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domingo, 27 de noviembre de 2022

The King of Limbs - #MesRadiohead

 

The King of Limbs, Radiohead


     El 14 de febrero de 2011 Radiohead informaba a través de su página web del nombre de su nuevo trabajo, The King of Limbs, el cual podría ser descargado en menos de una semana a través de la web. Cuatro días después aparecía en la página oficial del grupo el vídeo del tema Lotus Flower, uno de los temas del nuevo álbum. El 28 de marzo salía el disco en versión CD y vinilo. El 16 de abril lanzaba el sencillo Supercollider/The Butcher, dos temas que habían sido concebidas durante las sesiones de The King of Limbs, y que finalmente no fueron incluidas. Los archivos digitales de ambas canciones fueron puestas sin coste alguno a disposición de todos aquellos que habían adquirido el álbum. Pero además, el 6 de junio de 2011 la banda anunciaba el lanzamiento de una serie de remezclas de canciones de The King of Limbs, realizadas por varios artistas, en vinilos de 12 pulgadas y de naturaleza limitada, que se irían editando de forma eventual en varias tandas a lo largo de aquel verano.

Este fue el ambicioso proyecto ideado por la banda inglesa de rock alternativo para su octavo álbum de estudio, donde la banda vuelve a experimentar con los sonidos, explorando ritmos y texturas más tranquilas y calmadas que en sus anteriores trabajos, utilizando mucho las técnica del looping (consistente en uno o varios samples sincronizados que ocupan generalmente uno o varios compases musicales exactos y son grabados o reproducidos enlazados en secuencia una y otra vez dando sensación de continuidad) y del sampling (muestra de sonido grabado en cualquier soporte para reutilizarla posteriormente como un instrumento musical o una diferente grabación de sonido). 



Las versiones The King of Limbs en formato físico fueron publicados por la discográfica Ticker Tape en Estados Unidos, por la discográfica Hostess Entertainment en Japón y por la discográfica XL en el Reino Unido. Aunque hubo todo tipo de opiniones, el disco recibió por lo general críticas bastante positivas por parte de la crítica especializada, siendo nominado el disco para cinco categorías en los Premios Grammy, incluyendo la de mejor álbum alternativo. En febrero de 2012, la banda culminaba con la que sería su primera gira norteamericana en 4 años, incluyendo además de Estados Unidos, Canadá y México. Una gira que se vería empañada por el trágico suceso en el Downsview Park de Toronto, Canadá, el 16 de junio de 2012. Una hora antes de que se abrieran las puertas, el techo del escenario se derrumbó, causando la muerte del técnico de percusión de la banda Scott Johnson e hiriendo a otros tres miembros del equipo técnico del grupo. El grupo rendiría homenaje a Johnson y a su equipo técnico en el primer concierto tras el derrumbe, el cual tuvo lugar en julio en Nimes, Francia. 

La experimentación con los loopings y sampleados es evidente en temas como BloomTom Yorke se inspiró en un programa de televisión de historia de la BBC para escribir este tema; Morning Mr. Magpie, la cual había sido titulada antes Morning M'Lud y Good Morning Mr. Magpie. Este tema había sido estrenado durante una retransmisión web en 2002 en formato de balada acústica, y Yorke se propuso que la canción estuviera incluida en todos los discos de la banda desde entonces; y Lotus Flower, tema que significó el primer sencillo del álbum. La flor de loto es una planta perenne acuática, y es la flor nacional de India y Vietnam. Desde la antigüedad ha sido un símbolo divino en las tradiciones asiáticas que representan la virtud de la pureza sexual, y en la literatura clásica de muchas culturas asiáticas. El loto era usado a menudo en verso como una alegoría de los tributos femeninos ideales. 



También encontramos espacio para temas con un formato más sencillo, en concreto dos baladas que harán que nos estremezcamos, Codex, una inquietante balda a piano donde Yorke nos invita ha sumergirnos en "un lago claro", prometiendo que "nadie sale lastimado". La parte donde entra la sección de cuerdas interpretada por The London Telefilmonic Orchestra es sencillamente magistral; y Give Up The Ghost, la otra balada del álbum, con unos coros femeninos brutales que se complementan con un magnífico Tom Yorke. Este tema fue tocado por primera vez en un concierto benéfico llamado Green Party, y que Tom Yorke dio en solitario en febrero de 2010. En Separator también tienen espacio para el amor, aunque con unas letras más que crípticas, donde parecen hablar sobre una fantasía o un sueño sobre un/a amante que fue real.

The King of Limbs, con una duración de poco más de 37 minutos, se convertía en el álbum más corto de la banda hasta la fecha, y con las letras del último tema, Separator que venían a decir cosas como "Si crees que es el final estás equivocado", parecían dar a entender que habría una segunda parte del álbum. Al final no fue así, pues tardarían unos cinco años en sacar su siguiente trabajo, el último hasta la fecha, A moon Shaped Pool. Pero eso es otra historia...

viernes, 6 de mayo de 2022

El disco de la semana 274: War Eternal - Arch Enemy

 

War Eternal, Arch Enemy


     Para la recomendación de este semana nos vamos a la localidad sueca de Halmstad, donde se formó allá por 1995 la banda de death metal melódico Arch Enemy. Sus primeros componentes provenían de contrastadas bandas como Carcass, Armageddon, Carnage, Mercyful Fate, Spiritual Beggars, The Agonist, Nevermore y Eucharist. El grupo fue fundado por el por entonces guitarrista de Carcass Michael Amott junto con Johan Liiva, que asumirá las tareas de vocalista de Arch Enemy. durante su historia, la banda ha sufrido numerosos cambios en su formación, como la de su vocalista, pues Johan Liiva sería sustituido por la cantante Angela Gossow, que permanecería en la banda hasta marzo de 2014, siendo reemplazada por la cantante canadiense Alissa White-Gluz.

En 2014 Arch Enemy, que en ese momento está conformado por Michael Amott (guitarra), Nick Cordle (guitarra, teclados), Sharlee D'Angelo (bajo), Daniel Erlandsson (batería, teclados) y la recién llegada Alissa White-Gluz (vocalista), publican su noveno álbum de estudio, War Eternal. Alissa llegaba a la banda para sustituir a Angela Gossow, quien había renunciado a sus funciones como vocalista para convertirse en la mánager de la banda. La baja de Angela podría haber supuesto un duro golpe para la banda, pero lejos de montar un drama, el grupo se puso manos a la obra y siguiendo la recomendación de la propia Angela terminaron audicionando a Alissa, que acabaría conectando con la banda de inmediato.

El álbum es grabado entre 2013 y 2014 en varios estudios, los Fascination Street Studios (Varberg, suecia), los West Coast Songs y Sweetspot Satellite (Halmstad, Suecia) y los Riksmixingsverket (Estocolmo, Suecia) bajo la producción de la misma banda, y publicado el 6 de junio de 2014 bajo el sello discográfico Century Media. La portada del álbum fue diseñada por el artista rumano Costin Choireanu, quien según Michael Amott, líder de la banda, fue capaz de captar la visión que tenía sobre lo que debía ser la portada del disco. Las temáticas del grupo suelen las que vienen desarrollando durante su carrera, letras donde nos hablan de rebelión, críticas a la sociedad y a la religión, en concreto la cristiana. 



Una de las dudas de este álbum era sí Alissa encajaría en la dinámica del grupo y si sería capaz de sustituir a Angela. Alissa quizá no tenga ese punto de agresividad que Angela tiene, pero lo suple con creces con una capacidad de moverse por registros mucho más variados que Angela, siendo capaz de pasar de voces guturales a voces nítidas y limpias con una facilidad pasmosa. El grupo liderado por Michael Amott sigue fiel a su estilo dentro del death metal melódico y después de un par de trabajos bastante discretos, The Root of All Evil (2009)  y Khaos Legions (2011), nos regalan un gran trabajo, a la altura de discos como Heartwork, Burning Bridges, Stigmata o Wages Of Sin. Michael Amott parece recuperar la inspiración en un disco donde comparte tareas de composición con Alissa White-Gluz. La banda se atreve, y con muy buen criterio y resultados, a incorporar elementos orquestales en temas como You Will Know My Name, Avalanche o Time Is Black. Tampoco faltan temas llenos de fuerza y velocidad como Tempore Nihil Sanat (Prelude In F Minor), No More Regrets, o Stolen Life, melódicos como War Eternal, Ass The pages Burn o You Will Know My Name, acústicos, como Graveyard Of Dreams o instrumentales, como el tema que además cierra este notable trabajo, Not Long For This World

War Eternal volvía a colocar al grupo liderado por Michael Amott en el lugar que le corresponde. La vuelta de la inspiración de Amott, junto con la llegada de Alissa White-Gluz que además compone, sacaban al grupo del estancamiento en el que estaban inmersos para regalarnos un gran álbum de death metal melódico.

domingo, 27 de marzo de 2022

Cargar la suerte - Andrés Calamaro (Mes Andrés Calamaro)

 

Cargar la suerte, Andrés Calamaro


     En noviembre de 2018 Andrés Calamaro publicaba su demiquinto álbum de estudio en solitario, Cargar la suerte, trabajo que recibió muy buenas críticas por parte de los especialistas en la materia, llegando incluso a ser comparado y poniéndolo a la altura de obras como Honestidad Brutal o Alta Suciedad. No se si se puede realizar dicha comparación, pero lo que si está claro es que Cargar la  Suerte es su mejor disco en los últimos veinte años. Para grabar dicho trabajo Andrés Calamaro se rodea de músicos de sesión consagrados como Mark Goldenberg, Joel Peskin y Brandon Fields, y otros más jóvenes pero con mucha proyección, entre los que se encuentran Aaron Sterling, Eric Kertes o Rich Hinman entre otros.

El disco, tal y como reconocerá el mismo Calamaro, fue grabado de forma urgente, en apenas cuatro días, en los Sphere Studios de Los Ángeles, California. Sin embargo, el hecho de haber sido grabado en tan poco tiempo no es sinónimo de mala calidad, todo lo contrario, pues como el artista argentino reconoce en posteriores entrevistas, esos días fueron memorables, para recordar. Tener en los arreglos a su mano derecha Germán Widemer y en la producción a Gustavo Borner fueron claves para la gran calidad de este trabajo. 

Siempre he dicho que la carrera de Calamaro al igual que el Doctor Jekyll y Mr. Hyde, tiene dos caras, la de sus discos de gran calidad y la de sus discos revirados, largos y excesivos. Por suerte, en Cargar la Suerte nos muestra su mejor cara, la del amable Doctor Jekyll, y nos regala un disco muy compacto y homogéneo, con doce temas donde todo está en su sitio y no sobra nada. El artista argentino nos regala un disco con una producción y un sonido cuidados al máximo, brindando un protagonismo que no suele dar a las guitarras, cosa que se agradece, dotando al álbum de un sonido con tintes de música americana. 



Comienza el disco con Verdades Afiladas, una historia de desazón y desamorel sencillo de apertura que sirve además de presentación para una banda que suena muy compacta. Todo está en sus sitio, un buen tema de corte pop-rock que a la larga se convertirá en uno de los más flojos del disco, lo que da una idea de la calidad de este trabajo. Tránsito Lento, un medio tiempo con tintes de blues rock marca de la casa donde la gran interpretación vocal está muy bien acompañada por el trabajo más que destacable por parte del saxo y de la guitarra slide. Con Cuarteles de Invierno llegamos a uno de los grandes momentos del álbum. Un tema con un toques a Led Zeppelin que ya nos avisan que algo grande está por llegar. Los arreglos de cuerda combinados con las secciones de viento son sencillamente maravillosos. Diego Armando Canciones, un medio tiempo con aires esos toques a música americana que nos acompañarán durante todo el disco y donde el artista hace su particular guiño a los cannabis y al mate. Las Rimas, tema en clave de rap que inmediatamente nos recuerda a temas como su clásico Paloma o Vigilante Medio Argentino. En Siete Vidas vuelve el Calamaro más rockero, con unos riffs muy contundentes y donde las referencias taurinas están presentes. 

En Mi Ranchera nos encontramos al Calamaro más desgarrador, una balada donde el artista se desnuda tan sólo como él sabe hacerlo, y lo hace acompañado de unos magníficos arreglos de cuerda y metal. Falso LV, otros de los grandes momentos del disco, un tema de corte blues rock con unos verso afilados y contundentes donde el artista realiza una soberbia crítica a la intolerancia que rodea al mundo actual. My Mafia con unas guitarras acústicas maravillosas es todo un canto a ese  círculo más cercano que a uno le rodea, ese que nunca falla. En Adán Rechaza vuelve a la senda del rock con riffs afilados y distorsionados, una canción que nos recuerda a esos grandes temas del rock argentino. Egoístas, con un sonido muy americano donde la base del tema está construido por el órgano Hammond y la brillante melodía vocal. Calamaro tiene en este corte por momentos ese sonido tan característico que hizo tan famoso a Los Rodríguez. Cierra este disco Voy a Volver, un tema con toques dylanianos y con un gran final orquestado. Un cierre a la altura de un magnífico disco y toda un declaración de intenciones, pues como bien reza el título del disco, volvería en 2021 para dejarnos su último trabajo hasta la fecha, Dios los Cría, pero eso es otra historia...

domingo, 20 de marzo de 2022

#MesAndresCalamaro: Bohemio - Andrés Calamaro

 

Bohemio, Andrés Calamaro



     Que mejor manera de empezar un álbum que rindiendo tributo a uno de tus maestros y referentes. Eso es lo que Andrés Calamaro hace precisamente en Bohemio rindiendo tributo al gran Luis alberto Spinetta, todo un referente en la música rock argentina y de habla española, y con quien colaboró allá por los años 80.

Así es como Calamaro gesta su decimotercer álbum de estudio, Bohemio. Este trabajo es grabado bajo la producción de Cachorro López, afamado músico, compositor y productor argentino que ha trabajado con grandes artistas latinoamericanos de la talla de Los Abuelos de la Nada, El Cuarteto de Nos, Diego Torres, Julieta Venegas, Miranda! y Biónica entre otros tantos. El disco es publicado en 2013 bajo el sello discográfico WMG, llegando a recibir una crítica muy positiva por parte de la crítica especializada, llegando incluso a ocupar el puesto número 1 en la lista de los 50 mejores discos de 2013 elaborada por la revista Rolling Stone

Tras unos años en los que Calamaro generaba más expectación por lo que generaba y ocurría con su vida personal, y tras dos discos de lo más ecléctico a sus espaldas, La lengua popular (2007) y On the Rock (2010), se saca de la manga Bohemio, un gran disco que nos recuerda que el Calamaro que era capaz de sacarse de la manga grandes obras como Alta suciedad (1997) y Honestidad Brutal (1999) sigue ahí, nunca se ha marchado. Deja de lado su lado más ecléctico y experimental para recuperar su parte más personal, autobiográfico y confesional en un disco que apenas supera los 35 minutos, rareza para un artista acostumbrado a regalarnos producciones mucho más extensas. Atrás quedó el Calamaro más polémico y descarado de finales de los 90 y principios de siglo XXI. 



Bohemio
es un disco al que quizá le falten canciones gloriosas como en Honestidad Brutal o Alta Suciedad, pero en su conjunto es un buen disco, bien cohesionado y con buenas canciones, un disco que va ganando en riqueza y matices según vayamos acumulando escuchas. Belgrano, como el barrio de Buenos Aires, es la canción que abre el disco y todo un homenaje a su admirado Luis alberto Spinetta, quien había fallecido el año anterior. Cuando no estás fue el primer sencillo del disco, un perfecto ejemplo de la vuelta a la desnudez y la melancolía de las letras del artista mientras no habla de amores rotos. Tantas veces, una delicada balada que por momentos crece. Es uno temas que por momentos podría ser autobiográfico. Rehenes, uno de los temas que  rompen el paso marcado por las lentas melodías y los medios tiempos, uno de los temas más dinámicos y rítmicos del álbum. El artista nos recuerda lo importante que es que el corazón vibre y sienta, ya que es un músculo que necesita acción. Nacimos para correr, tema que nos recuerda al gran Bruce Springsteen aunque sólo sea en el título y esos aires de música americana aderezados por el Slide de la guitarra. Un tema donde nos anima a hacer cosas mientras podamos porque nacimos  para correr. Bohemio es la canción que da título al álbum, un acelerado tema con sabor a bolero donde vuelve el romanticismo melancólico que tan bien maneja el artista. Un tema que Calamaro interpreta como si de un tango se tratase, combinando todos estos matices con brillantez. Plástico fino es un medio tiempo donde vuelve con sus influencias del sonido americano y donde en la parte lírica hace un todo un guiño al maravilloso Veneno en la piel de Radio Futura. Inexplicable sorprende al romper la línea del disco, un tema con aires de música disco, rayando el funk. Contiene un más que destacable sólo de guitarra, el mejor de todo el álbum. Dentro de una canción vuelve a recordarnos al Calamaro mas desnudo y sentimental, y es la antesala del tema que cierra el disco, Doce pasos, un rock and roll pausado con unos buenos teclados. La letra, una referencia a los programas de desintoxicación, es obra del gran Marcelo Scornik, creador de otras tantas letras de temas de Calamaro

Andrés Calamaro se alejaba de su lado más polémico e irreverente para acercarnos a su lado más íntimo, personal, melancólico y romántico, ese que ya nos enamoró en la década de los 90.

sábado, 17 de julio de 2021

La música en historias: Rammsteim y el disco de la discordia

 

Liebe Its Für Alle Da, Rammsteim


     En octubre de 2009, la banda de metal industrial alemana Rammsteim publica su sexto álbum de estudio, Liebe Its Für Alle Da (El amor está ahí para todos), bajo el sello discográfico Universal Music. El disco fue grabado entre los Henson StudiosSonoma Mountain Studio de California bajo la producción del grupo y del productor musical sueco Jacob Hellner.

La portada del disco es obra del fotógrafo español Eugenio Recuenco, y en ella se muestra a los integrantes de la banda reunidos alrededor de una mesa listos para devorar a la diosa del amor Venus, la cuál está encarnada por la modelo española Cristina Serrato.

Además de la peculiar portada, el disco incluye un par de temas que generaron cierta polémica: Pussy, que fue el primer sencillo del álbum, donde se abordaba la temática de las relaciones sexuales de los alemanes desde un punto de vista humorístico. El videoclip que se hizo del tema fue estrenado en un portal de Internet para adultos debido a su alto contenido sexual. El otro tema que generó polémica fue el segundo sencillo del disco lanzado, Ich Tu Dir Weh, donde el grupo trataba la temática sadomasoquista. 

Todo esto hace que el 5 de noviembre de 2009 el Ministerio Alemán de Protección a la Juventud prohíba la venta de Liebe Its Für Alle Da en alemania a menores de 18 años e incluya el mismo en el "Índice de Materiales Peligrosos" aduciendo que tanto la portada como una fotografía incluida del guitarrista de la banda Richard Kruspe con una joven en sus rodillas, y el tema Ich Tu Dir Weh suponen una representación peligrosa para la juventud alemana, ya que incita a esta a realizar prácticas sadomasoquistas. También consideró el Ministerio que el tema Pussy animaba a los jóvenes a mantener relaciones sexuales sin protección en los tiempos del sida

El sello Universal Music reacciona a toda la polémica generada y el 30 de noviembre de 2009 publica para el mercado alemán una nueva edición del disco donde ya no se encuentra el tema Ich Tu Dir Weh

viernes, 9 de julio de 2021

El disco de la semana 233: What Lies Beneath - Tarja Turunen

 

What Lies Beneath, Tarja


     Tarja Turunen es una cantante finlandesa con formación clásica con una tesitura de soprano-lírica, con lo que su voz ofrece una gran flexibilidad a la hora de interpretar todo tipo de tonos graves y agudos. Atrás queda el año 1996, cuando junto a sus compañeros Tuomas Holopainen y Emppu Vuorinen funda el grupo de metal sinfónico Nightwish.

Con Nightwish Tarja llegará a la cima, pero algo sucede entre el resto del grupo y Tarja, pues tras 9 años en la formación y cinco álbumes de estudio publicados, Tarja es expulsada por el resto de miembros a través de una carta abierta en 2005. La vocalista finlandesa cree entonces que es el momento de lanzar su carrera en solitario y en noviembre de  2006 aparece publicado Henkäys Ikuisuudesta, disco enfocado en la época navideña y donde todos los temas menos el que da título al disco son temas versionados. A este disco le seguirá My Winter Storm, publicado en noviembre de 2007, y donde Tarja abarca diferentes estilos musicales, tales como rock, metal, música clásica, pop o folk, y todos conectados a través de de su gran voz lírica.


Habrá que esperar casi tres años, concretamente hasta agosto de 2010, para que salga a la luz el tercer álbum de estudio de Tarja, para el que aquí escribe, de momento su ópera prima, su mejor trabajo en solitario, What Lies Beneath, el disco recomendado para la ocasión en 7dias7notas. El disco es grabado entre los estudios Petrax de finlandia y los estudios El Pie ubicado en Buenos Aires, Argentina. Es el primer disco donde Tarja se pone al frente de la producción, algo que repetirá a partir de entonces en todos su álbumes. Para la grabación del álbum Tarja cuenta con Alex Scholpp (Farmer Boys, Tieflader) a la guitarra, Doug Wimbish (Living Colour, Rolling stones, Madonna) al bajo, Christian Kretschmar (Schiller) a los teclados y el gran Mike Terrana a la batería. No se queda sólo ahí el elenco que participa en la grabación pues Tarja cuenta con la colaboración de Max Lilja (Apocalyptca) al Cello, Will Calhoun (Living Colour) a la batería, el grupo de metal a capella Van Canto, Phil Labonte (All That Remains, Shadows Fall) a las voces, Jason Hook (Alice Cooper, Vince Neil) a la guitarra, el trío de violinistas de la Lahti Symphony Orchestra Jyrki Lasonpalo, Pauline Fleming y Rémi Moingeonn, y el ilustre Joe Satriani a la guitarra.

En cuanto a la portada y el trabajo de arte del disco, éste es realizado por el fotógrafo alemán Jens Boldt, quien ya había trabajado en el anterior disco de Tarja (My Winter Storm) y que ya había trabajado con anteriormente con artistas de la talla de Iggy Pop, Tom Jones o Diana Krall entre otros. La foto deportada del álbum capta el rostro sombrío y misterioso de Tarja, el cual podemos ver en un primer momento hermoso y reluciente, pero si nos fijamos  detenidamente está escondiendo cicatrices, quemaduras y heridas que tapan parte de su rostro. La portada del disco capta perfectamente el concepto del mismo, ya que con What Lies Beneath, Tarja pretende descubrir lo que yace debajo de la superficie, lo que realmente hay detrás de las personas, esas cosas que no se ven a simple vista. 



What Lies Beneath
es un disco claramente orientado al metal sinfónico, un trabajo más oscuro, metalero y directo que su anterior trabajo, y es que Tarja decide salir de su zona de confort para mostrarnos quien es verdaderamente y de lo que es capaz, y el resultado no puede ser mejor pues nos regala diez temazos. Comienza el álbum con Anteroom of Death, un tema teatral de corte dramático donde los teclados barrocos junto con los coros del coro Van Canto y el potencial desplegado por Tarja en la interpretación con unos cánticos finales en plan ópera, hacen de ésta canción una de las mejores del disco. Until My Last Breath, un medio tiempo sencillo y pegadizo con los teclados y la guitarras como protagonistas y que fue el primer sencillo del disco. Sobre este tema se grabaron dos videoclips, el primero fue grabado por Tarja en finlandia, y muestra escenas de un buceador yendo hacia el fondo del mar, y al ver a una sirena, Naiad, que representa una ninfa en la mitología griega que vive en las aguas de los ríos, océanos, mares o lagos, decide volver a la superficie. El segundo vídeo comienza con Tarja tocando en un bar donde apenas algunas personas le prestan atención, su carrera ha caído y se encuentra en horas bajas. Posteriormente se muestra un noticiario anunciando la muerte de Tarja. I Feel Inmortal, otra de las canciones que fueron lanzadas como sencillo del disco, una bella semi balada  que además tiene un videoclip magnífico grabado en las playas de Islandia. In For A Kill, otro de los momentos álgidos del disco, un tema sombrío y oscuro de corte gótico que contiene una sección orquestal magnífica y donde Tarja exprime todo su potencial lírico. Un tema que nos habla de los tiburones y de como se les acusa injustamente de ser asesinos. Underneath, otra gran balada donde Tarja nos vuelve a mostrar su capacidad para emocionar y crear ambientes con sus líneas vocales. Little Lies, uno de los temas más metaleros del álbum con una muy buenas guitarras.

Rivers Of Lust, otro de los temas lentos del disco, con un gran trabajo de piano y cello que envuelven la voz de Tarja llena de matices operísticos. El tema es una crítica en toda regla a los pedófilos y de como muestran una doble cara hacia la sociedad. Dark Star, tema contundente y cañero cantado a dúo con Phil Labonte, ideal para agitarnos y desgañitarnos. Magnífico el comienzo con aires orientales y las voces guturales de Labonte quedan muy bien insertadas. Falling Wake, magnífico tema donde podemos disfrutar de un sólo espectacular de Joe Satriani que colabora en el tema incluido en el álbum, pues este tema fue grabado por tres guitarristas diferentes, Satriani en la versión del álbum, Jason Hook en la versión del sencillo y el argentino Julián Barrett en la versión de descarga gratuita del disco. The Archive Of Lost Dreams, tema donde Tarja vuelve a basarse en el personaje de Naiad, la ninfa de la mitología griega, y donde los violines crean una maravillosa e intimista atmósfera. Cierra éste magnífico álbum Crimson Deep, tema de más de siete minutos de duración que cuenta con la colaboración del baterista Will Calhoun, y donde Tarja de adentra sin miedo y con mucho acierto en los sonidos del metal progresivo. 

Y si todavía os quedan ganas de escuchar más, pues es lo que a mí me ocurrió con este discazo de Tarja, una de las indiscutibles reinas del metal sinfónico, podéis encontrar una edición limitada que se lanzó de este disco con cuatro bonus tracks, We Are, Naiad, un cover del tema de whitesnake, Still Of The Night y un tema de Scorpions donde Tarja colabora, The Good Die Young

lunes, 22 de octubre de 2018

El disco de la semana 15: Aurora - All My Demons Greeting Me as a Friend





Hoy os traemos a 7dias7notas algo exotico, pero a la vez, comercial, pero a la vez no exento de calidad, pero a la vez totalmente audible. Y despues de este galimatias no me queda mas que pronunciar su nombre... AURORA AKSNESS. ¿no os suena verdad? a mi tampoco hasta que cacharreando en una pagina musical dí con ella y me asombró el tema que cantaba.

Aurora es una cantante que nació en Noruega en 1996, actualmente cuenta con 22 años y podría ser el típico caso de artista que puede encandilar a las adolescentes, pero la realidad dista mucho de eso, detrás de su imagen un poco romántica, un poco androgena se esconde toda una virtuosa de la música, con una voz alta y pura que puede sonar un poco infantil pero que inmediatamente notas que se sale fuera de lo común, nos va a sumergir en un viaje emocional, crudo, real y hermoso con momentos de gran poder y vulnerabilidad sin obstáculo. La pasión de Aurora por la música surgió cuando era niña, a través del descubrimiento de un piano que encontró en el ático de su casa. Ella se quedó fascinada con la música que podía crear. Su madre también tuvo un papel muy importante al comienzo de su carrera, diciendo que sus canciones podrían ayudar a muchas personas....  "Para mí, las historias son las cosas más importantes. Quiero que mis canciones tengan algún significado. Espero que hagan a la gente sentir algo, porque a menudo tenemos miedo de llorar. Todos siempre decimos que estamos bien, pero no siempre se está bien, quiero que mi música ayude a las personas a entrar en contacto con sus propias emociones."


El disco que vamos a comentar es All My Demons Greeting Me as a Friend

Runaway

Y nada mejor que empezar con un tema delicado, una canción sobre sobre una niña que pide irse a casa, el único lugar al que pertenece, o simplemente el único lugar donde le queda para ir.... la necesidad de escapar y la convicción de que siempre podrás volver a casa. Atentos a las armonías vocales que actúan como un instrumento:

“Y yo estaba corriendo lejos, podría algún día correr más allá del muro? Nadie lo sabe.
Estaba bailando bajo la lluvia, me sentía vivo y no me puedo quejar.
Pero ahora llévame a casa, llévame al hogar donde pertenezco.
No tengo otro lugar a donde ir.
Pero ahora llévame a casa, llévame al hogar donde pertenezco.
No puedo soportarlo más…
Pero seguí corriendo, para  caer en algún lugar blando. Pero seguí corriendo.”


Conqueror

Comienza con su proclama dejandolo claro, "Mañanas rotas, noches rotas y días entrecortados en el medio" y continúa con un coro que proclama su soledad: "He estado buscando el único / Pero no pareces venir en mi dirección ". Sin embargo, la música anula cualquier angustia mientras la voz de Aurora se multiplica por todas partes: armonías de grupos de chicas contestadas por oohs y oh-ohs y la-las y ya-yas, emplea tambores que rompen la tierra y que permiten que su voz flote a través de la pista como un grito de batalla en parte alegres y en parte amenazadora, algo que define el álbum. Es pop puro y duro al servicio del mensaje


Running with the Wolves

Según Aurora la canción habla sobre "Cuando ese instinto animal que llevas dentro toma vida. Corriendo con él, uniéndote a él, el instinto te toma dándote libertad y haciéndote olvidar tu lado humano y las cosas de las que los humanos nos preocupamos en la sociedad moderna. Creo que los humanos necesitan dejarse llevar un poco más, sacudir sus cuerpos más a menudo como lo hacen los animales"


Lucky

Otra canción que trata sobre lo difícil que es este mundo, las dudas que cada uno tenemos sobre lo que hacemos aqui y sobre lo que significa estar vivos, y los miedos, y las dudas, y las luchas... con claros aires a Peter Gabriel, corre el rumor que escribió la letra a la temprana edad de 9 años, en palabras de la artista "Empecé a tocar el piano a los seis y escribir música a las nueve. Mi familia no supo de esto hasta mis quince años. Nunca fue un sueño hacerme Aurora, sólo me gusta componer canciones. La música para mí es la mejor manera de sentir cualquier cosa. Tenemos demasiado miedo a sentir, sobre todo si 'es un sentimiento de tristeza"

No puedo recordar la última vez
Abrí los ojos para ver el mundo como hermoso
Y he construido una jaula para esconderme
Me estoy escondiendo, estoy tratando de luchar contra la noche


Winter Bird

Esta canción dibuja paralelos entre la naturaleza y el alma, lo que sugiere que nuestra visión del mundo que nos rodea está influenciada por nuestras emociones y nuestra historia. Una cancion dolorosa, empieza  muy delicada y la voz de Aurora realiza una exhibición, con un estribillo repleto de pirotecnia musical que se clava en la mente

Mis lagrimas se congelan siempre
puedo ver el aire que respiro
pero mis dedos están pintando una imagen
en el vidrio que esta detrás de mi

Me puse al lado de un río congelado
donde los huesos me pasaron
todo lo que necesito es recordar
como era sentirse vivo

Descanso contra mi almohada como 
el sol de invierno envejece 
solo me despierto cada mañana para
recordar que tu te has ido
así que me desplazo lejos de nuevo
para el invierno donde pertenezco

I Went Too Far

Con esta canción llega el piano, instrumento desde donde se ha desarrollado la carrera de Aurora Aknes, aunque tiene demasiados toques comerciales que llegan a estropear la canción, convirtiendola casi en una canción de discoteca, demasiado sencilla y simple para lo que nos tenia acostumbrados. Por otro lado la letra de la canción se sale de este tipo de obras ya que se refiere a nuestro deseo de aprobación y amor por otra persona, como poner a alguien en un pedestal, sin duda no es su mejor tema.


Through the Eyes of a Child

El susurro, la oración y la turbadora voz de Aurora convierte a este tema en uno de los que mas me gusta del disco, casi una nana que cantamos en la cuna a nuestro hijo advirtiendole de lo que el futuro y la sociedad le deparará. De nuevo el piano se hace dueño de la canción. Es según la artista una de "Por favor, no me abandones aquí". Personalmente, cada escucha me hace sentir algo diferente. Puede ser nostalgia, puede ser tristeza, puede ser arrepentimiento.
las canciones de las que mas cerca se siente y de la que esta mas orgullosa, la canción se convierte hacia el final en un lamento triste, lo dejaría dormir si durara lo suficiente para que no tuviera que pasar por ello, y finalmente sentencia ......


Warrior

Una canción muy al estilo de Lady Gaga, me sigue desentonando muchísimo este tipo de canciones y me quedo con su parte mas intimista, es quizás el tema que mas aceptación ha tenido, pero para mi es un relleno mas.


Murder Song (5,4,3,2,1)

Según la artista esta es la canción que define su música, es una canción indeterminada sobre un asesinato (de ella) haciendo presenta la paranoia persistente en Noruega después de los asesinatos en masa de Brevik hace cinco años y que tuvieron un profundo impacto en esa sociedad. La realidad condiciona el alma del artista que durante algunos momentos del tema su voz se desparrama desesperada por la canción, estamos ante la canción mas desgarradora del disco.

El sostiene el arma contra mi cabeza
Cierro mis ojos y bang estoy muerta
Se que él sabe que me esta matando por misericordia


Home

Este es nuestro hogar, terrible, injusto, pero dulce hogar. Como a lo largo de todo el disco, Aurora no para de hacer referencia al lado oscuro de la vida, pero al mismo tiempo nos presenta una luz al final del camino. Volvemos a la parte mas intimista de Aurora y a otra de sus exhibiciones vocales que nos ha dejado por el disco.

Envueltos en una crisálida de carne y hueso
Realmente no importa de dónde seas tú
Somos el hogar
Somos el hogar
Hogar



Under the Water

Una canción donde el protagonismo recae sobre la percusión, una mezcla entre lo comercial y lo intimista que no quedó todo lo redonda que esperaba, ni a la altura de otros temas del album, si bien los distintos tonos y recorridos que lleva la canción hace de ella una propuesta muy interesante, acompañada de una letra muy potente.









Black Water Lilies

La vida es un viaje, puede que duro en ocasiones, pero siempre se llega a lo más alto, después de la tormenta, de hundirse varias veces, siempre llega la calma, la brisa.
Esta es la canción que cierra la versión estándar del disco, y creo que es perfecta. Durante todo el disco se habla de la vida, la búsqueda de la felicidad, los distintos obstáculos que se presentan, y esta canción representa esa felicidad y calma. Como siempre, una melodía mágica.



Como despedida y fuera del disco mencionar que la cantante ha puesto su voz en diferentes propuestas como un anuncio navideño de los almacenes John Lewis y en la banda sonora de la serie Girls, de HBO, para la que interpreta una version de “Life On Mars” de David Bowie. Os animo a que al menos le deis una oportunidad, es el momento de descubrir nuevas sensaciones.