domingo, 12 de junio de 2022

Tina Turner - Rough #MesTinaTurner

 


Extrañamente ignorado en el momento de su lanzamiento, este álbum fue uno de los primeros pasos que Tina Turner dio en solitario después de dejar a ya sabeis quién, Acid Queen se basó en una sabia elección de canciones, buen gusto en los arreglos y la sombra de Mr Ike aún impregnando las sesiones. El álbum no es una joya pero tampoco tiene nada malo, es cierto que es un disco muy contemporáneo y con un sonido moderno para su época, jugaba hábilmente con la imagen de tigresa, todo pasión y grandilocuencia, pero también mostraba ternura en baladas como "The Woman In A Man's World", un estilo que raramente estaba presente en su catálogo anterior.

 

Rough se divide más o menos a partes iguales entre pomposos números disco y glam-pop igualmente llamativos que no ocultan la música de la época de la que salió. El productor Bob Monaco le da al disco más o menos la misma sensación que los álbumes contemporáneos de Rod Stewart, es decir, muy uniforme, inmóvil y, finalmente, simplemente aburrido. La banad que acompaña a Tino rayan a un gran nivel, pero realmente lo fuerte de este albuym son los registros vocales de Tina, aunque no fue suficiente, mientras que "Private Dancer" estaba rodeada de nuevos maestros del euro-pop que contrastaron su fuerte voz con sintetizadores, aquí ella todavía era una artista estadounidense rockeando en la década de 1970, canciones y no consiguió incendiar las listas de éxitos, hubo otros que también grabaron discos similares en ese momento que obtuvieron un resultado similar. El gran acierto de "Rough" es que en este trabajo mostró mucha más versatilidad de la que a Turner se le permitió antes: Ike quería que se sacudiera y se balanceara y mucha gente nunca pudo hacerse la idea de que podía cantar una balada, es cierto que las canciones no son nada especiales y no fue suficiente poner todo el empeño y trabajar en cuerpo y alma en el disco (Turner siempre le dio el 100%)  pero no se vendió bien, tal vez la falta de promoción por parte de la compañía discográfica jugó un papel en esto. En comparación con los fuegos artificiales que tuvo con su exmarido, a este álbum no le falta pasión -basta con escuchar su desgarradora versión de "Funny How Time Slips Away" con su espeluznante final gospel- pero recuerdo incluso ahora que al principio escuchando, pensé que su rock-meet-blues "Night Time Is The Right Time" o la explosión de Nueva Orleans llamada "Hurricane and Earthquake" tenían mucho más sentido artístico que su propio momento Donna-Summer en "Fruits of the Night". Destaco 'Fire Down Below' como uno de esos mini-clásicos enardecedores que tienden a ser olvidados; en este número bastante común de blues-rock, Tina ofrece una gran actuación, casi podías oler y visualizar ese fuego real ardiendo abajo mientras ella escupe la letra.

 

Turner tiene una voz excelente durante todo el álbum y todavía es un placer escucharla así, con una sensación de libertad y fuego claramente audible, que mujer, es una leyenda. No es que esté tremendamente decepcionado ni nada por el estilo - Rough es solo un producto típico de su época, nada más. Ha habido mejores y peores, y de hecho, incluso cuando se compara con algunos de los álbumes 'clásicos' de los años ochenta de Tina, no es tan malo en absoluto. Es solo que con un poco más de autocontrol y refinamiento, creo que Tina podría haber entregado mucho más que un disco 'decente' como este. Por otra parte, cabe recordar que fue un momento difícil para ella: bastante hacia con conseguir un contrato discográfico, por lo que simplemente tuvo que aceptar lo que le ofrecieron. Ah, y, para que conste, el álbum tiene la mejor carátula en un álbum en solitario de Tina Turner.

sábado, 11 de junio de 2022

0527.- Proud Mary - Creedence Clearwater Revival

 



“Proud Mary” (“Orgullosa María”) fue el primer gran éxito de Creedence Clearwater Revival, una canción que aún perdura como uno de los temas míticos del rock, escrita por John Fogerty, líder del grupo y excelente compositor, se lanzó como single el mes de enero de 1969 y fue incluida en el álbum LP “Bayou Country” de ese mismo año, alcanzando en muy pocas semanas el nº 2 en el top ten USA.

Su historia, que en principio puede parecer relacionada con una chica, hace referencia al “Mary Elizabeth”, uno de aquellos barcos a vapor con grandes ruedas de paletas destinados a navegar desde New Orleans por todo el Mississippi, de ahí lo de “rolling on the river” de su estribillo que incluso les hizo pensar en titularla “Rollin’ down the river”, aunque al final se decidieron por “Proud Mary” en homenaje al barco que traslada desde la ciudad al protagonista en busca de trabajo. La canción en si es una mezcla de rock, country, blues, e incluso gospel, el estilo característico de Creedence, con el típico riff de guitarra que aparece en muchos de sus temas y que el propio Fogerty ha reconocido estar muy influenciado por el gran guitarrista de soul y R&B Steve Cropper, famoso con su banda Booker T. & the M.G.’s y sobre todo con los legendarios The Blues Brothers: “El riff de ‘Proud Mary’ tiene una clara influencia de Steve Cropper. Pensé: ¿cómo lo tocaría con una guitarra grande?, porque era la 175 (Gibson 175) y por supuesto que el utilizaría una ´Tele’ (Fender Telecaster). Steve estaba llamado a ser el más grande guitarrista rítmico de la historia. Su estilo implicaba un montón de acordes y me atraía”. Una canción de escape, que alude a un grupo de motivos estadounidenses por excelencia: barcos fluviales, canciones de trabajo, espirituales negros, Mark Twain, "Proud Mary" fue una pista atemporal que contrastaba con el tumulto de finales de los años sesenta. Por supuesto, Fogerty no era reacio a los comentarios sociales, como lo demostrarán los tramos superiores de esta lista, pero "Proud Mary" lo encontró agregando un "estándar instantáneo" al cancionero de música folclórica estadounidense.

La canción ha pasado por la voz de Elvis Presley, pero lo que mucha gente asocia es Proud Mary con Tina Turner, que la cantó durante años y años después de hacer su primera versión en 1971, solo dos años después de salir de las manos de John Fogerty.


viernes, 10 de junio de 2022

El disco de la semana 279: The Blues Album - Joanne Shaw Taylor

 

The Blues Album, Joanne Shaw Taylor 


     Esta semana, para la recomendación semanal nos acercamos a la localidad británica de Wednesbury, situada en West Midlands, donde nació allá por 1985 Joanne Shaw Taylor, una de los grandes estandartes en la actualidad, por derecho propio, del blues rock británico. Atrás queda ya el año 2001, cuando fue descubierta por Dave Stewart, del grupo Eurythmics, cuando contaba con apenas 16 años. Dave lo tuvo claro, y al escucharla tocar la invitó a unirse a su banda DUP para la gira por Europa en 2002.

Joanne Shaw Taylor aprendió a tocar la guitarra bien temprano, insprándose en artistas de la talla de Stevie Ray Vaughan, Albert Collins y Jimi Hendrix. Su imagen suele esar asociada a la de una Fender Telecaster, guitarra que suele usar con asiduidad, aunque también suele usar Gibson Les Paul. También ha admitido que le gusta la Fender Stratocaster, pero ésta para trabajos de guitarra rítmica. Suele usar una Telecaster, a la que llama Junior, y que adquirió a la edad de 15 años, un modelo Esquire de 1966 modifcado y que compró de segunda mano en Londres, al que se le había agregado una pastilla de mástil humbucker Fender Jazz además de la pastilla de fábrica que llevaba en el puente. También suele usar una Telecaster modelo Fender Albert Collins, la cual fue un regalo que le hizo Joe Bonamassa

En 2009 Joanne debutaba lanzando su primer álbum de estudio, White Sugar, bajo el sello discográfico Ruf Records. Unos 13 años después, con 8 álbumes y un EP,  la genial guitarrista británica se ha asentado en la élite musical del blues rock, y esta semana vamos a recomendar uno de sus álbumes, más concretamente su último trabajo, The Blues Album, publicado en el año 2021. The blues Album empezó a tomar forma durante la pandemia, y para este proyecto contó con la colaboración en la producción de dos gigantes de la guitarra, Joe Bonamassa y Josh Smith, que ayudan a Joane a exprimir todo su potencial con la guitarra y con la voz. 

The Blues Album es grabado en los estudios Ocean Way de Nashville, bajo la producción, como hemos comentado anteriormente, de Joe Bonamassa y Josh Smith, y publicado en 2021 bajo el sello discográfico Keeping the Blues Alive, propiedad del mismo Joe Bonamassa. Los dos productores tenían claro que había que rodear a Joanne de musicos solventes, y para ello contaron con Reese Wynans (teclados), Greg Morrow (batería), Steve MAckey (bajo), Steve Patrick (trompeta), Mark Douthit (saxo) y Barry Green (trombón). También contaron con la colaboración de Mike Farris.



El resultado es The Blues Album, compuesto por doce versiones de blues, donde se nota el gran trabajo a la producción de los dos excelsos gutarristas, y donde Joanne está a la altura dando su propio toque personal con su indudable calidad a la guitarra, y también con su áspera y elegante voz. Compone el material de este disco Stop Messin' Round, compuesta por Peter Green, y que fue grabado por primera vez por éste en 1968 e incluido en el ábum Mr. Wonderful de Fleetwwod Mac. Una versión donde destaca el buen hacer de los teclados. If That Ain't a Reason, compuesta por Little Milton y publicada en su álbum Chronicle en 1979. Podemos  apreciar el gran trabajo vocal de Joanne, muy bien escoltada por unos magníficos coros. Keep On Lovin' Me, tema escrito por Otis Rush y publicado en 1969 en su álbum This One's A Good 'Un. Tema con unos buenos arreglos de la sección de metales, y un sólo abrasivo de la guitarrista marca de la casa. La ardiente y apasionada If You've Gotta Make a Fool of Somebody, escrita por Rudy Clark y grabada por pimera vez en 1961. Sería convertida en un clásico por la gran Aretha Franklin en su grabación en 1969. Don't Go Away Mad, tema acreditado a Ry Cooder, John Hiatt, Nick Lowe, y Jim Keltner, quienes en 1992 formaron un supergrupo llamado Little Village y lanzaron un álbum de título homónimo. Este tema forma parte de este disco. En esta alegre versión Joe Bonamossa colabora aportando su toque en la guitarra y las voces. En Scraps Vignette Joanne saca a relucir todo su potencial en este breve instrumental lleno de garra y fuerza escrito por Josh Smith. Tampoco se olvida del gran Albert king en su repertorio, y el tema elegido es Can't You See What You're Doing To Me, tema que el guitarrista lanzó en fomarto single en 1970 bajo el sello discográfico Stax. Let Me Down Easy, otro tema popularizado por Little Milton y que fue compuesto por Maurice Dollison. Dollison escribió temas de éxito para artistas de la talla de Etta james, Otis Clay o Blood, Sweat & Tears entre otros. En esta versión, Joanne es capaz de inyectar, con su voz lenta y cruda, al tema un plus de emoción e intensidad. El alegre Two Time My Lovin', escrito por Kim Wilson, vocalista de The Fabulous Thunderbirds, y que fue publicado en su álbum Tuff Enuff (1986). Cierran la brillante selección de once temas de este álbum dos escritos por Don Covay, famoso compositor y cantante estadounidense de R&B, rock and roll y soul: I Don't Know What You've Got, un medio tiempo que se mueve entre el soul y el blues, y grabado y popularizado por Little Richard allá por el año 1965. Joanne cuenta en este tema con la colaboración de Mike Farris, quien agrega armonías vocales y coros; y Three Time Loser, cerrando este disco a rimo de shuffle (ritmo musical vinculado al blues y el jazz).

The Blues Album es un más que recomendable disco, surigo en una época difícil, la pandemia, para darnos ilusión y esperanza. Joanne ve convertido en realidad uno de sus sueños, trabajar con uno de sus ídolos, Joe Bonamassa, y además se suma al proyecto otro de los grandes, Josh Smith. Y la gran guitarrista sabe aprovechar esta oportunidad que se le brinda, no en vano ahora mismo es el referente, la punta de lanza del blues rock británico, un título que se ha ganado a pulso con trabajo, dedicación y esfuerzo. 

0526.- Graveyard Train - Creedence Clearwater Revival

 

Graveyard Train, CCR


     Mientras la Creedence Clearwater Revival lleva un cargado calendario para promocionar su álbum debut, paralelamente trabaja en su siguiente proyecto. Este proyecto acabará llamándose Bayou Country, que supondrá un antes y un después en la carrera del grupo, ya que será el primero de los considerados grandes discos del grupo. El disco es grabado en los RCA Studios de Los Ángeles a finales de 1968 bajo la producción del propio John Fogerty, y publicado bajo el sello discográfico Fantasy Records el 5 de enero de 1969. El disco alcanzará el puesto número 7 en las listas de ventas de Estados Unidos, siendo el primero de una larga lista de éxitos que abarcarán dichas listas durante los siguientes tres años.

John Fogerty, Tom Fogerty, Doug Clifford y Stu Cook, los miembros de la banda, eran conscientes de que después de su primer álbum de estudio debían sacar otro buen disco para que la crítica y las ventas les acompañaran, ya que estaba en juego la  continuidad de la banda o la disolución de la misma y la vuelta a la vida normal para ganarse la vida trabajando como habían estado haciendo. Alentado por todo esto John Fogerty se puso a trabajar sin descanso y a componer lo que acabarían siendo clásicos no sólo de la banda, sino de la música rock. El resultado es la fusión de las influencias de John Fogerty, un disco que abarcará el rock, el blues y el rock sureño. El grupo, tratando de cuidar todos los detalles, se traslada a los famosos RCA Studios de Hollywood, donde los Rolling Stones habían grabado la memorable Satisfaction, y graban todos los temas en riguroso directo. Una vez grabado, John Fogerty perfeccionó todas las partes vocales y algunas partes instrumentales, añadiendo material también a éstas. El resultado no pudo ser mejor, nacía Bayou Country, el primero de los grandes discos y uno de los más influyentes de la Creedence Clearwater Revival

Incluido en este álbum se encuentra Graveyard Train, un tema donde la banda mezcla grandes dosis de experimentación e improvisación, con todo el protagonismo para los solos de guitarra y armónica y la voz de John mientras se repite la misma estructura rítmica de bajo y batería durante toda la canción. La canción tiene un estilo que nos recuerda a Howlin' Wolf, el cual era uno de los grande ídolos e influencias de la banda, y donde nos hablan del amor y la muerte, temáticas muy habituales y que solían combinarse mucho en el blues. Sobre esta canción John Fogerty relataba cómo la grabó : "Me senté para hacer esta canción cantando una partitura con notas escritas para mí. Las luces estaban apagadas y yo simplemente me senté allí, como si estuviera en mi habitación, como cuando era un niño pequeño. Ni siquiera podía ver a los otros chicos, sólo yo y el micrófono en la oscuridad. Tenía que estar evitando que mi guitarra entrara tocara y se acoplara con el micrófono vocal, y además tuve que agarrar una armónica y tocarla. Fue muy incómodo y difícil para mí.

jueves, 9 de junio de 2022

0525 - Bootleg - Creedence Clearwater Revival

0525 - Bootleg - Creedence Clearwater Revival 

En el apogeo de Creedence Clearwater Revival esta banda edita el éxito Bootleg a principios del 69, mientras interpretan este tema muy bailable de su exitoso álbum 'Bayou Country'

Creedence Clearwater Revival inmediatamente después de su primer gran éxito, con el sencillo No. 2 de Billboard 'Proud Mary', muestran su nueva confianza como músicos con una reinvención de la música de raíces sureñas estadounidenses.

En realidad, podríamos engañarnos haciéndonos creer que esta banda es de Mississippi en este divertido video de la canción Bootleg, y ¿a quién no le gusta una fiesta con baile y con chicas lindas en un barco fluvial?. 

Después de un rápido delirio del video musical, con ese gran ritmo de dos acordes, entra el vocalista principal, el guitarrista principal y el compositor, John Fogerty, y lo toca genial, como el bluesman del campo rural. Fogerty es a partes iguales Huck Finn, Scotty Moore y Hank Williams con su camisa a cuadros, chaleco vaquero, botas y cabello desgreñado. Doug Clifford, el baterista, con su camisa de diente de sierra del oeste, cabello largo y barba, continúa con el tema estadounidense. 

No hay nada realmente notable aquí en cuanto a producción o efecto cinematográfico de este video musical. El significado de Bootleg es, de hecho, que estos músicos, han creado el mito, y representan un renacimiento de la música de raíces estadounidense única que impulsaran contra la marea de la psicodelia hippie y las canciones de protesta. Creedence sigue el ejemplo de Bo Diddley y el sonido de Memphis con un ritmo increíblemente simple pero contagioso. 

Esta no es una música demasiado complicada. Es sentir sobre la técnica. Y, en verdad, Creedence no es del Sur. La banda es de los suburbios de clase trabajadora de East Bay en el área de la Bahía de San Francisco en el norte de California. 

Y este video era, en realidad, una promoción filmada en un crucero por el puerto, en el Puerto de Los Ángeles, y no en un río en absoluto. 

John Fogerty no es un verdadero cowboy del Mississippi, pero sabe un par de cosas sobre la música sureña, el mito de la cultura americana y el mundo del espectáculo también. Solo mire este video Bootleg, y lo entenderán.

Daniel
Instagram Storyboy


miércoles, 8 de junio de 2022

Tina Turner - Acid Queen #MesTinaTurner





Para Acid Queen (1975), su segundo álbum en solitario, Tina Turner se inspiró en su papel de Acid Queen en la película de la ópera rock Tommy de The Who, e incluyó en el disco la canción del mismo título que interpretaba en el film. El disco obtuvo críticas mixtas, y en general se valoró positivamente la interpretación vocal de Tina, y se criticó la inconsistente selección de canciones, que parecía reflejar que el proyecto no tenía un objetivo claro, o que el primer objetivo quedó incompleto y se optó después por completarlo con otras canciones del fondo de armario del proyecto paralelo Ike and Tina Turner.

Para comprobar esto, no hay más que fijarse en la composición de las dos caras. La primera es una prometedora lista de versiones de canciones rock, para arropar a la canción titular y mostrar esa faceta rockera que tan bien le fue después a la voz de Tina en sus discos de los ochenta y noventa. Comienza con Under my thumb y Let's spend the night together, versiones de temas de The Rolling Stones, antes de revisitar la ya mencionada interpretación del Acid Queen de The Who, que repiten también en la versión de Tina de su I can see for miles. La cara rockera se completa con una brillante versión del Whole Lotta Love de Led Zeppelin, y dejando en general un buen sabor de boca y ganas de más.

Sin embargo, al dar la vuelta al disco, la reina ácida se evapora incomprensiblemente, y la sombra de Ike planea sobre el proyecto, borrando del mapa toda referencia al rock lisérgico al que se rendía pleitesía en los temas anteriores. Acid Queen fue el último disco en solitario de Tina Turner antes de su separación definitiva de Ike & Tina Turner, pero al estar todavía bajo el influjo de su pareja, llama la atención que pese a ser un disco de Tina en solitario, el single de lanzamiento fuera Baby, get it on, el dúo con Ike que abre la segunda cara. El resto de temas del disco (Bootsey whitelaw, Pick me tonight y Rockin' and rollin) están también firmados por su famoso y conflictivo marido, como si hubiera irrumpido en su dormitorio para despertar a la reina de su sueño ácido, y llevarla de nuevo a los caminos del soul y el R&B.

En conjunto, y a pesar de la gran disparidad entre ambas caras, es un disco destacable que se puede entender incluso como dos interesantes EP's publicados en un solo producto, y una evidente transición entre el pasado (Ike and Tina) y el futuro que Tina empezaba ya a construirse. Habrá quién prefiera una cara antes que la otra, pero no se puede negar que cada una, a su manera y estilo, son por igual demostraciones de la energía y el derroche de una artista única, merecedora de que este mes de Junio se convierta en el #MesTinaTurner. Así que Dios salve a la Reina, en cualquiera de sus diferentes caras.

0524.- Born on the Bayou - Creedence Clearwater Revival



Born on the Bayou es una de las canciones más especiales de los estadounidenses Creedance Clearwater Revival, y la elegida para abrir su segundo álbum de estudio en 1969. Escrita por John Fogerty en el pantano que describe, transmite a la perfección el ambiente sureño y los recuerdos del calor del verano de una infancia pasada en el "Bayou" a pesar de que el autor no había estado nunca allí hasta el momento de escribir la canción.

Para escribirla, se inspiró en el estilo de canciones de Howlin' Wolf y Muddy Waters, y buscó la inspiración mirando a las paredes vacías de su apartamento, y escribió la letra sin ayudarse de su guitarra ni de ningún otro instrumento, tal y como lo haría un escritor. Pronto quedó claro que aquella letra surgida de las paredes desnudas de aquel pequeño apartamento crecería con un buen ropaje eléctrico, y se lo dieron con una guitarra Gibson ES -175 que fue la responsable de la mítica intro de la canción y de unos acordes de marcado sabor a blues rock sureño.

Curiosamente, la guitarra Gibson utilizada en Born on the Bayou fue robada del coche de Fogerty poco después de la grabación, como si el destino hubiera querido que el sonido de una canción tan mítica no pudiera nunca más intentar repetirse, o al menos no con la misma guitarra. Hay momentos que son únicos, y así se deberían quedar en nuestra memoria. Born on the Bayou es sin duda uno de ellos.

martes, 7 de junio de 2022

0523.- For once in my life - Stevie Wonder



For once in my life (Por una vez en mi vida) es una de las baladas más recordadas de Stevie Wonder, pese a no tratarse de un tema original del artista estadounidense. Fue grabado por primera vez por Barbara McNair, aunque se publicaría antes la versión de Jean DuShon, y posteriormente ha sido interpretado también por artistas de la talla de Diana Ross, The Four Tops o The Temptations, pero ninguna de esas versiones alcanzó la fama y el reconocimiento que consiguió la versión de Stevie Wonder de 1968.

Curiosamente, Stevie Wonder grabó la canción casi al mismo tiempo que la versión que de la misma canción hicieron The Temptations, y en aquel momento Berry Gordy, el capo de la Motown, prefirió la versión de los Temptations. Esto hizo que la versión de Wonder, mucho más rítmica y positiva, quedara archivada y sin fecha de publicación prevista, hasta que Billie Jean Brown, jefe del departamento de control de calidad de Motown, convenció a Gordy de que estaban ante un hit en potencia.

Y así era. El For once in my life de Stevie Wonder se convirtió en un enorme éxito desde su publicación en octubre de 1968, alcanzando el segundo puesto del Billboard estadounidense. Por una vez en la vida, el olfato le había fallado al normalmente infalible Berry Gordy, y a punto había estado de dejar que uno de los grandes temas de los años sesenta se llenara de telarañas en algún almacén de la discográfica. Sin desmerecer a The Temptations, eso habría sido un error imperdonable a la vista del resultado de la mágica interpretación de Stevie Wonder.

lunes, 6 de junio de 2022

0522.- Oscillations - Silver Apples


Silver Apples fue una de esas bandas pioneras del rock protoelectrónico que surgió en los años 60 experimentales y a pesar de no ser un nombre tan reconocido como muchos otros grupos de la época, logró sembrar sus semillas en el tejido del mundo del rock, solo para encontrarlos brotando varios años después. La banda era esencialmente un dúo compuesto por Simeon Oliver Coxe III, que simplemente pasaba por The Simeon y Danny Taylor. Ambos miembros surgieron de la banda de rock The Overland Stage Electric Band, que tocaba regularmente en East Village, Nueva York, pero después de la fascinación de Simeon con un oscilador de audio de la década de 1940 que estaba tratando de incorporar a la banda, pronto se separó y trajo al baterista Danny. Taylor a lo largo del viaje. Después de algunos ajustes ingeniosos en su oscilador, el dúo se dispuso a grabar un álbum extremadamente experimental para el tiempo que siguió al gran año 67 cuando The Beatles cambiaron todas las reglas con "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club". Lanzaron su debut homónimo en Kapp Records apenas seis meses después y solo unos meses después que los otros grandes pioneros electrónicos estadounidenses, The United States of America. Donde SILVER APPLES se diferenció de los otros pioneros electrónicos de la época fue en el hecho de que no usaron efectos electrónicos como meros generadores atmosféricos envueltos en los aspectos rockeros de la música. De hecho, lo fusionaron todo con la música rock en sí, creando así algo del primer minimalismo sintetizado en un contexto de rock, como el que reverberaría en el mundo Neu!, Can y, sobre todo, Kraftwerk y, a su vez, la técnica se adelantó mucho a su tiempo y encontró su camino en toneladas de música dance de los 70 e incluso en el indie rock de los 90.

El primer trabajo de nuestros Silver Apples, grabado a primeros de 1968 y editado por el sello local Kapp en Junio de ese mismo año, lleva el mismo título de la banda y se alinea fielmente en el estilo de música electrónica de la época. Estilo que, pretendiendo transmutar al oyente hacia una nueva experiencia psíquica, intenta con sus pulsaciones una suerte de reacción interna y externa en el mismo, una amalgama de sensaciones "innerspace" y "outerspace" que le conduzcan hacia territorios de examen interior y de comunión colectiva en un cosmos alejado de su espacio más cercano. Lo que se persigue, en definitiva, es lograr que el receptor entre en trance, ese estado propiciado por un "medium" que trata de lograr efectos paranormales, mediante la repetición sistemática de un ritmo que conduzca hacia un estado controlado de tensiones casi hipnóticas.


La pista de apertura "Oscillations" establece el tono para todo el álbum a seguir. Comienza la canción con un oscilador que cambia de tono antes de que se una un maravilloso ritmo de batería de los años 60. La yuxtaposición de lo familiar con lo poco ortodoxo es lo que hace de esta una mezcla interesante, es una canción increíblemente primitiva en concepto e instrumentación, sonando casi tribales. El trabajo de abstracción absoluta para crear lo más básico con lo más avanzado es tremendo, demostrando ser una canción muy adelantada a la época, y esto lo consiguen simplemente a través de una serie de pitidos distantes, electrónica burbujeante, melodías computarizadas de la era espacial, respaldadas por un ritmo de batería vagamente sincopado y una línea de bajo funky.


domingo, 5 de junio de 2022

0521.- Spinning Wheel - Blood, Sweat & Tears

 

Spinning Wheel


     Blood, Sweat & Tears es un banda de música de jazz rock fundada en Nueva York en 1967, y que se caracteriza por sus complejos arreglos fusionando rock, blues, pop y jazz. Con su peculiar sección rítmica clásica y su sección de instrumentos de viento, crearon también una peculiar forma de entender el R&B y el soul. En enero 1969, bajo la discográfica Columbia Records, publican Blood , Sweat & Tears, el segundo álbum de estudio de la banda. El disco es grabado en octubre de 1968 en los CBS Studios de Nueva York bajo la producción de James William Guercio. El disco alcanzó un gran éxito comercial, alcanzando tres sencillos del álbum el top 5 en las listas de Estados Unidos, y ganando un premio Grammy por el Álbum del Año en 1970.

Incluido en el álbum se encuentra la canción Spinning Wheel, escrita por el  vocalista principal del grupo, el canadiense David Clayton-Thomas. La canción fue lanzada como sencillo en mayo de 1969, y logró alcanzar el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, permaneciendo en esa posición durante tres semanas. También fue nominada a tres premios Grammy en 1970, en la categoría de Mejor Arreglo Instrumental, Grabación de Año y Canción del Año, ganando el premio en la categoría de Mejor Arreglo Instrumental. La canción tiene una curiosidad, termina con la melodía austriaca de 1815 O Du Lieber Austin, seguido de un comentario del baterista Bobby Colomby que dice: "Eso no fue demasiado bueno", para finalizar on las risas del resto del grupo. Según el productor de la canción, James William Guercio, esta sección final se agregó en el último instante después de que uno de los ingenieros de sonido lo grabara accidentalmente en el final de la cinta maestra. En cuanto a la temática de la canción, Spinning Wheel (La rueda giratoria) era una metáfora intrigante de los ciclos y las cosas por las que pasamos durante la vida. La canción estaba inspirada en una canción de Joni Mitchell llamada The Circle Game, donde la cantante hablaba sobre los ciclos estacionales. El cantante y compositor de la canción, David Clayton-Thomas, era canadiense al igual que Joni Mitchell y conocía muy bien la obra de la cantante y compositora. Tal fue el éxito de esta canción, que Blood, Sweat & Tears se convirtieron por entonces en un banda muy solicitada, formando parte del famoso Festival de Woodstock de 1969 y siendo los segundos mejor pagados del citado festival, sólo por detrás del gran Jimi Hendrix.

Tina Turner - Tina Turns the Country On! #MesTinaTurner

 

Tina Turns the Country On!, Tina Turner


      Comienza un nuevo mes, junio, y toca despedir y dejar marchar a Led Zeppelin, grupo que nos ha acompañado durante el mes de mayo, y dar la bienvenida al artista que nos va a acompañar durante este mes que entra. Damos la bienvenida a una cantante, compositora, bailarina, actriz y coreógrafa de nacionalidad suiza y origen estadounidense que, con una carrera de más de cincuenta años, se ha convetido por derecho propio en uno de los mayores referentes musicales de la historia, siendo apodada "Queen of Rock 'n' Roll". Bienvenidos al mes de Tina Turner, una mujer que primero saltó a la fama junto con su por entonces esposo Ike Turner con el dúo Ike & Tina Turner. Pero no fue un camino fácil, pues mientras probaba las mieles del éxito junto con Ike Turner, paralelamente sufría continuos episodios de violencia domestica por parte de éste. Tina, todo valentía y carácter, fue capaz de dejar todo aquello atrás y de lanzarse hacia una exitosa carrera en solitario. Y precisamente aquí, en 7dias7notas vamos a dedicar el mes de junio a desgranar la discografía en solitario de esta maravillosa artista.

Nos encontramos en 1974 y Tina todavía forma parte del dúo Ike & Tina Turner.  Su todavía esposo Ike Turner quería que Tina llegara a una audiencia más amplia, y en ese contexto se graba el primer álbum de estudio en solitario de Tina, Tina Turns the Country On!. El disco es grabado en junio de 1974 en los Bolic Sound estudios de Inglewood, California, propiedad de Ike Turner, quien no participó en la grabación del álbum ni estuvo presente mientras se grababa el mismo. El álbum es producido por el reconocido productor de Nashville Tom Thacker, y publicado bajo el sello discográfico United Artists en septiembre de 1974. Para la grabación del material Tina cuenta con la colaboración de Mark Creamer, James Burton y JD Minnis a las guitarras, Glen Hardin y John Hammond al piano, Joe Lamano al bajo, Mike Botts a la batería, Tom Scott al saxo y la flauta, y Terrance Lane a la percusión.

El disco debut de Tina es un compendio de versiones de varios artistas de música country y folk, entre los que se encuentran Kris Kristofferson, Bob Dylan, Olivia Newton-John, James Taylor o Dolly Parton. La cantante se abre a otros estilos como el country, el folk y el soft rock, y es capaz de moldear su voz desde los registros y tonos más suaves hasta los más fuertes y ásperos, siendo capaz de adaptarse a cada tema y hacerlo suyo, demostrando una gran habilidad para cantar otros géneros musicales. De este álbum no se lanzó ningún sencillo y aún así le valió a Tina su primera nominación al premio Grammy a la Mejor Interpretación vocal de R&B



El álbum, como ya hemos comentado, es un compendio de versiones que Tina realiza, de forma brillante, de clásicos de la música country y del folk, entre las que destacan There'll  Always Be Music de Dolly Parton; Help Me Make It Through the Night escrito por Kris Kristofferson en 1970, inspirándose para escribirla en una entrevista de Frank Sinatra que había aparecido en la prestigiosa revista Esquire, y en la que el cantante afirmaba que era creyente en cualquier cosa que le ayudara a pasar la noche, mujeres, alcohol o una biblia...; Tonight I'll Be Staying Here With You, compuesta por Bob Dylan en 1969. Un tema donde la letra nos relata la devoción del protagonista por su amante y su deseo de quedarse con el/ella; La balada pop con sabor a country If You Love Me (Let Me Know), escrita por John Rostill, integrante del grupo The shadows, y que había sido popularizada en abril de 1974 por Olivia Newton-JohnHe Belongs to Me, otra composición de Bob Dylan, compuesta por el artista en 1965, y de la que siempre se especuló que podía haber sido escrita sobre la ex novia de Dylan, Suze Rotolo o también sobre Joan Baez, Nico o Sara Lownds, esta última con la que el artista se casaría en 1965; o I'm Moving On, escrita por el artista de música country canadiense-estadounidense Hank Snow en 1949, grabado por él mismo en 1950, y que supuso su primer gran éxito. Una canción que también había sido versionada anteriormente por artistas como Ray Charles, Rolling Stones o Elvis Presley

Tina Turns the Counry On! es consierado el primer álbum en solitario de Tina, aunque todavía formaba parte del dúo Ike & Tina Turner. Fue grabado en un contexto algo atípico, en un intento de Ike Turner porque Tina llegara a una audiencia de otros géneros musicales, más amplia, y Tina lo grabó sin ninguna aportación ni colaboración de Ike, dando como resultado un excelente álbum, y demostrándose a sí misma que no le hacía falta estar bajo el represivo yugo de nadie para triunfar. Dos años después de la grabción de este álbum Tina abanonaría la represiva y tóxica relación con Ike Turner y empezaba a forjar su leyenda en solitario.

sábado, 4 de junio de 2022

0520.- Stray Cat Blues - The Rolling Stones

 

Stray Cat Blues, The Rolling Stones


     Beggars Banquet supuso el séptimo álbum de estudio en el Reino unido y el noveno en Estados Unidos de la banda británica The Rolling Stones. El álbum fue grabado entre marzo y julio de 1968 entre los Olympic Studios de Londres y los Sunset Sound de Los Ángeles, y publicado el 6 de diciembre de 1968 por el sello discográfico Decca Records para el Reino Unido y por el sello London Records para Estados Unidos. Este álbum es considerado como el primero de los cuatro álbumes considerados como la cima de la obra de los Stones, y al que seguirían Let It Bled (1969), Sticky Fingers (1971) y Exile On Main St. (1972). Este disco cuenta con una base de rhythm & blues con la que la banda regresaba a un sonido más basado en sus raíces, abandonando sus experiencias con los sonidos psicodélicos de sus anteriores trabajos.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Stray Cat Blues, escrita por Mick Jagger y Keith Richards, y producida por Jimmy Miller. La canción es muy representativa del estilo característico de la banda británica, y cuenta con Brian Jones tocando el mellotron, Keith Richards tocando todas las guitarras, Mick Jagger a las voces, Bill Wyman al bajo, Charlie Watts a la batería, y con la colaboración al piano de Nicky Hopkins y de Rocky Dijon tocando las congas. La canción se inspiró y uso el sonido de Heroin de The Velvet Underground, por lo que las introducciones de ambos temas son similares. En cuanto a la letra, la canción trata sobre sexo con menores y es contada desde la perspectiva de un hombre que desea tener relaciones sexuales con una groupie de 15 años de edad, argumentando que "it's no hanging matter, it's no capital crime" / "no es cuestión para colgarse, no es un crimen capital". En la gira del grupo por Estados Unidos de 1969 y posteriores Mick Jagger quiso llegar más allá y poner al limite la opinión pública al cantar la canción y redujo la edad de la joven a los 13 años de edad.

viernes, 3 de junio de 2022

El disco de la semana 278: Santana III - Santana

 



Santana III, Santana


Nos encontramos en 1971, y la banda Santana con Carlos Santana al frente, y acompañado de Gregg Rolie (vocalista, teclados, piano), Neal Schon (guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería, percusión), José "Chepito" Arias (percusión, conga, timbales, batería), y Mike Carabello (percusión, conga, pandereta) se encuentra en su momento más álgido. Entre enero y julio de 1971 la banda publica su tercer álbum de estudio, Santana III, otro gran álbum a la altura de los dos anteriores, y que será el último disco grabado con la formación clásica, ya que en el siguiente se producirán numerosos cambios en la formación. Con Santana III la banda iba a cerrar una imprescindible trilogía junto a los aclamados Santana  y Abraxas.

Santana III, también conocido como Man With an Oustretched Hand (Hombre con una mano extendida), por la imagen de la portada del álbum, es grabado entre enero y julio de 1971 en los estudios Columbia de San Francisco, bajo la producción del mismo grupo, y publicado en septiembre de 1971 por el sello discográfico Columbia Records. Este disco supondrá el último de la llamada formación de la "era de Woodstock" hasta su posterior reunión en Santana IV, en 2016. El grupo había alcanzado la cima de la popularidad, y esto se notó en las listas de ventas, pues Santana III alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200. 



Santana
siguen con la formula de sus anteriores trabajos, mezclando con maestría rock, jazz, blues y sonidos latinos. Abre la Cara A Batuka, acreditada  "Chepito", Brown, Carabello, Rolie y Shrieve. Un genial instrumental compuesto bajo el patrón de una conga, un tema abrasador con una genial sección rítmica a la que pone la guinda un Neal Schon con esos brutales sólos de guitarra. No One to Depended On, acreditada a Carabello, Rollie y Cove Escobedo (percusionista adicional de la banda en esa época). Otro tema con una base muy instrumental, con unos magníficos riffs de bajo y guitarra y una larga introducción instrumental. El tema contiene poca letra, y donde se repite prácticamente todo el tema "Ain't got nobody that i can depend on". Este tema fue lanzado como segundo sencillo el álbum. Taboo, escrita por "Chepito" y Rolie. Un tema con claro sabor a blues donde el protagonista está enamorado de la chica de sus sus sueños pero tiene miedo a dar el primer paso por temor a perderla. Cierra esta primera cara Touissant L'Overture, acreditada a "Chepito", Rolie, Brown, Carabello, Shrieve y Santana. La canción lleva el nombre de un antiguo esclavo hatiano que ayudó a su país a independizarse de Francia en 1804. El tema es prácticamente un instrumental, ya que tiene apenas unas pocas letras. Es maravilloso escuchar la perfecta comunión de la guitarra con las percusiones. 



La cara B comienza con Everybody's Everytihing, acreditada a Carlos Santana, Milton Brown y Tyrone Moss. El sólo de guitarra de este tema es obra de Neal Schon, y es la primera vez que el grupo utilizó músicos invitados, nada más y nada menos que la sección de metales de la mítica banda Tower of Power, y el resultado no puede ser mejor, porque la sección de la mítica banda de funky encajan a la perfección. Guajira, acreditada a Brown, "Chepito" y Rico Reyes, un temazo con una pegadiza y rítimica melodía latina donde estos muchachos nos animan a bailar. Muy destacables el trabajo de la trompeta y la guitarra en este tema. Jungle Strut es un instrumental compuesto por el reconocido saxofonista tenor de jazz estadounidense Eugene "Jug" Ammons, y donde Carlos Santana y Schon hacen las delicias de nuestros oídos con sus guitarras. Everything's Coming Our Way, escrita por Carlos Santana, y donde él mismo asume el rol de vocalista, cosa rara por entonces, pues el rol de vocalista solía ser asumido por Gregg Rolie. Muy destacable el piano de Rolie es este tema con esos sutiles cambios que nos regla durante el tema. Cierra la cara B, y por tanto este magnífico álbum, Para los Rumberos, escrita por el genial músico, compositor y compositor  Tito Puente. En su disco anterior, la banda ya había realizado una versión de un tema de Tito Puente, Oye Como Va, y en este disco vuelven a repetir con este número de baile donde el músico de jazz Luis Gasca colabora tocando la trompeta. 

El disco, llamado III o Santana III para diferenciarlo del primero, también conocido como el disco del "Hombre con una mano extendida", cerraba una magnífica trilogía y donde además de la clásica formación, se unía un segundo guitarrista, un jovencísimo Neal Schon con apenas 17 años de edad. A partir de aquí se abriría una etapa donde la banda se dedicaría a realizar álbumes de corte más experimental.

0519.- Street fighting man - The Rolling Stones



Street fighting man ("El luchador callejero") es, junto a Simpathy for the devil, uno de los cortes más rockeros de un Beggar's Banquet (1968) muy marcado por el blues, y uno de los temas más "políticos" de los Rolling Stones, en el que no solo la letra contiene referencias de marcado carácter social, sino que incluso la base rítmica de cortantes guitarras acústicas de Keith Richards y la melodía de la canción estaban inspiradas en el sonido de los disturbios y las sirenas de la policía.

La letra de Mick Jagger se basa en una protesta en contra de la guerra de Vietnam frente a la embajada de Estados Unidos en Londres, durante la cual la policía londinense cargó para controlar a una muchedumbre de 25.000 personas. En París estaban también comenzando las protestas estudiantiles que desembocaron en el famoso "Mayo del 68", y esa sensación de creciente violencia en el ambiente social de finales de los sesenta le llevó a componer Street fighting man, una ambigua y soterrada llamada a la revolución:

"Por todas partes escucho el sonido de marchas (...) Porque el verano está aquí y es el momento adecuado para pelear en la calle, chico (...) Es el momento adecuado para una revolución palaciega, pero donde yo vivo, el juego a jugar es una solución de compromiso. ¿Y qué otra cosa puede hacer un chico pobre, excepto cantar para una banda de rock and roll? Porque en la adormecida ciudad de Londres no hay lugar para un luchador callejero"

La grabación de la canción tuvo lugar en los Olympic Sound Studios de Londres, entre abril y mayo de 1968, con Jagger en la voz y coros, Richards en guitarra acústica, bajo y coros, Charlie Watts en la batería y Brian Jones aportando el toque ecléctico con el sitar y la tambura. El habitual colaborador Nicky Hopkins puso su imprescindible toque de piano, y en una de las primeras versiones, que finalmente sería descartada, Rick Grech aportaba al conjunto el sonido de una viola eléctrica. Con la eliminación de este instrumento en la toma final, el bajo interpretado por Keith Richards se convirtió en el único instrumento eléctrico que se escucha en este intenso tema, toda una revolución acústica y callejera.

jueves, 2 de junio de 2022

0518.- No expectations - The Rolling Stones

 


Cuando el fundador de The Rolling Stones, Brian Jones, murió en 1969, esta canción adquirió un nuevo significado, ya que letras como "Nuestro amor es como nuestra música, está aquí y luego se ha ido" la convirtió en una elegía adecuada. La guitarra slide de Jones en la canción fue una de sus últimas contribuciones significativas al grupo, después de años de adicción a las drogas y peleas con la banda, fue despedido del grupo en junio de 1969 y murió menos de un mes después. Mick Jagger explicó: "Aquí esta Brian tocando la guitarra, estábamos sentados en círculo en el suelo, cantando y tocando, grabando con micrófonos abiertos, es la última vez que recuerdo que Brian estaba totalmente involucrado en algo que realmente valía la pena". Él estaba allí con todos los demás. Es gracioso cómo lo recuerdas, pero ese fue el último momento en el que lo recuerdo haciendo eso, porque había perdido el interés en todo".

 

"No Expectations" es la canción por excelencia sobre la soledad y la desesperación... es nebulosa, etérea, está aquí y luego se va, y siempre se adaptó a la esencia de mi mente nublada. Cuando no sé qué hacer, o no estoy seguro de cómo me siento, y lucho con quién debería ser, esta es la canción que siempre busco. “No Expectations” es adictiva, no ofrece soluciones, se trata de amnesia y olvido, la canción me traslada a la sombra de los árboles en largas caminatas, y desde ese lado de mi mente donde he envuelto mis recuerdos con cintas de color azul profundo que nunca desataré. Siento las lágrimas brotar cuando escucho los dedos frágiles y fantasmales de Brian Jones deslizarse con tierna gracia, como si casi supiera que este número sería su canto del cisne, mi mandíbula se aprieta mientras Nicky Hopkins trina apasionadamente en el piano, casi flotando sobre las teclas, como si estuviera esperando que la canción se calmara para poder quedarse dormido... que es más o menos lo que siento.  Jagger prolonga su fraseo al más puro estilo barbitúrico, donde el cuerpo se vuelve deliciosamente pesado, el espíritu más liviano que el aire, las sonrisas son verdaderas y los ojos medio cerrados deambulan por la habitación en busca del objeto adecuado para abrazar y detenerse, antes de que el sueño amorfo consuma todo. Disfrutemos de una de esas canciones que son tan efectivas, una canción en la que la mayoría de la gente no piensa cuando alguien menciona a los Rolling Stones... pero yo sí, porque esta canción ha estado sonando en mi mente desde que la escuche, que fue días antes de darle el ultimo adiós a mi padre, y tras ese adiós, entendí que aunque la canción es tremenda el mensaje de que no hay expectivas no es real, siempre tenemos que seguir para encontrar algo.

miércoles, 1 de junio de 2022

0517 - Sympathy for the Devil - The Rolling Stones

0517 - Sympathy for the Devil - The Rolling Stones 

Sympathy for the Devil
 es una canción de la banda de rock inglesa The Rolling Stones y la canción de apertura del álbum Beggars Banquet del año 1968. No es ni más ni menos producto de la asociación del dúo entre Mick Jagger y Keith Richards.

 Sympathy for the Devil se le atribuye a Jagger y Richards, aunque la canción fue en gran medida una creación de Mick Jagger.  El título provisional de la canción era "The Devil Is My Name", después de haber sido llamado anteriormente "Fallen Angels". Mick Jagger canta en primera persona como el Diablo, que se jacta de su papel en cada una de varias atrocidades históricas y pide repetidamente al oyente a "adivinar mi nombre."  El cantante entonces exige irónicamente cortesía del oyente hacia él, de manera implícita castigar a los oyentes de su culpabilidad colectiva en los homicidios y crímenes enumerados.  

En el 2012 documental Crossfire Hurricane, Mick Jagger declaró que su influencia para la canción vino de Baudelaire y del autor ruso novela de Mijaíl Bulgákov. El maestro y Margarita (que acababa de aparecer en la traducción Inglés en 1967).  El libro fue dado a Jagger por Marianne Faithfull y se confirmó la inspiración en una entrevista con Sylvie Simmons de la revista Mojo en 2005.

Otras de las interpretaciones de esta canción es la hecha por la banda Guns N' Roses que hizo un cover en 1994 que alcanzó el número 55 en el Billboard Hot 100; esta versión apareció en los créditos de cierre de la adaptación de la película de Neil Jordan, Interview with the Vampire y se incluyó en su álbum de grandes éxitos.  Este cover  es digno de mención por causar un incidente relacionado con el guitarrista entrante, Paul "Huge" Tobias, que fue parcialmente responsable de la guitarra de Slash apartarse de la banda en 1996. Slash ha descrito el Guns N' Roses versión de la canción como 'el sonido de la banda de romper'.

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 31 de mayo de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: The Black Crowes

 

The Black Crowes


     En esta ocasión aparece en esta sección la banda estadounidense The Black Crowes, una de las máximas exponentes del rock sureño. La historia de The Black Crowes comienza en 1984, en la Walton High School de la localidad de Marietta, Georgia (Estados Unidos), escuela a la que asisten los hermanos Chris y Rich Robinson. Es allí donde forman un grupo llamado Mr. Crowe's Garden, en honor al libro infantil Johnny Crow's Garden escrito por Leonard Leslie Brookes, un nombre que acabarían modificando para acabar llamándose The Black Crowes. En sus inicios están influenciados por grupos como REM, el rock sureño y el pop psicodélico de los años 60, si bien van evolucionando hacia un sonido mas blues rock con el paso del tiempo. Iniciaban una fulgurante carrera que nos deja ya para la historia 8 álbumes de estudio y 3 grabados en directo. Como ya sabéis esta sección trata de ser una guía para aquellos que quieran hacerse con la discografía del grupo de turno, recomendando por cuales habría que empezar y cuales dejar para el final, por lo que sin más preámbulos, vamos allá:

Estás tardando en comprarlo:



Shake your Money Maker
(1990), un disco que supondría el estreno de la formación con un rotundo éxito tanto por parte de la crítica especializada como por el público. Un disco con grandes dosis de blues rock, rock & roll e incluso algún que otro tinte de hard rock, y donde podremos apreciar influencias de grupos como los Rolling Stones, The Faces, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band ó Lynyrd Skynyrd. Este disco con el paso del tiempo se convertirá en uno de los mejores álbum debut de todos los tiempos, siendo también un disco indispensable en cualquier biblioteca musical. Álbum de muchos kilates envuelto en una vorágine de sonidos de rock sureño y rock & roll. The Southern Harmony and Musical Companion (1992), disco con el que la banda iba más allá y mostraba un vertiginoso crecimiento musical, ampliando su gama de sonidos y matices. Un disco con una producción extremadamente cuidada, perfecta, donde los sonidos de los teclados y los coros cobran importancia. Disco con temazos como Sting Me, Remedy, Hotell Illness, Bad Luck Eyes Goodbye o Sometimes Salvation elevan este disco a la categoría de indispensable.

Si te queda pasta, llévate también: 



Amorica
(1994), considerado como el tercer gran álbum de la banda junto con Shake Your Money Maker y The Southern Harmony and Musical Companion. El grupo de Atlanta ya se encontraba asentado en la élite musical y se marcaba un álbum completamente diferente a sus anteriores trabajos. Con este disco el grupo demostraba que podían ser algo más que unos rockeros con alma de blues. Amorica es quizás el álbum con un sonido más vanguardista y contemporáneo de la banda, mostrándose más reflexivos, y donde predominan los medios tiempos y las baladas. La banda se abría a otras influencias y sonidos, como se pueden apreciar en P25 London con eso aires funkies, los aires latinos en Thorn on my Pride, grandes baladas como Cursed Diamond, o la brillante y minimalista A conspiracy. Otro álbum que no puedes dejar en el expositor si te queda algo de pasta es Lions (2001), disco que marca un antes y un después en la banda, pues es el primero que graban con una discográfica no internacional, concretamente lo hacen con V2, propiedad de Richard Branson. El grupo vuelve a sus orígenes con un sonido menos producido y más rudo, y donde más se notan las influencias de la música negra en el grupo, y que podemos apreciar en temas con aires soul como No Use Lying, o con influencias de música gospel como Soul Singing.

Vuelve a dejarlo en el expositor:



Three Snakes and One Charm
(1996) tuvo la mala suerte de ser el cuarto álbum de estudio de la banda e ir detrás de tres grandes discos como Shake Your Money Maker, The Southern Harmony and Musical Companion y Amorica, y eso pesó mucho. El disco no fue capaz de mantener el nivel de ventas, siendo además hasta el momento el trabajo con menos calidad que la banda había hecho hasta el momento. No es un  disco malo, pero tuvo la mala suerte de ir detrás de tres auténticos trallazos. La banda se dedica a explorar los sonidos psicodélicos de la década de los 60 en un disco que no llega al nivel de sus anteriores trabajos. Warpaint (2008) es el álbum que supuso el retorno de la banda, lo que hacía que el público y los fans del grupo se mostraran más que receptivos con la banda, y ese es el contexto en el que nace Warpaint, un disco que, estado lejos de sus mejores álbumes, es bastante respetable. En lo musical se queda en uno de los menos trascendentes de la banda, pero lo importante es que la banda había vuelto a la carga y todavía le quedaba cuerda.

Pero si lo que buscas on canciones sueltas, esta nuestra propuesta para ir adentrándose en el mundo de The Black Crowes:

1.- Remedy

2.- Twice As Hard

3.- Gone

4.- Soul Singing

5.- Hard To Handle

0516 Build Me Up Buttercup - The Foundations

0516 Build Me Up Buttercup - The Foundations

Build Me Up Buttercup es una canción escrita por Mike d'Abo y Tony Macaulay, y lanzada por The Foundations en 1968 con Colin Young como voz principal. Colin Young había sustituido a Clem Curtis durante 1968 y este fue el primer éxito de The Foundations en el que cantó.

Llegó al número 1 del Cash Box Top 100 y al número 3 del Billboard Hot 100 de Estados Unidos a principios de 1969. También fue un éxito número 2 en el Reino Unido, durante dos semanas no consecutivas, detrás de "Lily the Pink" de The Scaffold. La RIAA lo certificó rápidamente como disco de oro por las ventas de más de un millón de copias en Estados Unidos.

Build Me Up Buttercup es parte de la cultura popular por estar en películas y eventos deportivos. Esta canción Build Me Up Buttercup aparece en la película de comedia romántica de 1998 There's Something About Mary y en la película de 2020 The Kissing Booth 2. así como en una serie de anuncios de Geico de 2020-21. También es una de las melodías de la recta final de la séptima entrada que se tocan en el Angel Stadium desde 1990, hogar de los Ángeles. 

Daniel 
Instagram storyboy