Thin Lizzy: Nightlife (Mes Thin Lizzy)

 

Nightlife, Thin Lizzy

     Nos encontramos en 1974, y el trío de Thin Lizzy, Phil Lynott, Brian Downey y Eric Bell ya tienen publicados tres álbumes de estudio más un EP. Parece que las cosas les empiezan a salir de cara tras trabajar duramente, pero un nuevo revés les hará pensar en la disolución del grupo: La marcha de Eric Bell. Eric Bell decide dejar la  banda tras la presión ante tantas giras, grabaciones y los excesos que rodean a la banda, ya no puede más. Pero como reza el dicho de que las desgracias nunca vienen solas, al abandono de Bell se suma que el contrato con el sello discográfico Decca se ha terminado. Lo primero que hacen Lynott y Downey es tirar de recursos y llamar a un viejo conocido de la banda, Gary Moore, el cual permanece unos meses en la banda. Cuando todo parece empezar a encarrilar, Moore decide dejar Thin Lizzy, pues tiene otros planes y acaba fichando por el grupo de jazz-rock fusión Colosseum II. Entre Moore y Lynott siempre hubo un vínculo especial y una gran amistad. Como músico Moore era superior a Lynott, pero Lynott era más carismático y mejor compositor. Ls dos cuidaban los detalles hasta lo obsesivo, y aunque juntos se complementaban brillantemente, son dos gallos en un mismo corral. De hecho dicen los que recuerdan aquella época que ver en el escenario a Lynott, Moore y Downey era harina de otro costal, arrasaban donde iban.

Lynott y Downey se vuelven a encontrar solos y deciden fichar a dos guitarristas, el alemán Andy Gee y John Cann (Atomic Rooster), con los que acaban la gira por Irlanda e Inglaterra en la que están inmersos como buenamente pueden. Al acabar los compromisos Brian Downey se piensa seriamente abandonar Thin Lizzy, pero es convencido por uno de sus representantes, Ted Carroll, para que aguante un poco más para ver si son capaces de recomponer la banda. Acabada la gira, el grupo tiene una merecida reputación pero no tienen guitarrista, Downey está pensando seriamente en abandonar y encima no tienen contrato discográfico, pero finalmente Lynott y Downey deciden hacer un nuevo intento. La idea que tiene Lynott, en vez de apostar por un guitarrita solista y otro rítmico, es la de dos guitarristas que sean capaces de repartirse ambas tareas, la rítmica y la solista, que sean capaces de entrelazar armonías, combinar dos líneas melódicas a la vez, que no sean egoístas, y que puedan trabajar equitativamente ambos. Con esta idea en la cabeza acaban fichando a dos guitarristas, el escocés Brian Robertson y el californiano Scott Gorham.  

El problema del guitarrista parece estar resuelto de momento, pero el grupo sigue sin contrato. Ted Carroll, uno de los representantes del grupo en esa época junto a Chris O'Donnell había decidido dejar la representación del grupo, hecho que comunica a Lynott, diciéndole que antes de irse quiere dejar los asuntos del grupo en orden. Las compañías Polygram y CBS habían rechazado al grupo, y RCA les había hecho una oferta pero se negaban a pagar al grupo cualquier adelanto, algo que necesitaban pues estaban hasta arriba de deudas. La compañía Island está a punto de ficharles, pero el acuerdo se va al traste por falta de consenso en el seno de la compañía. El representante Ted Carroll había decidido dejar el grupo para centrarse de lleno en su tienda de discos situada en Londres, Rock On. Neil Grainge, que trabajaba en la discográfica Phonogram Records, y era cliente habitual de la tienda de Carroll, en una de sus asiduas visitas fue abordado por Carroll quien le comentó que Thin Lizzy estaban buscando discográfica. Grainge no era muy fan del grupo pero sabía que tenía un directo muy bueno. Gracias a este contacto el grupo liderado por Lynott tuvo la oportunidad de mandar una maqueta a la discográfica con dos temas. Uno de esos que contenía la maqueta era Still in Love With You, y al escucharlo, a los dirigentes de la discográfica les pareció absolutamente maravilloso. A Grainge y a la discográfica les habían asegurado que el tema había sido grabado por sus dos nuevos guitarristas, Gorham y Robertson, una mentira piadosa, pues el tema había sido grabado por Gary Moore antes de marcharse.

El sello discográfico Phonogram estaba decidido a fichar al grupo pero antes querían verlos en directo. El grupo tuvo que pedir un préstamo para cubrir los gastos de la audición en el mítico Marquee de Londres. La noche de la audición hacía un calor espantoso y las guitarras de Gorham y Robertson se desafinaron, pero poco importó porque el cuarteto era tan bueno que quedó contratado de inmediato. Seguidamente el grupo se metió en el estudio para la grabación del que sería su cuarto álbum de estudio, Nightlife.

Nightlife es grabado entre los Saturn estudios de Worthing (Inglaterra) y los Trident Studios y los Olympic Studios de Londres entre abril y septiembre de 1974, y publicado el 8 de noviembre de 1974. El disco fue producido por Phil Lynott y por el productor estadounidense Ron Nevison, quien había trabajado antes como ingeniero para el álbum Quadrophenia de The Who y en los tres primeros discos de Bad Company. La carátula, diseñada por Jim Fitzpatrick, muestra lo que parece ser una pantera en una escena de la ciudad. Se pensaba que la pantera representaba a Lynott, pero el mismo Fitzpatrick  confirmó que ésta se refería a los Panteras Negras y a figuras políticas afroamericanas como Malcolm X Y Martin Luther King Jr. 

El resultado es un disco que si bien podemos considerar correcto, es el trabajo que supuso el punto de inflexión de la banda. Es el primer álbum donde aparece el cuarteto que marcará la época dorada de la banda (Lynott, Downey, Robertson y Gorham), un cuarteto que acabará funcionando como un rodillo bien engrasado. También empiezan a asomar por primera vez en la banda destellos del característico sonido de las guitarras gemelas de la banda y que les convertirá en una apisonadora en directo, un sonido que acabarán explotando en su siguiente disco, Fighting. Thin Lizzy fue una de las bandas que mejor supo entender y explotar dicho sonido de las guitarras gemelas. Un álbum al que a pesar de faltarle una dirección clara y algo de contundencia y cohesión ya da muestras de lo que está por venir, y donde destacan temas como Philomena, un tema escrito por Lynott en honor a su madre Philomena Lynott. Un tema con una fuerte influencia irlandesa en su sonido; Sha La La, escrita por Lynott y Downey, esta canción crecía exponencialmente interpretada en directo; y la suave y melódica balada Frankie Carrol, que nos recuerda a los primeros temas de Lynott. Pero por encima de todos los temas destaca Still in Love With You, una de las óperas primas de la banda. En 1974, cundo Gary Moore llega al grupo para suplir a Eric Bell, durante ese periodo que permanece en la banda se mete en el estudio y graba algunos temas. Uno de esos temas es Still in Love With You, el cual al parecer es una composición que Moore había realizado allá por el año 1969 y que todavía no se había decidido a grabar todavía. Cuando Thin Lizzy se encontraba en el estudio grabando Nightlife, a Brian Robertson le ofrecieron grabar el sólo de guitarra de este tema pero el se negó, pues consideraba que el sólo de Moore era tan bueno que era imposible de mejorar. La grabación original contaba con un dúo en las partes vocales entre Lynott y Moore, posteriormente se volverían a grabar estas partes vocales siendo interpretadas por Lynott y por el cantante escocés Frankie Miller.

Nightlife es un disco fundamental en la obra de Thin Lizzy, pues suspuso el punto de inflexión de la banda y marcó el camino a seguir, un camino que se vería reforzado con los siguientes trabajos de la banda. La explosión de la banda y sus mejores trabajos estaban por llegar...

0370.- Lucy in the sky with diamonds - The Beatles

 

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fue uno de los primeros álbumes 'conceptuales' y abrió el camino hacia álbumes con canciones más largas y vínculos temáticos. Los avances tecnológicos jugaron un papel vital a medida que The Beatles desarrollaban la complejidad de su música. El productor George Martin y el ingeniero de sonido Geoff Emerick utilizaron procesamiento de señal (rango dinámico, reverberación, limitación de señal) en las grabaciones, así como también ejecutar instrumentos a través de un altavoz Leslie. También se utilizaron nuevas técnicas de producción que incluyeron control de tono, inyección directa o doble seguimiento automático y ambiofónico.

Lucy in the sky with diamonds, es una de las canciones más psicodélicas de la banda, descrito por la revista Rolling Stone como "el lujoso sueño de Lennon", todo, desde la letra ilusoria de "Lucy" hasta su complejo arreglo, ha hecho eterno el legado de esta melodía psicodélica.. la primera polémica, el título de la canción de "Lucy", en realidad se inspiró en una imagen que el hijo de cuatro años de Lennon, Julian, pintó de su compañera de clase Lucy O'Donnell. “Me llevaron a casa de la escuela y vine caminando con una de mis pinturas de acuarela”, recordó Julian años más tarde en un intento de abordar el error popular. “Era solo un montón de estrellas y esta chica rubia que conocí en la escuela. Y papá dijo: '¿Qué es esto?' Dije: '¡Es Lucy en el cielo!'. Un testigo de este acontecimiento es Ringo Starr, quien reveló un par de años más tarde que él estuvo presente cuando Julian le mostró el dibujo a John. Esta canción fue grabada en una época donde la gente solía experimentar su creatividad con esta droga, por lo que nadie les creyó en un principio que no se tratara sobre el LSDL ya que el titulo es un supuesto acrónimo al LSD (Lucy in the Sky with Diamonds). Las imágenes de ensueño a las que se hace referencia en la letra de las canciones de Lennon (que pudieran parecer imágenes bajo los efectos de la droga) se inspiraron en imágenes de “las aventuras de Alicia en el país de las maravillas” y “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí” de Lewis Carroll (quien también aparece en la portada de Sgt. Pepper’s). Carroll fue uno de los personajes importantes en la vida creativa de Lennon, pues más tarde decidió mencionarlo en sus libros In His Own Write, A Spaniard in the Works y Skywriting by Word of Mouth. A pesar de todas las explicaciones, la canción fue prohibida por la BBC (British Broadcasting Company) por lo que pensaban que eran referencias a drogas poco veladas, asi como ocurrio con una gran parte del Sgt. Pepper’s como “A Day in the Life”, “Being for the Benefit of Mr. Kite!”, “Fixing a Hole”, “With a Little Help from My Friends”, “Lovely Rita” y “When I’m Sixty-Four”.

0369.- With a Little Help from My Friends - The Beatles

0369 - With a Little Help from My Friends - The Beatles

The Beatles compusieron With a Little Help from My Friends esta canción de la banda fue incluida en su álbum de 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, fue escrita por John Lennon y Paul McCartney y cantada por el baterista Ringo Starr, su voz principal para el álbum. Como segundo tema del álbum,

En 1978, la grabación de The Beatles de With a Little Help from My Friends, junto con Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, se reeditó como sencillo y alcanzó el número 63 en Gran Bretaña y el número 71 en Estados Unidos. Starr ha interpretado regularmente la canción en concierto como artista en solitario. With a Little Help from My Friends de The Beatles ocupó el número 311 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de Rolling Stone.

Cuentan que la grabación de esta canción realizada por The Beatles se comenzó a grabar la canción el 29 de marzo de 1967, el día antes de que posaran para la portada del álbum Sgt. Pepper. 

Se realizaron 10 tomas de la canción antes de que terminaran con ella, eso provoco que terminaran las sesiones a las 5:45 de la mañana, la pista de acompañamiento estaba formada por Starr a la batería, McCartney al piano, Harrison a la guitarra solista y Lennon golpeando un cencerro. 

Al amanecer, Starr subió a duras penas las escaleras para irse a casa, pero los otros Beatles le engatusaron para que hiciera su voz principal allí mismo, situándose alrededor del micrófono como apoyo moral, al día siguiente añadieron pandereta, coros, bajo y más guitarra eléctrica.

Aunque la canción fue escrita por Lennon y McCartney quienes la compusieron a mediados de los 1967, esta fue escrita específicamente para que la cantara Ringo Starr para el álbum. por ello McCartney dijo: "Fue más o menos coescrita, John y yo haciendo una canción de trabajo para Ringo, un pequeño trabajo artesanal". Posteriormente en 1970 Lennon declaró: "Paul tenía la línea sobre 'With a Little Help from My Friends'. Tenía una especie de estructura para ella, y la escribimos más o menos al cincuenta por ciento a partir de su idea original", 

Daniel
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La música en historias: ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!

Phil Lynott 

       Hoy, 4 de enero de 2022, se cumplen 36 años de la muerte de Phil Lynott. El 4 de enero de 1986, Lynott, que llevaba los días anteriores inmerso en una vorágine de alcohol y drogas, nos decía definitivamente adiós. En 7dias7notas queremos rendir homenaje a su figura, y lo vamos a hacer con un tema que Los Suaves, declarados fans incondicionales de Thin Lizzy y de la obra de Phil Lynott, compusieron en 1988 en honor a su figura y publicaron en su álbum Ese día piensa en mí, el tema ¿sabes? ¡Phil Lynott murió!:

     Campanas de muerte resuenan, pues en la ciudad del rock and roll ya no brillan las estrellas. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, aquel irlandés de tez morena que desde bien pequeño ya tenía claro lo que quería ser, y comenzó su andadura en bandas como The Black Eagles ó Skid Row.

     En un día de noche negra tocó su canción del adiós. El libro del tiempo se cierra. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese que en 1969, y contando con apenas 20 años fundaba su propia banda, acompañado de su inseparable amigo de la escuela y baterista Brian Downey y del guitarrista Eric Bell.

     Y es que hoy, en la madrugada se paró su reloj. Se durmió, sueña para siempre sueños de algodón. Y es que hoy un manto de sombras cubre el rock and roll. Se durmió, sueña para siempre sueños de algodón. Sí, ese que tras mucho trabajo y esfuerzo, consiguiera su primer éxito con Whiskey in the Jar. Curioso que este tema le diera su primer éxito a Phil, pues consideraba que este tema no representaba su esencia musical ni la de su banda.

     ¡Silencio! silencio en la arena, el bajo llora en un rincón. Las guitarras ya no suenan. ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese irlandés que consiguió que el mismísimo Bob Dylan cayera rendido a sus pies, pues consideraba que Lynott era un magnífico compositor, poeta y contador de historias, llegando a decir de él que era un genio.
 
     Que se cierren las fronteras en el país del rock and roll, para guardar nuestra pena ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!. Sí, ese que estando su grupo al borde de la desaparición, y cuando todo estaba perdido, y junto con su queridísimo amigo de la infancia, Brian Downey, se tiró un farol con un tema salvador (Still in Love with you) y apostó por dos guitarristas muy dispares, un escocés (Brian Robertson) y un californiano (Scott Gorham). Aquella formación acabaría marcando toda una era e influenciando a infinidad de bandas de rock posteriores.

     Y es que hoy un manto de sombras cubre el rock and roll. Se durmió, sueña para siempre, sueños de algodón. Sí, aquel genio que fue derribando barreras y abriendo puertas para que la música irlandesa y los músicos irlandeses se dieran a conocer en el mundo entero.

     Seguro que Lynott está ahora mismo observándonos mientras está sentado alrededor de una hoguera, contando a los allí presentes antiguos cuentos y leyendas de príncipes y princesas, cuando los reyes y reinas bailaban en el reino de la rosa negra.......

Black Rose, A Roisin Dubh

Tell me the legends of long ago
When the kings and queens would dance in the realm of the Black Rose
Play me the melodies I want to know
So I can teach my children, oh

Pray tell me the story of young Cuchulainn
How his eyes were dark his expression sullen
And how he'd fight and always won
And how they cried when he was fallen

Oh tell me the story of the Queen of this land
And how her sons died at her own hand
And how fools obey commands
Oh tell me the legends of long ago

Where the mountains of Mourne come down to the sea
Will she no come back to me
Will she no come back to me
Oh Shenandoah I hear you calling

Far away you rolling river
Roll down the mountain side
On down on down go lassie go
Oh Tell me the legends of long ago

When the kings and queens would…

When the kings and queens would dance in the realms of the Black Rose
Play me the melodies so I might know
So I can tell my children, oh
My Roisin Dubh is my one and only true love

It was a joy that Joyce brought to me
While William Butler waits
And Oscar, he's going Wilde
Ah sure, Brendan where have you Behan?

Looking for a girl with green eyes
My dark Rosaleen is my only colleen
That Georgie knows Best
But Van is the man

Starvation once again
Drinking whiskey in the jar-o
Synge's Playboy of the Western World
As Shaw, Sean I was born and reared there

Where the Mountains of Mourne come down to the sea
Is such a long, long way from Tipperary

0368.- T.B. Sheets - Van Morrison

0368 - T.B. Sheets - Van Morrison

Vamos con una canción del cantante Van Morrison del año 1967, T.B. Sheets es una canción que tiene influencias en el blues, la cual fue escrita y grabada por el cantautor norirlandés Van Morrison. Esta canción fue producida por ¡Bang Records y publicó la canción en su primer álbum en solitario, llamado Blowin' Your Mind!. Esta canción también apareció en el recopilatorio de Bang T.B. Sheets.

Esta canción recibió una crítica de AllMusic la cual decía: "The listener is placed in the room. Although somewhat disturbing, it certainly describes the term realism with one bold masterful stroke". (El oyente se sitúa en la habitación. Aunque algo inquietante, sin duda describe el término realismo con un audaz trazo maestro)

El escritor y bibliógrafo John Collis describió el significado de esta canción como, "En primer lugar, el cantante reprende al enfermo terminal por llorar. No es natural". La mujer llora toda la noche y el observador, atrapado en la habitación de la muerte, se siente avergonzado e impotente, más adelante en la canción, el sol que rebota en una grieta del cristal de la ventana "adormece mi cerebro"... Y luego está la aplastante claustrofobia de la sala de enfermos "Déjenme respirar", le exige a la mujer cuya respiración falla, burbujeando en unos pulmones cursis. Hay una calle abajo, una calle que ella nunca volverá a pisar, y él se desespera por estar ahí abajo, por reunirse con los vivos, porque "la habitación fría es una habitación de tontos".

Otros de los autores que describió la música de la canción fue Brian Hinton quien dijo "Se trata de un cuento dickensiano sobre la muerte y la decadencia en una gran ciudad. El órgano y la batería van por libre, luego un groove majestuoso, que encaja con la voz de Van Morrison como un garrote, dirigido por la fastidiosa guitarra principal. La armónica de Van Morrison hiere el oído, luego es como un terrier, sermoneando a su novia, 'Julie', sobre que no es natural que se quede despierta por la noche, muriéndose".

Otras de las crítica de esta canción realizada por Steve Labate comentaba el tema de la canción: "'T.B. Sheets' es una de las canciones más reales sobre la muerte que se pueden escuchar. A medida que la vida se va despojando de la amada Julie, enferma de tuberculosis, no hay un drama trillado, ni una capa de azúcar nostálgica ni una gran epifanía en el lecho de muerte, sino más bien un fatalismo del tipo "¿Es eso todo lo que hay? La luz del sol que brilla a través de la grieta en el cristal de la ventana adormece mi cerebro", gime Morrison sobre un órgano Hammond".

Todo lo que se ha escrito y dicho sobre esta canción, demuestran el poder del autor en demostrar una situación tan dolorosa como la muerte, transformarla en poesía. 

Daniel
Instagram Storyboy

Thin Lizzy, Comienza la aventura (Mes Thin Lizzy)

 

Thin Lizzy

     Que mejor manera de rendir tributo a una de las bandas de rock más importantes que ha dado Irlanda que hacerlo justamente este mes, el mes de enero, un mes que está marcado por el fallecimiento de su indiscutible líder, Phil Lynott. Thin Lizzy fue una de las primeras bandas irlandesas en romper barreras, logrando éxito fuera de sus fronteras, covirtiéndose además en una de las grandes referencias para infinidad de bandas que llegaron posteriormente. Su líder Phil Lynott fue además el primer irlandés de color en lograr éxito en el campo de la música rock. 

Durante un mes vamos a ir desgranando gran parte de la obra del grupo irlandés, un grupo que además de conocer las mieles del éxito también estuvo acompañada de muchísimos infortunios. Las drogas tuvieron un factor importante, pues fueron una constante en la historia del grupo, y fueron precisamente estas las que nos arrebataban de este mundo a su líder Phil Lynott cuando este contaba únicamente con 36 años.

Hablar de Thin Lizzy es hablar de su líder Lynott, alma del grupo, dotado de un gran talento para la música. Tenía tal don para escribir letras y contarnos historias que hasta el mismísimo Bob Dylan consideró al irlandés un magnífico compositor, poeta y contador de historias, de él decía que era un genio. Antes de cumplir los veinte años, en 1969, Lynott ya había formado Thin Lizzy junto a su inseparable amigo de la escuela el baterista Brian Downey y el guitarrista Eric Bell, experimentado y reputado músico que por aquél entonces ya se ganaba la vida cómodamente con la música. Dos años después, en 1971 el grupo conseguía publicar su primer álbum de estudio: Thin Lizzy.

A mediados de 1970 entra en escena Brian Tuite, propietario de Band Centre, la principal tienda de instrumentos musicales de Dublín, y Peter Burdon, exitoso director de una agencia que llevaba la contratación de grupos por toda Irlanda. Tuite y Burdon asumen llevar la carrera y representaciónn del grupo a cambio de una simbólica suma de dinero que ronda la doscientas libras. Brian Tuite tenía muy buena relación con Frank Rodgers, un cazatalentos que trabajaba en Londres para la discográfica Decca Records. Finales de 1970, y Tuite había llegado a un acuerdo con Rodgers para que éste hiciera una pueba a otro de sus representados, un cantante de soul llamado Ditch Cassidy. Tuite quiso matar dos pájaros de un tiro y se le ocurrió usar como grupo de acompañamiento para el cantante a Thin Lizzy. La jugada le salió redonda a Tuite, pues Rodgers percibió en el trío que tenía algo especial y les ofreció un contrato con Decca Records. En enero de 1971 el trío irlandés se mudó a Londres, concretamente a una pensión situada en Sussex Garden, cercana a los estudios de Decca Records, para grabar el material de su primer álbum de estudio, un material que grabaron en menos de una semana. 

Para la producción y grabación de este disco debut, de título homónimo, el grupo trabajó con el productor y compositor estadounidense Scott English, quien ya había trabajado ente otros con Jeff Beck y era coautor de su éxito Hi Ho Silver Lining. Scott English fue una imposición de la discográfica, y durante la grabación del álbum surgieron fricciónes entre él y Lynott. La cosa llegó hasta tal punto que cuenta Tuite que en una ocasión Scott, que no quería usar el micro para que el resto del grupo le escuchara, se dirigió a Tuite que se encontraba en la cabina de control con él y le dijo: "Sal ahí y dile al bajista que baje el volumen". Entonces Tuite entró a la cabina y le dijo a Lynott: "El de la barba quiere que bajes el volumen del bajo", y Lynott le respondió: "Dile a ese puto yanqui que se vaya a tomar por culo", consciente de que el micro estaba abierto y Scott escuchaba perfectamente aquello. Apenas superaba los 20 años y Lynott ya hacía gala de su personalidad.

El resultado es Thin Lizzy, un atractivo batiburrillo de temas donde parte del material fue grabado de forma improvisada con cosas que iban surgiendo durante la grabación. Musicalmente es un álbum con sonidos de blues rock y folk rock donde se nota que el grupo, a través de su destreza musical con tintes de jam sesión por momentos, está buscando su propio sonido. Estas composiciones se ven reforzadas por unas letras e historias que destacan ya el enorme potencial de Lynott, compositor de casi toda la obra del grupo, para escribir y contarnos historias. En cuanto a recepción comercial el álbum se vendió moderadamente bien pero no llegó a las listas del Reino Unido, el gran objetivo de la banda.

Comienza el disco con The Friendly Ranger at Clontarf Castle, escrita por Bell y Lynott. Tema donde Lynott imprime su destreza poética en unas letras y citas que son extraídas de dferentes tebeos. Honesty Is No Excuse, canción que nos habla de los arrepentimientos que rodean a la persona a lo largo de su vida. Curiosa letra escrita para un joven que apenas contaba con 21 años en el momento de grabarla. La canción se caracteriza por la suave guitarra de Eric Bell y el acompañamiento del melotrón tocado por Ivor Raymonde. Diddy Levine nos cuenta la historia de la chica que da título a la canción, una historia corriente de una chica cualquiera. Lynott nos relata la historia de Diddy, quien a finales de los años 40 tiene una hija. Diddy decide separarse de su pareja cuando la niña es aún pequeña e iniciar la aventura de vivir las dos solas, pues durante su vida posterior rechaza dos propuestas de matrimonio. La niña crecerá y conservará el apellido de su madre. Un tema que podría ser perfectamente autobiográfico del propio Lynott. Ray-Gun, escrita por Bell, es un tema con unos grandes riffs de guitarra donde éste muestra sus influencias por Jimi Hendrix, mientras que en el apartado vocal a Lynott se le nota su admiración e influencia por cantantes como Jimi Hendrix, Van Morrison, Joe Cocker o Rod Stewart. Cierra la cara A Look What the Wind Blew In, tema inspirado en la periodista Gail Barber, con quien Lynott tuvo una relación. La canción contiene un juego de palabras con el nombre de la periodista y sobre un vendaval del norte. Barber era de Belfast y Lynott vivía en Dublín. 

Abre la cara B Eire, uno de los mejores temas del álbum sin duda. En este tema original y lleno de energía y a través de los overdubs (Técnica de sobreponer capas de audio en procesos de grabación) de guitarra de Bell, Lynott nos cuenta un gran relato de heroísmo celta. En un primer momento Lynott, Downey y Bell grabaron la letra de la canción en irlandés, pero la compañía discografica Decca se cerró en banda y les exigió que la volvieran a grabar en inglés. No les quedó más remedio. Return of the Farmer's Son, tema comienza con unas melodías prometedoras y que acaba perdiendo fuelle a causa de los excesivos arreglos que le incorporan. Eso sí, es un tema donde Bell, Lynott y Downey dejan destellos de su gran calidad instrumental. Clifton Grange Hotel, donde Lynott hace un idelizado retrato del "misericordioso refugio" (como así reza en la letra del tema) de su madre en el barrio chino de Manchester. Este era un hotel dirigido por su madre y por Dennis Keeley. Un hotel que era conocido como The Showbiz o The Biz, y donde su clientela solían ser artistas, hombres de negocios, strippers o bailarines, y que incluso era patrocinado por la figura del Manchester United George Best (amigo de Phil Lynott) y algunos de sus compañeros de equipo. Saga of the Ageing Orphan, una agradable balada en tono folk donde Lynott vuelve a hacer mención a la familia, concretamente a su abuela y su tío, y nos habla sobre el miedo a envejecer. Cierra la cara B y por tanto el disco Remembering part 1, tema invadido por la nostalgia donde Lynott recuerda a una antigua novia y rememora los días del viejo cine. todo un ejercicio de sensibilidad y nostalgia para un chico de tan sólo 21 años. 

En ediciones posteriores se incluyeron en ést álbum como bonus tracks cuatro temas, lo cuales pertencían al fallido EP del grupo titulado New Day: Dublín, considerado por la crítica como la primera gran letra que escrbió Lynott, Remembering Part 2, Old Moon Madness y Thing Ain't Workin' Out Down at the Farm. 

0367.- Brown eyed girl - Van Morrison

Brown Eyed Girl fue el primer sencillo del disco Blowin' Your Mind! (1967) de Van Morrison, y la primera canción con la que su autor conoció el éxito tras dejar la seguridad y el estatus que ya tenía como cantante del grupo Them. Cuenta con la colaboración del grupo Sweet Inspirations en los coros, que le dieron a la canción el aire soul que la diferencia de otras composiciones del artista norirlandés.

Hablamos de la que es, probablemente, su canción más difundida y famosa, pese a no ser la canción más representativa de su estilo o de su carrera. Originalmente titulada Brown-Skinned Girl (Chica de piel morena) y llamada finalmente Brown eyed girl durante las sesiones de grabación, fue una canción controvertida durante los años setenta por el alto contenido sexual de algunos de sus versos (haciendo el amor sobre el verde césped), dedicados al recuerdo de una relación pasada con una chica de ojos marrones.

El magnetismo de aquella nostálgica mirada de ojos marrones ha cautivado, con los años, a muchos otros trovadores que la han versionado en estudio o en directo (Bruce Springsteen, Bob Dylan, Cat Stevens, Green Day, The Rolling Stones y un largo etcétera). Sus ojos fueron de color miel en la versión en catalán de Els Pets (Ulls de color mel), mientras en la versión en castellano de Roberto Jordán fueron del color del café (La Chica de los Ojos Cafés), pero nunca hubo duda de que, detrás de todas ellas, estaba la misma musa que regaló a Van Morrison fortuna y éxito, y una de esas miradas que no tienen precio.

0366.- I’m a glad - Captain Beefheart & His Magic Band

El debut de Don Van Vliet (alias Captain Beefheart) en formato LP fue un golpe de fortuna porque él y su banda (bautizada como His Magic Band) fueron rechazados por las discográficas hasta que finalmente encontraron una que les acogió: Buddah Records lo que les abrió la puerta para grabar un LP en el que dieran mayor rienda suelta a su verdadero propósito: actualizar y revitalizar nuevamente el blues y el R&B. Si tres años antes los Rolling Stones habían establecido una vertiente más agresiva en estos estilos, enfatizando el componente sexual, Captain Beefheart And His Magic Band se dirigieron a la vertiente más maníaca y psicodélica, el sonido es muy accesible y emocionante gracias a una banda de acompañamiento que ejecuta interpretaciones precisas, con unas afiladas guitarras que rivalizan en ocasiones por el protagonismo que obviamente recae en la lunática voz de Beefheart. Uno de esos dos guitarristas es nada menos que el gran Ry Cooder, demostrando su maestría desde bien joven. Toda una suerte que pudieran contar con su participación. La sección rítmica merece también un reconocimiento especial, sobre todo en temas tan originales como ‘Abba Zaba’.La música de Beefheart se basa en mayor medida en la deconstrucción del Blues exagerando sus aspectos más peculiares y dejando impronta de su propio estilo experimental. Esto, como en el caso de su gran amigo Frank Zappa, demuestra su infinito amor por el género ya para hacerlo bien hay que conocer al dedillo todos sus parámetros. No obstante, también se atreve a «Beefheartizar» otros géneros como el Soul con sus cantos aparentemente profundos

I’m a glad, canción de 1967 incluida en el album Safe as Milk de Captain Beefheart & His Magic Band te calmará, relajará tus músculos y te pondrá en un lugar nostálgico aunque lo que pretendían era hacer una parodia dedicada a las baladas que tiene una gran sección de trompeta. En realidad, se está burlando de Tom Jones con esto mientras canta sobre la ex novia de la persona con líneas extrañas que incluyen 'Te fuiste, lloré día y noche / por lo que hiciste tuve que pagar / me dejaste tan triste que no saber / a dónde ir o qué hacer / por favor regresa y deja que el sol brille”, pero les salió muy bien, la voz tierna y tristr de Don Van Vliet canta sobre los buenos tiempos, la gratitud y la pérdida mientras su Magic Band le arrulla detrás de él. El tempo constante te da unas sensaciones fantasticas, perfecta para repetir mientras se balancea con un amigo, sale a caminar o resuelves aquellos problemas que te atormentaban.

Disco de la semana 256: Crooked Rain, Crooked Rain - Pavement

 

Pavement, banda estadounidense cuyas letras atrevidas y texturas sonoras derivadas del punk se fusionaron en una poesía de referencia flotante que personificaba el rock universitario de los noventa. Los miembros originales eran cantante, guitarrista y compositor principal Stephen Malkmus y el guitarrista Scott Kannberg. El batería original Gary Young, un veterano de la contracultura que dirigía el estudio donde Pavement grabó inicialmente, fue reemplazado por Steve West en 1993, el Percusionista Bob Nastanovich y el bajista Mark Ibold se incorporaron en 1991 y 1990, respectivamente. Formado en Stockton, California, en 1989, Pavement fue uno de los primeros grupos musicales en alcanzar la mayoría de edad dentro de la subcultura del indie rock, formando sus identidades musicales escuchando REM. Sus primeros lanzamientos, luego compilados en el álbum de 1993 Westing, ofreció fragmentos comprimidos de sonido industrial y fragmentos de pop de baja fidelidad sorprendentemente melódico (Baja fidelidad: música hecha con equipos de grabación rudimentarios, como cintas de cuatro pistas). Pero Slanted and Enchanted (1992) reveló una nueva grandeza, con enigmáticos himnos de devoción subcultural que tratan la vida de los holgazanes como un derecho propio. Después de este álbum llegaría Crooked Rain, Crooked Rain, el álbum que tendría que consagrarlos.

 

Silence Kit tiene a la melodía de "Every Day" de Buddy Holly como base ¿dónde más podríamos escuchar esa melodía en la forma de rock indie de principios de los 90? Una reinvención fantástica, con guitarras ruidosas, la letra por supuesto es marca de la casa, una pequeña reivindicación de como dejar a tu familia por la vida del rock n roll y arrepentirte. Interesante cómo cambia allí al final. Elevate Me Later, es una buena cancion, todos estamos de acuerdo, sí, es solo un riff, en términos de un interés musical sostenido, pero es un riff lo suficientemente agradable como para dejar que te inunde mientras pasas por la ciudad que olvidamos nombrar, pero nos gusta, porque están mezclados tan jodidamente ruidoso. Hay mucha locura en las letras, supuestamente es una canción es "anti-pc", cuando dice "hay 40 tonos diferentes de negro", quiere decir que hay muchas formas diferentes de ver algo negativo, o hay muchos tonos diferentes que podría tener una percepcion negativa, me encanta este mensaje, aunque es un poco críptico, realmente edificante. Escuchar Stop Breathin y escuchas a Malkmus cantar 'Papá, me han destrozado' como una pregunta y luego compruebas que esta el mismo para responderla, y en medio de todo esto, curiosamente, jodidas imagenes otoñales, y siento su confusión y, por extensión, la confusión de muchos otros: querer hacer lo correcto por todo el mundo, pero sin haber sido debidamente capacitado para saber exactamente cómo hacerlo, o incluso si es lo suficientemente posible como para que valga la pena intentarlo. ¿quién soy yo para decirle que no al melancólico brillo del indie-rock cuando nos lo sirve de esta manera tan dulce? Y sino mira la pequeña genialidad que nos entrega ¿solo / riff / build? Al final de la canción, estos tíos te vuelven loco, nunca sabras hacia lo que te llevaran las canciones. 

Es imposible no amar Cut your hair, una de sus canciones mas conocidas y por una buena razón, tiene ese estribillo pegadizo de "oooh oooh oooh oooh oooh oooh", y un rock muy divertido en todas partes, la pista incluye un coro tarareable al instante y varias observaciones sobre la música popular “Cariño, no te vayas a cortarte el pelo / ¿Crees que te hará cambiar?", Y a medida que avanza la pista, es obvio que la canción se centra en la industria de la música, en la loca escena musical de los 90, específicamente en cuántas bandas nuevas se preocupaban más por su imagen que por su música. Por el contrario, Pavement nunca se preocupó de su imagen. Newark Wilde suena exactamente como el rock indie, Si, es suficiente, la transición del coro al verso es perezosa incluso para los estándares de esta banda. La mejor parte de la canción, de lejos, es esa pequeña y pequeña guitarra que la abre, y de esa manera la canción me recuerda al "Try Not to Breathe" de sus héroes REM, más o menos contemporáneo, con su sublime Línea de guitarra de apertura (de un guitarrista que no era un santo) que justifica toda la mediocre canción. No es particularmente atractivo, y seguramente no es genial, pero tiene algo bueno, lo que pasa con Pavement es que todo lo que ofrecen es al menos interesante y único y eso realmente es suficiente. Unfair es sin duda una de las canciones más ruidosas y más "abrasivas" del álbum), es difícil no subir el volumen de esta canción y ponerla a todo volumen. Hay muchas frases geniales sobre California, pero sobre todo son emocionantes y catárticas. Me gusta la forma en que alternan entre canciones melosas y rockeras.

 

Gold Soundz es otra gran canción con una excelente letra, incluso no sepas exactamente qué significan, algunos ejemplos: "el juicio es por el arma encontrada" "eres el tipo de chica que me gusta, porque estás vacía y yo estoy vacío" "nunca puedes poner en cuarentena el pasado". Es breve, pero perfecto, Malkmus siempre ha sido muy hábil para interpretar el papel del rey bufón, perpetuamente irreverente y casi nunca 100 por ciento sincero, y sus mejores momentos son aquellos en los que su fachada imperturbable se resquebraja y un indicio de vulnerabilidad brilla, y este es el mejor de ellos. 5-4 = Unity no es nada innovador, sirve como intermedio entre dos de las canciones de mayor calidad del álbum, una canción instrumental que sirve de preludio a otro pelotazo. Range Life con la increíble línea de guitarra, y, lo mejor de todo, los coros. Malkmus intenta tocar una nota que está MUY fuera de su rango vocal y, por supuesto, se pierde por completo, pero es la cosa más encantadora de la historia, así que no me importa, una canción de rock alternativo country sobre la necesidad de establecerse en la vida doméstica, una canción tan maravillosa que casi desearía que Malkmus nunca cantara ese verso de Smashing Pumpkins, no porque sea mala o perjudicial para la canción, o porque no transmita el sentimiento de genuino desafecto hacia la corporación musical, una burbuja de pensamiento aturdida, de flujo de conciencia de un niño que se da cuenta de que está viviendo en una época en la que nadie parece tener nada que decir. Heaven is a Truck es otra bonita canción, quizás después de Range Life se nos queda corta, pero hay que disfrutarlaen ella misma, es el estado de ánimo que encaja perfectamente después de Range Life y tiene una gran letra, inquietante y absurda. 

Para algunos críticos el punto más alto del álbum es Hit the Plane Down, para mi posiblemente una de las pistas menores, aunque también es creativa y divertida cuando estás de humor. Supuestamente se basa en esa película "Alive". Fillmore Jive conlleva el mismo tipo de desafecto de calles nebulosas, un tenue estado de fatiga en el que no estás seguro de en qué dirección moverte la voz de Malk aporta algo especial y digno de empatía a los acordes lluviosos y serpenteantes; es como murmurar juntos en una habitación, enfadados y nerviosos porque no te dejan dormir.

0365 Purple Haze -Jimi Hendrix

 

Purple Haze, Jimi Hendrix

     Turno para el quinto tema del genio de las seis cuerdas de Seattle (Estados Unidos), Jimi Hendrix. No podíamos dejar fuera de la lista Purple Haze, otro de sus grandes temas. Are You Experienced? es publicado bajo el nombre Jimi Hendrix Experience, power trío donde Jimi está acompañado de Noel Redding (bajo) y Mitch Mitchell (batería). El resultado es un álbum que nos volará literalmente la cabeza gracias a la peculiar e innovadora visión de Hendrix a la hora de entender la música, abrazando sonidos que van desde el blues al rock psicodélico y al hard rock.

El disco es grabado entre octubre de 1966 y abril de 1967 en tres estudios de Londres, De Lane Lea, CBS y Olimpyc Studios, y publicado en mayo de 1967 en Reino Unido y en agosto de ese mismo años en Estados Unidos. En Reino Unido estuvo 33 semanas en las listas de ventas, y en Estados Unidos llegó a un excelente quinto puesto en la lista Billboard Hot 200, llegando ha permanecer durante 70 semanas en la lista Billboard R&B. 

Ya hemos comentado que este disco fue editado con varios temas diferentes para el mercado británico y para el estadounidense. Incluida en la edición que se hizo para Estados Unidos se encuentra Purple Haze, tema que fue publicado como segundo sencillo del disco, en marzo de 1967 en Reino Unido y en junio de ese mismo año en Estados Unidos. Purple Haze nos muestra esa innovadora forma de tocar que Hendrix traía bajo el brazo, una mezcla de blues con toques orientales, y todo moldeado por novedosas técnicas de procesamiento de sonido. 

Recién salido el primer sencillo del disco, Hey Joe, versión del tema escrito por Billy Roberts, el productor Chas Chandler y Jimi estaban buscando un tema que diera continuidad al éxito. A mediados de diciembre de 1966 Chandler escuchó tocando en el piso de Hendrix uhn riff de guitarra, un riff que según él hizo que se quedara alucinado. Chandler a raíz de escuhar ese riff instó a Hendrix a que siguiera trabajando en ese riff, pues sería su siguiente éxito. Según el productor, Hendrix escribió el resto del tema en el camerino de un club de Londres  durante la tarde del 26 de diciembre de 1966, justo antes de un concierto. 

Hendrix afirmó que para escribir Purple Haze se basó en un sueño que tuvo en el que él caminaba bajo el mar, mientras una neblina púrpura le rodeaba, le envolvía y le perdía. Fue una experiencia traumática, pero su fe en Jesús le salvó. De hecho, en un principio Hendrix escribió el coro donde decía: "Purple haze, Jesus Save" / "Brúma púrpura, Jesús salva", pero al final decidió no incluirlo.

0364.- The wind cries Mary - Jimi Hendrix

 

El 5 de Junio de 1967 se publicó en el Reino Unido el single “The wind cries Mary”, un claro ejemplo de blues-rock psicodélico. La inspiración para la canción fue un incidente con su novia en ese momento, Kathy Mary Etchingham, había tenido una discusión con ella sobre su forma de cocinar, se enfadó y comenzó a tirar ollas y sartenes, y salió furiosa para quedarse en la casa de un amigo por un día o dos. Cuando regresó, Jimi le había escrito "El viento llora a María". Kathy Mary recordó: "Habíamos tenido una discusión por la comida. A Jimi no le gustaba el puré de papas grumoso. Hubo platos tirados y yo salí corriendo. Cuando regresé al día siguiente, él había escrito esa canción sobre mí. Es increíblemente halagador". Material biográfico más reciente ha indicado que algunas de las letras aparecieron en una poesía escrita por Hendrix al principio de su carrera cuando estaba en Seattle . Según su novia anterior de Seattle, Mary Washington, las palabras "En algún lugar una reina está llorando / En algún lugar un rey no tiene esposa", fueron escritas en un poema de amor que Hendrix había escrito para ella. Por si fuera poco muchas han relacionado este tema con la marihuana (Mary Jane), pero de estos casos hay cientos.

 

Jimi Hendrix grabó la canción en enero del 1967 y comentan que lo hizo tan solo en 20 minutos y sin ensayo previo, comienza con una introducción distintiva y reconocible, en la que tres acordes de "cinco" ascendentes cromáticamente se tocan en una segunda inversión. Un acorde de 'cinco' consta de dos notas (primera o "raíz" y quinta) en lugar de tres (raíz, tercera y quinta). La nota media que falta le da al acorde un sonido más 'abierto' o 'desnudo'. Una segunda inversión "voltea" las notas en el acorde, de modo que la quinta, no la nota fundamental, es la nota que suena más baja. Esto hace que sea más difícil para el oyente identificar inmediatamente en qué tono se está tocando la canción. Además, un ritmo sincopado dificulta que el oyente identifique los "tiempos bajos" de la canción. Esta combinación de elementos musicales crea una experiencia única y desorientadora cuando se escucha la canción por primera vez. La letra está llena de imágenes vívidas y potencia emocional mientras sus suaves guitarras soplan a través de la canción como el viento titular que impregna cada verso. Verdaderamente una canción increíble. La otra balada importante del disco Are you experience? es May This Be Love , con sus imágenes de cascada serena y alucinante y el uso impecable de los pedales para evocar esa sensación de calma y serenidad de otro mundo, en definitiva una canción bastante dulce, e incluso muy diferente del resto de la pista, pero a la que no puede faltar otro maravilloso solo de guitarra. Lo hermoso de 'The Wind Cries Mary' es que representa un sincero contraste con los sencillos viscerales ' Hey Joe ' y 'Purple Haze', mostrando que Hendrix ha sido el compositor completo y que, además, este ícono del rock and roll sexual también tenía alma y corazón.

La música en historias: The Wall, derribando el muro del #MesPinkFloyd

Cerramos el mes de Pink Floyd con el inmenso muro musical que fue The Wall (1979), el undécimo álbum de estudio de la banda británica. Producido por Bob Ezrin, junto con David Gilmour y, sobre todo, Roger Waters, que volcó en Pink, el personaje protagonista de esta enorme obra conceptual, multitud de detalles autobiográficos y del estado anímico por el que atravesaba en aquellos momentos, fue aclamado como uno de los mejores discos de la historia del rock. Dotado de una atmósfera opresiva, que va generando en el oyente esa misma angustia en la que vive encerrado el personaje, al tiempo que nos permite disfrutar de una obra musicalmente compleja que combina estructuras de ópera rock y de rock progresivo, se ha convertido con los años en un auténtico icono cultural. Comercialmente, disfrutó desde el principio de un éxito a nivel mundial, convirtiéndose en el disco más vendido de la década de los 70, y en el disco doble más vendido de la historia.

Pink es una estrella del rock, agobiado por diversos traumas acumulados a lo largo de su vida, que incluyen desde la trágica muerte de su padre combatiendo en la Segunda Guerra Mundial, pasando por una infancia marcada por la sobre-protección de una madre viuda y por la opresión de la rígida educación británica, y culminando en una etapa adulta plagada de fracasos sentimentales y de las adicciones habituales de una estrella del rock. Una a una, estas complicadas experiencias van erigiendo un muro alrededor suyo, aislándole del resto del mundo, impidiendo su desarrollo personal y alejándole de su verdadero yo y de la persona que podría haber llegado a ser. Los paralelismos con la vida de Waters son evidentes, y el propio músico declararía años después que “Cuando escribí The Wall era un joven lleno de traumas y miedos que, con el tiempo y con la exploración de las sensaciones, y la exploración de mi propio yo a través de la música, conseguí ir venciendo y racionalizando…” Si creemos en la música como herramienta terapéutica para el alma, y recurrimos a ella en los momentos en los que necesitamos esa cura milagrosa que nos proporciona su escucha, entonces este disco es un auténtico tratamiento de choque, que debería ser pautado como vacuna obligatoria para todo aquel que se haya sentido alguna vez angustiado por ese muro invisible, esa coraza que aparentemente nos protege, pero que en realidad, nos aísla y nos impide vivir la vida de manera plena y satisfactoria.

El disco comienza con la épica oscura y rotunda de In the Flesh?, una introducción al imaginario y desequilibrado mundo interior de Pink, una especie de himno aterrador y apocalíptico que, musicalmente, nos traslada de inmediato a un campo de batalla de la segunda guerra mundial. La letra es un prosaico discurso de un alentador de masas, con un aire dramático que parece anticipar la tragedia personal y la degradación del personaje ("Dime si hay algo que esté eludiéndote, querida. ¿No es esto lo que esperabas ver? ¡Si quieres encontrar lo que hay detrás de estos ojos fríos, no tienes más que escarbar a través de este disfraz!") La canción termina con un avión de combate estrellándose, en la primera de las referencias a la muerte del padre de Pink (Waters) en acto de servicio, que constituye sin duda el primero y más grande ladrillo de los que conformarán el muro de aislamiento del protagonista.

Con los ecos del fatídico accidente aéreo aún resonando en los altavoces, The Thing Ice emana la tristeza y la desolación por la pérdida, y la fría realidad de una infancia al lado de una madre destrozada por la pérdida, y con la perspectiva de una vida adulta tan complicada y frágil como caminar sobre una fina capa de hielo, "arrastrando tras de tí el silencioso reproche, de un millón de ojos llenos de lágrimas. No te sorprendas, cuando una grieta en el hielo aparezca bajo tus pies..." 

Le sigue la primera de las tres piezas en las que se descompone el tema central, Another brick in the wall, que continúa desentrañando los lúgubres sentimientos y recuerdos del pequeño Pink sobre la muerte de su padre ("Papá se fue volando a través del océano, dejando solo un recuerdo... Después de todo, no fue más que un ladrillo en el muro...") en una infancia en la que, supuestamente, vivimos The happiest days of our lives (Los días más felices de nuestras vidas). La brillante transición in crescendo con la que está estructurado este breve pero intenso tema, casi indivisible de Another brick in the wall II, es uno de los momentos más intensos del disco, y da paso al siguiente ladrillo, centrado en la férrea y asfixiante educación inglesa de los años setenta, personalizada en la figura de un sádico profesor que pasa las clases "derramando su sarcasmo sobre cualquier cosa que hiciéramos, y exponiendo cualquier debilidad de los niños, aunque éstos se esforzaran en ocultarlas".

Entre ambos temas, un grito que el productor Bob Ezrin le pidió a Roger Waters por  teléfono. Le pidió que lo repitiera varias veces mientras lo grababa al otro lado del auricular, hasta que Waters le dijo que su familia empezaba a mirarle de una manera muy rara ante los gritos que estaba profiriendo, que pasarían a la historia como el aterrador comienzo de Another brick in the wall II, el single por antonomasia del disco, y que comparte temática con su predecesora en el disco, con el famoso manifiesto rebelde de los niños del coro de la Islington Green School contra una educación opresiva y alienante: "¡No necesitamos no-educación, no necesitamos control del pensamiento, no al oscuro sarcasmo en clase, profesores dejad a los chicos en paz! Después de todo, no somos más que otro ladrillo en el muro." Los profesores de aquel colegio cercano a los estudios de grabación de la banda desconocían la letra de la canción hasta que los chicos la interpretaron en el estudio, y palidecieron ante una iniciativa de la que ya no pudieron desligarse. Y no debió parecerles del todo mal, porque años después demandaron a Pink Floyd, reclamando (y ganando) un porcentaje de las ventas de la canción, por la relevancia en la misma del coro de niños del colegio.

Con Mother llega el turno de otro de los grandes traumas (ladrillos) del protagonista del disco. La ya mencionada viuda deprimida y sobre-protectora hace su demoledora aparición estelar: "Calla, niño, no llores, Mamá va a hacer que todas tus pesadillas se conviertan en realidad. Mamá te va a inculcar todos sus miedos. Mamá va a tenerte aquí , bajo su ala... Y por supuesto, Mamá te ayudará a construir el muro". Es en esta canción dónde la historia hace el tránsito hacia los desengaños de la vida adulta, a través todavía de la influencia de la madre: "Mamá examinará a todas tus novias por tí. Mamá no dejará que ninguna guarra se te acerque... Siempre serás un niño para mí". Y es también aquí dónde Pink empieza a mostrar signos de su infinita tristeza, en una frase demoledora con la que termina esta asfixiante pieza: "Madre...¿Era necesario que (el muro) fuera tan alto?

Goodbye Blue Sky es un breve recuerdo de los bombardeos alemanes sobre Londres, probablemente parte de la infancia de Waters (y por tanto también de Pink), una pesadilla apocalíptica envuelta en la suave guitarra acústica de David Gilmour y los sobrecogedores teclados de fondo de Richard Wright. Es el último retazo de la dura infancia del personaje, antes de adentrarse en los espacios vacíos de la etapa adulta. En Empty Spaces, el muro apenas tiene ya huecos visibles, y las malas experiencias amorosas acabarán de construirlo. Antes de que el muro le aisle por completo, Pink busca compañía femenina en Young Lust, uno de los pocos temas firmados por David Gilmour: "¿Podrá alguna fría mujer, en esta tierra desértica, hacerme sentir un hombre de verdad?.

La relación de pareja va degenerando con el paso del tiempo en One of my turns (Uno de mis ataques) y la situación de Pink es cada vez más oscura y asfixiante: Noche tras noche, fingimos que todo está bien, pero yo me he hecho más viejo y tu te has vuelto más fría, y nada es ya divertido. Y puedo sentir que uno de mis ataques se aproxima, me siento frío como una cuchilla de afeitar, rígido como un torniquete, seco como un tambor fúnebre. En esta canción, encontramos cínicas y exageradas referencias a esa relación autodestructiva y violenta: "Corre al dormitorio, en la maleta de la izquierda, encontrarás mi hacha favorita. No te asustes tanto, es solo una fase pasajera, uno de mis días malos" La locura del personaje es evidente, cuando al final de la canción, después de una amenaza tan grave, se pregunta "¿Por qué estás huyendo?". Y en la clara continuación que supone Don't leave me now (No me dejes ahora) un abandonado Pink sigue mezclando el dolor y la rabia, el arrepentimiento y la amenaza, implorando por la vuelta de su amada al tiempo que no puede evitar verbalizar sus oscuros pensamientos: "No me dejes ahora, no digas que es el final del camino. Te necesito... para ponerte en la trituradora..."

Se escucha el ruido de un televisor encendido, que Pink golpea hasta destrozarlo, mientras canta los primeros versos de Another Brick in the wall III: "No necesito brazos a mi alrededor, no necesito drogas para calmarme, he visto la pintada en el muro (...) Después de todo, todos vosotros no erais más que ladrillos en el muro".  El grado de deterioro psicológico es tal en este punto, que Pink solo encuentra salida en el suicidio, y Goodbye Cruel World es su breve y concisa nota de despedida: "Adiós mundo cruel, hoy te dejo atrás (...) Adiós a todo el mundo, no hay nada que podáis decir para hacerme cambiar de opinión. Adiós." En concierto, Roger Waters la canta desde detrás del único hueco que queda en el muro, y ese último ladrillo es colocado justo después de ese "Adiós" final. El muro se ha completado, aislando completamente a Pink de la realidad del mundo exterior y de todos los que le rodean. Desde el otro lado, lanza una tenue y lastimosa llamada a quién pueda escucharle en Hey You, pero nadie responde, por lo que el tono se vuelve aún más resignado y melancólico en Nobody Home: "Tengo sorprendentes poderes e observación, y así es como se que, cuando intente contactar contigo por teléfono, no habrá nadie en casa".

Los dos siguientes temas parecen apenas retazos de alucinaciones o recuerdos de la infancia de Pink, con referencias a la actriz de los años cuarenta Vera Lynn, conocida como "la novia de las fuerzas armadas" durante la Segunda Guerra Mundial, y a un canto de protesta para que las tropas inglesas volvieran a casa (Bring the boys back home). Ninguna de ellas llega a los dos minutos de duración, y son la antesala de Comfortably Numb, el plato fuerte del segundo disco de The Wall y su auténtica obra maestra. Los solos de guitarra de David Gilmour para este tema se cuentan siempre entre los mejores de toda la historia del rock, y la alternancia entre los tramos lúgubres y atmosféricos de Waters, con los tramos luminosos y orquestales que acompañan a la voz de Gilmour es, probablemente, el mayor acierto sonoro del disco. La letra mezcla igualmente los tramos de ensoñación el los que se ha sumido el personaje (cómodamente insensibilizado como reza el título) con los esfuerzos de un médico por devolverle a la vida después de lo que parece una sobredosis. La inyección surte el efecto deseado, porque Pink vuelve a tiempo de que el show continúe (The Show must go on).

El espectáculo comienza de nuevo con In the Flesh, al que seguirán temas como Run Like Hell o Waiting for the Worms, antes de entrar de nuevo en crisis y parar definitivamente en Stop: "Quiero irme a casa, quitarme este uniforme y dejar el show, pero estoy esperando en esta celda, porque tengo que saber si he sido culpable todo este tiempo". La supuesta culpabilidad es entonces sometida a juicio en The Trial, una impresionante mini ópera rock en la que Roger Waters hace todas las voces del juez, los testigos (la madre, el profesor, la novia...) y el propio Pink, que se debate entre la locura y el anhelo de encontrar una puerta de salida del muro. Tras las declaraciones de los testigos, el implacable juez emite su lapidaria sentencia: "Amigo mío. has revelado tu más profundo miedo, y te condeno a ser expuesto ante tus semejantes... ¡Echen el muro abajo!"

Outside the wall

"Completamente solos, o de dos en dos, aquellos que realmente te aman caminan arriba y abajo, fuera del muro..." susurra una voz sobre una lejana melodía, la misma que apagaron los ecos de In the Flesh? al comienzo del disco. Es la calma melancólica de después de una batalla, la banda sonora de la esperanza en un nuevo comienzo, y es aún más emotiva si esa batalla la has librado en tu interior.

The Wall fue criticado, en su momento, por su desproporcionada duración, y por la ausencia de grandes singles comerciales. Hay quien piensa que se le ha sobrevalorado y vanagloriado en exceso, y posiblemente todos esos reproches tengan su parte de razón, si lo enfocamos únicamente como un disco al uso, pero esta obra va mucho más allá del concepto normal de un álbum. Los ladrillos de este descomunal muro psicológico no pueden ser juzgados como meras canciones. Os invito a deteneros en la escucha de cada canción, y que la atmósfera agobiante y cerrada de cada uno de los temas os ayude a identificar vuestras propias experiencias negativas. Haced, al mismo tiempo, una lista de los acontecimientos que os marcaron negativamente, y de las personas tóxicas de vuestro entorno cercano. Por último, pensad en cómo os han afectado, y afectan, sus acciones y comentarios, y en como podéis bloquearlos o impedir que os sigan lastrando. Yo lo hice, y sacando todo ese ruido hacia afuera, conseguí derrumbar muchos muros interiores, y abrirme mucho más a un crecimiento personal que, de otro modo, no habría logrado. Y eso es algo que no me ha dado ningún otro disco. Con The Wall pude dejar muchas de esas cosas atrás. Después de todo, no son más que ladrillos en el muro.