jueves, 25 de octubre de 2018

El disco de la semana 24: U2 - The Joshua Tree

The Joshua Three, U2

     16 de agosto de 1981, Slane Castle (Castillo de Slane), situado en la localidad de Slane, en el condado de Meath, provincia de Leinster (República de Irlanda). Éste castillo, por su situación, era ideal para la realización de conciertos, pues los jardines del mismo formaban un anfiteatro natural que era capaz de albergar hasta aproximadamente 100.000 personas. A lo largo de su historia, por aquel bello paraje han pasado artistas de la talla de Queen, The Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, David Bowie, Neil Young, Madonna, Bryan Adams, Red Hot Chili  Peppers, Oasis, Bon Jovi o Guns & Roses, por nombrar sólo algunos, lo que nos da una idea de la magnitud de tal evento.

     Pero volvamos al 16 de agosto de 1981, justamente al primer año en que se comenzaron a organizar conciertos en el castillo, ese día iba a tocar un grupo de la tierra, el cuál por aquel entonces se encontraba en la cúspide de su carrera, en casa y ante unas 18.000 personas Thin Lizzy iba a darlo todo, como siempre, ante sus paisanos. Pero antes y para calentar el ambiente, habían traído también a otro grupo irlandés que  haría de telonero, un grupo llamado U2, que había sido fundado en 1976, y estaba compuesto por Bono (vocalista), The Edge (guitarra, teclado y voces), Adam Clayton (bajo) y Larry Mullen Jr (batería). En ese momento U2 contaba con 2 discos en su haber, y estaban luchando por hacerse un hueco en el difícil e imprevisible mundo de la música. U2 era un grupo que Phil Lynott conocía muy bien, y los había conocido cuando el grupo arrancaba en sus inicos y tocaba bajo otro nombre, The Hype. En 1977, U2 ya había compartido escenario con Lynott en un par de ocasiones. Y es que a Lynott le gustaba apoyar a jóvenes valores irlandeses.

     Pero aquellos chicos tenían claro que querían despegar, querían triunfar, y querían aprovechar esa puerta que tanto Thin Lizzy cómo Rory Gallagher y Van Morrison habían derribado para dar a conocer la música de raíces irlandesas y llevarla por todos los rincones de la tierra.  U2 cogió ese testigo, un testigo que traía consigo una carga muy pesada, pues la sombra de sus antecesores era muy larga. Bono, The Edge y compañía fueron y han sido capaces de llevar ese testigo y elevarlo a cotas inimaginables a las que nunca había llegado un grupo irlandés. Con todos ustedes, el quinto álbum de estudio de esta mítica banda, The Joshua Tree.

  The Joshua Tree (El árbol de Josué) es el quinto álbum de estudio de la banda irlandesa y fue publicado a comienzos de 1987. El grupo se desplazó al Parque nacional de Árboles de Josué, situado en California (Estados Unidos), lugar del que tomarían el nombre del disco y donde además tomaron varias fotos para el disco, de entre las que destaca la de la portada del álbum. El trabajo fotográfico para el disco sería completado en el pueblo fantasma Bodie, también en California y en el Parque Nacional del Valle de la Muerte, ubicado entre California y Nevada. El viaje por Estados Unidos fue aprovechado por el grupo para explorar y sumergirse en las músicas estadounidenses, lo cuál quedaría plasmado en el sonido de The Joshua Tree. El disco además es uno de los trabajos más comprometidos del grupo en los aspectos político y social.


     Una vez presentado el disco, nos adentramos en sus temas y el primero que nos encontramos es Where the Streets No Name (dónde las calles no tienen nombre). Mucha gente pensó que este tema hacía alusión a un viaje que hizo Bono para visitar Etiopía despues de actuar en Live Aid en 1985, pero no, no hablaba de Etiopía, lo estaba haciendo de Irlanda donde las calles de muchas ciudades están divididas en ricaspobres y en católicas o protestantes, sabiendo entonces la calle donde vive una persona se pueden saber sobre ella religión, riqueza y creencias, es donde las calles no tienen nombre. Según Brian Eno, que produjo el disco junto a Daniel Lanois, la grabación de este tema ocupó el 40% del tiempo empleado en la grabación del disco debido a la complejidad del tema, la sección rítmica tenía compases raros, lo que hizo muy difícil trabajarlo.

     I Still Haven't Found What I'm Looking For, tema influenciado por la música gospel, es un tema de corte espiritual donde la duda entra en conflicto con la fe. La música fue compuesta por The Edge y Bono se ocupó de componer la letra del tema. Este tema llegó al número 1 de las listas en Estados Unidos y al número 6 en las listas del Reino Unido.

     With or Without You, en un principio este tema fue compuesto como parte de una trilogía de temas, pero al final los otros dos temas fueron descartados y aunque Bono pensó que sin los otros dos temas este no tenía sentido acabaron incluyéndolo. Es un tema compuesto por Bono, una canción de amor que trata de los problemas reales de las relaciones. Para la grabación de este tema The Edge utilizó un dispositivo de distorsión que había sido inventado por Michael Brook (guitarrista, inventor, productor y compositor de música de cine canadiense).

     Bullet the Blue Sky, en 1985 Bono había viajado con Amnistía Internacional a América Central, concretamente a El Salvador, y allí se quedó con unos guerrilleros en medio de las montañas. Decide entonces escribir la letra del tema, componiendo la música The Edge, Larry y Adam, un tema que condena la política exterior de Estados Unidos por promover la violencia y los disturbios en Centroamérica.

     Running to Stand Still, es un tema que habla sobre la adicción a la heroína, y para escribirlo Bono se inspiró en una historia que leyó sobre un hombre que traficaba con heroína para costearse su hábito a la misma. Aunque U2 se han mantenido apartados de las drogas, han conocido durante su carrera a mucha gente que ha caído en sus redes. Este es un tema que hace que Bono recuerde a Phil Lynnott, el cuál falleció por sobredosis de heroína en 1986, y en una entrevista comentó que el y Phil estuvieron viviendo en la misma calle durante unos dos años y siempre que se cruzaban Phil siempre le decía ¿Por qué no vienes a cenar? y él siempre le contestaba "Debería venir a tomar un bocado", y al final Bono no le llamó nunca y Phil a él tampoco, un recuerdo que siempre le ronda la cabeza.

     Red Hill mining Town, trata de la huelga de mineros que hubo en Reino Unido en 1984 debido a la política de Margaret Thatcher de cerrar las minas que no consideraba rentables y el impacto que dicha huelga tuvo en los amigos y las familias de los mineros. Este tema fue eliminado de la lista de la gira del disco al descubrir en los ensayos que Bono no podía cantar las notas altas del tema de forma constante, y no se realizaría en directo hasta el 30 aniversario de la apertura de la gira The Joshua Tree en mayo de 2017 en Vancouver (Canadá).

     In God's Country, otro tema que explora dentro de los sonidos y cultura americanas, adentrándose en la cultura y política de dicho país. A Bono le preocupaba que el sueño americano estuviera en peligro por culpa de las políticas oscuras de Estados Unidos. Para la letra del tema Bono se inspiró en la Estatua de la Libertad de Nueva York.

     Trip Through Your Wires, es un tema que trata sobre una chica y la pasión que esta provoca en un chico.

     One Tree Hill, es un tema dedicado a la figura de Greg Carroll, maorí de Nueva Zelanda que fue contratado por la banda como asistente cuando el grupo estuvo allí en 1984 relizando la gira The Unforgettable Fire. Greg era una persona con una personalidad y una ética de trabajo intachables. Desgraciadamente falleció en 1986 en Dublín al ser atropellado por un coche cuando se dirigía en la motocicleta de Bono a realizar un recado para el grupo. Además de este tema el álbum The Joshua Tree está dedicado al completo a Greg Carroll.

     Exit, la letra de este tema habla de un hombre muy religioso que sucumbe a oscuros impulsos y se convierte en un hombre muy peligroso. Para este tema Bono se inspiró en los libros The Executioner's Song de Norman Mailer y en In Cool Blood de Truman Capote, ambos tratan de famosos asesinos y Bono quería escribir una historia sobre un asesino y sobre lo que le rondaba por su mente. En 1989 la actriz estadounidense Rebecca Schaeffer fue asesinada por Robert John bardo después de haber estado acosándola durante unos tres años. Bardo declaró durante el juicio que el tema Exit le había dado la idea de la misión que tenía encomendada para acabar con la vida de la actriz.

     Mothers of the Disappeared, tema que surgió también a raíz del viaje a El Salvador de Bono. Allí, en San Salvador Bono se reunió con un grupo de madres llamadas "Madres de los desaparecidos", un grupo de madres que habían sufrido el secuestro de sus hijos durante la noche a cargo de los escuadrones de la muerte. Unas madres que vivían con la angustia de no saber si sus hijos estaban vivos o muertos.

     The Joshua Tree ha vendido hasta la fecha alrededor de 28 millones de copias por todo el mundo, y en 2003 la revista Rolling Stone le situó en el puesto número 27 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Un disco además muy reivindicativo con una gran carga política y social. U2, un grupo que ha sabido coger el testigo de Lynott, Gallagher y Morrison y llevar a lo más alto el nombre de Irlanda a través de su música por todo el mundo.

 


El disco de la semana 23: Stevie Wonder - Talking Book


"Estoy buscando un disco para mi hija, es para su cumpleaños, I just called to say I love you, ¿lo tenéis?"

Así comienza una escena memorable de la película "Alta Fidelidad", un padre de aspecto conservador, vestido con corbata, traje y gabardina entra en la tienda de discos del protagonista y pregunta a  uno de los trabajadores de la tienda, el descontrolado freaky de la música interpretado por Jack Black, que contesta: "Sí, lo tenemos"

"Genial, ¿puedes dármelo? contesta el ilusionado padre, que seguramente había buscado antes en otros sitios sin éxito y que parece un poco perdido en el mundillo de los discos.

"No, no puedo", contesta sorprendentemente Jack Black.

"¿Por qué?" contesta a su vez el padre, que pasa rápidamente de ilusionado a sorprendido.

"Porque es una horterada sentimentaloide y da pena, ¿cree que en esta clase de tienda venderíamos algo así? ¡Dese el piro!"

"¿Pero qué te pasa?" protesta el padre, sin tiempo para decir más porque en ese momento Jack Black estalla:

"¿Conoce bien a su hija? ¡Es imposible que le guste esa canción!. ¿Ha estado usted en coma?"

Sin estar totalmente de acuerdo con la animadversión del personaje hacia "I just called to say I love you", si que coincido en que el mundo parece haber estado en coma selectivo durante el período de los 70 en el que Stevie Wonder realizó varios discos míticos, entre ellos el "Talking Book" de esta reseña. De otra manera no se explica que las radio fórmulas recurran siempre a la amorosa llamada de teléfono de Stevie en los 80, olvidando  canciones del calibre de "You are the sunshine of my life", "I believe" o por supuesto "Superstition" (esta quizá algo más recordada en radios más puristas en los momentos en los que el coma selectivo tiene remisiones o leves signos de esperanza en la recuperación).


Talking Book se publicó en Octubre de 1972, el segundo de una serie de discos de lo que se conoce como el período clásico de Stevie Wonder, en el que se incluyen también discos de la talla de Innervisions o Songs in the key of life. Stevie ya era una estrella de la Motown, y en contra de las clásicas y férreas directrices de control que la caracterizaban, se le dió total libertad artística para desarrollar su idea sobre como quería que sonaran las canciones.

Decidió que el peso del ritmo de las canciones lo llevarían sus interpretaciones de sintetizadores y teclados, especialmente a través del uso del Hohner Clavinet en algunos temas, que dió empaque y unidad sonora al disco, además de dotarlo de un marcado sabor funky. El distintivo sonido del disco lo consiguió además sustituyendo los arreglos tradicionales de orquesta por infinitas capas de sintetizadores, tocados por el propio Wonder.

 El álbum arranca con “You Are The Sunshine Of My Life”, uno de los temas de más éxito, en el que además del teclado de Wonder destaca una inspirada percusión.

El tono cambia después hacia el funky con tintes rock de “Maybe Your Baby”, o al piano intimista de "You and I". Por supuesto no se puede olvidar la mención a “Superstition”, cumbre absoluta del disco y probablemente de su carrera, canción de brillante ritmo funk ante el que es imposible quedarse quieto. Su ritmo de teclado es ya histórico e imperecedero, a la altura del mejor de los "riffs" de las canciones rockeras que todos recordamos.

Pero sería injusto quedarse solo con esta canción, teniendo el disco temas de exuberantes arreglos como "Big Brother" o rutilantes baladas de la calidad de “Lookin’ For Another Pure Love” (con la colaboración de Jeff Beck en el solo de guitarra).

El disco cierra como empezó, a lo grande y con otro de los temas bandera de esta colección de hits, la brillante y atmosférica “I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)”, en castellano "Creo que cuando me enamore será para siempre".

Que así sea, Stevie. Pero cuando lo hagas, recuerda no decirle a nadie que la llamaste para decirle que la quieres. El mundo podría entrar en coma, y olvidarse de este y otros grandes discos que nos regalaste, para no despertar jamás de ese letargo intrascendente. Y ahora ya no hay tiendas de discos ni dependientes mal encarados que puedan despertarnos y decirnos que nos demos el piro cuando llevemos el rumbo errado.

El disco de la semana 22: Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik

Blood Sugar Sex Magik



     Blood Sugar Sex Magik es sin duda, si no el mejor, uno de los mejores discos que el grupo californiano Red Hot Chili Peppers sacó a la luz. Red Hot Chili Peppers se forma en 1983, en 1988 llevan ya tres discos editados, y ese año el grupo se lleva un durísimo golpe tras la muerte del guitarrista Hillel Slovak, hecho por el que el batería Jack Irons decide abandonar la banda. Este hecho provocó que Anthony Kiedis, cantante y guitarra del grupo se fuera a Mexico a desintoxicarse de su adicción a las drogas. Posteriormente Kiedis y Michael "Flea" Balzary, bajista del grupo deciden seguir adelante y acaban fichando a John Frusciante como guitarrista principal y a Chad Smith como batería.


     Esta formación en 1989 edita el cuarto álbum de la banda, Mother's Milk del cuál venden la nada despreciable cantidad de casi 3 millones de copias en todo el mundo. Animados por este hecho en 1991 sacan el quinto trabajo de la formación, donde se atreven a ir más allá y aparte de los ritmos punk, rock o funk que estaban acostumbrados a tocar y deciden meter también riffs más duros, coqueteando también con el Heavy metal. Un disco que no deja indiferente pues la tematica que emplearon en los temas fueron el sexo, las drogas, la muerte o la lujuria.
Un álbum que les catapultó al super estrellato mundial, vendiendo sólo en Estados Unidos más de 7 millones de copias. El disco fue editado por la discográfica Warner Bros, y para tal aventura contaron con el productor Rick Rubin, el cual habia trabajado entre otros para Beastie Boys, un tipo de mente abierta, algo que iba a necesitar para trabajar con Kiedis, Flea y compañía.

     El grupo quería grabar un álbum diferente, algo que se saliera de lo convencional, y para ello decidieron encerrarse en una mansión en la que vivió un tiempo el mago Harry Houdini y acordaron que no saldrían hasta que el disco estuviera terminado, Pero el batería Chad se negó a quedarse en la mansión pues según el ésta estaba embrujada, por lo que acordaron que los demás si se quedarían y Chad podría salir de la misma para irse a dormir y volver siempre por las mañanas.

     El resultado fueron 17 temas  de los cuáles abría el disco The Power of Equality, tema en el que hablan del racismo y la desigualdad, y donde hacen un guiño al grupo de rap Public Enemy

     If You Have To Ask, tema que escribieron con una letra que no tenía sentido, y que fue prohibido emitir en las emisoras de radio en Estados Unidos. El tema contiene un solo de guitarra con Wah Wah de John Frusciante que esta considerado como uno de los mejores solos de wah wah de la historia por la recista Guitar World, posicionandolo en decimoquinto lugar.

     Breaking the Girl, es uno de los temas más melódicos del disco, compuesto por Kiedis donde habla de sus constantes aventuras amorosas las cuales son cortas, por lo que temía acabar como su padre, siendo un mujeriego y no encontrar relaciones a largo plazo que merecieran la pena.

     Funky Monks, tema con una base funky donde meten riffs de guitarras muy contundentes. También da título al documental que la banda grabó en la mansión donde estuvieron trabajando para grabar el disco.

     Suck My Kiss, tema que habla de un hombre que está tan enamorado de su pareja que hara cualquier cosa por ella. El tema contiene una propuestas sexuales subidas de tono, pero Kiedis siempre defendió que estas propuestas no pretendían ser ni mucho menos groseras y si positivas y cariñosas.



     I Could Have Lied, el tema fue compuesto por Kiedis tras haber sido abandonado por Sinead O'Connor, y habla sobre la mentira y el engaño, que fue lo que provocó al parecer la ruptura, aunque sobre esto Sinead siempre mantuvo que ellos sólo salieron un par de veces y que no soportaba la música de Red Hot Chili Peppers ya que no los entendía.
Para la música del tema se inspiraron en el famoso tema de Bob Dylan que tan famoso hizo Jimi Hendrix All Along The Watchtower.

     Mellowship Slinky In B-Major, tema donde Kiedis se dedica a citar simplemente cosas que a el le gustan como bandas de punk, escritores como Twain o Capote, artistas como Hendrix o actores como De Niro. También acaba citando como una de sus cosas favoritas el Clítoris, dejando claro que si queŕian salirse de lo convencional lo consiguieron. Curiosamente el tema no está compuesto en B mayor.

     The Righteous & The Wicked, tema donde hablan de los males que estan acabando con el planeta y la humanidad y acaba pidiendo ayuda a su héroe Marvin Gaye, todavía tienen esperanzas y por eso tocan.

     Give It Away, uno de los mayores exitos de la banda y que curiosamente al principio las radios se negaron a emitir argumentando que carecía de melodía. La música la compusieron Flea y Frusciante durante una Jam Session, y luego Kiedis le añadió la letra en la que habla del altruismo y la generosidad y una experiencia que tuvo con otra de sus ex novias, Nina Hagen. Nina tenía una chaqueta que a Kiedis le gustaba y esta se la regaló, algo que no pasó desapercibido para Kiedis y que quiso reflejar en este tema.

     Blood Sugar Sex Magik, tema que da título al disco, donde vuelven a estar presentes las letras de contenido sexual, donde según ellos lo hacen aquí de una forma metafórica y espiritual.

     Under The Bridge, una de las joyas del disco y de la banda. Kiedis había estado escribiendo un poema donde hablaba de la angustia y los pensamientos autodestructivos tenía como resultado de su adicción a la heroína y las anfetaminas, casualmente el productor Rubin se encontró con este poema animó a Kiedis a que se lo enseñara al resto de la banda, pero este pensaba que la letra era demasiado blanda y que no pegaba con el estilo del grupo. Finalmente se animó y se lo mostró al grupo, y a partir de entonces Kiedis y Frusciante se pusieron a darle forma. Así se gestó esta auténtica maravilla.

     Naked In The Rain, donde Kiedis nos habla de su aversión al género humano: "La gente fría y ofensiva me dan escalofríos", y por contra ensalza al mundo animal: "Nunca encontré un animal que no me gustara"

     Apache Rose Peacock, tema donde Kiedis nos relata sus experiencias en Nueva Orleans y sus coqueteos con las chicas, las drogas y la fiesta.

     The Greeting Song, tema que Kiedis acabó escribiendo ante la insistencia del productor Rubin, donde trata de temas como las chicas y los coches, un tema quye a Kiedis nunca le gustó pues trataba de temas demasiado frívolos que no le llenaban ni aportaban nada.

     My Lovely Man, tema que se compuso como tributo al guitarrista Hillel Slovak, el cuál murió en 1988 de sobredosis siendo sustituido por Frusciante.



     Sir Psycho Monkey, tema con muchas connotaciones sexuales, trata de un personaje ficticio llamado Sir Psycho Sexy y sus historias sobre sus raros y extraños encuentros sexuales.

    They're Red Hot, cañera versión de poco más de un minuto del tema del mítico bluesman Robert Johnson.   

     Blood Sugar Sex Magik es en definitiva un disco que se sale de la norma, querían salirse de lo convencional y lo consiguieron sobradamente, donde se atreven a fliltear con una naturalidad pasmosa con temas como el sexo, las drogas o la muerte, y donde juegan con maestría con ritmos como el punk, el rock, el metal ó el funk.
Blood Sugar Sex Magik es en definitiva un disco con mayúsculas.

La música en historias: El largo camino de Free Bird

Lynyrd Skynyrd

     

     Me atrevería a aventurar que el tema Free Bird, compuesto por el grupo de Rock sureño Lynyrd Skynyrd, es uno de los temas que más tardaron en componerse. Compuesta en 1970, fue sufriendo continuos retoques hasta el año 1976, quedando como actualmente la conocemos.
     La idea original del tema surge del guitarrista Allen Collins, que al enseñársela por primera vez a Ronnie Van Zant (Vocalista y líder de la banda) este le dijo que tenía demasiada letra, y no le convenció ese primer esbozo.
     Posteriormente a Van Zant se le ocurrió  una idea para la melodía y se puso  manos a la obra con Collins. Era el comienzo de Free Bird.
     El tema, que se graba por primera vez en 1970, y que originalmente no tiene la introducción de piano, lo toca la banda por primera vez en la boda de uno de sus miembros, Allen Collins ese mismo año.
     Por aquel entonces, un muchacho llamado Billy Powell, encuentra trabajo como roadie en los conciertos de la banda. Billy había estudiado teoría de la música y tocaba el piano. En 1972, durante la preparación de uno de esos conciertos, después de preparar los equipos, Billy se sentó al piano y comenzó a tocar su propia versión de Free Bird, con una intro de piano. Casualmente Ronnie Van Zant le observa, y tras quedar prendado, automáticamente le invita a unirse a la banda, siendo además esa pieza musical la famosa introducción que abre el tema. El resultado es la grabación de Free Bird para el álbum "Pronounced 'leh - 'nerd 'skin - nerd", disco que sale a la luz en 1973, siendo esta quizás la versión más conocida por todos.
     Entre los años 1973 y 1976 se fueron alargando partes, durando el solo de piano el doble y extendiendo más el solo final del tema.
     Tras el accidente de la banda en 1977, el tema lo tocaban de forma instrumental, sin voces, hecho que duraría hasta el año 1989, cuando Johnny Van Zant (hermano de Ronnie y sustituto de este) la cantó por primera vez en directo.
     Lynyrd Skynyrd eran grandes seguidores de la banda The Allman Brothers y de los hermanos Greg y Duane Allman, a los que seguían tiempo atrás, cuando antes de ser Allman Brothers tenían una banda llamada The Allman Joys. Tras la muerte de Duane Allman en 1971 en un accidente de motocicleta, Lynyrd Skynyrd decidieron honrar su memoria y decidieron que "Free Bird" sería un tema dedicado a el.
     Free Bird es para mí un tema especial, guisado a fuego lento, dejándolo madurar, hecho con mucho amor y mucho sentimiento, que tiene uno de los mejores duelos de guitarras de la historia, y que rinde homenaje a otro grande, como fue Duane Allman.
     Por todo lo que representa, para mí es una auténtica obra maestra, además de ser el nexo de unión de dos grandes bandas con trágicos paralelismos: Lynyrd Skynyrd y The Allman Brothers.
    Vuela libre como un pájaro, Duane.............
    

miércoles, 24 de octubre de 2018

El disco de la semana 21: Grandes exitos, Frank Sinatra




Nos encontramos en esta ocasión con uno de los artistas más importantes del siglo XX, nacido como Francis Albert Sinatra, más conocido como Frank Sinatra y apodado y mundialmente conocido como “La voz”. Hijo de un matrimonio de emigrantes italianos que viajó a América en busca de una vida mejor. El 'sueño americano' se materializó en su hijo, quien, pese a sus humildes orígenes, logró alcanzar el firmamento de Hollywood. A pesar de que cantó durante varios años, hizo su debut en 1935, la incorporación de la banda de jazz Hoboken Four. Esto confirma la primera prueba de su voluntad de vivir de la canción y se encontrará una serie de compromisos en orquestas profesionales (la orquesta de Tommy Dorsey, la trompeta de Harry James), 1942 o hasta que decide ir en solitario. Hizo sus primeros pasos ante las cámaras en el musical "Reveille Beverly". Observado por Columbia Records, que firmó un acuerdo que ahorrar cerca de trescientos títulos hasta 1952. Frank Sinatra es uno de los principales actores de Hollywood, dividida entre la filmación de películas, discos y grabar programas de TV, Frank Sinatra fue el artista que deja su huella en la vida cultural americana. Sus interpretaciones de "Strangers in the Night" o "My Way" de la cantante son el número uno y le valió el apodo de "La Voz". En 1994 dio su último concierto antes de tomar un retiro a corto después de una carrera ocupada. Murió de mayo 14 de 1998, pero siguen brillando en el firmamento de estrellas




My Way
Hace 50 años en 1969, Frank Sinatra colocaba un tema más en Estados Unidos en el número uno de las listas musicales, y aquel acontecimiento se vivió como algo cotidiano en una sociedad totalmente entregada a su música y su forma de cantar, pero pasados los años, las circunstancias que han rodeado su vida, la letra de la canción, han convertido a este tema sin ni ningún lugar a dudas en la canción más representativa del cantante Americano. My Way es una canción original francesa en la que Claude François se lamentaba de la ruptura sentimental con la cantante France Gall, y de la que Paul Anka aprovecha la música cambiando completamente la letra. Esta letra es un prodigio de cómo se puede sintetizar en cuatro minutos toda una filosofía de vida. Según se va acercando su final el cantante echa un vistazo atrás y ve lo que ha sido y hecho:  Ha cometido errores, pero no se arrepiente “Arrepentimientos, he tenido unos pocos, pero también, demasiado pocos para mencionarlos. Hice lo que tenía que hacer”, ha vivido según ha podido sin renunciar a nada, sin dejar nada en el tintero “Planeé cada ruta, cada cuidadoso paso a lo largo del camino. Y más, mucho más que esto, lo hice a mi manera..” y se la jugó sobre todo se la jugó, pero fue a por todas sin renunciar a nada   “Sí, hubo veces, estoy seguro de que lo sabías, en las que mordí  más de lo que  podía masticar. Pero después de todo, cuando hubo duda, me lo comí todo y luego lo escupí. Me enfrenté a todo y me mantuve recto” .. pero nada es fácil, y en ese camino ha tenido momentos para el amor y el triunfo, pero también para flaquear, para la tristeza, para el dolor, incluso para llorar, pero ahí ha estado… “He amado, he reído y llorado. Estuve harto, mi parte de fracaso. Y ahora, que las lágrimas ceden, encuentro que todo aquello fue tan entretenido…..” ….. y todo esto saben como lo hizo….. A SU MANERA. Para mi uno de los temas mas brillantes de la historia.


I've got you under my skin.
Y aquí tenemos un tema que representa con medio acorde de la canción aquellos años 50 de bandas musicales y bailes con los que la juventud pasaba el tiempo libre, la sensualidad que lleva impresa este tema es casi única, la orquestación es una brutalidad con unos instrumentos de viento que enamoran ellos solos y la forma que tiene de cantarla con su increíble cadencia que acompaña al trombón de Milt Bernhart.
Este tema es una composición de Cole Porter y ha sido cantada por multitud de artistas, desde Ella Fitzgerald hasta el mismísimo Rod Steward, es casi una canción de propiedad común donde cada artista trata de llevarla a su estado, pero para mí, nadie como Frank Sinatra ha sabido darle la personalidad que ha quedado grabada en todos nosotros. La letra nos habla de una relación entre dos personas, y ambos saben que no va a terminar bien, pero s entregan y van hacia adelante, porque llevan el amor bajo la piel y están dispuestos a llegar hasta el final.

New York, New York
Y si hablábamos en el primer tema del disco de una canción que representa a Frank Sinatra, que podemos decir de esta, otra de las maravillas que nada mas oír los primeros acordes la cabeza se nos va de nuevo a la figura de “La voz”. Compuesta originalmente para la película de Martin Scorsese del mismo título y cantada en la película por la actriz Liza Minelli, tanto la canción como la película, pasó sin pena ni gloria en aquel año 1977, hasta que tres años después Frank Sinatra le dio un toque distinto, más optimista, más ambicioso y se convirtió en la canción más representativa de la capital del mundo, sin ir más lejos, la misma imagen del autor está asociada al artista aunque más de la mitad de su vida la pasó en Los Ángeles.


Stranger in the night
Esto es un sinvivir, aquí tenemos otra canción que nada mas escucharla se viene a la cabeza a Frank Sinatra,Es curioso que la canción más famosa de Sinatra sea un nido de víboras. Para empezar, Sinatra no la quería cantar, enfrascado en pleno 'affair' con Mia Farrow, a pocos meses de la boda
luego la utilizó como marcha nupcial—. Frankie decía que era una «mierda» de melodía, una de las peores canciones que había oído en su vida. Para colmo, detrás del tema había un monumental lío. La historia de "Strangers In The Night" es una historia de dos personas que comparten un momento de contacto visual fugaz pero significativo, un momento que los lleva a enamorarse antes del final de la noche.


Fly me to the moon
La canción fue escrita originalmente por Bart Howard en 1954 y fue titulada como "En otras palabras" y fue introducida en el circuito de cabaret. En 1962, el compositor Joe Harnell revivió la canción, dándole un arreglo de bossa nova que tuvo un gran éxito, pero nosotros nos quedamos con la última versión, la que se grabó el 9 de junio de 1964, con un arreglo sensacional de Quincy Jones, cuando se trataba de un disco de homenaje a la orquesta de Count Basie. Su importancia histórica se catapultó cuando fue la canción que utilizaron los astronautas en el Apolo 11 cuando llegaron a la Luna, el 20 de julio de 1969


L.A. Is my Lady
Nos encontramos en el cenit de la carrera de Frank Sinatra, los dorados años 50 y 60 habían pasado y había irrumpido con fuerza otros estilos musicales que borraban de las listas de éxitos los sencillos del autor, de hecho los dos discos sacado anteriormente al LP que contenía este tema fueron una absoluto desastre, por lo que trato de volver al pasado y recuperar a Quincy Jones (conviene no olvidar que en esos momentos era el capitán de la carrera del mismísimo Michael Jackson), que tan buen resultado había tenido con él. Y verdaderamente los toques de la orquesta y el estilo swing le dio resultado, L.A. is my lady consigue un estilo muy moderno, acorde con la década de los ochenta, que terminó, esta vez sí, por cuajar perfectamente entre el público actual, canción compuesta por mismísimo Quincy Jones, conecto rápidamente con la sociedad de aquel año, y es que desde los primeros segundo nos traslada a la música de la Motown y vemos un estilo completamente distinto sin renunciar a su peculiar voz.


Come fly with me
Un tema de los años 50, donde un joven Frank Sinatra da una autentica lección vocal, con un acompañamiento musical donde destacan los instrumentos de viento. Incrustada en un disco que lleva el mismo titulo que este tema y que esta dedicado a los viajes,  pero no solo en lo que nos cuenta en las letras, sino que encontramos el crescendo de los violines que imitan el despegue y en el viento haciendo un sonido que emula el de los reactores de un avión. nos encontramos con una canción compuesta especialmente para él, donde disfrutamos desde el primer minuto de una elegancia absoluta hasta ese final, cuando después de decir "angels cheer,'cause we're together..." y el chasquido de los dedos de Sinatra, la canción se encamina hacia una conclusión con un Sinatra espectacular hasta ese culminante y sensacional "Pack up, let's fly away!". Toda una invitación irresistible


Luck Be a Lady
Una canción escrita por Frank Loesser1 en 1950 e interpretada por Robert Alda en el musical Guys
and Dolls , estrenado el 8 de enero de 1951. La letra de la canción está desarrollada desde el punto de vista de un jugador, Sky Masterson, que espera ganar una apuesta, cuyo resultado decidirá si es capaz de salvar su relación con la chica de sus sueños. Es la canción por excelencia de una noche de casino y de "black jack". A lo largo de la canción Frank simula que está jugando al famoso juego en el que se tiran un par de dados.


The Lady is a tramp.
Y del juego, pasamos a las trampas… encontramos este tema en la película de George Sidney, Pal Joey, portagonizada por el mismo Frank Sinatra y la increíble Rita Hayworth, y es sin duda el momento mas recordado de la película cuando Sinatra se pone a cantarla. Tremendo swing el de la orquesta aquí, como tremendo el fraseo, el tempo contenido de Frank. El acierto de Sinatra en este tema, es la contención. Como en tantas otras canciones. En la parte final de "The lady..." tenemos al mejor Frank de los cincuenta, exultante, pletórico, juguetón con la letra y la entonación


I get  kick out of you
Terminamos con un clásico de Cole Porter, estamos ante uno de los mejores estándar de Swing, y que Frank Sinatra supo adaptarla magníficamente a su ya famoso "fraseo". En el LP Frank canta una estrofa que dice: "A algunos les va la cocaína pero a mí me aburre. A mí sólo me excitas tú". En el vídeo de los cincuenta, debido a la censura, Frank cambia la letra y dice: "A algunos les gusta el perfume de España"...después sonríe y exclama "puaghh Spain!". Todavía guardaba en su mente el pasaje de la Gardner. En esa época España no le gustaba nada. Frank tenía sus razones: Ava Gardner le dejó por el torero Mario Cabré y, más tarde, se lió con Luis Miguel Dominguín (padre de Miguel Bosé). Además Franco le prohibió la entrada a España por ser persona non grata en nuestro país. Ya podía decir Frank eso de ¡puaj! al nombrar "Spain".




El disco de la semana 20: Damon Albarn - Everyday Robots



 


Los "robots del día a día" o "Robots cotidianos". Esa podría ser la traducción del título del ¿primer? disco en solitario de Damon Albarn. Dudo en llamarlo su "primer disco en solitario" porque ya había firmado previamente discos con su nombre, como es el caso de "Mali Music" para Oxfam o sus óperas "Monkey journey to the West" y "Dr. Dee".


Y a la vez es su primer disco, sin discusión, de una manera tan genuina como no lo ha sido ningún otro primer disco de un ex-cantante de grupo famoso, porque Damon interpretó que hacer un disco en solitario implicaba hacer un disco personal, el primero en el que Damon desnuda su vida ante los micrófonos de una manera brillante, sencilla y sincera. Quizá no sea el primer disco de Damon Albarn, pero es el primer disco sobre Damon Albarn.

La propia yuxtaposición de dos temáticas contrapuestas es la base de esta entrega de canciones. La idea de un mundo actual, lleno de tristes personajes alienados por la tecnología, contrasta con las continuas referencias autobiográficas a su infancia y juventud, a un mundo pasado y diferente rescatado desde una mirada nostálgica.

Recomiendo encarecidamente que aquellos que no lo hayáis escuchado, veáis antes el documental que hizo para la BBC explicando el por qué de este disco, su génesis y elaboración a partir de un viaje nostálgico a los lugares que marcaron su infancia y adolescencia. El documental es como la sal previa al tequila, degustaréis el disco mucho mejor si la habéis tomado antes.

Damon Albarn "The Culture Show"
https://www.youtube.com/watch?v=ep6kjvu_HCQ

¿Ya lo vistéis? Vamos entonces a infiltrarnos ya en el mundo de los "Robots Cotidianos".

Es precisamente "Everyday Robots" la encargada de abrir el disco. Comienza con un extracto de lo que parece un monólogo y unas risas enlatadas, como si todo fuera una broma o le costara creer que sea cierto que los zombies tecnológicos caminan cada día por la calle como autómatas, mirando al móvil sin percatarse de que la vida está fuera de la pantalla. La canción muestra el tono que tendrá el disco, música minimalista aderezada con violines y extraños efectos de sonido, mientras Damon cuela su guitarra acústica o su teclado como base para la mayoría de los temas.

Más minimalista si cabe es "Hostiles". Damon a la guitarra acústica, con el apoyo de unos coros y unos efectos de ladridos de perro para llevarnos de vuelta a la temática opuesta del disco, a la mirada nostálgica e introspectiva de un músico que gira la cabeza hacia atrás y ve su pasado en el Londres gris de mediados de los 70

La melancolía dura poco, porque de un bandazo nos devuelve al mundo tecnológico en el que vivimos con "Lonely Press Play" uno de los temas más brillantes del disco. "Si te sientes solo, pulsa play". Un mensaje tan descorazonador viene sin embargo acompañado de un tono más alegre en la música, y la ejecución del tema es simplemente brillante apoyada en unos grandes arreglos de cuerda.

El punto disonante del disco lo marca "Mr. Tembo", canción inspirada en un elefante que conoció en Tanzania, la canción más alegre del disco y casi una tonada infantil con toques africanos. Y sin embargo mantiene el toque personal (dedicada a su hija) y nostálgico (ejecutada junto al coro gospel de la iglesia en la que Damon practicaba con el órgano en su adolescencia).

Las referencias en negativo a la tecnología y la deshumanización que provoca seguirán apareciendo, como cuando en "The Selfist Giant" hace referencia a lo complicado que es concentrarse en ser un buen amante cuando la televisión está siempre encendida. Como también continuarán los saltos atrás en "You and Me", larga oda estructurada en dos partes en las que profundiza en los desengaños amorosos y los problemas con las drogas de épocas pasadas. El tema va de lo más oscuro a lo más luminoso, por lo que pese a la temática funciona como rayo de esperanza.

En el cajón de las canciones autobiográficas cae "Hollow Ponds", punto álgido del disco para el propio cantante ya que, según declaró en el documental al que nos hemos referido, toda la idea del disco surgió de una visita a unos lagos a los que iba a bañarse en verano en su infancia y adolescencia.

En la sección de tecnología le toca el turno a las "fotografías que estás haciendo ahora mismo" ("The photograps you're taking now"), salteada con una grabación de audio y jugueteando con la electrónica sin salir del minimalismo reinante, para pasar después a la canción de corte más romántico del disco "The history of a cheating heart".

Y con "la historia del corazón mentiroso" desembocamos y náufragamos inexorablemente en los "fieros mares del amor" ("Heavy seas of love"), dónde el disco vuelve a la senda brillante y animada. Como curiosidad, surgió la posibilidad de una colaboración con Brian Eno, que al llegar al estudio preguntó si querían que produjera el tema o tocara los teclados, a lo que Damon respondió: "Quiero que cantes".

Al ver el resultado comprendes que lo ha vuelto a hacer. No solo ha entregado un disco brillante, sino que la broma del principio, con sus risas enlatadas, era una pista que anticipaba la gran broma final, la colaboración más inesperada, con Brian Eno dando el pintoresco contrapunto a la voz de Albarn, que no podía cerrar solo su "primer disco en solitario". 

El disco de la semana 19: Jethro Tull - Aqualung

Aqualung, 1971 (Jethro Tull)


     Para la semana 19 en 7días7notas le toco al grupo de Ian Anderson y los suyos, Jethro Tull. Banda de Rock progresivo británica, liderados por el escocés Ian Anderson, dio sus primeros pasos en 1967, dando por finalizada su aventura en 2014, más de 25 años en activo, un tiempo en el que han editado más de 30 álbumes y vendido más de 60 millones de copias de los mismos.

     Nos vamos a centrar en su cuarto álbum de estudio, Aqualung, que junto al quinto Thick as a Brick, se convirtieron en discos de culto dentro del rock progresivo. Publicado en 1971 por  la compañía Chrysalis Records, fue considerado como un álbum conceptual basado en la temática de Dios y la religión, sin embargo el grupo siempre negó y rechazo el hecho de que el disco fuera considerado como tal, aunque si nos adentramos en la historia y los temas del mismo puede parecerlo.
El grupo estaba compuesto por aquel entonces por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Martin Barre (guitarra eléctrica), Clive Bunker (batería y percusión), Jeffrey Hammond (bajo) y John Evan (piano, órgano y melotrón).

     Para la portada se basaron en una fotografía que la esposa de Ian Anderson realizó a un vagabundo a orillas del río Tamesis. A partir de ahí se encargó de darle forma en forma de retrato de acuarela el dibujante Burton Silverman, donde se muestra a un hombre, un vagabundo con barba, el pelo largo y la ropa vieja.

     El disco arranca con el primer tema, titulado como el disco Aqualung. El tema surge a raíz de aquel mendigo que Ian y su esposa habían visto a orillas del Támesis, lo que captó el interés de ambos y como Ian reconoció posteriormente, aquella imagen le dio remordimientos y tuvo sentimientos de culpabilidad por aquel vagabundo, pues la gente así podía llegar a dar un poco de miedo e inseguridad, lo que le llevó a combinar con una ligera idea romántica de ellos ya que los veía también como espíritus libres que no quieren o no pueden encajar en la sociedad tal y como estaba concebida. Así nace la historia de un vagabundo pedófilo llamado Aqualung. Utilizó ese nombre (traducido al español: Pulmón acuático) porque quería transmitir que el resuello de aquel mendigo era igual al sonido que produce el borboteo de los equipos de buceo bajo el agua. 
Una obra maestra del rock progresivo, sentaros y disfrutar.

     Cross-Eyed Mary, otro de los temas más brillantes del disco y del grupo, dónde nos narran la historia de María la bizca, una joven que va la escuela y también ejerce como prostituta. María prefiere la compañía de viejos verdes a estar con sus compañeros de clase, y aunque hay muchos hombres ricos que pagarían por su compañía ella busca y prefiere estar con esos viejos verdes a los que acompaña como favor. En este tema vuelve a aparecer el personaje del anterior tema, pues Aqualung, el vagabundo pedófilo es uno de esos viejos a los que acompaña.

     Cheap Day Return, es un tema escrito a modo autobiográfico, pues 
Ian la compuso después de ir a visitar a su padre, el cuál se encontraba gravemente enfermo. tema acústico de apenas minuto y medio donde Ian nos habla de ese duro momento.

     Mother Goose, vuelve con otra composición donde en la primera parte es completamente acústica para pasar a la segunda metiendo ya guitarra eléctrica, donde Ian consigue darle al tema un aire totalmente medieval con su flauta, donde nos habla de Mama Ganso, un personaje muy típico en los cuentos ingleses.

     Wond'ring Aloud, otro tema corto y acústico, de apenas dos minutos donde Ian repite la fórmula de Cheap Day Return. Magnífica composición acústica de la cuál relizaría posteriormente una versión ampliada a la que llamaría Word'ring Again y que incluiría en el álbum Living in the Past.

     Up To Me, tema muy en la línea de Mother Goose, donde vuelve a dar ese aire medieval con su magistral flauta, para luego dar el giro al sonido con la guitarra eléctrica.

     My God, tema que abría la cara B del disco, donde comienza parafraseando el Génesis de la Biblia, una potente crítica dirigida a la iglesia de Inglaterra a la que calificaba de "sangrienta y maldita". Este tema hizo que en España, inmersa en una dictadura, se retrasara su salida al mercado debido a las ideas expresadas en el tema para evitar que fuera censurado, y cuando por fín vio la luz el disco sufrió recortes en algunos temas debido a la censura. Atentos al impresionante solo de flauta que se marca anderson en este tema.

     Hymn 43, uno de los temas más rockeros del disco, donde sigue con la temática del tema anterior. Es una velada crítica al Padre Nuestro y en definitiva a todos esos himnos que se cantan en las iglesias para alabar a Dios. 

     Slipstream, es tema anecdótico de poco más de un minuto de duración.

     Locomotive Breath, otra de las joyas del disco, comienza con una lenta y triste introducción de piano para luego ir cogiendo fuerza y como un tren de mercancias ir arrollando todo lo que encuentra a su paso, un magnífico tema. El tema trata de un hombre al que su mujer le engaña y encima sus hijos le han abandonado, por lo que este hombre, sin nada por lo que vivir y luchar ya decide suicidarse e ir al precipicio como una locomotora sin frenos. Tema que vuelve a ser una crítica a Dios, el cuál siempre gana frente al "eterno perdedor", el hombre.

     Wind-Up, tema que cierra el disco, donde la risa de Ian Anderson fue considerada como una burla hacia los críticos musicales, una risa que volvería a repetir en el disco Thick as a Brick.

     Aqualung es un disco clave dentro del rock progresivo, cargado de una clara crítica hacia Dios y hacia los estamentos religiosos, un disco que siendo considerado conceptual, el mismo Ian se encargó de repetir por activa y pasiva que no lo era, y que solo se trataba de un disco con canciones e instrumentaciones variadas, y que si tantas ganas tenían de un álbum conceptual el les enseñaría lo que es, y decidió concebir Thick as a Brick en 1972, una parodia sobre el género de disco conceptual. Parodia o no, conceptual o no, Aqualung es una maravilla, y Thick as a Brick otra.
   

Canciones que no soporto: Wonderwall, Oasis










      En este caso, con este tema del que os voy ha hablar, he recibido cariñosas críticas y reprimendas  por parte de algún que otro compañero de viaje en este blog. Que cómo voy a estar cansado, que si es por la de veces que la han emitido, que si me voy a enterar...... y sabéis? Tienen toda la razón, Es un temazo.....con el que no puedo. Puede que sea porque el estribillo me martillea y no acabo de asimilarlo, puede que sea por la imagen y los desencuentros y percances que han protagonizado dos de los protagonistas, que además son hermanos, me hayan agotado, pero no puedo.
     El tema en cuestión es Wonderwall, de la banda inglesa Oasis, compuesta y grabada en 1995, y que ha conseguido vender hasta el año 2017 más de 1'8 millones de copias solamente en el Reino Unido, consiguiendo el puesto nº 2 de ventas en las listas de éxitos del Reino unido, y el puesto nº 1 en Australia, España y Nueva Zelanda. Pero además es uno de los temas más versionados por otros grupos (Lana del Rey, One Direction, Radiohead, y hasta Metallica).
     El vídeo promocional ganó el premio al  mejor vídeo británico (Brit Awards) en 1996. También fue considerada mejor canción de todos los tiempos, en una encuesta realizada a finales de los años 90 por Virgin Radio. Incluso The Edge, miembro del grupo U 2, llegó a comentar en 2006 de este tema que era el que más le hubiera gustado escribir.
     Conclusión, es un Temazo........pero sigue sin entrarme, y no se por qué.........

martes, 23 de octubre de 2018

El disco de la semana 18: Rubber Soul - The Beatles.






Primer disco del grupo The Beatles en nuestro blog y a ciencia cierta seguramente no será el último. En esta ocasión nos detenemos en el sexto disco de la banda de Liverpool, quizás uno de los más influentes del grupo, con un claro cambio de la sintonía que estaban llevando hasta entonces, para empezar, fue el primero donde todas las canciones fueron compuestas o por John Lennon o por Paul McCartney, llego el momento de huir de los gritos de las fans enloquecidas y entregarse a algo más maduro que diera paso a la excelencia musical que sus integrantes llevaban dentro, es el momento de las baladas llenas de pureza y mensaje sin dejar atrás las melodías que tanto caracterizan su obra. Fue el primer álbum del grupo que no mostró el nombre The Beatles en su portada           

Driver My Car
Si bien la mayoría de los usuarios de hoy en día pueden ver "Drive My Car" como una canción más o menos divertida en la mitad de la carrera del grupo, en realidad es mucho más cuando se lo ve dentro de su contexto. Para 1965, los Beatles estaban reconociendo el estado estancado de la industria de la música pop en su conjunto y no querían seguir bombeando el mismo material sin cesar. Ellos querían crecer y se dejaron influir por sonidos de la Motown. La cancion cuenta la historia de una mujer que quiere convertirse en famosa estrella de cine, y le ofrece al narrador la oportunidad de ser su chofer, agregando "y tal vez yo te ame". Finalmente él acepta su propuesta, pero en ese momento ella admite que no tiene auto, "pero encontré un conductor y eso es un comienzo". Según Paul, la canción "es un eufemismo para el sexo del viejo blues".



Norwegian Wood
John escribió Norwegian Wood (This bird Has Flown) durante unas vacaciones de ski en St. Moritz (Suiza). Lo que hoy en día es sin duda un clásico de los Beatles, causó impacto en aquel entonces por el uso del sitar, interpretado por George Harrison, por primera vez en un disco occidental y un tono de rock psicodélico que no dejo indiferente a nadie, la canción trata un encuentro sexual de Lennon… “I once had a girl, or should I say, she once had me….” con escenas en casa de la presunta amante y una conclusión que deja dudas sobre si el flirteo fue sueño o realidad.

You Won't See Me
Los Uuuh-la-la-las de John y George son un toque delicioso a este tema que es más interesante de lo que puede parecer en un principio, curioso es el tempo de la canción que se haciendo más lento a medida que avanza el tema. La canción surge de los problemas que tenia Paul McCartney con su novia en aquellos momentos, se encontraban casi al final de su relación lo ignoraba y no contestaba el teléfono, McCartney se cogía grandes enfados con Asher y cuenta la frustración y la  vulnerabilidad de McCartney al no poder contactarse con ella, de ahí salió esta bella canción que uno no puede dejar de disfrutar.

Now Here Man
Brillantes armonías vocales de los Beatles para este tema que Lennon escribió cuando ellos tenían
que sacar nuevo disco y no sabía que hacer ni como, por eso dice hombre de ningún lugar que no sabe a dónde va. La canción está dedicada a la gente conformista que ve sólo lo que quiere ver, es decir, que hace lo que le conviene y le parece fácil, su letra, es tremenda, lanza un mensaje algo pesimista acerca del hombre de esa época.

Think For Yourself
La canción es probablemente una de las mas flojas del álbum, y sin embargo es una buena canción

The Word
Es usualmente citada como la primera canción de los Beatles en hablar sobre el amor de una manera abstracta, contra canciones del tipo chico/chica, que anteriormente habían poblado su discografía se marcan este tema lleno de recovecos y gran poderío instrumental. The Word abre las puertas de la libertad hacia las drogas y la meditación, un perfecto himno de la década de los sesenta para el movimiento hippie, esta pieza nos anuncia que la palabra es Amor. Punto.

Michelle
La compone Paul McCartney a modo paródico mientras estaba en una fiesta en la que sólo ponían canciones francesas. Pero cómo este señor es un genio, hasta lo que hace a modo de chufla le sale mejor que al resto de los mortales, así que cuando se lo enseña a su media naranja en la creación este le anima a que continúe trabajando en ella de forma más seria y que le añada partes en francés. Y así, de una broma, nace una de las canciones más bellas de la banda británica, en la que se nos presenta el enamoramiento del cantante por una joven francesa aun cuando se nos hace ver que ninguno entiende la lengua del otro.



What Goes On
Ringo tiene su momento country en What goes on, compuesta muchos años antes la canción no vio la luz hasta 1965 con Ringo Starr en la voz principal. Ringo contribuyó con los versos y es su primera composición acreditada en The Beatles.

Girl
Una canción de amor con ecos griegos, La letra, según John, no trata de ninguna chica en especial, sino sobre una chica de ensueño, no es de las mejores del álbum, pero tiene ese toque melancólico que se te clava.

I'm Looking Through You
Paul McCartney está exultante en la pegajosa I’m looking through you y en la rabieta contra su novia Jane Asher, Cuando Paul escribió esta canción vivía en una pequeña habitación en la casa de la familia Asher en Londres. Sin embargo, Jane Asher, su novia, se había marchado a Bristol para continuar con su carrera como actriz. Durante esos días Paul tenía una actitud bastante egoísta hacia las mujeres, y pensó "te marchas... bien, ya buscaré a otra", un reclamo más de Paul a su novia Jane con la que todavía duraría dos años más antes de iniciar un corto periodo de gozo de soltería


In My Life
Lennon da un sentido recuerdo de su desamparada infancia y rabiosa adolescencia, John había decidido escribir una canción autobiográfica hacía casi un año. Empezó In My Life como un poema largo, en el que relataba un viaje en autobús desde Menlove Avenue, donde vivía, hasta el centro de Liverpool. Lamentablemente, con el asesinato de John en 1980, In My Life tomó un sentido diferente y se convirtió en un epitafio personal, así como el reconocimiento de un Beatle de la importancia de todos sus amigos y amantes a lo largo de su vida. Para mí una de las más emotivas de todo el disco.
 
Wait
Wait había sido grabada en las sesiones del álbum Help! y The Beatles únicamente agregaron armonías vocales y percusiones para actualizarla e incluirla en el disco. No lo lograron del todo; Wait se oye más como una canción popera que como una pieza digna del álbum del cambio

If I Needed Someone
Es una canción bastante simple, el toque personal de Harrison que será característico de temas posteriores puede ya oírse en esta canción, una canción de relleno que se deja ori muy bien.



Run For Your Life
Estamos ante una de las canciones que mas odiaba John Lennon de su discografía, acusada de misoginia se le puede oír decir que preferiría verte muerta antes que con otro hombre. Se inspiraron en la canción “Baby, Lets Play House” de Elvis Presley.



El disco de la semana 17: Prince - Hit and Run Phase II



"Hit and Run" (Golpea y corre) podría ser una expresión asociada al baseball, cuando el bateador golpea inmediatamente tiene que salir corriendo. No puedo asegurarlo, la verdad es que no soy aficionado al baseball, pero sí que lo soy (y mucho, aunque trate de contenerme en este blog para no aburriros) de su majestad el Príncipe Roger Nelson.

Descubrí a Prince en 1988 cuando, en plena fiebre por Michael Jackson, todo el mundo hablaba de él como el único capaz de discutirle el trono a "Jacko" en aquellos momentos. Como slogan comercial no estaba mal, y seguramente funcionó para ambos como la tan cacareada guerra del brit-pop entre Blur y Oasis, pero musicalmente nunca hubo color. El trono siempre fue de Prince.


En color era la televisión en la que vi por primera vez el video de una canción suya, "Alphabet St", en el que salía rodeado de letras parpadeantes de colores y posando delante de su Thunderbird del 66. A partir de ahí fue como si me subiera en aquel coche e iniciara una carrera contra el reloj para lograr conseguir el resto de sus discos hacia atrás, además de esperar con ilusión cada nuevo lanzamiento, mientras él se mantenía fiel al ritmo de un disco por año.

Hacia atrás no encontré un solo disco que no fuera genial, hacia adelante descubrí que hasta Prince puede ser humano y tener sus altibajos, pero después de un disco menos brillante siempre había una resurrección impresionante. Después de un "Come" hubo un "The Gold Experience", después de un "Rave un2 the Joy Fantastic" hubo un "The Vault Old Friends 4 Sale" y después de un flojo "Hit and Run Phase I" afortunadamente hubo un "Hit and Run Phase II" para dejar un final de carrera en todo lo alto, ya que a la postre sería su último disco publicado en vida.

HIT AND RUN PHASE II - EL DISCO

Como siempre, el disco fue producido, arreglado, compuesto  y en su mayoría interpretado por Prince, trabajando cuidadosamente el sonido y buscando una vuelta a las raíces de la música negra, el soul y el funk clásico. Quizá por eso lo grabó enteramente en analógico, con una banda enorme de apoyo que contemplaba una sección de vientos de 11 miembros en varios de los temas.

El disco arranca con "Baltimore", tema dedicado a la muerte de un afroamericano a manos de la policía en esa ciudad. Un buen tema en lo musical, con una letra algo sencilla para la temática reivindicativa de la canción. Con ella en su momento quiso dar un mensaje de paz para la ciudad norteamericana, sumida en violentas protestas. "Si no hay justicia no hay paz".


Mucho más inspirado es el siguiente corte, "Rock and Roll Love Affair" en el que el genio de Minneapolis vuelve a demostrar que puede entregar singles redondos casi sin despeinarse. Producción cuidada y comedida en la ejecución, con una melodía sencilla y algo exótica, sin grandes alardes, pero con el sello inconfundible del carismático y pequeño gran músico. Se echa en falta que se desmelene un poco más en lo musical pero es un buen tema.

Tras una "2Y2D" correcta, en la que empiezan a destacar las excelencias y colores de los metales de la banda, nos encontramos con una de las cimas musicales del disco, la excelsa "Look at Me, Look at U". Si como nostálgicos buscáis en los últimos discos de Prince vestigios de las grandes canciones del pasado, os facilitaré la búsqueda, ir al corte 4 y escuchad esta joya. Bella melodía en la que la flauta y trompeta cobran peso, mientras Prince bromea con que hasta Ray Charles o Stevie Wonder verían la belleza de su chica y la química que hay entre los dos.

La broma continúa con uno de los singles del disco, la redonda "Stare" y su poderío funky, en la que se permite un guiño a si mismo y a uno de sus grandes hits, cuando en la mitad del tema canta "¿Puedo darte un beso?" para instantáneamente mezclar el famoso rasgueo de guitarra de "Kiss" y que encaje sin fisuras en la atmósfera de la pieza.

La unidad de sonido que consigue entre los temas es tal, que si no conociéramos previamente algunas canciones, no sabríamos que algunos de los temas fueron rescatados de su "bóveda" y que son en realidad composiciones de otra época que fueron regrabadas porque encajaban con el concepto del disco. Es el caso, por ejemplo, de "Xtraloveable", escrita en torno a 1982 y de la que circula una versión primeriza en discos pirata de la época. Aquí ha sido regrabada y publicada por fin en un disco oficial, con la novedad de la inclusión de percusiones de aire latino con las que no contaba la primera versión.

Tras el único "pero" del disco ("Groovy potential" no llega a la altura del resto), el despliegue de soul continúa con "When she comes", la balada soul clásica en falsete que nunca falta en sus discos. Le sigue una sorprendente "Screwdriver", que rompe la línea del disco por su estructura de canción de riffs y guitarras rock. Un tema que habría encajado más en su proyecto de "3rdeyegirl" que en un disco de marcada música negra.

En el último tramo del disco, destaca por encima del resto "Black Muse", una maravilla funk de siete minutos que combina el buen gusto melódico con la generosidad de ritmos y arreglos de un tema intencionadamente largo y cuidado, con el bajo en primer plano como en cualquier himno funk que se precie.

Más pausada pero igual de cálida es "Revelation", segundo momento lento del disco, en el que de nuevo atenúa la luz y enciende las velas para crear, una vez más, magia con su falsete y sus brillantes ráfagas de trompeta.



Podría haberlo dejado ahí y habría bastado, pero una big band en la que cabe una familia numerosa en la sección de viento necesita un final a lo grande y en positivo. "Vamos a pasarlo bien en la gran ciudad" canta en el estribillo de "Big City" mientras toda la banda hace precisamente eso, pasarlo bien y darlo todo al compás de la música. Un ejercicio de diversión y maestría, un golpe final sobre la mesa, para después marcharse y dejar solo el silencio en el reproductor de CDs. Y esa es, en esencia, la travesura eterna de Prince. Te golpea y corre. Y en discos así no hay muchos que puedan alcanzarle.