0686: Maybe I'm amazed - Paul McCartney

El álbum McCartney (1970) recibió en general malas críticas en el momento de su salida al mercado, quizá perjudicado por la atmósfera de disputa que Paul McCartney vivía con el resto de The Beatles, y durante mucho tiempo tanto los críticos como sus excompañeros solo tuvieron buenas para algunas pocas canciones del disco, en especial para Maybe I'm Amazed, el tema más completo y más elaborado de una grabación, en general, bastante casera y minimalista.

Aunque por decisión de McCartney no hubo ningún single de promoción del disco, Maybe I'm Amazed es, de facto, el sencillo estrella de aquel álbum, porque fue emitido en numerosas radios estadounidenses. Su compañero George Harrison la describió como "genial" junto a That Would Be Something, mostrando escaso interés en el resto del disco.

Fue una de las últimas canciones en ser grabadas para McCartney, cuando salió de su retiro en su granja escocesa, y regresó a los estudios de Abbey Road para dar los últimos toques a los temas ya grabados. Así, el 22 de febrero de 1970 grabó allí los que probablemente sean los dos mejores temas del disco: Every Night y Maybe I'm Amazed, una balada dedicada a Linda e interpretada al piano que se encuentra a la altura de los mejores temas de la carrera de McCartney tanto en solitario como con The Beatles. Ambas siguen hoy mostrando las dotes para la melodía del genial músico de Liverpool.

Grandes exitos y tropiezos: The Replacements

 

The Replacements combinó la intensidad del punk con ganchos melódicos y letras suaves para ese estilo musical y proporcionó un puente importante entre el movimiento punk de finales de la década de 1970 y el rock alternativo de finales de la década de 1980. Los miembros principales fueron el guitarrista y vocalista Paul Westerberg (n. 31 de diciembre de 1960, Minneapolis, Minnesota , EE. UU.), el baterista Chris Mars (n. 26 de abril de 1961, Minneapolis), el guitarrista Bob Stinson (n. 17 de diciembre de 1959, Mound , Minnesota—m. 15 de febrero de 1995, Minneapolis), y el bajista Tommy Stinson (n. 6 de octubre de 1966, San Diego , California). Formado en 1979 por Westerberg, Mars y Bob Stinson, todos adolescentes, y el hermano de 12 años de Stinson, Tommy, The Replacements surgieron de la próspera escena musical de Minneapolis de principios de la década de 1980 que también produjo a Prince y la influyente banda de hardcore. Hüsker Dü , con quien se comparó a The Replacements en virtud del sonido punk directo de su álbum debut, Sorry Ma, Forgot to Take Out the Trash (1981). Con una actitud tan petulante como la de sus primeras canciones, The Replacements eran famosos por sus actuaciones en vivo erráticas que iban desde la anarquía inspirada hasta el caos ebrio .

 

Estás tardando en comprarlo: Let it be

Estamos ante el disco en el que se están reinventando a sí mismos como los independientes que ven el mundo a su manera. De repente ya no son parte de la comunidad punk, sino una unidad independiente que quiere aprender algo del mundo, en lugar de luchar contra él. Entre eso hay música, con una suave combinación de acordes sencillos y un motivo pegadizo, te llega para en lugar de mover tus piernas mover tu corazón. Era un pop tan nostálgico e íntimo que sonaría fuera de lugar en una de las principales radios del país. Tenemos un solo de guitarra, un movimiento prohibido para los punks desde siempre, que no solo es odiosamente pegadizo sino que también se rompe en otro solo, tocado con mandolina (cortesía de Peter Buck de REM, quien más tarde adaptaría la mandolina a REM Records en „you -ahora-cuál-single”). Al final tienes una joya pop, muy atrevida y conmovedora pero que de alguna manera sigue siendo punk con la producción imperfecta, como si hubiera polvo en esas guitarras. No se trataba del aullido y la distorsión, sino de adónde ir ahora. Un disco de una banda de punk que proclamó su fragilidad, una especie de rendición al hecho de que no pueden ganar a la vida, solo adaptarse a ella.

 

Si te queda pasta, llévate también: Tim

Tim aparece en el precipicio de la edad adulta joven: el alboroto con la cara de mierda de su carrera temprana todavía está allí, pero está atenuado por los pensamientos más aleccionadores de arrepentimiento y responsabilidad. La imagen de la portada muestra un largo pasillo con puertas o pasadizos a lo largo de los lados, tal vez para representar las diversas elecciones que tenemos que hacer en nuestras vidas. Tim debería haber sido el álbum que llevara a The Replacements a una audiencia más amplia. Pero el desprecio de la banda por los videos musicales, junto con una infame actuación en estado de ebriedad en Saturday Night Live, redujo el impulso que recibió el álbum debido a sus enormes elogios de la crítica. En cambio. Tim descansa en medio de la santísima trinidad de álbumes del grupo, después de Let it Be y antes de Favored to Meet Me, como discos que inspiraron a la siguiente generación de grupos alternativos que los imitaría y convertiría en oro comercial.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor: All shock Down

All Shook Down es un álbum de The Replacements solo por el nombre, mas bien es un disco del cantante y compositor principal Paul Westerberg y podria ser básicamente su debut en solitario. Westerberg acababa de cumplir 30 años y, por lo que parece, ya no quería rockear. Por supuesto, todos se suavizan con la edad, pero apenas hay rastro de las raíces de la banda de garaje que dieron a The Replacements su fama, una explicación para el ruido que falta podría ser que Westerberg se había secado después de una década de beber mucho. Muy posiblemente, sin el alcohol, el deseo de subir el volumen simplemente no existia. Los mejores momentos, por lo tanto, son cuando Westerberg se vuelve acústico, o al menos rústico, con guitarra rítmica y batería enterradas profundamente en la mezcla. En estas canciones, Westerberg demuestra que no ha perdido su toque lírico, como en la triste canción de un padre, "Sadly Beautiful" o cuando da consejos a los descorazonados en "The Last".

 

0685: Man we was lonely - Paul McCartney

Hablar de Man we was lonely es hacerlo de un disco muy particular de Paul McCartney. Titulado simplemente McCartney (1970), su primer álbum en solitario fue gestado y publicado en una época convulsa en la que aún trabajaba en paralelo en los últimos temas de "Let it be" antes de partir peras definitivamente con The Beatles. Agobiado por una declaración privada de John Lennon en la que manifestaba su deseo de disolver el grupo, McCartney se retiró a su granja en Escocia, y en plena depresión personal grabó un disco en el que, salvo por la contribución de su esposa Linda McCartney en los coros, McCartney tocó todos los instrumentos.

Las grabaciones fueron, por lo general, caseras y sin grandes arreglos, en lo que pretendía fuera un retorno a la simplicidad que había intentado con el concepto original de "Get Back" (que después se convertiría en "Let it be"). McCartney cantó las canciones acompañado por una guitarra acústica antes de rellenar las pistas restantes con una segunda guitarra o un acompañamiento de bajo y batería. En el caso de Man we was lonely, la canción surgió posteriormente cuando McCartney estaba de vuelta en Londres para pulir en secreto las canciones que había grabado en su estudio casero, reservando los estudios en los que grababa con el pseudónimo de Billy Martin.

Finalmente, en Abbey Road terminó de pulir las canciones y realizó las últimas grabaciones que compondrían McCartney. Allí, El 25 de febrero de 1970 compuso y grabó Man we was lonely, con Linda en los coros. Las críticas se cebaron con la práctica totalidad del disco, por su atmósfera general de canciones que parecían retazos inacabados, y el tono paródico de "country saloon" con el que Macca emulaba a Johnny Cash en Man we was lonely no fueron tampoco bien recibidos, pero el tiempo ha hecho cada vez mejor a ésta y muchas otras canciones de "McCartney". Hoy, en retrospectiva, tienen todas un encanto algo harapiento y básico, y un valor inapreciable como declaración personal de un músico que mostraba su vulnerabilidad ante la pérdida de un sueño, en un momento en el que estaba solo y le "resultaba duro encontrar una sonrisa".

McCartney refleja su soledad de un modo extremadamente literal, asumiendo todos los instrumentos y bromeando con la sensación de sentirse realmente "lonely". En palabras de Neil Young: "Era simplemente Paul. No había adornos en absoluto... No había ningún intento de competir con las cosas que había hecho. Y así salió de la sombra de The Beatles".

Amnesiac - #MesRadiohead

En los años ochenta y noventa, si decías que no habías leído "El Quijote" te acusaban de ser un inculto. Eso desembocó en una gran mentira colectiva, ya que a todo el que le preguntaban decía haberlo leído para evitar el rechazo público, cuando en realidad muchos de los que preguntaban tampoco lo habían leído. ¿Y qué tiene que ver esto con Radiohead y su disco "Amnesiac"? Pues, sencillamente, en muchas ocasiones me he sentido como aquellos que confesaban no haber leído "El Quijote" cuando reconocía que nunca le había encontrado el punto a Radiohead y que no compartía la admiración general que despiertan, y me pregunto a veces si no estaremos todos cayendo de nuevo en otra gran mentira colectiva, queriendo aparecer ante el resto como grandes y sesudos eruditos musicales, cuando en realidad los que nos preguntan no hayan tampoco escuchado nunca OK Computer, Kid A o el Amnesiac que protagoniza esta reseña.

Este pensamiento tan utópico no me lo parece tanto, cuando para informarme para esta reseña me he puesto a leer varias críticas sobre el disco, y todas ellas hablan, poco más o menos, de la quintaesencia musical contenida en sus surcos. No es mi ánimo polemizar con nadie, ni tampoco quiero con esto transmitir que Amnesiac me parezca un mal disco. Todo lo contrario, es un disco con buenas canciones, de marcados tintes electrónicos y perfectamente ejecutado, contando además con una ambiciosa producción a cargo de Nigel Godrich, con el que grabaron al mismo tiempo las sesiones de Amnesiac (2001) y las de Kid A (2000), pero eso no significa que tengamos que perder la cabeza y pasarnos de frenada en las alabanzas al grupo y a éste su quinto disco de estudio, hasta el punto de considerarlo, como muchos comentan, su mejor obra.

En mi opinión, esa medalla le correspondería a OK Computer, un disco con el que nunca miento cuando digo que lo he escuchado, al completo, y muchas veces. Pero esa reseña ya estaba hecha en 7días7notas, y aunque quisiera estar "Amnésico" para no recordar ese pequeño detalle y poder escribir sobre aquel disco, la realidad es que, irónicamente, me ha tocado "recordar" este otro, y al hacerlo vuelvo a sentir que algo parecido a lo que ocurría con "El Quijote" nos está pasando con Yorke y compañía, si temas como Packt like sardines in a Crushd Tin Box, que de manera curiosa pero algo fría mezcla de música electrónica con sonidos de percusión metálica en el arranque del disco, o la extraña e innecesaria Pulk/Pull Revolving Doors son considerados la cumbre creativa de este grupo.

Afortunadamente, entre ambas está el single Pyramid Song, un gran tema de piano y arreglos de cuerda con cierto regusto a jazz en la batería y un tono atmosférico y dramático en los teclados que la hacen grande. La cosa sigue mejorando en el progresivo crecimiento en intensidad de You and Whose Army, un tema con aires de himno intenso y melancólico, o en I might be wrong, el tema de ritmo y estructura más reconocibles y convencionales, que lo hacen también más digerible y disfrutable que las experimentaciones anteriores. Le sigue Knives out que es, con todo merecimiento, el segundo single del disco tras Pyramid Song. Una canción triste y melancólica en la línea de las mejores composiciones del grupo, que tardaron más de un año en completar, y que tiene ciertas influencias de la guitarra de Johnny Marr en The Smiths.

El tono de lamento profundo y sombrío no es puntual, y tras mantenerse en temas como Morning Bell/Amnesiac o Dollars and Cents, la escucha empieza a hacerse demasiado costosa, como en su momento lo fue la lectura de alguno de los capítulos centrales de la obra de Miguel De Cervantes de la que, mientras escucho la extrañamente eléctrica e instrumental Hunting Bears, o la densa y experimental Like Spinning Plates, ya no quiero o no puedo acordarme. ¿Veis como sí que tenía algo que ver el libro que contiene la frase más famosa sobre la amnesia, con este disco de Radiohead?

Mientras Don Quijote y Sancho Panza se alejan a lomos de sus monturas en mi imaginación, el trompetista de jazz Humphrey Lyttelton y su banda convierten Life in a Glasshouse en la mejor banda sonora para una despedida, la de un disco de esos que nadie olvida, y no solo por lo buenos que son, sino por si en algún momento alguien pone cara de interesante y pregunta si "has escuchado este disco de Radiohead". En ese momento, sufrir de amnesia sería un error imperdonable que haría que todo el mundo nos señalara con el dedo, tal y como hacía Donald Sutherland en La Invasión de los Ultracuerpos, quién sabe si tras descubrir que Brooke Adams nunca había escuchado a Radiohead. 

0684.- Te quiero, te quiero - Nino Bravo

 

Te quiero, te quiero es el título del álbum debut del cantante español Nino Bravo y fue editado por Fonogram en junio de 1970. En este álbum él se compilaron la totalidad de los sencillos que había grabado hasta la fecha, sumados al tema grabado en 1969 "No debo pensar en ti" y otros tres más. En primer lugar, fue editado simplemente con el nombre del cantante, pero dado el éxito de la canción "Te quiero, te quiero" se hizo una reedición a finales de 1970 donde ya se tituló así. Fue conocido en los círculos más cercanos al cantante como el disco negro y en su portada se mostraba una fotografía del cantante en una de sus actuaciones. Nino no cosecharía buenas críticas entre los periodistas musicales del país, muestra de ello es el siguiente artículo, publicado en el diario La Vanguardia, que reproducimos a continuación:

«Nino Bravo es uno de los cantantes solistas españoles en quien más se puede confiar. Todo el mundo ve en él posibilidades de auténtica primera figura y todo el mundo, también, lamenta que Nino Bravo no haya sabido dar con un repertorio que ponga en evidencia la verdad de sus virtudes interpretativas. Esto ha durado largo tiempo y se ha convertido ya en tópico, a fuerza de permanente unanimidad. Y ahora aparece este «long play», que hemos escuchado ávidamente, deseando en lo más profundo que ese fatídico problema de repertorio se haya resuelto por fin. Y no. Con todo el dolor de nuestro corazón hemos de admitir que todavía no. Es el mismo tipo de repertorio de siempre, cancioncillas «de Benidorm» por dar un indicativo, con el que ni Nino Bravo ni el lucero del alba sería capaz de producir un impacto verdadero en la masa consumidora a nivel internacional. Lástima, una vez más».

 

Augusto Algueró había compuesto “Te quiero, te quiero” para que Lola Flores la incluyese en una de sus películas, La Faraona la grabó, pero el compositor y la productora tuvieron conflictos y la canción fue retirada de la banda sonora y del disco, fue entonces cuando Augusto ofreció a Nino Bravo esa canción y aunque a la discográfica no le gustaba fue el cantante, sin embargo, al cantante le gustó desde el primer momento. El amor es la temática de la letra, y mas que el amor es de las consecuencias que tiene sobre las personas cuando el amor nos atropella, es un sentimiento que nos traspasa, que necesitamos y que en todo momento condiciona nuestra vida a una persona, a un placer que queremos tener siempre a nuestro lado. Esta temática y los años 70 cuando los jóvenes de este país habían dado un paso adelante hizo que la canción fuera un superéxito, a eso hay que sumar la increíble voz de Nino Bravo que si bien llevaba mas de 8 años en los escenarios, empezando con 18 años en el conjunto Los Hispánicos junto a dos amigos que se dedicaban a actuar en presentaciones falleras y ferias locales,  mas tarde se incorporaría a Los Superson que fue donde le descubrió  Miguel Siurán, que lo bautizó con el nombre artístico Nino Bravo, con quien consiguió hacer algunos recitales en solitario y participar en el festival de Barcelona de la canción con un mal resultado, pero esa actuación y la voz que pudieron comprobar muchos productores fue clave para que le presentaran la canción e iniciar un despegue a la fama y el éxito que fue abruptamente cortado por un accidente de tráfico.

0683 - Teddy Boy - Paul McCartney

0683 - Teddy Boy - Paul McCartney

Teddy Boy es una canción de Paul McCartney incluida en su primer álbum en solitario McCartney, lanzado en abril de 1970. Según Ernie Santosuosso de The Boston Globe, describe la forma en que se destruye una relación cercana entre una viuda y su hijo adulto. por su nuevo interés romántico.

Paul McCartney escribió Teddy Boy durante la visita de los Beatles a la India en 1968. En 1970, McCartney describió la canción como "Otra canción que comencé en India y completé en Escocia y Londres gradualmente. Esta fue grabada para la película Get Back, pero luego no se usó".

McCartney tocó la canción por primera vez a los otros Beatles el 9 de enero de 1969.  Los Beatles no volvieron a la canción hasta el 24 de enero, grabando varias tomas. Esta grabación incluye algunos casos de retroalimentación de guitarra. Durante una interpretación de la canción, se escucha a John Lennon llamar "do-si-do" y otros pasos de baile cuadrado, algo que tanto el musicólogo Walter Everett como el historiador de los Beatles Mark Lewisohn atribuyen al aburrimiento de Lennon con la canción. El musicólogo y escritor Ian MacDonald escribe que cualquier intento de grabar la canción "fue saboteado por el continuo murmullo de parodia de Lennon". MacDonald describe "Teddy Boy" como una "cancioncilla molesta y caprichosa, notable únicamente por su cambio de tonalidad de re mayor a fa sostenido mayor". 

The Beatles volvieron a grabar "Teddy Boy" el 28 y 29 de enero.

McCartney grabó la versión de McCartney de "Teddy Boy" en su casa en Cavendish Avenue, St John's Wood. Comenzó el álbum alrededor de la Navidad de 1969, grabando en una grabadora Studer de cuatro pistas entregada recientemente, sin mesa de mezclas, y, por lo tanto, sin pantallas VU como guía para los niveles de grabación. McCartney describió su configuración de grabación casera como "Studer, un micrófono y nervio". Había terminado de grabar la pista básica de "Teddy Boy" el 12 de febrero de 1970, cuando llevó sus cintas a Morgan Studios. Estas cintas se transfirieron de cintas de cuatro a ocho pistas, agregando un silbido audible a la grabación. En Morgan Studios, McCartney completó la pista sobregrabando la batería, un bombo y aplaudiendo.

Daniel 

Instagram storyboy 

0682: Funky Drummer - James Brown

James Brown es uno de los artistas que más veces ha sido sampleado por DJ's y músicos de rap o de hip hop, y buena parte de la culpa de este "récord" honorífico la tiene el tema Funky Drummer, publicado como single en 1970, y en concreto su espectacular ritmo de batería, surgido de una improvisación del baterista Clyde Stubblefield.

De hecho, la mayor parte de la canción se basa en la improvisación, no solo de la batería, sino también de las guitarras, teclados y saxofones, formando una enérgica base que Brown iba dirigiendo con sus característicos gritos y declamaciones vocales, con los que arengaba al grupo y daba las indicaciones sobre hacia dónde quería que fuera la música. En el caso de Stubblefield, en un momento determinado Brown pide "darle algo al baterista", en clara referencia a que el resto de la banda le deje solo, para después indicarle que "No tienes que hacer ningún solo, hermano, solo quédate con lo que tienes ... No lo sueltes, porque es una madre".

Stubblefield mantuvo el ritmo mientras el resto de instrumentos le dejaban solo, y Brown quedó tan impresionado con el tramo de batería, que decidió llamar a la canción "Funky Drummer", y publicarla como sencillo, separada en dos partes para cubrir las dos caras del single. La canción cosechó cierto éxito (llegó al 20 en la lista de R&B y al 51 en la lista pop de Estados Unidos), pero sus números no hacían imaginar que, años después, hablaríamos de una de las canciones más sampleadas de la historia de la música.

Kid A - #MesRadiohead

Kid A - #MesRadiohead

Vamos con los artistas de este mes, que son la banda Británica Radiohead, con su sonido de Rock Alternativo, que nos trae esta propuesta, el álbum Kid A que es su cuarto álbum de estudio de la banda de rock Británica Radiohead, este álbum fue lanzado el 2 de octubre del año 2000. Fue producido por el productor Nigel Godrich en París, Copenhague, Gloucestershire y su ciudad natal de Oxford, Inglaterra.

Radiohead consideró lanzar este álbum como álbum doble, pero decidió que era demasiado; y con todo el material no incluido editaron Amnesiac, ocho meses después.

Después del estrés de promocionar el aclamado álbum OK Computer de Radiohead de 1997, el compositor, Thom Yorke, quería alejarse de la música rock. Con influencias de la música electrónica, la música ambiental, el krautrock, el jazz y la música clásica del siglo XX, Radiohead utilizó instrumentos como sintetizadores modulares, ondas Martenot, metales y cuerdas. Procesaron sonidos de guitarra, incorporaron muestras y bucles, y manipularon sus grabaciones con software como Pro Tools y Cubase. Yorke escribió letras impersonales y abstractas, recortando frases y juntándolas al azar.

Kid A fue muy esperado. Alejándose de la práctica de la industria, Radiohead no lanzó sencillos ni videos musicales y realizó pocas entrevistas y sesiones de fotos. En cambio, se convirtieron en uno de los primeros actos importantes en utilizar Internet como herramienta de promoción; Kid A estuvo disponible para transmitir y se promocionó con cortometrajes animados con música y obras de arte. Se compartieron copias piratas de las primeras actuaciones en los servicios de intercambio de archivos y el álbum se filtró antes del lanzamiento. En 2000, Radiohead realizó una gira por Europa en una carpa hecha a medida sin logotipos corporativos.

Kid A debutó en la cima de la lista de álbumes del Reino Unido y se convirtió en el primer álbum número uno de Radiohead en el Billboard 200 en los EE. UU., donde vendió más de 207.000 copias en su primera semana. Su desviación del sonido anterior de Radiohead dividió a fanáticos y críticos, y algunos lo descartaron como pretencioso, deliberadamente oscuro o derivado. Sin embargo, más tarde atrajo elogios; al final de la década, Rolling Stone, Pitchfork y The Times clasificaron a Kid A como el mejor álbum de la década de 2000, y en 2020 Rolling Stone lo clasificó en el puesto 20 en su lista actualizada de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos". Al igual que OK Computer, ganó el Premio Grammy al Mejor Álbum Alternativo y fue nominado al Premio Grammy al Álbum del Año. Ha sido certificado platino en Australia, Canadá, Francia, Japón, Estados Unidos y el Reino Unido. Kid A Mnesia, una reedición de aniversario que compila Kid A, Amnesiac y material inédito, se lanzó en 2021.

Radiohead trabajó en el primer tema, Everything in Its Right Place, en un arreglo de banda convencional en Copenhague y París, pero sin resultados. En Gloucestershire, Yorke y Godrich transfirieron la canción a un sintetizador Prophet-5, y la voz de Yorke se procesó en Pro Tools usando una herramienta de limpieza. O'Brien y el baterista, Philip Selway, dijeron que la pista los ayudó a aceptar que no todas las canciones necesitaban que todos los miembros de la banda la tocaran. O'Brien recordó: "Estar genuinamente encantado de que hayas estado trabajando durante seis meses en este disco y haya resultado algo grandioso, y tú no hayas contribuido, es un sentimiento realmente liberador". Jonny Greenwood lo describió como un punto de inflexión para el álbum: "Sabíamos que tenía que ser la primera canción, y todo siguió después".

Yorke escribió una versión temprana de The National Anthem cuando la banda aún estaba en la escuela. En 1997, Radiohead grabó la batería y el bajo para la canción, con la intención de desarrollarla como cara B para OK Computer, pero decidió conservarla para su próximo álbum. Para Kid A, Greenwood agregó ondes Martenot y sonidos muestreados de estaciones de radio, y la voz de Yorke fue procesada con un modulador de anillo. En noviembre de 1999, Radiohead grabó una sección de metales inspirada en el "caos organizado" de Town Hall Concert del músico de jazz Charles Mingus, instruyendo a los músicos para que sonaran como un "atasco de tráfico".

Las cuerdas de "How to Disappear Completely" fueron interpretadas por la Orquesta de St John's y grabadas en Dorchester Abbey, una iglesia del siglo XII a unas cinco millas del estudio de Radiohead en Oxfordshire. Radiohead eligió la orquesta porque habían interpretado piezas de Penderecki y Messiaen. Jonny Greenwood, el único miembro de Radiohead formado en teoría musical, compuso el arreglo de cuerdas multipista de sus ondas Martenot. Según Godrich, cuando los miembros de la orquesta vieron la partitura de Greenwood, "todos se echaron a reír, porque no podían hacer lo que él había escrito, porque era imposible, o imposible para ellos, de todos modos". El director de la orquesta, John Lubbock, los animó a experimentar y trabajar con las ideas de Greenwood. La directora de conciertos Alison Atkinson dijo que la sesión fue "más experimental" que las reservas habituales de la orquesta.

"Idioteque" muestra dos piezas de música por computadora, "Mild und Leise" de Paul Lansky y "Short Piece" de Arthur Kreiger. Ambas muestras fueron tomadas de Electronic Music Winners, un LP de música experimental de 1976 con el que Jonny Greenwood tropezó mientras la banda estaba trabajando en Kid A. La pista se construyó a partir de un patrón de caja de ritmos que Greenwood creó con un sintetizador modular y una muestra de "Mild und Leise". Le dio la grabación de 50 minutos a Yorke, quien tomó una pequeña sección y la usó para escribir la canción. Yorke también se refirió a la música electrónica de baile cuando habló de "Idioteque", y dijo que la canción era "un intento de capturar ese sonido de ritmo explosivo donde estás en el club y el PA es tan fuerte que sabes que está haciendo daño".

"Motion Picture Soundtrack" se escribió antes del sencillo debut de Radiohead "Creep", y se grabó una versión en piano durante las sesiones de OK Computer. Yorke lo grabó en un órgano de pedales, influenciado por el compositor Tom Waits; los otros miembros de la banda agregaron muestras de arpa y contrabajo, intentando emular las bandas sonoras de las películas de Disney de la década de 1950. Radiohead también trabajó en varias canciones que no se completaron hasta las sesiones de grabación de futuros álbumes, incluyendo "Nude", "Burn the Witch" y "True Love Waits".

Daniel 

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0681: Big Yellow Taxi - Joni Mitchell

Compuesto por la cantautora canadiense en 1970, Big Yellow Taxi apareció originalmente en el álbum Ladies of the Canyon. Como buena profeta en su tierra, la canción llegó al puesto 14 en Canadá, cosechando además buenas posiciones en Reino Unido (nº 11) y Australia (nº 6). En Estados Unidos no logró tanta repercusión, llegando solamente al puesto 67 de las listas de ventas, pero todo cambió unos años después cuando, en 1974, una versión en directo se convirtió en todo un hit en el país de las barras y estrellas.

En palabras de su autora, Big Yellow Taxi' surgió durante un viaje a Hawaii. Al llegar, un taxi la trasladó al hotel y, a la mañana siguiente, al descorrer las cortinas de su habitación contempló un espectacular paisaje de verdes montañas en el horizonte, que contrastaba con lo que se veía al mirar hacia abajo, un gran parking que llegaba hasta dónde alcanzaba la vista. La idea de todo lo que se habría destruido para construir aquel parking fue la que le llevó a sentarse a escribir esta gran canción de concienciación medioambiental, un tema que hoy en día tiene, si cabe, todavía mayor relevancia.

En el verso final de la canción, el trasfondo político muta en una reflexión mucho más personal, cuando Mitchell relata cómo ve partir a su "viejo" en un "gran taxi amarillo", en lo que parece una referencia a la muerte de un ser querido, sin quedar claro si ese "old man" es un novio o un padre. También se ha interpretado el taxi amarillo como un coche de policía de Toronto, porque las patrullas solían tener ese color, y en ese supuesto sería la autoridad la que se estaría llevando al ser querido, para detenerlo o para acompañarlo hacia un lugar sin retorno, ese al que las decisiones medioambientales parecen estarnos llevando.

This Mortal Coil - It'll end in tears Píldora #10

This Mortal Coil es el esfuerzo colaborativo de Ivo Watts-Russell y una lista de superestrellas post-punk de los 80, Ivo es conocido por cofundar el sello discográfico británico 4AD, que ha sido el hogar de artistas como Bauhaus, Dead Can Dance, Cocteau Twins o Pixies. It'll End In Tears es una colección inquietante de ambient, dream pop, devastadores paisajes sonoros industriales y evocadores arreglos a cappella. Cada canción adopta un enfoque ligeramente diferente para crear el mismo estado de ánimo y creo ese es uno de los aspectos más notables del álbum. “Kangaroo” es una composición de Alex Chilton, cantante de Big Star, grupo norteamericano de cierto éxito a principios de los años setenta, la interpretación corre a cargo de Gordon Sharp acompañado por Simon Raymonde aunque la presencia del violonchelo de Martin McCarrick es muy notable. La canción estrella tiene como protagonista a Elizabeth Fraser, de Cocteau Twins, proporciona su gran voz para la impecable versión de "Song to the Siren" de Tim Buckley, Fraser interpreta con absoluta maestría una canción extraordinaria que ha conocido muchas versiones sin que ninguna haya conseguido acercarse a ésta, llena de sensibilidad y elegancia Destaca la conmovedora interpretación al piano de Howard Devoto de "Holocaust" de Alex Chilton, y la sensación inquietante de Watts-Russell, los espeluznantes ruidos industriales de Fryer en "Fyt", o la deslumbrante aventura de olas etéreas en "Dreams Made Flesh", de Lisa Gerrard de Dead Can Dance. El álbum sigue explorando sonidos de ensueño, a la deriva, ambientales e inquietantes, en una aventura bastante inspiradora con pistas como “Another Day” o “Waves Become Wings” otras grandes canciones que disfrutar.

 “It´ll End In Tears” destila sabiduría, nos habla de la vida y de sus imprevisibles condicionantes, y de personas que se encuentran atados a circunstancias y situaciones no deseadas. Cualquier alma sensible, encuentra en la audición de estas canciones esa complicidad existencial tan deseada por las personas solitariasAdemás suena muy fresco a pesar de que este álbum salió en 1984, consigue ser  tremendamente tranquilo, etéreo y, a veces, hermoso o incluso fascinante, algunas pistas como "Fond Affections" y "Kangaroo" pueden ser demasiado relajantes o minimalistas, pero sin ellas el álbum podría ser bastante monótono.

0680-. Every Night - Paul McCartney

 

Every Night, Paul McCartney

El 17 de abril de 1970 se produce el debut en solitario de Paul McCartney tras la separación de The Beatles con el disco titulado McCartney. El disco fue grabado entre el 1 de diciembre de 1969 y el 25 de febrero de 1970 entre la casa de Paul McCartney en Londres, los Morgan Studios de Willesden, Londres y los EMI Studios también de Londres, bajo la producción del mismo artista y publicado bajo el sello discográfico Apple Records.

McCartney llevó la grabación del disco en secreto utilizando equipos básicos de grabación en su casa de St John's Wood, en Londres. La mezcla y las grabaciones se llevaron a cabo en los estudios anteriormente citados. A parte de alguna que otra contribución ocasional de su esposa Linda, Paul grabó él sólo todo el disco, sobregrabando una cinta de cuatro pistas. El disco recibió en un principio críticas en su mayoría negativas, además de ser el artista vilipendiado, pues se le acusaba de haber acabado aparentemente con los Beatles. Posteriormente sería reconocida la importancia de este disco para los llamados músicos DIY (autogestionados) y los estilos musicales lo-fi (baja fidelidad). 

Incluida en este álbum se encuentra la canción Every Night, una canción que Paul escribió durante unas vacaciones en Grecia, y donde refleja la depresión que sufrió tras la ruptura de los Beatles. La canción también es toda una declaración de amor por su esposa Linda. McCartney llegó a declarar como se sentía: "Tienes que imaginar cómo te sentirías si tus tres mejores amigos de repente están en tu contra. Y sí, debo admitirlo, bebía alcohol y tomaba sustancias. Ese fue un periodo muy difícil para mí".

Disco de la semana 301: Skeleton Tree - Nick Cave and the Bad Seeds

 

Nick Cave ha tenido una gran carrera, que abarca más de 40 años, experimentando con más estilos que la mayoría (incluidos el punk blues, el cabaret oscuro, el rock gótico, la electrónica, etc.) y nunca rehuyendo la exploración de algunos muy incómodos, retorcidos, y temas deprimentes. En julio de 2015, Arthur, el hijo de 15 años de Nick Cave, murió tras caer por un acantilado en Brighton, Inglaterra. Nick no quería (no podía soportar) hablar con la prensa al respecto, así que grabó un documental, una entrevista de dos horas en sus propios términos, un día antes del lanzamiento de Skeleton Tree titulado One More Time With Feeling estrenado en cines de todo el mundo, donde vemos a Cave volviendo a grabar cortes vocales y hablando de su incapacidad para comprender la muerte de Arthur, es una película no sobre la muerte que sobre vivir después de ella pero la muerte, es la sombra que se cierne sobre Nick Cave tanto en One More Time with Feeling como en Skeleton Tree. Estamos ante un trabajo simple, crudo y fácil de gustar dadas las circunstancias, pero yo no lo llamaría un triunfo, no tiene como objetivo complacer a la multitud y conmover a los extraños.

Tiene la belleza idiosincrásica de lo que no está cargado de expectativas. Skeleton Tree no es un triunfo, no es inmortal, simplemente lo es y debe ser apreciado en consecuencia. El resultado es un disco bastante simple e íntimo. Si bien Nick Cave sigue siendo su yo colorido y original, parece estar lidiando con el dolor de una manera muy humana, la producción es matizada y sutil, pero la música y las atmósferas nunca son complejas, hay un instrumento que domina por encima de todos, es el piano donde resulta totalmente dominante, pero a menudo se toca solo un puñado de notas largas y persistentes a la vez.

 Abre el album “Jesus Alone”, Cave y sus músicos mezclan sonidos electrónicos e industriales de la vieja escuela que ahogan las notas del piano y les dan esa cualidad indefensa y fútil, es una canción bastante mas alejada de lo que encontraremos en el resto de Skeleton Tree . Es un sonido agradable, apasionante y bastante Nick Cave & the Bad Seeds , pero no pienses que es esto lo que estas a punto de escuchar. "Rings of Saturn", al igual que "Jesus Alone", es otro ejemplo de la estructura con la que Cave ha estado trabajando recientemente, donde establecerá un paisaje sonoro muy temperamental detrás de él mientras recita un monólogo de palabras habladas encima. Lo que hace que este en particular sea tan único y peculiar es la entrega de Cave, sus cadencias vocales me recuerdan extrañamente a un cantante de R&B que trata de convencer a su público con un disco de soul clásico. Funciona sorprendentemente bien sobre el instrumental de sonido sumergido que lo rodea: sintetizadores gruesos y acuosos se unen con algunos acordes de piano sombríos y un ritmo de caja de ritmos extremadamente distante que se reproduce en bucle a lo largo de la totalidad de la canción. "Girl in Amber" es aún más tenue y presenta el canto real de Cave que suena bastante conmocionado, y su suave interpretación del piano es a la vez escalofriante y espectral. Líricamente, la canción se lee como si tratara de alguien que se siente abrumado por algunas emociones negativas. De hecho, creo que podrían tratar sobre la esposa de Cave y su intento de sobrellevar la pérdida de su hijo (ella y Nick). Quizás las líneas: "Te arrodillas, ata sus zapatos, tu niño de ojos azules / Tómalo de la mano, muévete y gíralo por el pasillo" son sobre un recuerdo pasado relacionado con Arthur durante su infancia. Solo puedo imaginar cuánto dolor hay en recuerdos como ese después de la pérdida de un hijo. Simplemente trágico. "Magneto" es una canción definida por su minimalismo, la escasa acústica, el piano y el fondo se mezclan para crear cosas conmovedoras, no hay escapatoria en el espacio que se extiende mucho más allá del horizonte, dentro del cual un bajo late como una máquina en lento despertar y el piano, tentativamente, y la guitarra, punzante, hacen breves apariciones ocasionales. Cave dice que su memoria lo ha tragado por completo, él se enfrenta a la tragedia por fuera.

 

La segunda parte del disco saca a relucir la naturaleza oscura y melancólica de "Anthrocene", la extraña percusión a lo largo de "Anthrocene" (probablemente hecha con una caja de ritmos y bucles de batería) con sutiles notas de piano y ruidos de fondo y voces crean una atmósfera inquietante. Anthrocene, con su atmósfera más apremiante e incómoda te da la sensación que canta a centímetros de ti: lo suficientemente cerca para sentir su respiración, para escuchar los latidos de su corazón, es entonces cuando te inclinas. Mientras suplica en su entrega en "I Need You", respaldado por coros himnos con algunos sintetizadores y campanas tubulares, podemos hacer la misma comparación entre "Rings of Saturn" en esta no habla todo el tiempo, confiando en sus letras para transmitirse, tiene estos hermosos sonidos de fondo con una magnífica interacción de guitarra acústica y piano y, por supuesto, el canto sincero de Cave. En I Need You, quizás mi canción menos favorita del disco junto con Rings of Saturn , el dolor en la voz de Cave es palpable, es físico, como si alguien estuviera torciendo el interior de su estómago mientras canta, esa vulnerabilidad transparente y torturada me cautiva a pesar de sus temas y estructura más convencionales. “Distant Sky” es mi favorita, parece sencilla y comercial, pero muestra perfectamente la depresión y la devastación, es una canción para cuando no puedes mas. El instrumental y me encanta, cómo pueden doblarse en la mente de cualquier oyente con capacidad/interés para prestar suficiente atención, trasmite una multitud de cosas, suena tan... sin vida. Las cuerdas en la parte posterior agregan toneladas de efecto dramático. El dúo inesperado con increíble canto de Else Torp con la letra de Nick Cave es desgarrador, se aleja de la oscuridad de la primera mitad del álbum y se acerca a las orillas emocionales sobre todo gracias a Else Torp que adopta un estado de ánimo frágil, las partes que canta Torp son tan emotivas que sientes que Cave no podría soportar cantarlas. La canción de cierre "Skeleton Tree" es la última de las 3 canciones finales perfectas. Esta canción, de la que se dice que es mucho más dura que la original, comienza con una melodía de guitarra y piano que parece una canción de Slowdive pero en realidad se trata de una búsqueda para encontrar la paz al final de todo este desastre. Expresa sus sentimientos acerca de acostumbrarse a un dolor que nunca terminará y finiquita el álbum diciendo "Está bien ahora". Por primera vez, la muerte no es una historia interesante para Cave, sino una carga muy pesada a la que enfrentarse, y de alguna manera trata de sobrellevarlo.

0679 - Who Knows - Jimi Hendrix

0679 - Who Knows - Jimi Hendrix 

Who Knows es una canción de Jimi Hendrix, originalmente de su álbum en vivo de 1970 Band of Gypsys.

La canción fue escrita por Jim Hendrix y grabada en el Fillmore East Auditorium el 1 de enero de 1970, con el bajista Billy Cox y el baterista y corista Buddy Miles.

El álbum donde formó parte la canción es Band of Gypsys es un álbum en vivo de Jimi Hendrix y el primero sin su grupo original, Jimi Hendrix Experience. 

Fue grabado el 1 de enero de 1970 en el Fillmore East de la ciudad de Nueva York con Billy Cox en el bajo y Buddy Miles en la batería, a menudo denominado Band of Gypsys. El álbum mezcla elementos de funk y rhythm and blues con hard rock y jamming, un enfoque que más tarde se convirtió en la base del funk rock. Contiene canciones inéditas y fue el último álbum completo de Jimi Hendrix lanzado antes de su muerte.

Daniel 

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0678 - Crosby, Stills, Nash & Young - Our House

0678 - Crosby, Stills, Nash & Young - Our House

Our House es una canción escrita por el cantautor británico Graham Nash y grabada por Crosby, Stills, Nash & Young en su álbum Déjà Vu (1970). El sencillo alcanzó el puesto 30 en los EE. UU. Billboard Hot 100 y No. 20 en el Cash Box Top 100. La canción, "una oda a la felicidad doméstica contracultural", fue escrita mientras Nash vivía con Joni Mitchell, grabando Crosby, Stills & Nash y Déjà Vu.

Graham Nash admitió una vez que estaba "aburrido de 'Our House' el día después de que él la grabó", pero que lo toca de vez en cuando "porque significa mucho para tanta gente". Es elogiado por su "elegancia inocente", aunque Barney Hoskyns lo llamó una "cancioncilla trillada" y se preguntó qué habría pensado de él Neil Young, cuya canción de protesta "Ohio" fue grabada y lanzada por CSNY en junio de 1970.  "el viaje de 'Ohio' de regreso a 'Our House' parecía resumir un fallo general de nervios en la escena musical de Los Ángeles".  Quizás el uso más famoso de esta canción fue en The Strawberry Statement, una película de protesta de 1970.

La canción ha sido versionada por varios artistas, incluidos Helen Reddy, The Onyx, Phantom Planet, Sheena Easton, Kidsongs y Sharon, Lois & Bram.

Se utilizó como jingle comercial para la salchicha Eckrich en la década de 1980 y para anuncios de electrodomésticos Sears Kenmore en 1989. Ha aparecido en varios programas de televisión y películas. También se utilizó en un anuncio de Halifax Building Society en la década de 1990.

Nash interpreta la canción en el álbum Joni 75: A Birthday Celebration, una grabación de un concierto tributo de varios artistas para celebrar el 75 cumpleaños de Mitchell, lanzado en Decca en marzo de 2019.

Daniel 

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The Bends - #MesRadiohead

 

The Bend, Radiohead

     La banda brtiánica Radiohead, con su álbum debut, Pablo Honey, y con el sencillo del mismo, Creep, habían saboreado las mieles del éxito. Uns mieles que a punto están de tener consecuencias dramáticas, pues su larga gira de promoción y estar tocando las mismas canciones durante tanto tiempo hizo, según ellos mismos, que estuvieran atrapados en una especie de túnel del tiempo. La difícil adaptación a una gira que hizo que sólo en 1993 tocaran en más de 150 conciertos, sumado al repentino éxito de Pablo Honey, a punto estuvo de acabar con la separación del grupo.

La banda había comenzado a trabajar en su segundo álbum en 1994, de la mano del productor John Leckie, de los Abbey Road Studios. Existía mucha presión dentro del grupo, pues se esperaba que igualaran o incluso superaran el éxito de Creep. Las canciones de su nuevo disco, The Bends, no acababan de gustar a los miembros de la banda, les parecían antinaturales debido a que el grupo había estado ensayándolas quizás en exceso. Para disminuir el sentimiento de presión sobre el nuevo álbum realizaron una gira por Europa, el Lejano Oriente, Australia y México, algo que les vino de perlas para coger confianza. El grupo se había adelantado al lanzamiento de The Bends con la producción del Ep My Iron Lung, con el objetivo de demostrar que Radiohead debía ser conocido no sólo por el tema Creep.

The Bends fue grabado entre agosto y noviembre de 1994 entre los estudios Abbey Road y RAk de Londres y The Manor de Oxfordshire, bajo la producción de John Leckie, Nigel Godrich, Jim Warren y el mismo grupo, y publicado el 13 de marzo de 1995 bajo el sello discográfico Parlophone Records. El disco es considerado como uno de los mejors álbumes de la década y uno de los grandes pilares del rock alternativo. Pero tardó bastante tiempo, varios años, para que asi fuera considerado. El disco tomó el título de su segundo corte, y se refiere al síndrome de descompresión, un enfermedad aguda que afecta a la sangre y que se solía presentar en los buzos y los pilotos de aviones de la Segunda Guerra Mudial. Sin embargo Thom Yorke se sintió en parte desilusionado con el resultado de The Bends, pues esa gran fama adquiridad le hacía estar "en el filo del estilo de vida atractivo, descarado y acramelado de MTV", y sintió que estaba ayudando al consumismo. 

The Bends fue el primer disco del grupo que presentó en su potada ilutraciones de Stanley Donwood, quien se convertirá en el creador de todas sus ilustraciones desde entonces. Yorke y Donwood alquilaron una cámara de csete y filmaron objetos como señales de tráfico, empaques y farolas. Inspirados en la canción My Iron Lung, se metieron en un hospital donde acabaron grabando imágenes de un maniquí de RCP, el cual acabaron utilizando, y que según Donwood reflejaba "una expresión facial como la de un androide que descubre por primera vez las sensaciones de éxtasis y agonía, simultáneamente". Para crear la imagen, proyectaron el metraje de la grabación en un televisor y fotografiaron la pantalla. 

Comienza el disco con Planet Telex, Thom Yorke se encontraba ebrio e improvisando cuando grabó las voces. La banda había llegado  estudio después de habr bebido bastante y Yorke se tumbó en el suelo y empezó a cantar. Se hizo una única toma. El título original era Planet Xerox, pero Xerox era un nombre protegido por derechos de autor y no se le permitió usarlo, por lo que acabaron cambiándolo. The Bends, es un término muy utilizado en buceo y que se refiere a lo que le puede pasar a un buzo cuando sale a la superficie demasiado rápido. La canción cuyo nombre original era The Benz, fue escrita allá por 1992 antes de completar su álbum debut, Pablo Honey. El sonido del principio proviene de un alboroto sucedido fuera de un hotel en Estados Unidos, donde un hombre tenía un pequño micrófono en su jersey y no dejaba de gritar, y Yorke decidió grabarlo. Johnny Greenwood probó muchas combinaciones de guitarra y amplificador antes de volver a su Fender original y acabar de completar la pista en los estudios The Manor en Oxfordshire. High & Dry, delicada canción acústica que se burla de la vanidad machista. Un tema ue originalmente nunca fue pensada para el disco y fue incluida finalmente debido a su potencial atractivo comercial. Fake Plastic Trees, una canción que trata sobre un área en este de Londres llamada Canary Wharf, que fue construida en un terreno junto a los muelles del río Tamesis. Se suponía que iba a ser una importante zona comercial, pero acabó siendo afectada por la recesión. La zona fue ajardinada con muchas plantas artificiales, de ahí el título. Yorke grabó la canción acompañándose de una guitarra acústica, en una sola toma y luego la banda completó las demás partes a su alrededor. Bones, fue pensada incialmente con un ritmo de blues-boogie. Después de muchas pruebas acabron finalizando la canción en su segundo periodo de grabación en los estudios The Manor de Oxfordshire. Nice Dream se encarga de cerrar la cara A. Un tema que se grabó cuando los cinco miembros de la banda estaban tocando guitarras acústicas en una terraza de los estudios The Manor durante un soleado día de verano. La intención del productor John Leckie con esta canción era crear unambiente muy al estilo de "My Sweet Lord" de George Harrison. 

Abre la cara B Just, que surgió, según Yorke, como una competencia entre él y Johnny Greewood para obtener el mayor número  posible de acordes en una canción. A pesar de la gran variedad de sonidos de guitarra, la canción fue grabada en el estudio sin sobregrabaciones. De esta canción se realizó un vídeo donde vemos a Radiohead tocando en un piso con vistas a la calle, mientras aparecen subtítulos debajo. Un hombre decide tumbarse en medio de la acera, otro hombre tropieza con el que está tumbado y comienza a hablarle. Después de un rato, hay una multitud reunida alrededor del hombre que está tumbado y todos quieren saber porqué se encuentra así en medio de la acera. El hombre decide contarles algo y advertiles del peligro, y en ese momento los subtítulosde apagan. Lo que este hombre les cuenta hace que todos los demás le sigan y se acuesten. Radiohead nunca ha desvelado lo que dice el hombre para que él y todos los demás se acuesten y ha sido tema de debate durante años. My Iron Lung, cuyo significado es pulmón de hierro, y es un dispositivo que usaban las enfermeras en los años 50 para ayudar a respirar. La letra refleja como de afligida se sentía la banda cuando se hicieron conocidos simplemente por su tema Creep. Bulletproof... I Wish I Was, canción que como su título indica, alude a un Thom Yorke deseando no ser tan sensible. Johnny Greenwood y Ed O'Brien imporvisaron los efectos de sonido silvante y los alullidos fantasmales utilizando el canto de las ballenas. Black Star, según Yorke "la canción trata sobre tener sexo por la mañana, pues es el mejor momento para tenerlo, especialmente si te has cepilllado antes los dientes". Sulk, fue el último tema concebido para The Bends y fue escrita por Yorke originalmente en 1987 como respuesta al tiroteo del pistolero suicida Michael Ryan en Hungerford, del condado de Berkshire, al oeste de Londres, quien mató a 16 personas. Street Spirit, cierra lacara B y pr tanto este disco. Una de las canciones más oscuras y tristes, con unas letras extrañas y un mensaje premonitorio. Aunque Yorke no disfrutaba especialmente tocando este tema en vivo, se convirtió en una de las más esperada y solicitadas durante los conciertos.

The Bends era el segundo álbum de estudio de la banda británica y su fama crecía exponencialmente. Lo mejor estaba por llegar... 

0677-. I'll Never Fall in Love Again - Dionne Warwick

 

 I'll Never Fall in Love Again, Dionne Warwick

     Dionne Warwick tiene el honor de ser la segunda vocalista femenina, sólo por detrás de Aretha Franklin, con más canciones en la lista de sencillos Pop Hot 100 de la famosa lista Billboard estadounidense durante la segunda mitad del siglo XX. 80 sencillos en total, ya sean en solitario o en colaboración, de los cuales 12 de ellos alcanzaron el Top Ten. 

El 27 de abril de 1970 se publica el decimotercer álbum de estudio de Dionne, bajo el título I'll Never Fall in Love Again. El disco fue producido por los célebres compositores Burt Bacharach y Hal David, y publicado bajo el sello discográfico Scepter. En 1971, el álbum ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación vocal Femenina. 

Incluido en este disco se encuentra la canción que da nombre al mismo, I'll Never Fall in Love Again, la cual se convirtió en el octavo tema de éxito que alcanzaba el Top 10 en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100, llegando a situarse en el puesto número 6. 

La canción fue compuesta por el compositor Burt Bacharach, quien se encargó de la música, y por el letrista Hal David, quien se encargó de la letra del mismo. La canción fue compuesta originalmente para el musical de Broadway de 1968 Promises, Promises, la adaptación musical de Neil Simon del guión de Billy Wilder The Apartment (El apartamento). En 1969 se lanzaron varias grabaciones de la canción, pero una de las más populares fue la lanzada por Dionne warwick en diciembre de 1969, siendo incluida en el álbum del mismo nombre en 1970. 

Burt Bacharach y Hail David agregaron esta canción en el último momento, ya que se dieron cuenta que les faltaba una canción en el medio del segundo acto.Dionne Warwick grabó las cinco canciones del musical e incluyó tres de ellas en su álbum de 1968 Promises, Promises, dejando I'll Never Fall in Love Again para su disco del mismo nombre en 1970. Debido a que no hubo mucho tiempo para escribir el arreglo musical, y que Bart Bacharach en aquel momento fue hospitalizado por padecer neumonía, la canción fue interpretada con un acompañamiento de guitarra únicamente, algo inusual en las composiciones de Bacharach.

0676-. Machine Gun - Jimi Hendrix

 

Machine Gun, Jimi Hendrix

     Band of Gypsys, el cuarto álbum editado de Jimi Hendrix, fue un álbum grabado en vivo que supondría el último trabajo editado del guitarrista. Un proyecto de Hendrix junto al bajista Billy Cox y el baterista Buddy Miles, lanzado antes de su muerte en 1970. Fue el último disco que autorizó en persona. Tras la separación de The Jimi Hendrix Experience, Hendrix tocó en una formación llamada Gypsy Sun and Rainbows en el Festival de Woodstock, donde coincidió con Billy Cox. Tras la llegada a la misma de Buddy Miles, esta pasó a llamarse Band of Gypsys como tributo al gran guitarrista de jazz Django Reinhardt.

Band of Gypsys fue grabado el 1 de enero de 1970 utilizando el material de los dos últimos recitales de cuatro que tenía la formación programada en el mítico Filmore East de Nueva York, un compendio de temas que se movían entre el funk rok, rock psicodélico y hard rock. El álbum fue editado originalmente por el sello discográfico Capitol Records, con quien Hendrix tenía un contrato firmado en 1965, antes de saltar a la fama. En 1966 Hendrix comenzó una disputa sobre un contrato discográfico firmado con anterioridad por él mismo con el productor Ed Chalpin. Después de dos años de litigio, Hendrix y Chalpin acordaron que Chalpin tendría los derechos para distribuir un disco con material original del guitarrista, quien decidió que grabaría el álbum Band of Gypsys con material en directo para satisfacer dicho acuerdo.

Incluido en este álbum en directo se encuentra Machine Gun, que con sus más de doce minutos está considerada como una de las mejores interpretaciones de Hendrix. Los largos solos de guitarra los riffs de percusión se combinan con comentarios controlados para simular sonidos de un campo de batalla, como helicóptero, bombas que caen, explosiones, ametralladoras y los gritos y llantos de los heridos y afligidos. Hasta ese momento la mayoría de las canciones de Hendrix trataban sobre la espiritualidad y el amor, y este tema supuso un cambio de dirección, ya que es una historia contada desde la perspectiva de un soldado atrapado en una guerra. Para su composición, Hendrix se inspiró en la Guerra de Vietnam, el partido de las Panteras negras y los litigios comerciales con los que estaba lidiando Hendrix. Hendrix presentó Machine Gun dedicándosela a "Todas las tropas que luchan en Harlem, Chicago y, oh sí, Vietnam". Nunca se lanzó una versión de estudio de esta canción, pero si fue interpretada en vivo varias veces, la primera vez fue en 1969 en The Dick Cavett Show. La interpretación de la canción podía durar hasta los 20 minutos y la letra era diferente cada vez.

0675.- Fire and Rain - James Taylor

James Taylor fue la encarnación del cantautor en los años 70, suaves composiciones que acariciaban como la brisa de Laurel Canyon y un particular estilo de fingerpickin’ a la guitarra que no solo coloreaba sus propios discos sino que también apareció en alguno de los discos más importantes de aquella década como el Blue de Joni Mitchell o el Tapestry de Carole King. Nacido el 12 de marzo de 1948 en Boston, bajo el nombre completo de James Vernon Taylor, se trasladó, con toda su familia, a Carolina del Norte, conooció a Danny Kortchmar, un aspirante a guitarrista neoyorquino con el que compartía una afinidad por el folk y el blues. A los 14 años Taylor compuso su primera canción y al año siguiente, en 1963, ya estaban tocando en todos los garitos del Vineyard como Jamie & Kootch. Su quebradizo estado emocional le jugó una mala pasada en el año 1965 cuando tuvo que ser internado en el Hospital Psiquiátrico McLean a causa de una fuerte depresión que le tuvo al borde de la muerte. En el año 1966, ya superada la fase depresiva, volvió a la carga con su idea de formar un grupo. Se juntó a su buen amigo Kootch y a Joel O’Brien y creó The Flying Machine, un conjunto que grabó un single (“Night Owl”) y varias canciones posteriormente recogidas en el disco “James Taylor And The Original Flying Machine” (1967). James se convirtió por esa época en un impulsivo consumidor de drogas, especialmente de heroína, sufriendo una intensa adicción que le llevó de nuevo a ingresar en un sanatorio, el Austin Riggs. Al poco tiempo la banda se disolvió y Taylor pasó a cantar en los parques solo con su guitarra, pasando posteriormente la gorra. Su adicción seguía creciendo y el dinero escaseaba, así que un día apareció su padre por Nueva York, le metió en su coche y se lo llevó de vuelta a Carolina del Norte. Alli consiguió que Peter Asher, el pelirrojo componente del dúo Peter & Gordon, en ese momento productor de Apple Records, se fijase en sus posibilidades como cantautor y, tras mantener una entrevista con Paul McCartney, James logró que el sello creado por los Beatles publicara su primer LP en solitario, titulado simplemente “James Taylor” (1968), un estupendo trabajo producido por Asher, quien también se convirtió en su representante. El LP pasó inadvertido en su época, pero por lo menos le sirvió para ser contratado para un buen número de conciertos por tierras estadounidenses que tuvieron que ser cancelados cuando James  sufrió un accidente de motocicleta que le rompió algunos huesos de sus manos. Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron “Sweet Baby James” (1970), un disco en el que colaboró Carole King y que le convirtió en estrella gracias a singles como “Fire And Rain”, “Country Road” o el homónimo “Sweet Baby James”, todos ellos con rasgos autobiográficos. El álbum llegó al número 1.

Fire and Rain es probablemente la pista más notable en el catálogo de James Taylor. Esta canción muestra un poco más del lado oscuro de la composición de Taylor. El primer verso alude al suicidio de una amiga llamada Suzanne, y el segundo verso pasa a la lucha personal de Taylor con la adicción a las drogas. Fire and Rain eventualmente sería una canción que rompió a Taylor en la radio, pero rara vez tocó temas tan oscuros en los sencillos de radio que siguen. La canción es incluso un caso atípico en el álbum. Carole King ha dicho que su canción You've Got a Friend (que Taylor grabaría en su próximo álbum) fue escrita en respuesta a Fire and Rain. Todos conocemos la canción, la hemos estado cantando desde que éramos niños y estoy seguro de que todos estamos aburridos hasta las lágrimas. Sin embargo, en manos de Taylor, es una canción hermosa, perfectamente reconocible, pero al escuchar a Taylor cantarla siento que la escucho por primera vez. El hombre es verdaderamente un músico dotado.

Pablo Honey - Radiohead #MesRadiohead

Pablo Honey es el primer álbum de la banda de rock británica Radiohead, sin embargo, a diferencia de sus futuros discos, apuesta por un estilo grunge, impulsado por la guitarra, similar a lo que bandas como Nirvana estaban haciendo por la misma época, se menciona a menudo en el contexto del grunge, pero también hay mucho shoegaze, con guiños a la grandilocuencia de los primeros U2 y la melancolía melódica de The Smiths. Es por esta razón que muchos fanáticos descartan este álbum. No creo que Pablo Honey sea un gran álbum, pero sí creo que es perfectamente decente, con un puñado de temas sobresalientes y nada que yo llamaría absolutamente horrible. La historia posterior a Pablo es algo así como que la banda tiene mejores ideas y refina su sonido casi en protesta directa por el álbum, sacando joya tras joya a lo largo de su carrera hasta el momento y dejando que su debut acumule polvo en el armario, demasiado pintoresco y cursi como para escucharlo.

 

You es un gran comienzo para el álbum, con sus voces altísimas y puñaladas de guitarra esporádicas, sin embargo, pero percibo que la voz somnolienta y nasal de Thom es realmente molesta, entiendo que todo su truco es tener un falsete mareado, pero en mi opinión esto va demasiado lejos. Mejora la canción por las guitarras resplandecientes, la progresión poco convencional y las letras profundas crean una experiencia maravillosa, animándome a seguir escuchando. Sin embargo, no puedo evitar sentir que falta algo. Simplemente no lo siento tan apasionado o emocional como las canciones posteriores de Radiohead, lo que dificulta tomarlo en serio. 

Creep es, con mucho, la canción más conocida de Radiohead, y puedo ver por qué, tiene un tema identificable, un riff de guitarra pegadizo y salió en la cima del boom del grunge de los 90, la mayoría de los fans de Radiohead disfrutan sumergiéndose en esta canción, esto se debe principalmente a la infame aversión de Thom por él, y se niega a tocarlo en muchos de los conciertos de la banda. Creep no se parece en nada al estilo más ambicioso, electrónico y experimental que dominaría su trabajo posterior. Pienso que Creep es una muy buena canción, estructura silenciosa, ruidosa y tranquila con riffs enormes y abiertos. La guitarra suena ruidosamente antes del riff, con las voces agudas y limpias posteriores. How do you? destaca por un sonido grunge pesado y ruidoso, en lugar del estilo de rock alternativo ligeramente menos intrusivo del resto del disco, la canción no ha envejecido bien se esfuerza demasiado por igualar el espíritu rebelde de bandas como Nirvana, como se ve a través de sus voces molestas y sus letras mezquinas. La "producción" no es buena en absoluto y las voces y las letras son muy molestas. Cuando aparece el coro, se percibe forzado y fuera de lugar, su principal gracia salvadora es que son solo 2:12. Stop Whispering es una gran canción sobre enfrentarse a los demás y expresarse, se disfruta la progresión sutil, el mensaje edificante y el clímax caótico, sin embargo, no hay mucho que decir sobre esta pista. Aun asi disfruto de Stop Whispering, su clímax intenso es una de las partes más memorables del disco, además su uso de metáforas lo hace más interesante líricamente que varios otros temas aquí, algo con lo que Radiohead llegaría a la cima muchas veces en sus álbumes posteriores, haciendo que Stop Whispering fuera un poco olvidable, pero nada malo. Thinking about you es, con diferencia, mi canción más aburrida del álbum, combina todos los rasgos del grupo sin alma, genéricos para crear una de las peores pistas de Radiohead. La canción presenta una sensación aburrida y sin vida. Las guitarras acústicas se sienten tan fangosas y suaves, especialmente en comparación con otros álbumes como In Rainbows. Los acordes simples y repetitivos no ayudan a esto, lo que hace una canción aún menos interesante. Anyone can play guitar es quizás una de las canciones más infames de Radiohead, pero dicho esto, sinceramente, me gusta mucho la canción. Vale, es súper cursi y todo eso, pero es cursi en el buen sentido, el concepto de extrañar a una chica es dolorosamente cliché. La canción puede tener cierta relación con "Creep", en cuanto al estilo.

Ripcord abre la segunda mitad de Pablo Honey y está bien, el principal problema es que apenas desarrolla su concepto más cuando trata de cuántos niños no están preparados para la edad adulta, no es un mal concepto, sin embargo, cuando tu canción solo tiene dos líneas por verso, se me hace difícil sumergirme en esta idea, el instrumental puede volverse muy cursi en algunos puntos. Estoy pensando específicamente en la apertura, con su repentino cambio de silencio a fuerte, y su clímax, con su rápido estallido de guitarras. Es difícil de describir, pero este es Pablo Honey , ¿a quién le importa?. Vegetable ¿Desde cuándo tener autocontrol es algo malo? Aparte de eso, esta canción está bien, el puente es interesante, las guitarras son decentes y el canto es tolerable, pero no tiene el corazón de otras canciones de Radiohead. Prove yourself una de las canciones más cortas del álbum, con solo 2 minutos y 25 segundos, el cambio abrupto de silencio a alto es cursi como el infierno, y el coro se vuelve muy repetitivo en algunos puntos, no es una mala canción, ya que el solo de cierre es fantástico y Thom ofrece voces muy emotivas y la instrumentación es bastante buena, pero tampoco es genial. I can’t es una especie de cancion indie pop-rock pegadiza... si no hubiera sabido que se trataba de una canción de Radiohead, podría haber adivinado que era una canción australiana de este género. Bajos sutiles, riffs y voces dulces por momentos. Se vuelve agotador ver que cada canción trata sobre el mismo tema exagerado, sin darle ningún giro el canto es atractivo, el instrumental es agradable y el final es genial, pero no es memorable en absoluto. Lurgee es bastante buena, no es sorprendente, pero ciertamente es mejor que la mayoría de las canciones que la precedieron. Agradable ambiente indie pop-rock con dos guitarras solistas... una de las cuales suena más limpia que la otra,Thom tiene una interpretación vocal muy sincera y las guitarras hipnóticas y arremolinadas son fantásticas. Sin embargo, se queda como un interludio sólido que conduce al final de este álbum. Blow out es ambiente jazzy de salón de cócteles desde el principio con los platillos y el sonido de la guitarra solista., la canción comienza con melancolía y suaves acordes de guitarra, creando un estado de ánimo triste. Y para un álbum lleno de pistas sombrías y desgarradoras, eso hace que este sea un tono bastante apropiado para terminar, Thom comienza a cantar, su voz es más tolerable que la mayoría de las otras canciones, sin embargo, la letra honestamente podría necesitar algo de trabajo. Al igual que las 4 canciones anteriores, Blow Out trata una vez más el tema de la duda. Sin embargo, todo lo que se hace para engalanar esta idea es introducir vagas referencias a la mitología griega, específicamente a Aquiles y Medusa.

 

Pablo Honey obtuvo algunos hits pero el álbum cae de bruces en la segunda mitad. Allí, vemos canción tras canción con los mismos temas y sonidos agotadores, pero a pesar de esto, todavía tiene algunas pistas realmente buenas, aunque comúnmente es considerado como el peor álbum de Radiohead, y es fácil ver por qué. No intenta nada nuevo, no tiene mucha alma, las ideas de las canciones son genéricas y el canto de Thom es doloroso. Sin embargo, hay suficientes pistas buenas en este disco para escucharlo varias veces.

 

 

 

Blur - The magic whip Píldora #9

The Magic Whip fue escrito durante una estancia de Blur en Hong Kong, allí se suponía que la banda tocaría en el Tokyo Rocks Music Festival, pero fue cancelado, así que los chicos estuvieron atrapados en Hong Kong durante cinco días y para pasar el tiempo decidieron ser creativos y empezaron a componer canciones y no le salió nada mal. El estilo sigue siendo es el mismo, sigue siendo irresistible, recubren este disco de una mezcla de melancolía poco convencional, pero siempre con la prominente actitud de ser ellos mismos, estos detalles son los que hace que la banda sea lo que es, y justamente esto es lo que se espera de ellos durante los últimos años. Se inicia el album con "Lonesome Street" y con esa sensación clásica de Blur que recuerda los mejores momentos, una canción de rock emocionante, divertida y llena de energía que recuerda más a su era Britpop ya que tiene una estructura de canción similares, es optimista mientras habla de cosas turbias en Lonesome Street. “New World Tower” suena como algo sacado directamente de Everyday Robots (álbum solitario de Damon Albarn), Damon hizo la grabación mientras estaba de gira con su proyecto en solitario, y en la cancion canta sobre sus experiencias de viaje (luces de neón, enormes torres en el nuevo mundo, posiblemente trata sobre Hong Kong ya que fue la principal inspiración detrás del álbum). En el sencillo principal de este álbum “Go Out”, es una canción pop fantástica, es uno de mis mejores momentos del álbum, lo de Lo-ooo-cal es tan pegadizo y destaca esa sucia distorsión de guitarra, con Coxon tocando algunos rellenos entre el riff principal, disfrutamos de un puro estilo rock-n-roll con muy pocas locuras, convirtiéndose en una de las canciones más duras del álbum. “I Broadcast” es una psicodelia pop infundida con sintetizadores muy enérgicos, Coxon trae una guitarra más espacial aquí con un distorsionado ocasional, la línea de bajo de Alex James es mejor de lo habitual. "There Are Too Many Of Us" es un himno, líricamente es similar a The Universal en cierto modo por lo global, hay señales de llamadas telefónicas en segundo plano y el pequeño interludio es todo sintetizadores espaciales y suena realmente bien. “Mirrorball" es otra de las grandes, con la guitarra limpia de Coxon, es una de las primeras canciones en los que fácilmente se nota que hay un piano presente en el álbum, no sabría decirte si es algo bueno o no, pero la canción es buena casi un punto culminante. Para ser un álbum que inicialmente no estaba planeado y que simplemente sucedió, es la demostración de la química y habilidad que estos 4 muchachos aún tienen. Hay un par de pistas desechables, pero incluso con su corta sesión de grabación han demostrado que después de 16 años separados todavía tienen ese talento raro especial para producir música hermosa y relevante.

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