El disco de la semana 158: Ana Belen - Lorquiana

Hoy nos toca reseñar un disco muy especial, un disco donde la poesía del gran poeta del Siglo XX, Federico Garcia Lorca, toma el protagonismo sobre la lírica creada por diversos autores y donde Ana Belén le pone voz. Un disco que vio la luz en el año 1998, justo cuando se cumplían los 100 años del nacimiento del poeta granadino.

El disco está estructurado en dos álbumes completamente distintos y con dos nexos de unión, la voz de la artista Madrileña y la obra de Federico. En el primero de ellos y al que vamos a dedicar este articulo, distintos artistas han compuesto la música que acompañan a los poemas de Lorca, cada uno de ellos dejando su sello personal y Ana Belén pone voz a los poema del poeta. En el segundo, y que próximamente verá la luz en el blog, esta dedicado a las canciones tradicionales que rescató Federico Garcia Lorca y con las que él al piano y La Argentinita a la voz recorrieron diversos escenarios a lo largo de España, estas cancioens populares estan adaptadas por el pianista Chano Domínguez en formato de jazz clásico.

Inicia el disco con “Son de negros de Cuba”, en esta ocasión, Michel Camilo es el encargado de poner música al poema perteneciente a Poeta a Nueva York. El pianista dominicano le da a este poema ese ritmo que en las islas del caribe suenan sin cesar, con unos coros acompañando la música que tiene claros toques de Jazz. En este poema el autor expresa la alegría y la liberación que sintió al llegar a Cuba después de su paso por la decadente, triste Nueva York. Michel Camilo es capaz de transmitir con sus toques la alegría la liberación que el poema expresa. Es un buen tema para empezar. “Romance de la pena negra” es una de las obras cumbres de su poemario Romancero Gitano y la protagonista del poema, Soledad Montoya, es una de las mayores reivindicaciones de la igualdad y los derechos de la mujer que se produjeron en la España de aquellos años. Las figuras que aparecen en el Romancero gitano son seres al margen de un mundo convencional y hostil, y –por eso– marcadas por la frustración o abocados a la muerte: Antoñito el Camborio, el «Emplazado», Juan Antonio el de Montilla, Soledad Montoya… En realidad, según Lorca, en el libro «hay un solo personaje real, que es la pena que se filtra». El encargado de poner música a este poema es el Argentino Fito Paez, que meses antes había publicado un disco junto a Joaquín Sabina y estaba adquiriendo una fama y prestigio totalmente merecido en nuestro pais. Es un tema de una calidad indudable, un absoluto vaivén a través de cada una de sus estrofas….

Pregunte por quien pregunte,

dime: ¿a ti qué se te importa?

Vengo a buscar lo que busco,

mi alegría y mi persona.

Soledad de mis pesares,

caballo que se desboca,

al fin encuentra la mar

y se lo tragan las olas.

El tercer tema es, para quien escribe esto, una de las cumbres del disco, se trata de “Herido de amor”, unos versos extraídos de su obra teatral breve titulada “Amor de don Perlimplin con Belisa en su jardín”, en ella el protagonista, un hombre anciano que no conocía el amor, se enamora de la joven con la que se casó por fuerza. Sin embargo, esta se enamora de otro hombre. Y es que el encargado de poner música a este fragmento es Joan Manuel Serrat, y como podréis sospechar la sensibilidad y la belleza que rezuma la música creada hace de este pequeño y corto tema uno de los más intensos del disco, es casi imposible no descubrir con esta música la fatalidad y el dolor que ha caracterizado siempre la obra de Garcia Lorca. Una canción en mayúsculas, un paseo por la excelencia en el disco. El cuarto corte del disco no necesita presentación, no es una creación musical exclusiva para este disco, nos estamos refiriendo a “Pequeño Vals Vienes” que en 1986 y con el título “Take this waltz” publicó Leonard Cohen, gran admirador del poeta (de hecho una de sus hijas se llama Lorca en homenaje al mismo). En esta ocasión para el disco Lorquiana se ha dejado la misma base musical, pero el poema se canta en castellano, he de decir que la calidad vocal que hace gala Ana Belén es de una gran altura, aunque no superior a los escalofríos que produce la voz de Leonard Cohen. Una canción deliciosa, un recoveco lleno de laberintos que se expresa en el poema, un poema de amor, de amor profundo y de amor desesperado, un poema que se mueve a ritmo de vals según lo vamos leyendo y una música que resuena en nuestros oídos con la pronunciación de cada palabra, la plasmación de un sueño misterioso en el que van apareciendo elementos contrarios que nos hablan de amor, de belleza y de vida, pero también de muerte y de dolor. Deléitense.

Inicia la segunda parte del disco con “Nocturno en la ventana” a la que pone música el gran Pedro Guerra, el poema esta extraído de una de sus primeras obras, “Canciones (1921)” y en ella podemos ver el dramatismo que iba a impregnar la obra del autor, la música a veces festiva a veces dramática con un toque de música cubana realmente bueno eleva la canción. 

Al estanque se le ha muerto

Hoy una niña de agua.

Está fuera del estanque,

Sobre el suelo amortajada.

De la cabeza a sus muslos

Un pez la cruza, llamándola.

El viento le dice “niña”

Mas no puede despertarla.

El estanque tiene suelta

Su cabellera de algas

Y al aire sus grises tetas

Estremecidas de ranas.

Dios te salve, rezaremos

A nuestra señora de agua

Por la niña del estanque

Muerta bajo las manzanas.

Yo luego pondré a su lado

Dos pequeñas calabazas

Para que se tenga a flote,

¡ay! sobre la mar salada.

El siguiente tema esta compuesto por Antonio Garcia de Diego, quizás el nombre no nos dice mucho, pero si escavas un poco vemos que formó parte de bandas como Franklin y Los Canarios, participó con los compañeros de ese grupo en la obra Jesucristo Superstar y tocó la guitarra eléctrica para grabaciones del grupo Triana. Además ha compuesto muchas canciones para Joaquín Sabina. Él es el encargado de poner música al poema “Siete corazones” basado en el poema Canción del muchacho de siete corazones y creando un tema lleno de melancolía y sensibilidad, es uno de mis favoritos, quizás por desconocido o quizás por el dramatismo de desamor que se relata. El séptimo tema lo firma “Chano Dominguez” que en los años 70 ya creo un grupo de Rock Andaluz, se ha movido siempre entre el Jazz y el rock sinfónico. Tiene mucho prestigio ya que en sus obras han sido capaz de mezclar Jazz y flamenco. En esta ocasión volvemos al Romancero Gitano con el poema “Romance de la luna”. El último tema de esta parte lo firma Kiko Veneno y es quizás uno de los elementos mas extraño de obra, “Cancion Tonta”, es casi un tema acapella, únicamente acompañado de un piano.

La tercera parte del disco comienza con “Muerto de amor” compuesta por los integrantes de Ketama, una canción con ecos de flamenco festivo que pone la alegría dentro de tantas penas, una canción redonda llena de ritmo que relaja el tono del disco. Sigue “Por tu amor me duele el alma” en esta ocasión la música corre a cargo de Javier Ruibal, y sin duda es otra de las grandes canciones del disco, donde Ana Belén realiza un grandísimo trabajo vocal. Para el penúltimo tema vuelve Kiko Veneno, más en su estilo con esta “Canción del gitano apaleado”, es para mí una de las más flojas, quizás porque rompe totalmente la dinámica del disco. Cierra el disco otra de las canciones más delicadas, compuesta por Víctor Manuel, en “Alma ausente” encontramos el poema fúnebre que el poeta dedico al torero Ignacio Sanchez Mejias, que murió en la plaza de toros. Se trata de una de las cimas poéticas de Lorca, en la que se aúnan muchos de los elementos creativos presentes en toda su trayectoria. Si bien como dijimos esta dedicado al torero, bien se podría trasladar a su persona

Tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace,

un andaluz tan claro, tan rico de aventura.

Yo canto su elegancia con palabras que gimen

y recuerdo una brisa triste por los olivos.

Historia del rock and roll: 25.- Sello Stax

Hoy hablamos de un sello musical fundamental en la música, nos estamos refiriendo a la casa de discos STAX que se creo en los años 60.

Jim Stewart nació en 1930 en Middleton, Tennessee, estudió negocios en el estado de Memphis y se graduó en 1956. Su intención era ser banquero pero mientras trabajaba en un banco, le gustaba tocar el violin y se dedicaba en su garaje a hacerse grabaciones, donde fundó el sello Satellite, no mucho más tarde, la hermana de Jim Stewart, Estelle Axton, que también trabajaba en un banco, se unió a la compañía, una incorporación que sería vital para ésta.

Buscando alquileres baratos, acabaron instalando su centro de operaciones en uno de los barrios del sur de la ciudad con más población negra. Esto hizo que, sin comerlo ni beberlo, tuvieran una inagotable fuente de talento para el r&b y el soul a las puertas de su casa.

El lugar elegido para la nueva sede fue un antiguo cine abandonado, el Capitol Theatre, en el 926 de la East Mclemore Avenue de Memphis. En la fachada, inspirándose en el cartel de la discográfica Motown con el lema Hitsville USA instalaron el suyo propio con el lema Soulsville USA, escrito en grandes letras de plástico rojo.

Jim y Estelle

Grabaron a un disc jockey local llamado Rufus Thomas, quien había tenido un éxito menor con Sun Records anteriormente llamado "Bearcat". Rufus y su hija Carla, de 17 años, grabaron un dúo titulado "Cause I Love You" y se convirtió en un éxito local en Memphis. La canción llamó la atención de Jerry Wexler, quien fue Vicepresidente de Atlantic Records, y tras publicar un segundo single Atlantic Records aposto por ellos publicando el disco a nivel nacional.  Jim Stewart se dio cuenta de otra compañía discográfica en California llamada "Satellite", por lo que en lugar de arriesgarse, el nombre de la compañía se cambió a "Stax", el ST de Stewart y el AX de Axton.

Nos encontrábamos en 1962 cuando un joven pianista llamado Booker T. Jones vivía en el vecindario cerca del estudio Stax, y comenzó a andar por ahí. Se unió a Steve Cropper y Duck Dunn de los Mar-Keys y con Al Jackson y se convirtieron en la columna vertebral del "Stax Sound". También grabaron por su cuenta como Booker T. y MG'S (representando a Memphis Group). En septiembre de 1962 Booker T and the MG´s editaron su primer single en la filial Volt records, "Green Onions", el cual se ha convertido en un clásico y en el paradigma del soul instrumental de los años 60. Un mes más tarde aparecería su primer Lp con el mimso nombre, primer álbum publicado en el sello Stax records. Durante ese año Johnny Jenkins llegó al estudio Stax para grabar un sencillo para Atlantic. La sesión de grabación se estaba convirtiendo en un desastre y utilizaron la última media hora de estudio para grabar al conductor de 21 años de Jenkin, Otis Redding. Grabó una balada que había escrito llamada "These Arms of Mine" que se lanzo en Octubre y en 1963 fue un verdadero éxito. Con el éxito de Booker T. y MG'S, Carla Thomas, Mar-Keys y Otis Redding, los estudios Stax se convirtieron en un imán para otros autores, y entre todos la compañía empezó a crear un sonido propio que ya por entonces poco tenía que ver con el soul que venía del norte. La nomina de artistas crecia, y aunque se estaban haciendo un hueco en las radios, los éxitos se contaban con los dedos de la mano, todo eso cambiaria en 1965.

 

Booker T. y MG'S

Stax Records había conseguido a William Bell, Eddie Floyd o los Mad-Lads. En 1965 Stewart contrató a un exitoso disc jockey negro de Washington DC llamado Al Bell como director nacional de ventas. Desde el principio, Al Bell asumió el liderazgo efectivo de la compañía y amplió enormemente su lista de artistas y este fue el año en el que David Porter e Isaac Hayes se establecieron como el nuevo equipo oficial de compositores y productores de la compañía. La pareja de compositores Porter-Hayes crearía algunas de las mejores canciones de la compañía, además de ser los catalizadores del éxito de Sam and Dave. Sam Moore (Florida) y David Prater (Georgia) se conocieron en Miami, Florida, en 1961. Los dos procedían del entorno del gospel. Sam Moore había formado parte de varios cuartetos de este estilo musicalLos dos procedían del entorno del góspel, formado parte de varios cuartetos de este estilo musical, como The Gales and the Mellionaires. David Prater, por su parte, se había trasladado a Miami para cantar en el conjunto de gospel de su hermano, The sensational Hummingbirds. Pero no fue la música gospel lo que les unió más tarde, sino su afición por el R&B. Al principio las cosas no funcionaron demasiado bien. Las canciones que David Porter ofrecía al dúo no eran del agrado de éstos, y eso se notaba en el resultado final. Pero, afortunadamente, con la incorporación de Isaac Hayes a las labores de composición las cosas empezaron a funcionar, y los maravillosos temas soul-funk fabricados por el dúo de compositores acabarían escalando hasta los primeros puestos de las listas de ventas.

Wilson Pickett

Un caso parecido al de Sam and Dave ocurrió con Wilson Pickett, nacido en Pratville, Alabama, en 1941. Siendo aún un niño se había trasladado a Detroit, donde había empezado a cantar en formaciones de música gospel. Más tarde, en 1960, se había incorporado al conjunto vocal de r&b The Falcons, cofundado en 1955 por otro de los grandes artistas de Stax records, Eddie Floyd. La maravillosa interpretación de Wilson Pickett en la canción “I´ve found a love” (1962), del citado grupo, hizo que Jerry Wexler se interesara por aquel chico de Alabama, contratándole en 1963 para grabar en su compañía de Nueva York (Atlantic records). Los primeros singles grabados por Wilson Pickett en Atlantic no tuvieron demasiado éxito, por lo que Wexler decidió enviarle a Stax. Reunidos en el motel Lorraine de Memphis, Steve Cropper y Wilson Pickett compondrían, en 1965, uno de los grandes clásicos de la música soul: “In the midnight hour”. Pickett conseguiría otros éxitos con Stax, como “Don´t fight it” (1965), “634-5789, Soulsville USA” (1966) o “Ninety-nine and a half won´t do” (1966).

Otra banda importante de este periodo para Stax records fue The Bar-kays. El conjunto nació en Memphis en 1966, y procedía de otro grupo local denominado The Imperials. Empezaron acompañando a diferentes artistas de la compañía, hasta que en 1967 consiguieron grabar su primer single, el genial “Soul finger” que fue todo un y se ha convertido en todo un hito de la música negra estadounidense. Otros éxitos editados por la banda en aquel año 1967 fueron “Knucklehead” y “Give everybody some”, dos poderosos y bailables temas instrumentales que empezaban a definir lo que sería el soul en la década de los 70. The Bar-kays acabarían siendo elegidos por Otis Redding como banda de acompañamiento para sus conciertos. El genio de Georgia estaba viviendo por entonces una época dorada. Pocos artistas en la historia de la música popular han creado tanta buena música en tan poco tiempo. Entre 1965 y 1967 Otis Redding y sus músicos  regalaron al mundo, en forma de singles, una verdadera antología de la música soul

Albert King

Por otro lado, también el blues de calidad tuvo un papel destacado en la época dorada de Stax. Uno de sus mayores exponentes fue Albert King. Nacido en 1923, en una familia más que humilde de Mississippi dedicada a la recogida de algodón, King empezó bien pronto a tocar la guitarra, influenciado por su padre y por músicos de blues como Blind Lemmon Jefferson o Lonnie Jonson, llegando incluso a formar parte por un tiempo de la banda de acompañamiento de Jimmy Reed, tocando en este caso la batería. Tras grabar durante los años 50 varios singles en diferentes compañías (Parrot, Bobbin) sin demasiada repercusión y tras editar varios singles en 1965 en la discográfica Coun-tree records, Albert King aterrizaría en Stax records en 1966.

En la compañía de Jim Stewart y Estelle Axton, Albert King junto con músicos del estudio crearían un maravilloso híbrido entre el  blues y el soul ( algo que no es de extrañar, dada la importancia que el sentimiento blues siempre tuvo en el soul creado en la compañía). Tras un primer single con un estilo bastante ortodoxo, “Laundromat blues” (1966), la música de Booker T. and  the Mg´s y la maravillosa sección de viento de la casa (bases del reconocible sonido Stax) acabarían inyectando generosas dosis de música soul al blues interpretado por King, creando fantásticos singles como “Oh, pretty baby” (1966), "Crosscut saw” (1967) o el clásico “Born under a bad sign” (1967), así como el estupendo Lp con el que comparte nombre este último (1967).

Tras el éxito de Otis Redding en su gira europea de 1966, la discográfica decidió enviar a varios de sus artistas más destacados para intentar conquistar el mercado europeo. Los artistas elegidos fueron el propio Otis Redding, Booker T. and the MG´s, Sam and Dave, Eddie Floyd y Carla Thomas obteniendo un rotundo éxito. Stax estaba en la cumbre de la música.

Pero, desgraciadamente, esta maravillosa etapa de bonanza no duraría demasiado tiempo. A finales de 1967 Atlantic records fue vendida a Warner bros.-Seven Arts. Los nuevos dueños quisieron renegociar el acuerdo de distribución que tenían con Stax records siendo conscientes de que los propietarios de los masters era Atlantic. Jim Stewart pidió recuperar los derechos, pero los ejecutivos de Warner se negaron, perdiendo Stax la mejor porción de su catálogo. En mayo de 1968, Stewart vendió la compañía a Paramount pictures, perdiendo en este caso a dos de sus mejores artistas, Sam and Dave, los cuales, pese a grabar con Stax, pertenecían a Atlantic records. Pero éstas no fueron las peores noticias que recibió la compañía en aquel aciago final de año 1967. Por entonces Otis Redding se encontraba en la cima de su carrera. Había triunfado en Europa y en Monterey interpretando maravillosos temas de una manera prodigiosa. Además, el cantante Arthur Conley, su protegido y alumno más aventajado (el cual había empezado a ser conocido tras grabar varios singles en la discográfica que Redding había creado dos años antes, Jotis records) triunfaba ahora con su primer éxito: el tema “Sweet soul music”. Parecía que todo lo que tocaba el genio de Georgia acababa convertido en oro. Otis grabó el 7 de diciembre de 1967 la extraordinaria “(Sittin´on) The dock of the bay”, compuesta junto a Steve Cropper. Desgraciadamente el músico no vería publicada su fantástica canción en vida.

Al aeroplano que el 10 de diciembre de 1967 trasladaba al cantante y a la banda The Bar-kays a una ciudad del Medio Oeste de los Estados Unidos para dar un concierto le fallaron los motores a mitad de camino, cayendo el aparato al lago Monoma, cerca de Madison, Wisconsin. Fallecieron Otis Redding y todos los integrantes de The Bar-Kays, excepto el trompetista Ben Cauley, que sobrevivió al accidente, y el bajista James Alexander, que no viajaba en el avión por falta de plazas.

Otis Redding

Tras la venta de una “amputada” Stax records a Paramount Pictures, en mayo de 1968, Jim Stewart comenzó a quedarse en un segundo plano, tomando un papel más activo en la dirección de la compañía el vicepresidente Al Bell (que, como comentamos anteriormente, había empezado a trabajar en la discográfica en 1965 como director de promoción). Estelle Axton, por su parte, acabaría abandonando la compañía no mucho más tarde por continuas discrepancias con las decisiones de Bell.

El primer éxito de la era “post- Atlantic" fue el tema de Johnnie Taylor “Who´s making love”, compuesto por Homer Banks, Bettye Crutcher, Don Davis y Raymond Jackson, y publicado a finales del verano de 1968. Se trata de un bailable y funk tema que poco tiene que ver con el blues que el artista había estado grabando hasta entonces en la compañía. La música corrió a cargo de Booker T. and the MG´s, acompañados de Isaac Hayes a los teclados y de la extraordinaria sección de viento de la casa. El productor y compositor Isaac Hayes se convirtió en el centro de atención, publicando ese mismo año el LP “Hot buttered soul”, segundo álbum del artista, el cual llegaría a vender más de 3 millones de copias. En “Hot buttered soul” (1969) se podían intuir ya muchos de los elementos que darían forma a la música soul de los años 70: funk, wah-wah´s, sensualidad, espectaculares arreglos de cuerda, virtuosismo, largas canciones y el LP como formato preferido para la creación de obras casi conceptuales. También se puede considerar este Lp como un precedente del sonido Filadelfia.

Isaac Hayes

Después de un par de años, las ventas disminuyeron y hubo problemas internos en Stax. La presión externa provenía de Gulf y Western, que realmente no tenían idea de los aspectos creativos de una compañía discográfica. Jim Stewart pensó que podría rescatar a la compañía y él y Al Bell la compraron en Gulf and Western en julio de 1970. En este punto, el sistema de numeración cambió nuevamente. Pronto, la compañía desafió a Motown por el liderazgo en ventas de álbumes negros, con nuevos artistas como Soul Children, Staple Singers, Frederick Knight, Jean Knight, Rance Allen, Mel and Tim and the Emotions. Richard Pryor firmó con la compañía y tenía un álbum debut gigante llamado "That Nigger's Crazy" en Partee, la subsidiaria de comedia. También se formaron otras nuevas etiquetas subsidiarias, como Gospel Truth, Hip and Respect.

Llegado el año 1975, la compañía sólo podía mantener con vida a su sello-madre, Stax records. Todos los sellos subsidiarios habían ido desapareciendo, incluido Volt records.

Al Bell intentó evitar la bancarrota pidiendo un último préstamo al banco de Memphis Union Planters Bank, y Jim Stewart hipotecó su casa para poder conseguir algo de efectivo, y así poder salvar el sueño que tanto esfuerzo le había costado hacer realidad. Pero nada dio resultado.

El 19 de diciembre de 1975 la compañía se declaró en bancarrota.

Canciones que nos emocionan: Do They Know It's Christmas?

Tapa del Disco

Do They Know It's Christmas?

Qué mejor que para este día, que hablar de Do They Know It's Christmas? Una de las canciones que fue creada, luego de que uno de sus creadores Bob Geldof reconocido por su actuación en la película the wall de Pink Floyd, este cantante y actor, luego que viera un informe de la hambruna de Etiopía, emitido por la BBC de Londres, Bob (Geldof) reaccionó ante este informe y tuvo la idea de recaudar dinero para estas personas, así que rápidamente llamó a Midge Ure de la banda Ultravox, y compusieron en octubre del 1984 esta canción Do They Know It's Christmas?

Bob Geldof no tardo en promocionar su idea y fue a los estudios de la BBC en noviembre del 1984 junto a Richard Skinner locutor y conductor del programa BBC Radio 1, programa donde difundió su idea, Bob conformaría el Grupo Band Aid, con artistas británicos e irlandeses del momento. 

Si Bob Geldof y Midge Ure, pretendían que este todo listo para la Navidad de ese año, debían darse prisa, por ello el 25 de noviembre de 1984, la canción fue grabada en los estudios Sarm West Studios en Notting Hill, Londres y fue lanzada ocho días después.

Y como un cuento de Navidad fue posible que esta canción logrará alcanzar el número uno de los ranking en Inglaterra, y en otros países. 

Escúchenos la versión original del año 1984. 

Solo por mencionar algunos de los artistas que participaron en el lanzamiento de la canción encontramos a Phil Collins (Genesis), Bob Geldof (The Boomtown Rats), Chris Cross (Ultravox), John Taylor (Duran Duran), Paul Young, Simon Le Bon (Duran Duran)

Simon Crowe (The Boomtown Rats), Keren Woodward (Bananarama), Bono (U2), James "J.T." Taylor (Kool & the Gang), George Michael (Wham!)

Midge Ure (Ultravox), Roger Taylor (Duran Duran), Sara Dallin (Bananarama), Siobhan Fahey (Bananarama), Pete Briquette (The Boomtown Rats)

Francis Rossi (Status Quo), Robert 'Kool' Bell (Kool & the Gang), Dennis J. T. Thomas (Kool & the Gang), Andy Taylor (Duran Duran)

Jon Moss (Culture Club), Sting (The Police), Rick Parfitt (Status Quo), Nick Rhodes (Duran Duran), Johnny Fingers (The Boomtown Rats)

Boy George (Culture Club), Paul McCartney, David Bowie, entre otros.

Contra tapa del disco

Esperemos desde 7dias7notas que tengan unas muy buenas fiestas en familia y amigos, y como nuestros amigos poder seguir disfrutando mucho juntos, esta aventura de 7dias7notas. 

Daniel 

Instagram Storyboy 

Canciones que nos emocionan: Inconsciente colectivo

Canciones que nos emocionan: Inconsciente colectivo - Charly Garcia

Si hay algo que nos emociona es la participación de las personas, y si a esa participación le sumamos una de las mejores canciones del Rock Argentino, tenemos una doble combinación de emociones.

Y me toco estar presente en el día de ayer "Domingo 22 de diciembre 2019" de uno de los eventos más emocionantes que he podido ver este año.

Pagina Web: 

https://www.cantargentina.co/

Un evento donde la Red Solidaria de Argentina, organizo que un pueblo completo logre unirse para cantar la canción de Charly Garcia - Inconsciente Colectivo, una verdadera poesía del rock nacional.

Este homenaje a la solidaridad ha logrado unir a más de 300 ciudades de toda la argentina donde diferentes artistas y personas, dieron visibilidad a temas sociales que se están haciendo en el país, logrados en el 2019, como ser: Este año hubo récord de trasplantes: fueron 902, hay 42.000 Bomberos Voluntarios, 11.000 colaboradores dela Alerta Solidario, 14.500 Damas Rosadas en hospitales, 85.000 Scouts en servicio permanente, 540.000 dadores de sangre.

Nada es imposible cuando un pueblo se une, por ello desde 7dias7notas queríamos difundir este evento solidario que sucedió no solo en la ciudad de Buenos Aires, sino que el escenario en este caso fue todo un país, el evento fuer transmitido en streaming a través del canal de Youtube CantaArgentina, donde podrás volver a revivir ese momento.

La música nos une y nos emociona así que gracias a Red Solidaria y a Charly Garcia.

Homenaje a la Solidaridad Argentina #cantargentina

Daniel 

Instagram @storyboy

La música en historias: El primer número 1

Beauty and the Beat, The Go-Go's

     A lo largo de la historia de la música, y en concreto en el rock, afortunadamente el papel de la mujer ha ido ganado protagonismo y cada vez son más las mujeres que nos hacen vibrar y disfrutar de este noble arte.

     Ya en los comienzos, fueron mujeres como Mamie Smith ó Bessie Smith las que empezaron ha marcar el camino en los años 20. En las décadas de los años 30 y 40 seguirían ese camino artistas como la gran Rosetta Tharpe, que llegaría a influir en artistas de la talla de los mismísimos Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Johnny Cash ó Jerry Lee Lewis entre otros, ahí es nada. Luego llegarían bandas como The Runaways, que marcaría una época en los 70 y de la que saldrían nada menos que Joan Jett y Lita Ford. Ya en la década de los 80 bandas como Vixen, marcando época dentro del hard rock y el glam metal, en la década de los 90 The Donnas, con claras influencias de The Runaways, y así, hasta llegar a la actualidad, donde cada vez hay mas mujeres dando la talla dentro del rock.
Dentro este elenco de mujeres y bandas dentro del rock, hay una banda que todavía no he nombrado y que fueron pioneras por un hecho, fueron la primera formación que contando en sus filas con sólo mujeres, consiguieron alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas, The Go-Go's.

     Corría el año 1978, California (Estados Unidos), y cinco mujeres deciden juntarse y formar una banda de rock, Belinda Carlisle (vocalista), Jane Wiedlin (guitarra rítimica y voces), Charlotte Caffey (guitarra solista y teclados), Margot Olaverra (bajo) y Elissa Bello (batería), acababa de nacer The Go-Go's, grupo que si bien empezó tocando punk rock, luego acabaría abrazando estilos como pop punk, pop rock y new wave.

     El grupo tenía muy claro que no querían trabajar con ningún agente ni manager, y tampoco querían que ninguna discográfica les impusiera lo que tenían que hacer. y Así, ellas solas sacan en 1979 una demo de 5 canciones, la demo que marcaría el camino del grupo.
A finales de 1980 la bajista Margot Olaverra es sustituida por Kathy Valentine, que tocaba la guitarra y no el bajo, hecho que no le impide unirse a la banda tocando dicho instrumento. En abril de 1981 The Go-Go's consigue su primer contrato discográfico, la compañía IRS Records, especializada en rock y new wave ficha a la banda.

     The Go-Go's, con el apoyo de la discográfica IRS Records, publica el que sería su primer LP el 24 de julio de 1981, titulado Beauty and the Best. El disco resulta ser un bombazo y en tan sólo seis semanas consigue alzarse con el puesto número 1 en ventas en Estados Unidos, además de conseguir también muy buenas cifras en países como Canada, Australia ó Suecia. aquello fue toda una sorpresa, nadie lo esperaba, The Go-Go's, siendo fieles a sus ideas, y sin mánager acababan de hacer historia, siendo el primer grupo de rock, compuesto exclusivamente por mujeres, que alcanzaba el puesto número 1 en las listas de ventas. Para la historia quedan ya temas de aquel disco como Lust to Love, Our lips Are sealed y We Got the Beat.
En definitiva, Beauty and the Best fue el disco que permitió que este grupo consiguiera el reconocimiento de la industria discográfica, consiguiendo además derribar barreras, colocando a la mujer dentro del rock en el lugar que le correspondía por derecho propio.

Canciones que nos emocionan: Here I Go Again, Whitesnake

     Whitesnake, en 1982 el grupo llevaba ya publicados un EP, Snakebite (1978), 4 álbumes de estudio, Trouble (1978), Lovehunter (1979), Ready An' Willing (1980) y Come an' Get It (1981), y dos álbumes en directo, Live at Hammersmith, editado en 1980 sólo para el mercado japones, y Live...In the Heart of the City, publicado también en 1980 para todo el mundo. Para la edición de Live...In the Heart of the City se utilizó el directo Live at Hammersmith que se había editado solo para el mercado japonés y se incluyeron como las caras 3 y 4 de este doble directo del grupo.

     Ese año David Coverdale, junto a Micky Moody (guitarra), Bernie Marsden (guitarra y coros), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Neil Murray (bajo) se mete en los estudios para preparar el que sería su quinto álbum de estudio. Para la grabación el grupo cuenta con los servicios del guitarrista Mel Galley, quien también hace coros en la grabación del disco. Bajo la producción del maestro Martin Birch el grupo publica en noviembre de 1982 Saints & Sinners.

     Saints & Sinners sería el último trabajo de la formación que tiene un sonido orientado hacia el rock, el blues y el soul, pues a partir de sus siguiente trabajo el grupo haría un sonido más pesado, tirando a un estilo y sonido más comercial dentro del hard rock, sonido imperante en la época sobre todo en el mercado americano, mercado que el grupo acabó conquistando.

     Incluido en Saints & Sinners nos encontramos con otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Here I Go Again, tema compuesto por David Coverdale y Bernie Marsden. Puede parecer que el tema es una arenga sobre como afrontar las dificultades y desafíos que nos encontramos en la vida, pero en realidad la letra del tema fue compuesta por Coverdale y relata la ruptura de éste con la mujer de su primer matrimonio, Julia, con la que se había casado en 1974.

No, I don't know where I'm goin'

But I sure know where I've been

Hanging on the promises in songs of yesterday

And I've made up my mind

I ain't wasting no more time

Though I keep searchin' for an answer

I never seem to find what I'm lookin' for

Oh Lord, I pray you give me strength to carry on

'Cause I know what it means

To walk along the lonely street of dreams

And here I go again on my own

Goin' down the only road I've ever known

Like a drifter, I was born to walk alone

And I've made up my mind

I ain't wasting no more time

Just another heart in need of rescue

Waiting on love's sweet charity

I'm gonna hold on for the rest of my days

'Cause I know what it means

To walk along the lonely street of dreams

And here I go again on my own

Goin' down the only road I've ever known

Like a drifter, I was born to walk alone

And I've made up my mind

I ain't wasting no more time

But here I go again

Here I go again

Here I go again

Ooh baby, ooh yeah

And I've made up my mind

Ooh baby, ain't wasting no more time

And here I go again on my own

Goin' down the only road I've ever known

Like a drifter, I was born to walk alone

'Cause I know what it means

To walk along the lonely street of dreams

Here I go again on my own

Goin' down the only road I've ever known

     Posterior a la grabación de Here I Go Again, se realizaron dos más, una fue incluida en el álbum homónimo de la banda en 1987, Whitesnake, y la otra fue en 1988 con motivo de la realización de una nueva versión para la radio, tema que por éste motivo fue acortado. Hay  diferencia entre la grabación del tema en Saints & Sinners y las otras dos posteriores, amén de un ligero cambio en la letra, la original conservaba ese estilo blues rock que el grupo venía desarrollando y que dejaría de lado después de este disco, y las otras dos grabaciones fueron dotadas de un estilo más agresivo y pesado, estilo más hard rock, introduciendo además sintetizadores para estas grabaciones posteriores. Llamadme nostálgico pero yo me quedo con la grabación original, ese sonido blues rock que Coverdale imprimer al tema es sencillamente magnífico.

El disco de la semana 157: Kula Shaker - K

La sombra de los Beatles es alargada. Tanto que puede llegar hasta la India, lugar al que un músico de la era del "brit pop" viajó para encontrarse a sí mismo y a la creatividad que creía que le abandonaba. Crispian Mills, sintiéndose estancado con lo que estaba haciendo en el grupo Objects of Desire, comunicó a su amigo y compañero Alonza Bevan y al resto de integrantes de la banda que lo dejaba. Al poco tiempo, comenzó un viaje de peregrinación a La India para encontrarse a sí mismo y comenzar de nuevo.

Volvió, tiempo después, con el zurrón lleno de ideas e influencias de la música y la cultura hindú, e ilusionado hasta el punto de llamar de nuevo a Alonza Bevan y reflotar el grupo bajo el nombre de The Kays, que poco después pasaría a llamarse definitivamente Kula Shaker, en homenaje al rey Kulashekhara, uno de los doce santos del sur de la India. Cuando resultaron ganadores del concurso "In the City" para nuevos talentos (compartiendo el premio con unos desconocidos Placebo), se abrió ante ellos la oportunidad de grabar su primer disco con Columbia Records. Junto a las evidentes influencias musicales que a Mills proporcionó aquel viaje, en las canciones de su disco de debut también quedó patente su predilección por los Beatles. Por relevancia e influencia, los de Liverpool son un género en sí mismos, como el blues o el soul, y su sombra sigue siendo muy alargada.


"K"

Lo primero que nos llega de un disco, al tenerlo entre las manos, es la portada. Es como una tarjeta de presentación, la primera impresión, el primer beso. No debería ser relevante para juzgar lo que vendrá después, porque lo que importa realmente es la música, pero puede ser también un indicio o una ventana abierta a lo que estará por venir. La portada de "K" es un guiño claro al "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", aunque sustituya los retratos de famosos por dibujos de personajes con nombres o apellidos con la letra K, cómo John Kennedy, Karl Marx, Gene Kelly, Katherine Hepburn, Kareem Abdul-Jabbar, Krishna o King Kong, entre otros. Hasta los objetos que aparecen en el resto del conjunto siguen esa regla, como lo demuestra la kettel (tetera) que aparece a la izquierda del collage.


K es precisamente eso, una mezcla de diferentes estilos y sonidos muy dispares, pero la fuerza de las canciones hace que todas las piezas encajen en un brillante conjunto. El disco arranca con Hey Dude, y aunque el título de nuevo nos lleva hacia los Beatles,  no guarda ningún parecido con el "Hey Jude" de Paul McCartney. Estamos ante el primer tema con el que se dieron a conocer antes de grabar el disco, y uno de los temas más potentes por su efectiva combinación de ritmos, que van del pop rock britpopero a cierto sabor a salmos hindúes en las estrofas y en el modo de cantar de Mills, todo ello salpicado de ramalazos de guitarras wah wah y un estribillo con mucho gancho.

Tras este efectivo arranque, el disco irá alternando entre los temas más guitarreros, en los que Mills da rienda suelta a su afición por los riffs con sonido wah wah y el uso del slide (Knight on the town, Smart Dogs, 303), con la mística y la psicodelia de temas en los que juegan con evocadoras líneas de piano e instrumentos indios como el sitar y la tambura (Temple of Everlasting light, Magic Theatre o el breve instrumental Sleeping Jiva). Las referencias hindúes se hacen más evidentes en las geniales Govinda y Tattva, los dos temas del disco que tienen la letra, total o parcialmente, en sánscrito.

Tattva nos sirve también para introducir el bloque de temas claramente influenciados por los Beatles.  La canción tiene dos tramos muy diferenciados, por un lado el mantra de matices psicodélicos recitado en sánscrito,  y por otro un tramo que bebe directamente de las fuentes de los temas alegres y desenfadados de los primeros años de la dupla Lennon-McCartney. En este grupo de canciones "estilo Beatle", entraría tambien la evocadora Into the Deep y la melódica Start all over.

No son los Beatles la única influencia clara o reconocida, la joya Grateful when you're Dead / Jerry was there es, como el juego de palabras de su título indica, un homenaje a la psicodelia y la mística de los Grateful Dead, además de ser musicalmente uno de los momentos más excelsos del disco, tanto en un primer tramo en el que las guitarras se desatan y echan humo al ritmo de la rotunda batería. El segundo tramo gira radicalmente hacia el rock progresivo, gracias a los matices de los teclados y la guitarra.

El disco cierra con Hollow Man parts I & II, uno de los temas más largos y desarrollados del disco. Hollow Man I tiene, a su vez, dos tramos completamente diferentes, primero en forma de semi-instrumental al piano, y después con la entrada de la guitarra acústica y un registro de voz que recuerda a George Harrison, y con la explosión de guitarras posterior. La referencia del título a las dos partes de la canción puede llevar al error de concluir que estos dos tramos diferentes son Hollow Man I y Hollow Man II, respectivamente, cuando en realidad Hollow Man II no es más que una frase que aparece tras más de 10 minutos de pista en silencio. Se trata de una grabación de A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador de la "Sociedad Internacional para la conciencia de Krishna". Lo que entendemos se concibió como una sorpresa o mensaje oculto, se convierte en una primera escucha en una incómoda y excesivamente larga espera, que acaba en decepción al no encontrar, al final del camino, la segunda parte del tema que parecía esperarnos oculta.

Después de un disco tan plagado de cambios de ritmo y con tantos sonidos étnicos apareciendo generosamente por diferentes rincones de cada una de las canciones, ¿qué más queríamos encontrar en la pista oculta? Es precisamente un proverbio de la India el que mejor lo explica: "Cuando todo está perdido, aún queda la esperanza". ¡Queríamos más!

Historia del rock and roll: 24.-Stevie Wonder

Stevland Hardaway Morris nació el 13 de mayo de 1950. Su nacimiento fue seis semanas antes de tiempo, lo que, junto con la atmósfera rica en oxígeno en la incubadora del hospital, desarrollo la retinopatía del prematuro (ROP), una enfermedad en la cual el crecimiento de los ojos se paraliza y hace que las retinas se desprendan, quedándose ciego. Cuando Wonder tenía cuatro años, su madre dejó a su padre y se mudó a Detroit con sus hijos. Comenzó a tocar instrumentos a una edad temprana, como piano, armónica y batería.
En 1961, cuando tenía 11 años, Wonder cantó su propia composición, "Lonely Boy", para Ronnie White of the Miracles; White luego llevó a Wonder y a su madre a una audición en Motown, donde Berry Gordy hizo un contrato a Wonder con el sello Tamla de Motown. Antes de firmar, el productor Clarence Paul le dio el nombre de Little Stevie Wonder. Grabó un disco tributo a Ray Charles y un álbum instrumental titulado Jazz Soul de Little Stevie, donde ya escribió dos canciones. Ambos álbumes tuvieron poco éxito

A finales de 1962, cuando Wonder tenía 12 años, se unió a Motortown Revue, recorriendo los teatros de todo Estados Unidos que aceptaban artistas negros. En el Teatro Regal, Chicago, su actuación de 20 minutos fue grabada y lanzada en mayo de 1963 en el álbum Recorded Live: The 12 Year Old Genius, el sencillo "Fingertips", fue lanzado en mayo, y se convirtió en un gran éxito, fue número 1 en el BillboardHot 100 cuando Wonder tenía 13 años, lo que lo convirtió en el artista más joven en encabezar la lista, sin embargo sus siguientes grabaciones no tuvieron éxito, su voz estaba cambiando a medida que envejecía, y algunos ejecutivos de Motown estaban pensando anular su contrato de grabación. Sylvia Moy persuadió a Berry Gordy para que le diera otra oportunidad quitando el "Little" de su nombre, y trabajo junto a Wonder para publicar "Uptight (Everything's Alright)" que se convirtió en un éxito a los que sumo "With a Child's Heart" y "Blowin 'in the Wind", una versión de Bob Dylan, co-cantada por su mentor, el productor Clarence Paul. También comenzó a trabajar en el departamento de composición de Motown, componiendo canciones tanto para él como para sus compañeros de discográfica.

En 1968 grabó un álbum de canciones instrumentales de soul / jazz, en su mayoría armónicos solos, bajo el título Eivets Rednow , que es "Stevie Wonder" escrito al revés. El álbum no obtuvo mucho éxito en las listas de éxitos estadounidenses, no obstante, logró obtener varios éxitos entre 1968 y 1970, como "My Cherie Amour", "I Was Made to Love Her" y "Uptight (Everything's Alright)", que fueron co-escritos con Henry Cosby.

En septiembre de 1970, a la edad de 20 años, Wonder se casó con Syreeta Wright, una compositora y ex secretaria de Motown. Wright y Wonder trabajaron juntos en el próximo álbum, “Where I'm Coming From” en donde trataban de "denunciar los problemas sociales del mundo" y con la idea de que las letras "significaran algo". Fue lanzado aproximadamente al mismo tiempo que What's Marvin Gaye's What's Going On . Como ambos álbumes tenían ambiciones y temas similares, se han comparado; en una revisión contemporánea de Vince Aletti en Rolling Stone, Gaye's fue visto como exitoso, mientras que Wonder's fue visto como un fracaso debido a la producción "autocomplaciente y abarrotada", letras "indistinguibles" y "pretenciosas", y una falta general de unidad y flujo. Al cumplir 21 años el 13 de mayo de 1971, permitió que su contrato de Motown expirara.

Durante este período, Wonder grabó de forma independiente dos álbumes y firmó un contrato con Motown Records. El contrato de 120 páginas fue un precedente en Motown y le dio a Wonder una tasa de privilegios mucho más alta de las que nunca había tenido un artista con lo que regresó a Motown en marzo de 1972 con el álbum Music of My Mind . A diferencia de la mayoría de los álbumes anteriores en Motown, que generalmente consistía en una colección de singles, lados B y covers, Music of My Mind fue una declaración artística de larga duración con canciones que fluyen juntas temáticamente. Las letras de Wonder trataban temas sociales, políticos y místicos, así como temas románticos. Ya a finales de 1972, lanzo el éxito “Superstition", que es uno de los ejemplos más distintivos y famosos del sonido del teclado Hohner Clavinet. También presentó "You Are the Sunshine of My Life", Wonder comenzó a viajar con los Rolling Stones. La gira de Wonder con los Stones también fue un factor detrás del éxito de "Superstition" y "You Are the Sunshine of My Life".

El 6 de agosto de 1973, Wonder sufrió un grave accidente automovilístico mientras estaba de gira en Carolina del Norte, cuando un automóvil en el que viajaba golpeó la parte trasera de un camión. Esto lo dejó en coma durante cuatro días y resultó en una pérdida parcial de su sentido del olfato y una pérdida temporal del sentido del gusto. A pesar del revés, Wonder volvió a aparecer para una gira europea a principios de 1974- El álbum doble con extra EP Songs in the Key of Life fue lanzado en septiembre de 1976. Con un estilo extenso, una ambición ilimitada y, a veces, líricamente difícil de comprender, el álbum fue difícil de asimilar para algunos oyentes, pero es considerado por muchos como el disco de mayor calidad de Wonder y uno de los álbumes más reconocidos y exitosos en la historia de la música pop donde destacan "I Wish" y "Sir Duke”.

En la década de 1980, Wonder logró sus mayores éxitos y subió su fama. En 1982, lanzó una retrospectiva de su trabajo de la década de 1970 con el Musiquarium original de Stevie Wonder , que incluía cuatro nuevas canciones: el clásico funk de diez minutos "Do I Do" (que contó con Dizzy Gillespie), "That Girl”, "Front Line", (una narración sobre un soldado en la Guerra de Vietnam que Wonder escribió y cantó en primera persona), y "Ribbon in the Sky", una de sus muchas composiciones clásicas. También obtuvo un éxito No. 1 ese año en colaboración con Paul McCartney en su himno a la armonía racial, "Ebony and Ivory".

En 1984 tuvo el lanzamiento del álbum de la banda sonora para The Woman in Red. El sencillo principal, "I Just Called to Say I Love You", fue un éxito, ganó un premio de la Academia del cine a la mejor canción, Wonder aceptó el premio en nombre de Nelson Mandela y posteriormente fue prohibido en todas las radios sudafricanas por el Gobierno de Sudáfrica. También apareció en la armónica en el single de Eurythmics, "There Must Be an Angel (Playing with My Heart)" y "I Guess That Why That Call It the Blues" de Elton John. Participó en un dúo con Bruce Springsteen en el sencillo benéfico "We Are the World", tocó la armónica con John Denver en la canción "If Ever". En 1987, apareció en el álbum Bad de Michael Jackson, en el dueto "Just Good Friends". Michael Jackson también cantó un dueto con él titulado ". Este fue un sencillo de menor éxito, al igual que "Skeletons" y "You Will Know".

En la década de los 90 Wonder continuó lanzando nuevo material, pero a un ritmo más lento. Entre sus otras actividades, tocó la armónica en una canción para el álbum tributo de 1994 KISS My Ass: Classic KISS Regrooved; cantó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1996; colaboró en 1997 con Babyface en "How Come, How Long", una canción sobre violencia doméstica que fue nominada para un premio Grammy; y tocó la armónica en el "Brand New Day" de Sting de 1999.

Ya en el siglo XXI, Wonder continúa grabando y actuando; aunque principalmente apariciones ocasionales y actuaciones de invitados, hizo dos giras y lanzó un álbum de material nuevo, A Time to Love de 2005 . Sus apariciones más importantes fueron actuar en la ceremonia de apertura de los Juegos Paralímpicos de Invierno de 2002 en Salt Lake City, el concierto Live 8 de 2005 en Filadelfia, el espectáculo previo al juego para el Super Bowl XL en 2006, la Celebración Inaugural de Obama en 2009 y la ceremonia de apertura de los Juegos Mundiales de Verano de Olimpiadas Especiales 2011 en Atenas, Grecia. Cantó en el funeral de Michael Jackson en 2009, en el funeral de Etta James, en 2012, y un mes después en el funeral de Whitney Houston.

Wonder, es una figura destacada de la música popular durante la segunda mitad del siglo XX, ha registrado más de 30 éxitos en los diez mejores de EE. UU. Y ganó 25 premios Grammy, así como un premio a la trayectoria. También ganó un Premio de la Academia a la Mejor Canción y fue incluido en los salones de la fama del Rock and Roll y los Compositores. También ha sido galardonado con el Premio Polar Music. La revista de música estadounidense Rolling Stone lo nombró el noveno mejor cantante de todos los tiempos. En junio de 2009 se convirtió en el cuarto artista en recibir el Montreal Spirit Festival Spirit Award.

Canciones que nos emocionan: Mejores que el original IV

Preparando la cuarta edición de "Mejores que el original", nos preocupaba que pareciera que somos detractores del gran Bob Dylan, nada más lejos de la realidad, pero con este ejercicio la verdad es que estamos descubriendo que son varios los casos en los que sus grandes canciones han tenido una versión 2.0 que las ha llevado a una dimensión superior. Y de nuevo en esta entrega, no tenemos más remedio que poner sobre la mesa que el Mr Tambourine Man de los Byrds creció en instrumentación y empaque comparado con la desnuda versión primigenia de nuestro más que merecido Nobel de Literatura.


Por supuesto es sólo una opinión con la que podéis no estar de acuerdo, y que os guste la primera u otra versión más que la de los "pájaros", cómo en su momento la famosa dupla de compositores Leiber / Stoller no se emocionaron con el "Hound Dog" de Elvis Presley, pero a nosotros la versión de Elvis nos parece más potente que la de Big Mama Thornton, destinataria original del trabajo, que dicho sea de paso facturaron muchos de los éxitos del Rey.

Más claro parece el caso del "I love Rock and Roll", al que Joan Jett dió fama mundial con apenas unos pocos y sencillos acordes. Pocos recordarán a los autores de la versión original, llamados The Arrows (las flechas). Con ese nombre, es una paradoja del destino que fuera otro grupo el que diera en la diana con su canción. En realidad poco importa, "nos gusta el rock and roll" en cualquiera de sus versiones.


 Y cerramos con  el "I got a line on you" de Blackfoot, que nos aventuramos a considerar mejor frente a la creación original de Spirit. Lo decimos así, breve y al grano, porque de nuevo pisamos un terreno movedizo. Es todo cuestión de gustos y, ya se sabe, para gustos están los colores. En lo relativo a la música, la paleta de colores es tan grande que caben todas las opiniones.

Nos encantaría conocer la vuestra, tanto a través de Twitter e Instagram (@7dias7notas) como si queréis participar de conversaciones y debates más directos en nuestro grupo de Telegram.