abril y el 21 de junio de 1966 bajo la producción de George Martin, y publicado el 5 de agosto de 1966 por el sello discográfico Parlophone.

Aunque el grupo ya había empezado a experimentar en la composición de las canciones, será con Revolver con el que se involucren de forma definitiva en la exploración de otros sonidos, siendo este disco considerado como una de las obras cumbres del rock psicodélico. Incluido en el álbum se encuentra Taxman, tema que además se encarga de abrir la cara A. La canción era la primera de Harrison a la que se se le daba una posición tan destacada en un álbum, abriendo el disco, lo que indicaba que era capaz de componer temas tan buenos como Lennon y McCartney. 

La grabación de Taxman comenzó el 20 de abril de 1966, sin embargo las tomas grabadas ese día no se utilizaron y el día siguiente se retomó la grabación, siendo grabadas ese día la batería, el bajo, la voz y las guitarras distorsionadas de Harrison, y los coros de Lennon y McCartney. La grabación del tema se terminaría el 21 de junio de 1066. Harrison le pidió a McCartney que colaborara con las guitarra y éste grabó el sólo de guitarra además del bajo, y Ringo, además de la batería, tocó la pandereta y el cencerro.

Los Mr. Wilson y Mr. Heat de letra se referían a Harold Wilson y Edward Heath, quienes eran el primer ministro británico laborista y el líder conservador de la oposición, respectivamente, en aquella época. Taxman hacía referencia al abusivo tipo de impuesto sobre la renta que pagaba la gente con grandes ingresos como The Beatles, que a veces llegaba a alacanzar el 95% de sus ganancias. Esto llevaría, en años posteriores, a muchos grupos de primera línea a exiliarse a otros lugares para evitar pagar impuestos.

0305.- It’s a Man’s Man’s Man’s World - James Brown

 

El título de esta canción es un juego de palabras inspirado la comedia de 1963, It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World, la canción fue incluida en la lista las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone (en el puesto 123) y además de James Brown, fue interpretada por artistas como Etta James, Cher, Seal, Christina Aguilera (mención especial su versión ya que la interpretación realizada en homenaje a Brown en los Grammy de 2007 se considera una de las mejores actuaciones de los Premios Grammy de todos los tiempos), Seal y Joss Stone.

La canción fue grabada primero por Tammy Montgomery, de 18 años, quien había sido cantante de respaldo con James Brown durante sus conciertos, pero solo llego al puesto 99 en el Billboard (dos años después, Montgomery fue descubierta por Berry Gordy Jr. . de Motown Records, Gordy firmó con un contrato discográfico y cambió su nombre a Tammi Terrell).

Esta balada demuestra el lado romántico y sentimental de Brown y fue un gran éxito, puede sorprender este aspecto de su personalidad, es menos conocida que su explosiva y extravagante personalidad en el escenario donde todo es excesivo, rápido y por momento revolucionado. En la canción pesa que nunca fue lanzado como single, es difícil de entender dado el nivel de la canción, pero fue debido a una disputa que había entre King Records, el sello al que pertenecía James Brown en ese momento, y Mercury Records , quien poseía los derechos de algunas de sus primeras grabaciones, pero nada podría frenarla, dada la majestuosidad que se mostraba en las actuaciones de Brown y el emotivo acompañamiento instrumental, la canción fue un éxito. Alcanzó el puesto número 1 en la lista de R&B. Mostrando el humor característico de Brown, el título era una obra de teatro con el título de la película de comedia de 1963 It's a Mad, Mad, Mad, Mad World . Si bien el significado de la canción es muy controvertido, las facetas de la civilización mencionadas en la letra "no significan nada sin una mujer o una niña" para el maestro del funk. Esta canción fue grabada como si fuera un sermón. Enumera las invenciones que han mejorado la vida del hombre, Brown atribuye todas las obras de la civilización moderna: el coche, el tren, el barco - "Como Noé hizo el arca", y la luz eléctrica - a los logros de los hombres, además, los hombres son quienes, con su poder adquisitivo económico por sus sueldos, son capaces de comprar juguetes para sus "niñas y ... niños". El mundo pintado en la canción es un mundo donde los hombres son los creadores y los que participan en el comercio entre ellos, en la esfera pública descrita en la canción, las mujeres son invisibles, pero el cantante afirma que nada de esto tiene sentido sin la compañía de una mujer. James Brown escribió esta balada a partir de algunas letras escritas por una mujer: Betty Newsome. Muchas de sus palabras fueron retomadas de la Biblia y sus experiencias con algunos de sus ex-novios, incluyendo al mismo "padrino del soul".

0304 Over Under Sideways Down - The Yardbirds

 

Over Under Sideways Down, The Yardbirds

     El 15 de julio de 1966, el grupo británico The Yardbirds publica su tercer álbum de estudio, bajo el título Roger the Engineer en Reino Unido, y bajo el título Over Under Sideways Down en Estados Unidos, Francia, Alemania e Italia. El disco es grabado entre los meses de abril y junio de 1966 en los estudios Advision de Londres bajo la producción de Simon Napier-Bell y Paul Samwell-Smith, y publicado bajo el sello discográfico Columbia Records. El disco alcanzó el puesto número 20 en las listas de éxitos del Reino Unido y el número 52 en las listas Billboard 200 de Estados Unidos, convirtiéndolo en el disco más exitoso de la banda hasta la fecha.

Incluido en Roger the Engineer se encuentra Over Under Sideways Down, tema que sirvió para titular el álbum en países como Francia, Alemania, Italia y Estados Unidos como hemos comentado anteriormente. La canción fue lanzada como primer sencillo del disco el 27 de mayo de 1966, y la revista Rolling Stone la clasificó en el puesto número 23 de su lista de las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos. 

Según el baterista Jim McCarthy, para la composición del tema se inspiraron en Rock Around the Clock, de Bill Haley and His Comets. El grupo había escuchado la canción en la radio después de un concierto creían que podían adaptarla a su estilo. En una sesión de grabación Jeff Beck empezó a tocar la línea de bajo de la canción, y poco después el grupo ya estaba trabajando en la adaptación y los arreglos del tema. En cuanto a la temática de la canción trata sobre lo que para el grupo, en plena juventud, era pasar un buen rato en los 60, como gastarse el sueldo en aquella época, coches, chicas, salir a beber, fumar, y pasarlo bien. Según McCarthy el tema trataba de los excesos y de la decadencia que aquello suponía en realidad.

0303: I put a spell on you - The Animals

I Put a Spell on You es una canción mágica ya desde su título ("Te hechicé"), y su embrujo te lleva desde lo que comienza como una balada sobre el amor perdido hasta el paroxismo rockero del amante despechado, que reclama violentamente lo que ya no puede tener. Ya en su origen, la canción compuesta e interpretada por Screamin' Jay Hawkins en 1956 hizo ese camino "in crescendo", ya que estaba planteada como balada de blues, pero la sesión de grabación desembocó en una fiesta de alcohol que acabó derivando hacia una interpretación mucho más salvaje del tema.

Diez años después, y como no hay nada más salvaje que un animal, los Animals versionaron la canción de Hawkins para su disco Animalisms (Animalismos). El grupo británico, que había alcanzado la fama con temas como The house of the rising sun o Don't let me be misunderstood, había sufrido varios cambios en su formación original, y los miembros que permanecieron tenían la sensación de estarse volviendo demasiado comerciales. La consecuencia fue la ruptura con EMI, para embarcarse ese mismo año 1966 en un contrato discográfico con MGM (para Estados Unidos y Canadá) y Decca Records (para el resto del mundo), con los que editaron el que sería su último disco como The Animals.

Como si de un cruel hechizo se tratase, The Animals se disolvieron poco después, en medio del caos financiero y las desavenencias internas, dejando para la historia esta paradójica versión de un lamento sobre lo que un día se tuvo y se escapó entre los dedos. Una vez más, y como por arte de magia, la balada blues se convirtió en una explosión de furia animal, que se llevó por delante a Eric Burdon y Cía, los únicos capaces de hechizarnos y, acto seguido, dilapidarse en un puro y salvaje ejercicio de animalismo.

0302 You Can't Hurry Love - The Supremes

0302 You Can't Hurry Love - The Supremes 

"You Can't Hurry Love" es una canción de 1966 grabada originalmente por The Supremes por el sello Motown. Y otro éxito de The Supremes.

Esta canción fue escrita y producida por el equipo de producción del sello discográfico Motown, por Holland-Dozier-Holland, como nos tenía acostumbrados The Supremes logró con la canción alcanzar el primer puesto en la lista de singles pop del Billboard de los Estados Unidos, se situó en el top 5 del Reino Unido y en el top 10 de la lista de singles de Australia. Se publicó y alcanzó su punto máximo a finales del verano y principios del otoño de 1966. 

El éxito de la canción hizo que dieciséis años después, se convertiría en un número uno en el Reino Unido cuando Phil Collins volvió a grabar la canción. Llegó al número uno en la lista de singles del Reino Unido durante dos semanas a partir de enero de 1983 y alcanzó el número 10 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos ese mismo mes.

Billboard incluyó la canción en el número 19 de su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. La BBC situó "You Can't Hurry Love" en el número 16 de la lista The Top 100 Digital Motown Chart, que se basa únicamente en las descargas y transmisiones de todos los tiempos de los lanzamientos de Motown en el Reino Unido. "You Can't Hurry Love" fue el segundo sencillo del álbum de The Supremes. 

La canción, es un recuerdo de las palabras de aliento de una madre ("Mi mamá decía 'no puedes apurar el amor/Sólo tienes que esperar'") que le decía a su hija que con paciencia encontraría a esa persona especial algún día, es un ejemplo de la fuerte influencia de la música gospel presente en gran parte de la música R&B y soul. "You Can't Hurry Love" se inspiró y se basó parcialmente en "(You Can't Hurry God) He's Right on Time" ("No puedes apresurar a Dios/Sólo tienes que esperar/Confía y dale tiempo/Sin importar el tiempo que tome"), una canción gospel de los años 50 escrita por Dorothy Love Coates de The Original Gospel Harmonettes.

The Supremes alcanzó el número uno en la lista de pop Billboard Hot 100 en Estados Unidos, y el número tres en el Reino Unido. La versión de The Supremes ha sido incluida en la colección permanente del Salón de la Fama del Rock and Roll de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll.

Daniel 

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