0451.- I got the feelin' - James Brown

El giro estilístico que James Brown dio del soul al funk tiene en I Got the Feelin' uno de sus momentos cumbre. El cambio dio sus frutos en muchas otras canciones, pero como el propio James Brown reconoce en el título de la canción, es aquí cuando se dio cuenta de que realmente estaba consiguiendo ese "feeling" sonoro que tanto había estado buscando, y es por canciones como ésta o la archiconocida Sex Machine por lo que se le recuerda como el "Padrino del funk".

Grabada en 1968 en Los Angeles, en los días posteriores a uno de sus celebrados conciertos de finales de los sesenta, y apoyada en la inclusión en el disco de la fiera sección rítmica que le acompañaba en vivo (con músicos tan relevantes como el saxofonista Maceo Parker o el guitarrista Jimmy Nolan, fue lanzada como sencillo y también como canción principal del disco del mismo nombre, alcanzando el primer puesto de las listas de R&B estadounidenses, y una no menos meritoria sexta posición en las listas de pop más comercial y predominante.

Una de las curiosidades que se recuerdan sobre la influencia de esta canción en las generaciones posteriores de músicos que admiraron la figura y la obra del Padrino del Funk, es que unos imberbes Jackson 5 la interpretaron ese mismo año durante su primera prueba para Berry Gordy, fundador de Motown, con un Michael Jackson de tan solo diez años de edad, clavando las inflexiones vocales y los movimientos de baile del que era uno de sus grandes ídolos.

Cargar la suerte - Andrés Calamaro (Mes Andrés Calamaro)

 

Cargar la suerte, Andrés Calamaro

     En noviembre de 2018 Andrés Calamaro publicaba su demiquinto álbum de estudio en solitario, Cargar la suerte, trabajo que recibió muy buenas críticas por parte de los especialistas en la materia, llegando incluso a ser comparado y poniéndolo a la altura de obras como Honestidad Brutal o Alta Suciedad. No se si se puede realizar dicha comparación, pero lo que si está claro es que Cargar la  Suerte es su mejor disco en los últimos veinte años. Para grabar dicho trabajo Andrés Calamaro se rodea de músicos de sesión consagrados como Mark Goldenberg, Joel Peskin y Brandon Fields, y otros más jóvenes pero con mucha proyección, entre los que se encuentran Aaron Sterling, Eric Kertes o Rich Hinman entre otros.

El disco, tal y como reconocerá el mismo Calamaro, fue grabado de forma urgente, en apenas cuatro días, en los Sphere Studios de Los Ángeles, California. Sin embargo, el hecho de haber sido grabado en tan poco tiempo no es sinónimo de mala calidad, todo lo contrario, pues como el artista argentino reconoce en posteriores entrevistas, esos días fueron memorables, para recordar. Tener en los arreglos a su mano derecha Germán Widemer y en la producción a Gustavo Borner fueron claves para la gran calidad de este trabajo. 

Siempre he dicho que la carrera de Calamaro al igual que el Doctor Jekyll y Mr. Hyde, tiene dos caras, la de sus discos de gran calidad y la de sus discos revirados, largos y excesivos. Por suerte, en Cargar la Suerte nos muestra su mejor cara, la del amable Doctor Jekyll, y nos regala un disco muy compacto y homogéneo, con doce temas donde todo está en su sitio y no sobra nada. El artista argentino nos regala un disco con una producción y un sonido cuidados al máximo, brindando un protagonismo que no suele dar a las guitarras, cosa que se agradece, dotando al álbum de un sonido con tintes de música americana. 

Comienza el disco con Verdades Afiladas, una historia de desazón y desamor, el sencillo de apertura que sirve además de presentación para una banda que suena muy compacta. Todo está en sus sitio, un buen tema de corte pop-rock que a la larga se convertirá en uno de los más flojos del disco, lo que da una idea de la calidad de este trabajo. Tránsito Lento, un medio tiempo con tintes de blues rock marca de la casa donde la gran interpretación vocal está muy bien acompañada por el trabajo más que destacable por parte del saxo y de la guitarra slide. Con Cuarteles de Invierno llegamos a uno de los grandes momentos del álbum. Un tema con un toques a Led Zeppelin que ya nos avisan que algo grande está por llegar. Los arreglos de cuerda combinados con las secciones de viento son sencillamente maravillosos. Diego Armando Canciones, un medio tiempo con aires esos toques a música americana que nos acompañarán durante todo el disco y donde el artista hace su particular guiño a los cannabis y al mate. Las Rimas, tema en clave de rap que inmediatamente nos recuerda a temas como su clásico Paloma o Vigilante Medio Argentino. En Siete Vidas vuelve el Calamaro más rockero, con unos riffs muy contundentes y donde las referencias taurinas están presentes. 

En Mi Ranchera nos encontramos al Calamaro más desgarrador, una balada donde el artista se desnuda tan sólo como él sabe hacerlo, y lo hace acompañado de unos magníficos arreglos de cuerda y metal. Falso LV, otros de los grandes momentos del disco, un tema de corte blues rock con unos verso afilados y contundentes donde el artista realiza una soberbia crítica a la intolerancia que rodea al mundo actual. My Mafia con unas guitarras acústicas maravillosas es todo un canto a ese  círculo más cercano que a uno le rodea, ese que nunca falla. En Adán Rechaza vuelve a la senda del rock con riffs afilados y distorsionados, una canción que nos recuerda a esos grandes temas del rock argentino. Egoístas, con un sonido muy americano donde la base del tema está construido por el órgano Hammond y la brillante melodía vocal. Calamaro tiene en este corte por momentos ese sonido tan característico que hizo tan famoso a Los Rodríguez. Cierra este disco Voy a Volver, un tema con toques dylanianos y con un gran final orquestado. Un cierre a la altura de un magnífico disco y toda un declaración de intenciones, pues como bien reza el título del disco, volvería en 2021 para dejarnos su último trabajo hasta la fecha, Dios los Cría, pero eso es otra historia...

0450.- Luckie - Laura Nyro

 

Cantante nacida en el Bronx, por lo tanto, creció en la caldera multirracial de la Gran manzana de los postreros 50 y tempranos 60, y fue una de las primeras en dar cumplida respuesta a una gran cuestión, apenas esbozada antes. ¿Cómo te enfrentas a la vida si eres una mujer cabal en una sociedad tan pujante e innovadora como era entonces la neoyorquina? Pues salvaguardando tu sensibilidad. Laura Nyro recibió su educación musical en las calles del Bronx, donde salía de noche y se unía a los diversos grupos de doo-wop o grupos de chicas que animaban las calles, fue una de las primeras músicas que desafió el mito de la autenticidad, mientras escuchaban su voz, la mayoría de la gente creía que era negra, pero no, Laura era blanca, aunque deseaba ser negra, eso estaba fuera de discusión, y expresó su frustración con fuertes golpes de piano, y una voz poderosa e impredecible siempre fluctuó entre la ternura y la violencia. Aún confiando en el piano como su principal herramienta interpretativa, Laura incorporó cambios de ritmo, escalas modales, timbres inéditos y amplió la estructura convencional de la canción con desarrollos internos, haciendo con la balada algo similar a lo que The Incredible String Band estaba haciendo con la canción folk rock. Lanzó su primer disco en 1966 a la muy tierna edad de 19 años y se retiró a los 24 por falta de respuesta. ¿Todo puede suceder tan rápido? Bueno, parece que sí, sobre todo si lo que te importa es expresar tu interno carrusel emocional y te traen ‘al pairo’ otras consideraciones comerciales que no sean las puramente artísticas. Mientras tanto, artistas de lo más diverso hacían millones versionando sus composiciones. Su cancionero se convirtió en uno de los más cotizados de la época, tanto que su manager vendió los derechos comerciales a sus espaldas, ante la falta de éxito personal de su protegida.

 

Quizás lo más representativo de su música lo encontramos en su segundo álbum, Eli And The Thirteen Confession. Y nos vamos a detener en Lucky que comienza como una balada habitual de Nyro: ricamente texturizada y estilizada, pero impregnando la rabia y la pasión a través de los poros. Con una duración de dos minutos, la canción procede a subvertir todas las leyes de la apetecible teoría de la canción de Carole King. El ritmo se acelera, incorporando una acentuación sincopada, Laura se agita y “La confesión” termina con un bello motivo circular al piano. Pero curiosamente, la canción nunca parece estar en proceso de una transfiguración radical. Solo con su voz crea gran parte del atractivo de la canción, a veces triste, quejumbrosa, a veces alegre y chirriante, pero en todo momento infinitamente humana.  Si bien está un poco lejos de lo que estamos acostumbrados, es sin duda alguna, una balada exquisita.

0449.- The Garden of Earthly Delights - United States of America

0449 - The Garden of Earthly Delights - United States of America 

The Garden of Earthly Delights fue una de las mejores canciones del único álbum de los United States of America, y uno que son bastante fuerte y estaba repleto de innovación electrónica por la que la banda United States of America era más famosa. 

La melodía comienza con un sonido de teclado inclasificablemente extraño, tal vez el de un clavicémbalo electrónico, mientras que ondas escalofriantes y espeluznantes de frecuencias electrónicas del espacio exterior se modulan hacia arriba y hacia abajo. Se establece un ritmo similar a una jungla tribal, llevado por el bajo de Rand Forbes, mientras Dorothy Moskowitz canta una melodía hipnótica que, como presagia el título, el cual en realidad nunca se canta en la canción, y su letra que representa un jardín de delicias terrenales, o la mayoría probablemente el jardín del Edén mismo. 

Este Edén, sin embargo, es tan peligroso como tentador, y uno cuyos jardines venenosos, como señala con frialdad Moskowitz, son tanto letales como dulces. 

Arrestantes swoops electrónicos flotan por toda la pista, pero se vuelven particularmente explosivos en la parte final de los versos, cuando Moskowitz exclama "los encontrarás en sus ojos", la electrónica bombardea y burbujea como si estuvieran desapareciendo en el horizonte. Después del último verso, su voz se eleva de una manera especialmente fantasmal cuando comienza a sonar una melodía encantadora de serpientes, que no se escucha en ninguna otra parte de la canción, que quizás signifique la serpiente del jardín del Edén. 

The Garden of Earthly Delights tiene un sonido deliciosamente siniestro, tal vez reflejando la tentación que, cuando cedió, llevó a la humanidad fuera del jardín, una letra bastante ambiciosa para una canción pop o tal vez las delicias y peligros de la psicodelia. experiencia. La línea "los encontrarás en sus ojos" después de que se detallan todo tipo de horrores también podría sugerir las peligrosas tentaciones de una mujer, y cualquier acusación de misoginia podría atenuarse por el hecho de que la letra fue coescrita por una mujer.

Daniel 

Instagram storyboy 

Disco de la semana 268: Dirt - Alice in chains

 

Hoy hablamos de uno de los álbumes de rock más aclamados por la crítica al que acompaño una jugosa cifra de ventas, uno de los grandes exitos de principios de los 90, solo superado por Nevermind de Nirvana en el movimiento grunge. Si algo destaca este álbum es sobre todo sus caulidades temáticas, por encima de las musicasles, en el fondo es una obra maestra temática, o como antaño se llamaba, un álbum conceptual sobre la adicción a la heroína y sus efectos. Dirt ofrece una mirada cruda, desesperanzada y aterradoramente real de la vida de un adicto indefenso y sin esperanza. Layne Staley era tan esclavo de la heroína en 1992 como lo fue unos años más tarde cuando se llevó su carrera y luego su vida.

 

Inicia el álbum con Them Bones después de algunos riffs portentosos y un breve verso, irrumpe la canción y es casi un ligero alivio cuando se compara con la mayoría de Dirt . A pesar del humor negro de la canción, escucharla ahora, 30 años después de la grabación, ciertamente tiene una capa adicional de conmoción. Reflexionar sobre tu inminente muerte cuando llevas una cida de exceso no puede considerarse una predicción descabellada, viendo el destino de un gran número de los protagonistas del grunge. Dam That River le permite a Alice in Chains demostrar su heavy metal, accesible y extremadamente cabreado. Layne Staley, en muchos sentidos, es dueña de este número en particular, cantando de forma despectiva, los riffs al nivel de Godzilla de Jerry Cantrell y la percusión de Sean Kinney en particular lo acompañan perfectamente. Rain When I Die la descubrimos después de los dos primeros trallazos del álbum y se trata de la única canción del disco firmada por los cuatro componentes de la banda. Quizás se trata de la canción menos representativa de este discazo, pero a un servidor se le eriza el bello cada vez que la reproduzco. Será por algo. La intensidad con la que se vive esta canción sobrepasa lo épico. La pesadez apocalíptica de los seis minutos arranca con una pausada intro con guitarra distorsionada que sobrepasa el primer minuto de duración. La entrada de los coros de Layne introducen el riff principal que se irá repitiendo a lo largo del corte. El trabajo de guitarra es soberbio mientras que la batería pierde la batalla en una canción no pensada para este instrumento. El bajo cobra una tonalidad oscura que se desliza pesado en todo el corte. Sickman se caracteriza porque va cambiando entre versos contundentes y estribillos lentos y arremolinados, una gran canción en la que se te presenta la mente que tiene un adicto, te detienes en la letra y compruebas lo oscura que puede llegar a ser, tiene un ritmo de batería mecánico y cae en ese bosque inicialmente antes de expandirse en un descanso lento, como un vals. 

Rooster es la canción más alternativa, y quizás la más fuerte en general del álbum, es lenta y malhumorada con guitarras rasgueadas profundamente saturadas de coros que luego dan paso a guitarras penetrantes, distorsionadas y pesadas. Líricamente, la canción pinta un cuadro magistral del padre de Cantrell y su experiencia en Vietnam. La alternancia constante entre los versos de ensueño y los estribillos explosivos captura magistralmente los altibajos del combate, especialmente la experiencia en primera persona en Vietnam. Junkhead es una mirada al interior de las primeras etapas de la mente de un adicto. Inicia una narrativa donde vemos a Staley enamorándose de las drogas como una alternativa a la vida normal y luego descendiendo al infierno de la adicción. "Junkhead" es el tonto errante en las primeras etapas de su caída. No tiene la intención de glorificar la adicción o la heroína en absoluto. Dirt es una mirada brutalmente honesta a los pensamientos suicidas de Staley que nos esta diciendo que quiere volarse la cabeza, dicho con la cruda honestidad con la que se comprometió desde el principio de su formación. Se esforzaron conscientemente por una sinceridad brutal en su música, que es una de las cosas que los convirtió en uno de los actos más duraderos de la era grunge. "Dirt" no menciona específicamente las drogas, pero se ha identificado como parte de la narrativa de la heroína que es el segundo lado de Dirt., por lo que es justo sugerir que la locura descrita es, al menos en parte, la locura de la adicción, en la que Staley ya estaba profundamente involucrado en ese momento de su vida. God Smack sigue la misma temática de la droga, pero aquí es totalmente cruda, y tiene momentos en que se reprocha su adicción y la recrimina hablando en primera persona “¿Qué demonios has hecho? Métete en el brazo para divertirte de verdad, para que tu enfermedad pese una tonelada”. 

Iron Gland es principalmente ruido disonante y gritos de los miembros de la banda, pero al final de la pista, alguien dice rápidamente "Redrum", que parece ser una referencia a la película de Stanley Kubrick El Resplandor ("Asesinato" al revés). Hate to Feel es una curiosidad dentro del álbum y casi suena como si perteneciera a algún tipo de ópera rock. Angry Chair es una canción sobre la infancia de Layne Staley , el concepto de la "silla enojada" que se menciona en la canción proviene de cuando su padre lo castigaba sentándolo en una silla frente al espejo. Sin embargo, le da la vuelta y lo convierte en algo metafórico, donde la letra trata sobre la edad adulta. Down in a Hole contiene unas guitarras de estilo ochentero (únicas en el disco) y mantiene un ritmo de batería muy lento a cargo de Sean Kinney , dejando todo el movimiento a las guitarras y el bajo. Cantrell al principio dudó en presentar la canción a la banda, sintiendo que podría ser demasiado "suave", pero sorprendentemente obtuvo una respuesta positiva, la cancion habla sobre las inseguridades y dudas que tienes cuando estas llevando una relación amorosa. Cierra el álbum con Would? una canción que trata sobre la rehabilitación y sus consecuencias. La última parte de la letra se pregunta si el futuro es más prometedor. El guitarrista Jerry Cantrell escribió esta canción para el difunto cantante principal de Mother Love Bone, Andrew Wood, una figura muy influyente en la escena musical de Seattle. Wood murió de una sobredosis de heroína en 1990. Dos de sus compañeros de banda en Mother Love Bone, Stone Gossard y Jeff Ament, formaron Pearl Jam. Cantrell escribió que la canción trata sobre Wood, pero también sobre aquellos que juzgarían los problemas de drogas de Wood. "Siempre odio a las personas que juzgan las decisiones que toman los demás", escribe Cantrell. "Así que estaba dirigido a personas que emiten juicios".

Dicho todo esto, el álbum fue un éxito de crítica y, a menudo, se considera uno de los mejores discos de rock de la década de 1990. Aunque el estatus y la producción artística de la banda continuaron durante la mayor parte de la década, los problemas subyacentes nunca desaparecieron realmente. La banda dejó de hacer giras poco después del lanzamiento de Dirt, Staley más tarde también desapareció de las grabaciones y el grupo nunca alcanzó su potencial. Quizás si Layne hubiera podido encontrar el control de sí mismo y la banda hubiera permanecido unida, habrían madurado para alcanzar su máximo potencial. Ciertamente nunca sabremos en qué podrían haberse convertido. Pero que eso no desmerezca el hecho de que seguían siendo una muy buena banda a la que el rock actual le debe mucho.

1 artista, 3 canciones: Tears For Fears.

Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada 7 días os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.

TEARS FOR FEARS 

Dúo Británico de New Wave formado por Roland Orzabal y Curt Smith, con 7 álbums de estudio, el ultimo publicado en este año 2022. Su carrera da inicio en 1980, en aquel momento el nombre de la banda era Graduate, posteriormente lo cambiarían por el de History of Headaches, hasta que definitivamente se quedaron con Tears for Fears. Fueron años donde publicarían algunos singles con una escasa repercusión. En 1981 firman con Phonogram Records y rápidamente en 1983 sacan al mercado su álbum debut, bajo el título de "The Hurting", con apenas 21 años marcan el camino de la música de los años 80, aunque no eran puristas de los sintetizadores, es difícil imaginar que el synthpop e incluso el darkwave hubieran ido en la misma dirección oscura y sofisticada que tomaron sin la presencia de Tears for Fears, este álbum sirve como puente entre los nuevos románticos como The Human League y sonidos más oscuros de la talla de Depeche Mode o Clan of Xymox. 

En 1985 graban su gran éxito, "Songs from the Big Chair", uno de los álbumes mas importantes de los 80, Shout y Everybody Wants To Rule The World son dos sencillos inolvidables que dominaron las ondas de radio en 1985 y aún se escuchan, fueron sin dudas los temas que todos recordamos del grupo, pero Songs From The Big Chair también ofrece otras joyas ocultas, como la hermosa y malhumorada pista I Believe o la inquietante The Working Hour. 

Pasarían 4 años hasta que Tears For Fears volvieran a lanzar una nueva producción. Es así como en 1989 nace "The Seeds of Love". Roland Orzabal y Curt Smith recortaron los sintetizadores y eliminaron toda la percusión electrónica, entregando un álbum lleno de clase y alejándose de sus primeros sonidos. Destacan distintas colaboraciones, en Woman in chains, Phill Collins toca la batería y Oleta Adams hizo una gran contribución al álbum con su voz y su interpretación ocasional del piano, la encontramos en las dos primeras pistas, también en Woman In Chains y The Badman's Song. El disco logró ser un éxito mundial, llegando al primer puesto en Inglaterra y al Top 10 americano, y vendiendo millones de ejemplares. Después de The Seeds of Love, Orzabal y Smith discuten por diferencias creativas y deciden disolver el grupo e iniciar sus carreras independientemente.

Siete años más tarde Orzabal, vuelve a editar otro álbum como Tears for Fears, esta vez bajo el título de "Raoul and the Kings of Spain" (1995), un trabajo más contemplativo que revela su herencia española, mostrando así una nueva influencia musical latina, dotado de algunas melodías encantadoras que podemos encontrar en canciones como Falling Down, Sketches Of Pain o Los Reyes Catolicos, mientras tanto la canción principal de apertura, Humdrum And Humble como Don't Drink The Water son números más estimulantes que funcionan muy bien. 

Tuvo que pasar casi una decada para encontrar en el mercado "Everybody Loves a Happy Ending" (2004). Después de la separación y de la guerra fría que tuvieron, Roland Orzabal y Curt Smith finalmente se reconciliaron y sacaron el primer álbum bajo el estandarte de Tears For Fears en nueve años, y el primero con Smith desde The Seeds Of Love, podríamos pensar que volverían al synth pop temprano de The Hurting pero nada mas lejos de la realidad, es álbum es una continuación de The Seeds of Love y un homenaje a The Beatles, facturando un disco lleno de melodías soleadas y bastante digno.

En este 2022 y cuando nadie se lo esperaba publican "The Tipping Point", la muerte de la mujer de Roland Orzabal se cierne sobre estas canciones como el fantasma del que hablan en el tema principal. ¿Es este el mejor álbum que han hecho? No, ese honor todavía se lo lleva uno de los dos primeros, aunque esos discos tampoco son perfectos. Y, sin embargo, este es su mejor álbum desde Seeds of Love de 89, y la narrativa se suma a la profundidad de estas canciones.

VOTACIONES

Nuestros amigos se han decantado sin duda por los dos grandes estandartes de su segundo album, dando como favorita Everybody Wants To Rule The World aunque a poca distancia encontramos Shout, en tercer lugar un empate entre Mad World, Woman in Chains y Change. Mencion especial para un curioso tema titulado Elvis should play ska.

1.- Everybody Wants To Rule The World: ¿Una canción pop con letras filosóficas que exploran la eterna batalla del hombre entre el autocontrol y los deseos y cómo pueden implicar la destrucción personal y social? Inaudito. "Everybody", es quizás considerado el pináculo de la carrera del grupo y el más representativo de su sonido general. Es el punto medio entre la oscuridad, la psicoterapia influenciada por The Hurting y el pop humanista y soleado de The Seeds of Love . 

2.- Shout: Puede no ser tan inteligente como "Everybody Wants to Rule the World", pero compensa con creces su falta de complejidad lírica con uno de los ritmos más estruendosos de todo el pop de los 80. La botella de vidrio que se rompe y la percusión del cencerro combinados con esa enorme caja de ritmos hacen que cada compás de esta canción sea absolutamente cautivador. La canción es tan abrumadoramente grande que logra que su tiempo de ejecución de seis minutos parezca increíblemente corto

 

3.- Woman in Chains: Debajo de un instrumental exuberante, tan suave como una nube, se esconde una de las canciones socialmente más vanguardistas que jamás se haya convertido en un éxito del Top 40 de EE. UU. Roland reflexiona sobre el lugar de las mujeres en el mundo y presenta posiblemente su mejor combinación de música y letras hasta la fecha. La canción comienza pequeña pero se construye extremadamente bien. 

0448.- Who Needs The Peace Corps? - Frank Zappa

 

Who Needs The Peace Corps?, Frank Zappa

     Frank Zappa concibió con sus Mothers of Invention el tercer álbum de estudio, we're Only in It for the Money, como un álbum conceptual. Con este disco Zappa pretendía realizar toda una sátira de la clase política, tanto de derecha como de izquierda, así como de la cultura hippie. Y fue capaz de ir más allá realizando su particular sátira del Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band de los Beatles. No hay más que fijarse en la portada de dicho álbum, una portada donde colaboró el mismísimo Jimi Hendrix. Este álbum fue concebido por Zappa como parte de un proyecto llamado No Commercial Potential, que incluía además los discos Lumpy Gravy, Cruising With Ruben & The Jets y Uncle Meat.

We're Only in It for the Money abarca rock, música experimental y rock psicodélico, con segmentos instrumentales que se derivaron de de las sesiones de grabación de su segundo álbum de estudio, Lumpy Gravy (1967), y que fue publicado inicialmente como un disco instrumental en solitario, más tarde fue reeditado y publicado después de Only in It for the Money por el propio Zappa con sus Mothers of Invention. 

Este disco fue grabado a caballo entre los estudios Capitol de Hollywood, y los Mayfair y los Apostolic estudios de Nueva York. Mientras Zappa grababa este álbum experimentó con multitud de técnicas de grabación. Como ejemplo de esos experimentos, Zappa descubrió cuando grababa en lo estudio Apostolic que las cuerdas del piano de cola que allí había resonaban si una persona hablaba cerca de esas cuerdas. Se le ocurrió entonces poner a varios oradores cerca de las cuerdas para que improvisaran diálogos utilizando temas propuestos por Zappa. Artistas como Rod Stewart, Eric Clapton y Tim Buckley se prestaron a participar en dicho experimento. El sello discográfico Verve censuró varias partes de temas y pistas sin el consentimiento, participación o permiso de Zappa, algo que molestó mucho al artista, tanto que se negó a aceptar premio alguno alegando que "Prefería que el premio se lo entregaran al tipo que modificara el disco, porque lo que se escucha reflejaba más su trabajo que el del propio Zappa".

Incluido en el álbum se encuentra el tema Who Needs the Peace Corps?, un tema que refleja perfectamente la idea que tenía Zappa en la mente, realizar toda una sátira de los movimientos flower power y hippie de la época. Zappa lo hace desde la perspectiva de un joven poco sincero que viaja a San Francisco para participar en el  movimiento del Summer of Love. Toda un crítica a aquellas personas que seguían la moda hippie llevando avalorios de cuero por todo el cuerpo, el pelo largo y fumando marihuana, sin importar reflejos sociales y opinión política alguna. La canción fue interpretada en directo por Zappa y sus Mothers durante los primeros años de la banda, dejando de hacerlo al desvanecerse el movimiento hippie.

0447.- Koeeoaddi there - The Incredible String Band

The Incredible String Band fue grupo pionero de folk psicodélico británico fundado en Edimburgo, Escocia en 1965 por los multiinstrumentistas y compositores Robin Williamson y Mike Heron, con el banjoista Clive Palmer. Las raíces de la banda se encuentran en el dúo acústico de folk/bluegrass Robin WILLIAMSON (guitarra, voz) y Clive PALMER (banjo), quienes comenzaron a actuar juntos en el área de Edimburgo, Escocia, en 1963. El dúo agregó al músico folclórico multiinstrumentista Mike Heron y tomó el nombre de INCREDIBLE STRING BAND después de ser descubierto por el legendario productor Joe Boyd en 1965. El grupo resultante fue firmado por Boyd para Elektra Records en 1966 y lanzó un debut de estudio aclamado por la crítica. Pero cuando Palmer dejó la banda para un largo viaje a Afganistán y más tarde a la India, los dos miembros restantes se disolvieron. Se reformarían un año después como dúo con Williamson agregando varios sonidos nuevos y exóticos como oud, gimbri y tamboura como resultado de sus propios viajes al este (en Marruecos). Esto se convirtió en el núcleo de un grupo que, junto con la novia de Williamson, Licorice McKechnie, los artistas invitados y el miembro ocasional a corto plazo demostrarían ser bastante prolíficos y exitosos. La banda lanzó una docena de álbumes a partir de 1967 y realizó numerosas giras ante multitudes cada vez más grandes. La reputación de la banda mejoró durante estos años gracias al fuerte respaldo de íconos musicales como Bob Dylan, Paul McCartney o Robert Plant (quien una vez afirmó que Led Zeppelin aprendió su oficio al escuchar un álbum de ISB).

Sin duda su mejor trabajo fue The Hangman's Beautiful Daughter donde Robin Williamson y Mike Heron se encargan de la mayoría de las melodías vocales en este disco, y tienen una cualidad fascinante, casi parece que estás siendo hipnotizado mientras lo escuchas, es cierto que tiene un estilo de canto poco ortodoxo, y puede parecer un poco desagradable escucharlo por primera vez, pero a medida que profundizas, descubres que las voces son excepcionalmente complementarias a la música en cuestión. Las canciones en sí son difícilmente pegadizas y tienden a entretejer atmósferas y estados de ánimo. Sa primera canción, Koeeaddi There, (el título proviene de tiradas aleatorias de un dado) es una de las canciones más encantadoras y únicas que puedes escuchar, una delicatesen, tanto lírica como estructuralmente, todo fluye a la perfección realizando una música de cuento de hadas para adultos. A veces, una canción puede hacer su propia magia, y no me refiero a la "magia" o una canción pop perfecta o la forma en que una canción captura perfectamente un momento "mágico", me refiero a la magia ritual, del tipo que los practicantes podrían etiquetar como magia verdadera, es fácil escuchar esta canción como una especie de ritual misterioso si te la tomas en serio.

On the Rock - Andrés Calamaro (Mes Andrés Calamaro)

On the Rock - Andrés Calamaro #MesAndresCalamaro

En el mes de Andrés Calamaro vamos con su duodécimo álbum que fue editado en el año 2010. 

Este su duodécimo álbum titulado On the Rock, Calamaro vuelve con una propuesta donde aparecen un colaboradores en sus canciones y las ya acostumbradas interpretaciones de Calamaro. Los estilos que el artista introduce en el álbum, están sujetos a diferentes estilos como el flamenco, la cumbia, la ranchera, el funk o el rap, mientras que las segundas se basan, sin miramientos, en el rock de toda la vida. 

También las letras se mueven entre las explícitas y las metafóricas y Calamaro se muestra inspirado por momentos, mientras que en otras le cuesta el encaje de los versos.

On the Rock, producido por Candi Caramelo Avelló  un habitual de la banda de Andrés Calamaro al bajo y Guido Nissenson otro nombre familiar para los seguidores, es un disco exuberante en cuanto a sonido y rico en texturas. El título parece provocador con los puristas del género, ya que aquí tienen presencia la cumbia y la ranchera, el rap y el flamenco, siendo uno de los álbumes más eclécticos de un músico ya de por sí valiente y desprejuiciado.

On the Rock empieza con Barcos, una canción con sabor flamenco y portuario colaboran el vocalista Diego el Cigala y Niño Josele a la guitarra, con una letra misteriosa que habla de destinos errantes, tal vez de la emigración, tal vez de los amantes. Dirá Calamaro al respecto “La escribí pensando en la amistad que permanece, y en medio de la letra hay una interferencia onírica que es la imagen del interior del barco de esclavos; aun así acepto un nuevo desarrollo o interpretación; no tengo la última palabra con mis letras, pueden reorientarse, son de todos; está escrita en primera persona y la primera persona es cada uno”.

Continúa Te extraño es una épica y anhelante pieza con alma de bolero, dominada por el piano y en el que El Langui aporta un recitado. El El pasodoble de los amigos ausentes, guitarrero y con aire a Los Rodríguez, es nostálgico y según Calamaro supone “una carta de despedida a un Madrid marginal, donde hay poca diferencia entre el vendedor y el cliente”.

La canción Todos se van, con puro sonido Calamaro y recubierto de almíbar, hace referencia a la levedad y, parafraseando a Sr. Chinarro, parece el lamento de quien solo lee “fechas de caducidad”. Precisamente de la necesidad de aprovechar el tiempo y superar las crisis internas trata. Los divinos, una oda al camino, personal e intransferible, que a veces da vértigo pero es lo único que el ser humano tiene: “y no existen los destinos / ni siquiera los divinos / Desafinan los metales / sin principios ni finales”. Colaboran en el tema Rubén y Leiva, ya ex Pereza.

Con un tono más rockero vuelve con Flor de samurai, obra a medias de Calamaro y Gringui Herrera, guitarrista y fiel escudero del músico durante prácticamente toda su carrera. Supone una continuación lógica de Los divinos, invitando a no perder tiempo en rencores y seguir adelante: “qué satisfacciones / a tan alto precio / si olvido mi desprecio”

Insoportablemente cruel, paradójicamente, es ciertamente despechada y rencorosa, aunque quizá no tan demoledora como avisa el título. Se va por los sonidos del jazz y colaboran la exitosa banda de rap fusión Calle 13 y el fantástico trompetista Jerry González, aquí con sordina. También destaca el soberbio piano de José Reinoso. La cumbia Tres Marías hace referencia Charo, la hija de Andrés, que tuvo con la actriz argentina Julieta Cardinali. Vicentico colabora en esta bonita canción.

Te solté la rienda, un clásico de la ranchera obra de José Alfredo Jiménez que en España popularizó a finales de los años 90 el grupo mexicano Maná, es aquí revisitado por Andrés con la ayuda de otro habitual del género, Enrique Bunbury, digerible aunque imposible de comparar a la versión del maestro. Me envenenaste devuelve las guitarras al primer plano, y parece ironizar con épocas pasadas de Calamaro, el reverso de canciones como “Crucificame”. 

Gomontonera, otro rock poderoso, retoma el tema de la emigración: “por tierra en un tren de promesas, y por mar en gomón y patera”. El perro, quizá un homenaje a Ramones, mantiene el ritmo vigoroso. Firma la letra el poeta argentino Marcelo “Cuino” Scornik, colaborador habitual de Calamaro. El texto es reivindicativo, mandando un recado al país natal del músico: “Qué lástima, Argentina / eras un bizcochuelo / ahora eres gelatina”.

Con On the Rock Andrés Calamaro continuaba el camino trazado en el quizá más afinado “La Lengua Popular”, y tras años de vaivenes en lo creativo desde las grabaciones caseras de “El Salmón” hasta los discos de versiones del folclore latinoamericano, encauzaba su talento en una línea reconocible. Este duodécimo álbum no será como lo que nos está acostumbrado a dar un artista tan versatile como Andrés Calamaro, pero no podemos dejarlo pasar de lado. 

Daniel 

Instagram storyboy 

Grandes éxitos y tropiezos: Arctic Monkeys

Nuestro siguiente protagonista en la serie de artículos sobre Grandes Éxitos y Tropiezos es el grupo Arctic Monkeys, formado por unos chavales de Sheffield que nos devolvieron la esperanza en el rock alternativo justo después de que el globo de sus admirados The Strokes se nos acabara pinchando un poco. A lo largo de su carrera, los Arctic Monkeys han sufrido una evolución bastante drástica, y son el perfecto ejemplo de por qué esta sección es necesaria. Aquellos que busquen en los últimos discos la fiereza de las guitarras de sus primeras obras se llevarán una sorpresa que podría no resultarles agradable, y lo mismo ocurriría si alguien, enamorado de la sofisticación y los guiños crooner de los últimos discos, buscara esas señas de identidad en sus primeras entregas ¿Quieres comprar un disco de Arctic Monkeys? Esta es nuestra propuesta para que vayas sobre seguro.

Estás tardando en comprarlo: 

Whatever people say I am, that's what I'm not (2006) está considerado uno de los mejores discos de debut de una nueva banda, y en su momento muchos compararon el movimiento sísmico del aterrizaje de los "monos árticos" con el shock que en su momento produjo la aparición de los mismísimos Beatles. Con el tiempo, la euforia se fue rebajando y quedó claro que aquellas comparaciones no eran reales, pero el reconocimiento al talento de los Arctic Monkeys y de sus líder y frontman Alex Turner se ha mantenido casi intacto (a pesar de algún tropiezo que contaremos más abajo). El disco es una sucesión imparable de enérgicas y descaradas canciones de rock urgente y por momentos desenfrenado. Canciones como The view from the afternoon, I bet you look good on the dance floor, fake tales of San Francisco, Still take you home o When the sun goes down siguen haciendo que la adrenalina se dispare cada vez que las interpretan en concierto o suenan en la radio o en los pubs, recordándonos que con este disco dieron un golpe seco y duro sobre la mesa, haciendo saltar todos los vasos. Mi disco favorito de los de Sheffield, el que siempre quiero poner en el coche pero no me dejan, porque mi mujer y mis hijos prefieren poner el Favourite Worst Nightmare (2007).

El título de aquel primer disco era totalmente premonitorio (Lo que sea que la gente dice que soy es lo que no soy), ya que los Monkeys fueron alejándose paulatinamente de la urgencia y las guitarras a máximo volumen que les caracterizaba con cada uno de sus discos posteriores. Esta transformación de violento gusano a virtuosa mariposa se fue cocinando a fuego lento y disco a disco, y los frutos más brillantes se recogieron en el álbum AM (2013), en el que influenciados por bandas como The Black Keys (con los que compartieron gira) entregan un disco de rock con influencias cercanas al blues y a sonidos más propios de bandas estadounidenses. Siguen siendo rotundos en temas como R U Mine, y alcanzan la perfección con Do I wanna know, pero hay temas más pausados como Arabella, Why'd you only call me when you're high o I wanna be yours, en los que una electricidad más comedida combina en su justa medida con la nueva sofisticación reinante.

Si te queda pasta, llévate también:

Favourite worst nightmare (2007), la continuación del excelso disco de debut, refleja las dudas y los miedos al difícil segundo álbum, y como el grupo se debatía entre el continuismo de las canciones de la primera parte (Brianstorm, Teddy Picker, D is for Dangerous, Balaclava y la que para mí es su mejor canción, Fluorescent adolescent) y los primeros signos de evolución y cambio en la segunda parte del disco, que sin embargo y salvo excepciones (Do me a favour y, sobre todo, 505) dan sensación de pérdida de fuelle en un disco que en su primera mitad mantiene el nivel de su predecesor. Las cinco primeras son las favoritas de mis hijos, y suenan siempre en bucle en los viajes en coche. Las otras dos son las favoritas de mi mujer en ese disco, y tienen por tanto también un hueco en cada viaje.

Si Favourite worst nightmare (2007) era una transición evidente y marcada por dos caras bien diferenciadas, en Humbug (2009) esa transición ya se ha producido y el cambio es mucho más impactante. Las nuevas canciones se tiñen de una oscuridad y aspereza que en algunos momentos recuerdan incluso a The Doors (Potion Approaching) y la voz de Alex Turner suena mucho más grave y madura en algunos de los mejores temas de la banda, como My Propeller, Crying Lightning y, sobre todo, Cornerstone, la auténtica joya del disco. Su continuación Suck it and see (2011) no es un mal disco, pero de nuevo Turner y compañía se enfrascan en una nueva búsqueda que no maduraría hasta AM (2013). En el camino, entregan un disco correcto pero que no tiene ni la potencia de los primeros, ni la aspereza de Humbug, ni la calidad del mencionado AM. Quizá no llegue a la categoría de tropiezo, pero no es el mejor disco para adentrarse en el universo de los monos árticos.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Tranquility Base Hotel & Casino (2018) es un disco controvertido al que los fans de Arctic Monkeys dieron la espalda muy pronto. Tras varios años en los que Turner había estado más pendiente de su proyecto paralelo The Last Shadow Puppets, y planteándose incluso comenzar una carrera por su cuenta, el gran tropiezo fue sacar este disco bajo el nombre de la nave nodriza, cuando en realidad era un proyecto en solitario y unas canciones que estaban compuestas con un piano electrónico en la soledad de su casa de Los Angeles. El resultado es un disco en el que los teclados predominan sobre unas guitarras que se quedan en secundarias o inexistentes en la mayor parte de los temas, con un interesante enfoque conceptual, basado en la vida de una imaginaria y vieja estrella del rock, que vive sus días de decadencia amenizando con su piano a los clientes de un hotel-casino en la Luna.

El sonido del disco combina de manera brillante el lado crooner del personaje con la decadente atmósfera de sofisticación electrónica propias de semejante lugar en la Luna, y si esta obra viniera firmada por el David Bowie más experimental, o por el propio Turner como propuesta en solitario, habría sido reconocido y valorado de mejor manera, gracias a buenos temas como Star Treatment, Tranquility Base Hotel and Casino o Four out of five, pero firmado por los Arctic Monkeys dejó a todo el mundo extrañado y con la sensación de estar ante un tropiezo y una caída de la que tendrán que levantarse. Mientras lo hacen, y aunque el destino de nuestro viaje nunca sea la Luna, nosotros seguiremos poniendo sus discos en el coche, hasta que el frío del ártico haga que los monos vuelvan a juntarse al calor de sus guitarras.

Nuestro TOP 5

 1 - Fluorescent Adolescent

2 - I bet you look good on the dance floor

3 - Do I wanna know

4 - Cornerstone

5 - Crying Lightning

0446.- I Loved Another Woman - Fleetwood Mac

0446 -  I Loved Another Woman - Fleetwood Mac

I Loved Another Woman es la novena canción de Fleetwood Mac de Peter Green.

Es una canción escrita por Peter Green e interpretada por él con Fleetwood Mac en el álbum Peter Green's Fleetwood Mac en 1968.

La banda no interpretó inicialmente la canción tras la marcha de Green en 1970, pero volvió al directo en la gira Shake the Cage de 1987-88 con la voz y la guitarra del entonces nuevo miembro Rick Vito, que había sido fan de la banda original y los había visto en concierto en 1969. Una interpretación en directo de la canción de esta gira se incluyó en el lanzamiento del vídeo Tango in the Night en 1988 y también en el álbum del tema Save Me de 1990.

Vito siguió interpretando la canción con Fleetwood Mac hasta su marcha en 1990. En 1998 grabó una versión en solitario para su álbum Pink & Black.

Daniel 

Instagram storyboy 

0445.- Sittin' on the dock of the bay - Otis Redding

(Sittin' On) The Dock of the Bay es la canción más recordada de Otis Redding, un auténtico himno soul de los sesenta que fue publicado de manera póstuma tras la muerte del cantante en 1968. La letra es obra del propio Otis Redding, que la escribió a partir de la frase inicial: "Sittin' in the morning sun, I'll be sittin' when the evening comes..." ("Sentado al sol de la mañana, seguiré sentado cuando caiga la tarde"). Este primer verso se le ocurrió durante una gira junto a los Bar-Kays, y a aquella idea le dio en nombre provisional de "Dock of the Bay" ("El muelle de la bahía").

Continuó escribiendo la letra durante las giras posteriores de ese mismo año, y terminó la canción junto al productor y guitarrista Steve Cropper,  que con las suaves notas de su guitarra le dio a la canción una atmósfera totalmente distintiva con respecto al resto de la obra de Redding, que literalmente nos traslada a un viejo muelle a orillas de un mar en calma, y casi podemos sentir la brisa del mar en el rostro al escuchar la aterciopelada voz de Redding, que brilla y contrasta con la delicada austeridad del acompañamiento musical de la canción.

Percy Sledge, Willie Nelson, e incluso Pearl Jam, son muchos de los artistas y grupos que no han podido resistirse a la tentación de sentarse en el muelle de la bahía de Redding, para descansar los molidos huesos después de un largo camino, y convivir con esa "sensación de soledad que nunca nos dejará solos". Redding no pudo vivir el éxito de su canción, pero de haberlo hecho, seguro que habría encontrado el momento de conducir hasta la costa, y sentarse a contemplar el sol caer, en su remanso de paz del muelle de la bahía.

#MesAndresCalamaro: Bohemio - Andrés Calamaro

 

Bohemio, Andrés Calamaro

     Que mejor manera de empezar un álbum que rindiendo tributo a uno de tus maestros y referentes. Eso es lo que Andrés Calamaro hace precisamente en Bohemio rindiendo tributo al gran Luis alberto Spinetta, todo un referente en la música rock argentina y de habla española, y con quien colaboró allá por los años 80.

Así es como Calamaro gesta su decimotercer álbum de estudio, Bohemio. Este trabajo es grabado bajo la producción de Cachorro López, afamado músico, compositor y productor argentino que ha trabajado con grandes artistas latinoamericanos de la talla de Los Abuelos de la Nada, El Cuarteto de Nos, Diego Torres, Julieta Venegas, Miranda! y Biónica entre otros tantos. El disco es publicado en 2013 bajo el sello discográfico WMG, llegando a recibir una crítica muy positiva por parte de la crítica especializada, llegando incluso a ocupar el puesto número 1 en la lista de los 50 mejores discos de 2013 elaborada por la revista Rolling Stone. 

Tras unos años en los que Calamaro generaba más expectación por lo que generaba y ocurría con su vida personal, y tras dos discos de lo más ecléctico a sus espaldas, La lengua popular (2007) y On the Rock (2010), se saca de la manga Bohemio, un gran disco que nos recuerda que el Calamaro que era capaz de sacarse de la manga grandes obras como Alta suciedad (1997) y Honestidad Brutal (1999) sigue ahí, nunca se ha marchado. Deja de lado su lado más ecléctico y experimental para recuperar su parte más personal, autobiográfico y confesional en un disco que apenas supera los 35 minutos, rareza para un artista acostumbrado a regalarnos producciones mucho más extensas. Atrás quedó el Calamaro más polémico y descarado de finales de los 90 y principios de siglo XXI. 

Bohemio es un disco al que quizá le falten canciones gloriosas como en Honestidad Brutal o Alta Suciedad, pero en su conjunto es un buen disco, bien cohesionado y con buenas canciones, un disco que va ganando en riqueza y matices según vayamos acumulando escuchas. Belgrano, como el barrio de Buenos Aires, es la canción que abre el disco y todo un homenaje a su admirado Luis alberto Spinetta, quien había fallecido el año anterior. Cuando no estás fue el primer sencillo del disco, un perfecto ejemplo de la vuelta a la desnudez y la melancolía de las letras del artista mientras no habla de amores rotos. Tantas veces, una delicada balada que por momentos crece. Es uno temas que por momentos podría ser autobiográfico. Rehenes, uno de los temas que  rompen el paso marcado por las lentas melodías y los medios tiempos, uno de los temas más dinámicos y rítmicos del álbum. El artista nos recuerda lo importante que es que el corazón vibre y sienta, ya que es un músculo que necesita acción. Nacimos para correr, tema que nos recuerda al gran Bruce Springsteen aunque sólo sea en el título y esos aires de música americana aderezados por el Slide de la guitarra. Un tema donde nos anima a hacer cosas mientras podamos porque nacimos  para correr. Bohemio es la canción que da título al álbum, un acelerado tema con sabor a bolero donde vuelve el romanticismo melancólico que tan bien maneja el artista. Un tema que Calamaro interpreta como si de un tango se tratase, combinando todos estos matices con brillantez. Plástico fino es un medio tiempo donde vuelve con sus influencias del sonido americano y donde en la parte lírica hace un todo un guiño al maravilloso Veneno en la piel de Radio Futura. Inexplicable sorprende al romper la línea del disco, un tema con aires de música disco, rayando el funk. Contiene un más que destacable sólo de guitarra, el mejor de todo el álbum. Dentro de una canción vuelve a recordarnos al Calamaro mas desnudo y sentimental, y es la antesala del tema que cierra el disco, Doce pasos, un rock and roll pausado con unos buenos teclados. La letra, una referencia a los programas de desintoxicación, es obra del gran Marcelo Scornik, creador de otras tantas letras de temas de Calamaro. 

Andrés Calamaro se alejaba de su lado más polémico e irreverente para acercarnos a su lado más íntimo, personal, melancólico y romántico, ese que ya nos enamoró en la década de los 90.

0444.- Delilah - Tom Jones

0444 - Delilah - Tom Jones 

Delilah es una canción grabada por el cantante galés Tom Jones en diciembre de 1967.

La letra fue escrita por Barry Mason, y la música por Les Reed, que también contribuyó con el título y el tema de la canción. A quienes le valió el premio Ivor Novello de 1968 a la mejor canción musical y letra.

Aunque la canción tiene un sentir conmovedor, el género de la canción puede considerarse una balada poderosa con la tradición de las baladas británicas. 

Delilah producida por Peter Sullivan, la versión de Jones cuenta con un acompañamiento de big-band a ritmo de flamenco. El flamenco fue una elección sorprendente, ya que no hay ninguna referencia a España en ninguna parte de la canción, posiblemente se deba a las similitudes con el argumento de Carmen, en el que Don José apuñala a Carmen hasta la muerte cuando ella le dice que le deja por otro hombre.

La canción cuenta la historia de un hombre que pasa por la ventana de su novia y la ve dentro haciendo el amor con otro hombre. Espera fuera toda la noche y se enfrenta a ella por la mañana, pero ella se ríe en su cara. La apuñala hasta la muerte y espera a que la policía eche la puerta abajo y lo detenga. La letra se desarrolla desde el punto de vista del asesino y está llena de sus emociones, a menudo contradictorias. 

Habla de Delilah en términos posesivos, pero también se refiere a sí mismo como su esclavo, pide a su novia muerta que le perdone, pero sigue viéndose claramente perjudicado por ella.

Cuando Jones interpretó la canción en The Ed Sullivan Show, los censores insistieron en que la línea "At break of day when the man drove away" se cambiara por "At break of day I was still 'cross the way", ya que la versión original implicaba que había pasado la noche con Delilah. Jones describió más tarde el cambio como una mierda.

Un proceso judicial que duro por dos años en el Tribunal Superior de Justicia, en 1983, la ex esposa de Barry Mason, Sylvan Whittingham, hija del guionista de la película de Bond Thunderball, Jack Whittingham, alegó que ella había escrito la mitad de la letra de Delilah y de varias otras canciones. La batalla legal se resolvió fuera de los tribunales en 1986.

Daniel 

Instagram storyboy 

0443.- Here she comes - The Velvet Underground

 

La canción más corta del álbum White Light/White Heat es una pequeña delicatesen de poco más de dos minutos titulada Here She Comes Now, la interpretación y la mezcla de la canción se consideran simples y tradicionales, lo que la hace algo distinta de las otras canciones del álbum, todas las cuales contienen cierto grado de experimentación o vanguardia. elementos en términos de sonido, aunque había que romper moldes y el título hace referencia a un orgasmo, convirtiéndola en una elegante y tierna miniatura de pop rock mágico y embrujado, una estampa melancólica e hipnótica que lleva a la perfección la sensación de trance onírico, precursor directo de lo que luego harán los Velvet Undergroung en su tercer álbum. Sin embargo, no le falta ni un ápice de una sensación latente de peligro inminente, escondida tras el hipnótico beat de Maureen Tucker, el tono oscuro y ominoso del canto mántrico y el giro casi cursi de las guitarras, que regularmente se hunden en repetitivas, rasgueos ligeramente distorsionados, como si presagiaran una explosión rumorística que nunca llega. Heres he comes es sin duda una de las pistas más bellas de White Light/White Heat, dotada de una instrumentación como delicada y en un señorío acústico excelente, es algo espectacular detenerse en los sonidos porque la guitarra es muy delirante y la batería se suma a una hermosa atmósfera, la reverberación retardada le da a la canción un borde dulce y melancólico sobre el resto del álbum dejándonos como un mantra calmante que sirvió como un breve momento de descanso entre el ruido abrasador, una luz vacilante en la oscuridad agitada.

Lou Reed originalmente tenía la intención de que Nico cantara la canción, quien la había cantado en algunas ocasiones durante los eventos de Exploding Plastic Inevitable , sin embargo, su colaboración con el grupo había terminado antes de que comenzara la grabación de White Light/White Heat asi que Lou Reed decidió hacerse cargo de la voz de la canción

Disco de la semana 267: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

El disco de la semana 0261: La Argentinidad al Palo - Bersuit Vergarabat

Vamos con la recomendación de esta semana, vamos con una banda Argentina que tiene un estilo muy particular, no sólo su Rock and roll, sino una fusión de estilos latinos como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, el folklore y el candombe. 

Estamos hablando de Bersuit Vergarabat y vamos con su álbum doble que es la expresión del sentir nacional (Argentino). 

La Argentinidad al Palo es un disco doble editado en abril de 2004, con la producción de Gustavo Santaolalla y las canciones del álbum tienen letras de protesta social tras la crisis del 2001 en Argentina. 

Si hablamos de su difusión La Argentinidad al Palo fue un disco doble que salió a la calle en dos etapas. El primero en salir fue La argentinidad al palo (se es), mientras que el segundo, con un mes de diferencia en su salida a la venta, y se llamó La argentinidad al palo (lo que se es). Posteriormente saldría una edición que contendría los dos álbumes.

Pero vamos a la esencia del álbum donde el humor y la crítica están en primera persona. La argentinidad al palo, título que revelaría, a priori, algún tipo de exacerbación de lo nacional. O una versión devaluada y deformada de aquel frustrado Argentina potencia. 

La canción que da título al álbum una primera parte de un álbum doble que tiene como subtítulo Se es y una segunda parte que se llamará Lo que se es. 

Por ello las letras mezclan, como en un cambalache, toda la esencia como hemos dicho del sentir nacional, el dulce de leche, el Che, Cavallo (ex ministro de economía), el río más ancho del mundo, Favaloro (cardiologo argentino), la birome y la propia banda donde todos embarrados en la misma argentinidad. 

Pero esta lectura crítica del ser nacional adquiere otra simbología cuando La argentinidad al palo pasa a ser el título de este álbum. La banda del Pelado Cordera (su vocalista) casi siempre coqueteó con lo político desde siempre para denunciar el accionar de los políticos. 

La Argentinidad al Palo con mensajes políticos y bajo la visión artística de Gustavo Santaolalla, la Bersuit Vergarabat refuerza los ingredientes de un cóctel que más se ajustan a estos tiempos compromiso con el cambio contante de la banda, pero desde un pesimismo esencial, un vamos que tú puedes, a pesar de que eres un desastre igual que yo, el sentir de se es o lo que se es. 

El álbum fue muy bien sembrado en la Argentina, pero con expectativas de cosecha en el resto de Latinoamérica, fundamentalmente en México, y tuvo un éxito inimaginable, temas como El baile de la gambeta apuntan en esa dirección. Un poco de color local y otro poco de guiño genérico al rebelde estándar del sur del Río Grande hacia acá. Inclusive, esa alusión a la argentinidad peca de etnocentrismo, en tanto proyecta a nivel de conciencia nacional rasgos que cuadran más específicamente en el arquetipo del farabute porteño. 

El álbum tiene, como casi todos los álbumes de la Bersuit, notables hallazgos de humor y algunas dosis de mal gusto. 

Como es el humor áspero y cínico, de perdedores a los que les está yendo bien sin saber por qué. Habrá quienes se enganchen con el pegadizo Va por Chapultepec. En varios temas, lo que prevalece es una sensación de extrañar y de pérdida, como si los autores de las canciones quisieran manifestar su situación equívoca respecto del mundo. 

Así transcurre este álbum, siguiendo el andar ciclotímico de la banda, descubriendo sus fisuras anímicas y sus contradicciones porteñas. 

Los versos finales de la canción principal  del disco acaso ilustren lo que le pasa al país y lo que, en escala menor, les ocurre a ellos: Del éxtasis a la agonía/ oscila nuestro historial./ Podemos ser lo mejor/ o también lo peor, con la misma facilidad.

Un álbum realmente completo que muestra toda la fascinación por los estilos musicales y los mensajes de protesta.

Daniel 

Instagram storyboy 

0442.- Sister Ray - The Velvet Underground

 

Sister Ray, The Velvet Underground

     Tras el mediocre resultado en las listas de ventas de The Velvet Underground & Nico, el álbum debut de The Velvet Underground, en 1967 la banda prescinde de los servicios del mánager de la misma, Andy Warhol, y posteriormente de la cantante Nico. A mediados de septiembre la banda se encierra en los Scepter Studios de Nueva York y en tan sólo unos días graba el material que compone su segundo disco de estudio, White Light/white Heat. El resultado es el disco con el sonido más crudo que la banda publicará en su carrera, conteniendo sonidos que van desde el rock experimental, pasando por el proto-punk y el art rock, hasta el noise rock (subgénero del rock alternativo que incorpora elementos de disonancia, guitarras distorsionadas y feedbacks a una estructura basada en otros subgéneros del rock como el rock alternativo, el punk y el metal). De hecho este disco está considerado como uno de los más saturados y distorsionados de la historia del rock.

Incluido en White Light/White Heat se encuentra el tema Sister Ray. Acreditada a Lou Reed, John Cale, Maureen Tucker y Sterling Morrison, y escrita la letra por Lou Reed, es un canción donde el vanguardismo se entremezcla con el punk rock, rock psicodélico y noise para regalarnos el tema más largo de álbum con casi 18 minutos de duración. El tema contiene más de 10 minutos de improvisaciones y fue grabado en una sola toma, aceptando la banda cualquier error que se cometiera durante la grabación. Curiosamente carece de bajo, John Cale, el bajista de la banda, toca el órgano en esta canción. La canción comienza de una forma convencional, con un riff de guitarra basado en el rock psicodélico y en la experimentación con sonidos del proto-punk, pro el tema de repente vira y se convierte en una larga improvisación llena de noise, sonidos propios del avant-garde (Vanguardismo), efectos de distorsión y feeedback, destacando el órgano de John Cale, el cual fue grabado utilizando un amplificador de guitarra distorsionado  para sacar su sonido. En cuanto a la letra, Lou Reed nos relata la historia de varios personajes, centrándose en Sister Ray. Una historia donde se entremezclan las drogas, la violencia, la homosexualidad y el travestismo, temáticas poco habituales, pero no para esta banda, pues ya las había tratado en su álbum debut. Sobre la letra, Lou Reed afirmaba que escribió "una historia que contiene ocho personajes, un tipo es asesinado y nadie hace nada. Una historia que escribió sobre una escena de total  libertinaje y decadencia. Pensaba en Sister Ray como una travesti traficante de heroína, una historia donde varios drag queens se llevan a varios marineros a su casa, les dan heroína y tienen una orgía que termina con la llegada de la policía".

0441.- White Light White Heat - The Velvet Underground

White Light/White Heat fue el single de lanzamiento del segundo disco de The Velvet Underground, que llevó además el título de la que era su canción estrella del momento. Grabada en los Scepter Studios de Manhattan, es junto a I'm Waiting for the Man un claro ejemplo de la música vanguardista que la Velvet Underground estaba realizando en aquella época, con un fuerte ritmo de piano de rock and roll pesado, acompañado de un bajo eléctrico distorsionado y de la oscura y pesarosa voz de Lou Reed.

La canción comparte además temática con Heroin, otro de los temas emblemáticos de la Velvet, pero dónde el mítico tema del disco The Velvet Underground & Nico reflejaba el proceso completo de un episodio de consumo de heroína, en White Light/White Heat se detallan las sensaciones producidas por el consumo de meta-anfetamina.

Lou Reed grabó una versión en solitario de este tema para su disco en vivo Rock 'n' Roll Animal de 1974, y son notables las versiones de The Raconteurs, Julian Casablancas, Metallica o David Bowie. Este último la adoptó de manera regular para sus conciertos desde las giras de Hunky Dory y Ziggy Stardust, llegando a publicarla como sencillo en 1983. En la celebración del 50 cumpleaños de Bowie en un concierto en el Madison Square Garden, Reed salió al escenario para interpretar a dúo Queen Bitch, I'm Waiting For The Man, Dirty Boulevard y, por supuesto, White Light/White Heat.

El palacio de las flores - Andrés Calamaro (Mes Andres Calamaro)

El Palacio de las Flores - Andrés Calamaro #mesAndresCalamaro

El Palacio de las Flores es el resultado de la vuelta de Andrés Calamaro a los estudios de grabación, tras los éxitos del álbum El Salmón y los álbumes de versiones El Cantante y Tinta Roja, Para este nuevo álbum Andrés confió en el prestigioso músico argentino Litto Nebbia, que se encargó de la producción y los arreglos. 

Este álbum fue grabado en Buenos Aires, en el Estudio del Nuevo Mundo, desde diciembre de 2005 a mayo de 2006.

Tras los dos álbumes de versiones, en los que adoptó el papel de intérprete aunque El Cantante sí contenía algunas canciones propias, el Andrés Calamaro autor regresa en este disco El Palacio de las Flores, en el que sobresale la influencia de Litto Nebbia. 

Litto Nebbia, el que fuera líder de Los Gatos logra un delicado acabado pop para El Palacio de las Flores, que sin embargo parece adolecer de cierta falta de canciones y está lejos de obras maestras como Alta Suciedad o Honestidad Brutal. 

El Palacio de las Flores pese a no ser uno de los mejores álbumes de Andrés Calamaro, también contiene hallazgos interesantes, que muestran una nueva faceta de cantautor. 

Abre el disco Corazón en venta, canción que fue elegida como single. Tiene una luminosa melodía pop que contrasta con una letra más bien agria: "Mi corazón en venta / dicen que se revienta / qué versión violenta / la que se cuenta por ahí".

Mi bandera es un himno vitalista que Calamaro compuso durante la época post-Salmón y al que profesa especial cariño. Al igual que Corazón en venta, pero con un tono más dulce, afirma la apuesta personal pese a los reveses que conlleva ser como uno es: “Algo fue que me olvidé cuando me fui / de cada lugar donde viví / no pude darme cuenta hasta hoy / no pedí nacer así, pero así soy”.

El Palacio de las Flores en el tema que da título al disco, Andrés traza un crudo retrato de su país natal, ahogado entre políticos corruptos, miseria material y distracciones populares: “Cómo nos dan, / cómo nos dan en la Argentina. / Nos dan Boquita y ritmo tropical / y base para la latita / en el extrarradio y en Capital”.

El tilín del corazón es otra canción existencialista que hace hincapié en la sinceridad para salir adelante. Da pie a Contigo aprendí, la joya de Armando Manzanero, un bolero aquí lujosamente arreglado por Nebbia, que aporta de su autoría la siguiente pieza del disco, “El compositor no se detiene”. También afirma la capacidad de las personas para encontrar la felicidad tras las etapas más grises, un tema recurrente en el álbum, esperanzado y humanista.

Y tras este trayecto llegamos a la perla del disco, Tengo una orquídea, firmada por el dueto Nebbia-Calamaro. Es una canción embriagadora y ciertamente novedosa en la carrera del músico argentino, que aquí canta una emotiva declaración de amor sobre un colchón hecho a medida con un exquisito arreglo de cuerdas: “Voy a gastármelo todo / comprándote flores / y cuando no queden más / es que voy a plantar / una en tu propio jardín”.

Patas de rana, también de la época inmediatamente posterior a El Salmón, es una de las composiciones más amargas del álbum. Punto argentino retoma el perfil de su tierra de origen, bramando contra la dictadura, la injerencia del poder extranjero y el fútbol como opio del pueblo: “¿Viste cuántos países que ya no existen?”.

Cuando una voz sea de todos recupera el impulso optimista y habla del orgullo del cantor, con la colaboración de otro tótem del rock argentino, Vicentico, que junto a Calamaro y Nebbia completa una bonita interpretación. “Antes” supone un remanso acústico en el trayecto, antes de Corte de huracán, un tema desangelado.

Miami, firmada de nuevo a medias por Calamaro y Nebbia, es una canción de amor agradecido. Precede a Rosemary, una bonita versión de un clásico pop de Nebbia escrito casi cuarenta años antes.

La siguiente parada es la anhelante Lo que nunca se olvida, otra buena canción de Nebbia, con una buena interpretación de Calamaro, que canta a lo perdido: “La felicidad es casi imposible recuperarla / todo lo que fue dolor siempre vuelve a la memoria. / Yo sé que siempre hay algo que no podemos olvidar / son esas cosas que ni siquiera el tiempo borrará”.

La apuesta y Ser feliz completan el álbum y resumen su filosofía, exhibiendo la recuperación para la causa de un Calamaro que parecía haber dejado atrás una etapa difícil, tanto en lo artístico como en lo personal: “Tiro afuera la melancolía / ahora vivo los mejores días de mi vida”, canta el trovador bonaerense en la primera.

El Palacio de las Flores es un disco falto de pegada. Muestra a un Calamaro menos convulso, aunque lejos de los días de mayor esplendor creativo, tanto con Los Rodríguez como en sus dos primeros discos en solitario. Es su trabajo más vitalista y también seguramente el de sabor más genuinamente argentino, con un Nebbia excelso en los arreglos y la producción.

Daniel

Instagram Storyboy