El disco de la semana 16: Lynyrd Skynyrd, Pronounced Leh - Nérd 'Skin - 'Nérd

Lynyrd Skynyrd

     La banda elegida para la semana 16 fue una que tuvo que luchar mucho para salir adelante, y como el buen vino fue haciéndose así misma en un proceso que duró mucho tiempo hasta llegar a convertirse en una de las mejores bandas de todos los tiempos en su género.

     Corría el año 1964, y unos amigos, Ronnie (Vocalista), Gary (Guitarrista), Larry (Bajo) y Bob (Batería) decidieron formar un grupo, al que más tarde incorporaron a un segundo guitarrista, Allen. El nombre que el grupo se puso fue The Noble Five, nombre que fueron cambiando constantemente hasta adoptar The One Percent. Básicamente tocaban versiones de los Rollig Stones, los Beatles y los Yairbirds.

     Por una lado Ronnie al ver que no tenían muy buena aceptación en los conciertos decidió dejar los estudios para centrarse en el grupo, por otro lado Bob y Gary, que eran compañeros de colegio tenían problemas en su escuela con su profesor de gimnasia el cuál los suspendió por llevar el pelo largo, hecho que inspiró a estos chicos a cambiar el nombre del grupo por el del que se llegaría a convertir más tarde (quizás) en el profesor más famoso de la música, Leonard Skinner, aunque decidieron sustituir todas las vocales por la Y para evitar posibles represalias si éste se enteraba. Si amigos, estamos hablando de Lynyrd Skynyrd, un grupo que nunca lo tuvo fácil, y aún así fue capaz de sobreponerse a todos los males y como el ave Fénix, resurgir de sus cenizas para levantar el vuelo una y otra vez.

      Entre el año 1971 y 1972, el grupo, que quiere grabar su primer disco, con mucho esfuerzo logra grabar varios temas, unos temas que Ronnie y compañía tienen que guardar en el cajón ya que se quedan sin fondos y tienen que volver a casa, Jacksonville, arruinados. Estas grabaciones verían la luz justo después del accidente aéreo que costo la vida a varios de sus componentes en 1977, ya que la discográfica aprovecharía para editarlas en 1978 en un álbum llamado Skynyrd's First And.......... last.

     Y llegamos al año 1972, y ahí está Lynyrd Skynyrd, sin un centavo en el bolsillo y sin la aceptación de las compañías discográficas. El grupo decide mudarse al lado de casa, concretamente a Atlanta, donde los clubes daban más oportunidades a los grupos. Sin embargo el grupo había llamado la atención de un productor llamado Al Kooper (Reputado músico de sesión que grabó con gente de la talla de los Rolling Stones, Jimmy Hendrix, Alice Cooper, The Who ó Cream) el cuál había visto una actuación de ellos en un garito en Atlanta, uno de los peores que allí había, llamado Funochio's, y convencido del potencial de la banda decidió apostar por ellos.

     Al kooper, reputado músico de sesión, tenía un oído muy bueno y una gran visión de negocio, por lo que decide fundar el sello discorgáfico Sound Of The South con el apoyo MCA Recods. Lo que MCA pretendía así era competir en la zona con la discográfica Capricorn Records, que era la que partía el bacalao en la región.

Una vez concretado el fichaje de Lynyrd Skynyrd, Al Kooper se mete en el estudio con ellos para la grabación del que sería el primer trabajo de la formación que vería la luz, un trabajo en el que el mismísimo Al colaboraría además tocando instrumentos y haciendo coros. Pero no todo fue de color de rosas en esta nueva etapa, pues la visión de negocios que Al tenía chocó en más de una ocasión con la formación, que si algo habían aprendido en su largo periplo era que a la hora de entrar en un estudio las cosas había que hacerlas bien.

     Los músicos que componían en ese momento la banda eran Ronnie Van Zant (vocalista e indiscutible lider de la banda), Gary Rossington (guitarrista), Allen Collins (guitarrista), Ed King (bajo y guitarra),Billy Powell (teclado), Bob Burns (batería), y Leon Wilkenson (bajo) que si bien no participó en la grabación del disco, si era parte de la formación, habiendo trabajado con el grupo currandose los temas, pero por problemas personales justo antes de empezar a grabar dejó el grupo, incorporándose justo a la finalización del mismo, por lo tanto aparece en los créditos, pues Lynyrd eran como una familia. Junto a los componentes aparece en los créditos un desconocido Roosevelt Gook (bajo, melotrón y coros) quién en realidad era el productor Al Kooper.

     De esta asociación nace Pronounced Leh - Nérd 'Skin - 'Nérd, compuesto por ocho temas, una de las obras maestras del género Southern Rock, convirtiendo a este grupo junto con The Allman Brothers Band en los máximos referentes de este género musical.

Ocho señores temas donde la banda reflejó como nadie unas letras brillantes donde se reflejaban las inquietudes existenciales de Van Zant, con unas armonías mezcla de blues, rock, folck, soul y country que harán las delicias de vuestros oídos, de los que voy a destacar (aunque todos son magníficos):

     Gimme Three Steps, tema muy Stoniano, claro ejemplo de la influencia que ejercieron los Rolling Stones en Lynyrd Skynyrd, a los que mas tarde llegarían a telonearen en su mismísima casa, Jacksonville en 1975, llenando el estadio de la ciudad. Quién se lo iba a decir.

     Simple Man, compuesta por Van Zant y Rossington, es una balada maravillosa, donde una madre sienta en su regazo a su hijo pequeño y le dice lo que espera de él en la vida, que sea un hombre sencillo. Tema para sentarse, cerrar los ojos y disfrutar. Un tema no exento de polémica, pues la visión que tenía el productor Al Kooper de este tema no era el mismo que el de la banda, pues quería prescindir del mismo, pero a Van Zant y los suyos les encantaba. Si algo tenían los chicos de Lynyrd es que  eran obstinados y consiguieron su objetivo, grabarla. Un tema que es el tercer tema más descargado y vendido de la banda sólo por detrás de Sweet Home alabama y Free Bird, una auténtica joya.

     This Goin 'on, la banda viene a desmontar las falsas teorías de las supuestas tendencias racistas de la formación. Tema donde Van Zant realiza una airada crítica a los políticos de los que dice que son capaces de enviar a un hombre a la luna o librar una guerra antes que alimentar a todos los pobres a los que representan. Y es que Van Zant, aunque parezca mentira, tenía unos grandes conocimientos sobre política.  

     Free Bird, uno de los temas buque insignia de la banda, con un sólo de guitarra catalogado como el número tres de todos los tiempos por la revista Guitar World. Tema de más de nueve minutos, el cuál sufrió multitud de mutaciones hasta quedar conformado como lo conocemos en la versión que se estrenó en este disco, y que seguiría sufriendo más cambios, llegándose a alargar más en los directos de la banda. En 7dias7notas tenemos un post dedicado exclusivamente a Free Bird, el cuál recomendamos si queréis  saber más de uno de los mejores temas de rock de todos los tiempos: El largo camino de Free Bird.

    En definitiva, este disco, debut de la banda es una obra maestra del género Southern Rock del que podría seguir hablando largo y tendido, pero lo mejor es que si no lo conocéis todavía, deberíais sentaros tranquilamente en el porche, y mientras degustáis un buen Bourbon os dejeis llevar por las sensaciones y estados de ánimo que estos chicos os van a generar.

Canciones que no soporto: I feel good, James Brown

Venga me voy a animar yo también a ir poniendo canciones que, reconociendo su calidad y la de sus intérpretes, por la razón que sea mi cabeza las rechaza y me generan una inexplicable urticaria.

En el caso de "I feel good" (Me siento bien) del padrino del funk, el gran James Brown, debería encantarme, pero no la soporto.

La razón no es otra que la machacona obsesión por ponerla en las radiofórmulas, hasta que la convirtieron en un producto que cabría en el mismo cajón que el "I will survive" de Gloria Gaynor, otra gran canción reducida a que con varias copas salten descontrolados los invitados de una boda con la corbata en la cabeza.

Si después del "I will survive" suena el "I feel good" a nadie le parecería un cambio brusco de un desafortunado DJ, sino más bien un salto acertado en la línea festiva que bien podría culminar con el "Paquito Chocolatero" como apoteosis del evento.

Por otra parte, con la machacona estrategia de ponerla una y otra vez en cada ocasión en que quieren pinchar a James Brown, se pierde la oportunidad de recuperar tantas y tantas canciones míticas de un grande de la música negra, que parece que no tuviera más éxitos que el estrujado "I feel good".

No pasa nada, vivimos en un mundo en el que Prince en 40 años de carrera escribió solo "Purple Rain" (o con suerte alguien se acuerda de "Kiss"). Bruce Springsteen solo alcanzó la gloria con "Born in the USA", y un ejemplo todavía más sangrante, de Stevie Wonder solo hay noticias de "I just called to say I love you".

Yo solo llamaba para decir que hay más mundo más allá de estas canciones que nos metéis hasta en la sopa, así que no, "no me siento bien" (I don't feel good).

El disco de la semana 15: Aurora - All My Demons Greeting Me as a Friend

Hoy os traemos a 7dias7notas algo exotico, pero a la vez, comercial, pero a la vez no exento de calidad, pero a la vez totalmente audible. Y despues de este galimatias no me queda mas que pronunciar su nombre... AURORA AKSNESS. ¿no os suena verdad? a mi tampoco hasta que cacharreando en una pagina musical dí con ella y me asombró el tema que cantaba.

Aurora es una cantante que nació en Noruega en 1996, actualmente cuenta con 22 años y podría ser el típico caso de artista que puede encandilar a las adolescentes, pero la realidad dista mucho de eso, detrás de su imagen un poco romántica, un poco androgena se esconde toda una virtuosa de la música, con una voz alta y pura que puede sonar un poco infantil pero que inmediatamente notas que se sale fuera de lo común, nos va a sumergir en un viaje emocional, crudo, real y hermoso con momentos de gran poder y vulnerabilidad sin obstáculo. La pasión de Aurora por la música surgió cuando era niña, a través del descubrimiento de un piano que encontró en el ático de su casa. Ella se quedó fascinada con la música que podía crear. Su madre también tuvo un papel muy importante al comienzo de su carrera, diciendo que sus canciones podrían ayudar a muchas personas....  "Para mí, las historias son las cosas más importantes. Quiero que mis canciones tengan algún significado. Espero que hagan a la gente sentir algo, porque a menudo tenemos miedo de llorar. Todos siempre decimos que estamos bien, pero no siempre se está bien, quiero que mi música ayude a las personas a entrar en contacto con sus propias emociones."

El disco que vamos a comentar es All My Demons Greeting Me as a Friend

Runaway

Y nada mejor que empezar con un tema delicado, una canción sobre sobre una niña que pide irse a casa, el único lugar al que pertenece, o simplemente el único lugar donde le queda para ir.... la necesidad de escapar y la convicción de que siempre podrás volver a casa. Atentos a las armonías vocales que actúan como un instrumento:

“Y yo estaba corriendo lejos, podría algún día correr más allá del muro? Nadie lo sabe.
Estaba bailando bajo la lluvia, me sentía vivo y no me puedo quejar.
Pero ahora llévame a casa, llévame al hogar donde pertenezco.
No tengo otro lugar a donde ir.
Pero ahora llévame a casa, llévame al hogar donde pertenezco.
No puedo soportarlo más…
Pero seguí corriendo, para  caer en algún lugar blando. Pero seguí corriendo.”


Conqueror

Comienza con su proclama dejandolo claro, "Mañanas rotas, noches rotas y días entrecortados en el medio" y continúa con un coro que proclama su soledad: "He estado buscando el único / Pero no pareces venir en mi dirección ". Sin embargo, la música anula cualquier angustia mientras la voz de Aurora se multiplica por todas partes: armonías de grupos de chicas contestadas por oohs y oh-ohs y la-las y ya-yas, emplea tambores que rompen la tierra y que permiten que su voz flote a través de la pista como un grito de batalla en parte alegres y en parte amenazadora, algo que define el álbum. Es pop puro y duro al servicio del mensaje


Running with the Wolves

Según Aurora la canción habla sobre "Cuando ese instinto animal que llevas dentro toma vida. Corriendo con él, uniéndote a él, el instinto te toma dándote libertad y haciéndote olvidar tu lado humano y las cosas de las que los humanos nos preocupamos en la sociedad moderna. Creo que los humanos necesitan dejarse llevar un poco más, sacudir sus cuerpos más a menudo como lo hacen los animales"


Lucky

Otra canción que trata sobre lo difícil que es este mundo, las dudas que cada uno tenemos sobre lo que hacemos aqui y sobre lo que significa estar vivos, y los miedos, y las dudas, y las luchas... con claros aires a Peter Gabriel, corre el rumor que escribió la letra a la temprana edad de 9 años, en palabras de la artista "Empecé a tocar el piano a los seis y escribir música a las nueve. Mi familia no supo de esto hasta mis quince años. Nunca fue un sueño hacerme Aurora, sólo me gusta componer canciones. La música para mí es la mejor manera de sentir cualquier cosa. Tenemos demasiado miedo a sentir, sobre todo si 'es un sentimiento de tristeza"

No puedo recordar la última vez
Abrí los ojos para ver el mundo como hermoso
Y he construido una jaula para esconderme
Me estoy escondiendo, estoy tratando de luchar contra la noche

Winter Bird

Esta canción dibuja paralelos entre la naturaleza y el alma, lo que sugiere que nuestra visión del mundo que nos rodea está influenciada por nuestras emociones y nuestra historia. Una cancion dolorosa, empieza  muy delicada y la voz de Aurora realiza una exhibición, con un estribillo repleto de pirotecnia musical que se clava en la mente

Mis lagrimas se congelan siempre
puedo ver el aire que respiro
pero mis dedos están pintando una imagen
en el vidrio que esta detrás de mi

Me puse al lado de un río congelado
donde los huesos me pasaron
todo lo que necesito es recordar
como era sentirse vivo

Descanso contra mi almohada como 
el sol de invierno envejece 
solo me despierto cada mañana para
recordar que tu te has ido
así que me desplazo lejos de nuevo
para el invierno donde pertenezco

I Went Too Far

Con esta canción llega el piano, instrumento desde donde se ha desarrollado la carrera de Aurora Aknes, aunque tiene demasiados toques comerciales que llegan a estropear la canción, convirtiendola casi en una canción de discoteca, demasiado sencilla y simple para lo que nos tenia acostumbrados. Por otro lado la letra de la canción se sale de este tipo de obras ya que se refiere a nuestro deseo de aprobación y amor por otra persona, como poner a alguien en un pedestal, sin duda no es su mejor tema.


Through the Eyes of a Child

El susurro, la oración y la turbadora voz de Aurora convierte a este tema en uno de los que mas me gusta del disco, casi una nana que cantamos en la cuna a nuestro hijo advirtiendole de lo que el futuro y la sociedad le deparará. De nuevo el piano se hace dueño de la canción. Es según la artista una de "Por favor, no me abandones aquí". Personalmente, cada escucha me hace sentir algo diferente. Puede ser nostalgia, puede ser tristeza, puede ser arrepentimiento.
las canciones de las que mas cerca se siente y de la que esta mas orgullosa, la canción se convierte hacia el final en un lamento triste, lo dejaría dormir si durara lo suficiente para que no tuviera que pasar por ello, y finalmente sentencia ......


Warrior

Una canción muy al estilo de Lady Gaga, me sigue desentonando muchísimo este tipo de canciones y me quedo con su parte mas intimista, es quizás el tema que mas aceptación ha tenido, pero para mi es un relleno mas.


Murder Song (5,4,3,2,1)

Según la artista esta es la canción que define su música, es una canción indeterminada sobre un asesinato (de ella) haciendo presenta la paranoia persistente en Noruega después de los asesinatos en masa de Brevik hace cinco años y que tuvieron un profundo impacto en esa sociedad. La realidad condiciona el alma del artista que durante algunos momentos del tema su voz se desparrama desesperada por la canción, estamos ante la canción mas desgarradora del disco.

El sostiene el arma contra mi cabeza
Cierro mis ojos y bang estoy muerta
Se que él sabe que me esta matando por misericordia

Home

Este es nuestro hogar, terrible, injusto, pero dulce hogar. Como a lo largo de todo el disco, Aurora no para de hacer referencia al lado oscuro de la vida, pero al mismo tiempo nos presenta una luz al final del camino. Volvemos a la parte mas intimista de Aurora y a otra de sus exhibiciones vocales que nos ha dejado por el disco.

Envueltos en una crisálida de carne y hueso
Realmente no importa de dónde seas tú
Somos el hogar
Somos el hogar
Hogar



Under the Water

Una canción donde el protagonismo recae sobre la percusión, una mezcla entre lo comercial y lo intimista que no quedó todo lo redonda que esperaba, ni a la altura de otros temas del album, si bien los distintos tonos y recorridos que lleva la canción hace de ella una propuesta muy interesante, acompañada de una letra muy potente.









Black Water Lilies

La vida es un viaje, puede que duro en ocasiones, pero siempre se llega a lo más alto, después de la tormenta, de hundirse varias veces, siempre llega la calma, la brisa.
Esta es la canción que cierra la versión estándar del disco, y creo que es perfecta. Durante todo el disco se habla de la vida, la búsqueda de la felicidad, los distintos obstáculos que se presentan, y esta canción representa esa felicidad y calma. Como siempre, una melodía mágica.



Como despedida y fuera del disco mencionar que la cantante ha puesto su voz en diferentes propuestas como un anuncio navideño de los almacenes John Lewis y en la banda sonora de la serie Girls, de HBO, para la que interpreta una version de “Life On Mars” de David Bowie. Os animo a que al menos le deis una oportunidad, es el momento de descubrir nuevas sensaciones.

El disco de la semana 14: The Smashing Pumpkins, Mellon Collie...

Mellon Collie and the Infinite Sadness

Viajamos atrás en el tiempo hasta los años 90, en pleno apogeo del grunge liderado por ese maremoto que fue el Nevermind de Nirvana, todo el mundo quería subirse a la ola que en ese momento aún crecía desafiante antes de que terminara rompiéndose contra el acantilado en una espiral de espuma, dejando paso al nuevo despertar del punk que trajeron grupos como Green Day, Off Spring, Rancid o NOFX, por citar solo algunos.

¿He dicho alegremente que todos querían ser grunge? Los Smashing Pumpkins me llevaron la contraria y tras un primer disco brillante en esa línea (Siamese Dream), sorprendieron a todos con el lanzamiento de un álbum doble de 28 canciones, una obra descomunal tanto por su desmedida duración como por lo barroco y victoriano de su propuesta musical para un grupo alternativo de la época.

El propio Billy Corgan comentó que se sentían cansados de seguir la fórmula alternativa que siguió el primer disco, por lo que decidieron poner toda la carne en el asador en un ostentoso disco conceptual que querían fuera comparable al "The Wall" de Pink Floyd. Eso es mucho decir pero sí que lograron un disco irrepetible y un admirable ejercicio de introducción de arreglos e instrumentos no habituales como sintetizadores, pianos de cola, arpas y un largo etcétera de matices y colores, de emociones y sentimientos, mezclados con rabia y armonía a partes iguales y en constante cambio de una canción a otra.

No quiero aburriros con una disección completa de todas las canciones, pero si destacar las curiosidades más relevantes de algunos de los momentos clave del disco:

Mellon Collie and the Infinite Sadness
Declaración de intenciones en el arranque de un disco complejo e inabarcable, la primera canción y la que da título al disco es una pieza instrumental de piano con aires melancólicos (Mellon Collie...)

Tonight, tonight
Tremendo himno de rock con un impresionante despliegue en forma de orquesta de 30 instrumentos de cuerda, que van tomando protagonismo hasta el épico final de una canción soberbia.

Bullet with butterfly wings
Primer single del disco, probablemente la canción más rotunda y famosa, imposible no rendirse a ella desde la frase de Corgan del comienzo, "el mundo es un vampiro" ante el que solo cabe la reacción de la rabia de quien se siente "como una rata encerrada en una caja". No se puede expresar mejor el desencanto adolescente de la época.

Cupid de Locke
Para adornar este tema recurrieron a instrumentos poco convencionales, el arpa destaca sobre el conjunto pero la mezcla incluye también el uso de saleros y tijeras como arreglos en algunos tramos, el resultado es simplemente brillante para un tema pausado y evocador.

1979
Segundo single del disco y bandera de la segunda mitad del álbum, una melodía tenue y a la vez hipnótica, con toques electrónicos y en definitiva grandes dosis de magia. Es curioso que estuviera a punto de quedarse fuera del disco en sus inicios, hasta que lograron darle el toque que necesitaban y la incluyeron en el último momento.

En conclusión, una obra grande de un grupo que no tuvo miedo al cambio, para la que se crearon 50 canciones que finalmente desembocarían en las 28 de la versión final, y en las que para cada una de ellas no hubo reparos en probarlo absolutamente todo. Como consecuencia las canciones se van sucediendo y te van zarandeando de un extremo al otro, de la alegría a la melancolía, del odio y la rabia al desencanto y la depresión. 

Así es la vida en definitiva, una sucesión de vaivenes y emociones, o al menos así me imagino que sería viajar en esa ola imaginaria subidos en el barco barroco del Capitán Corgan y sus secuaces, rumbo a despeñarse contra el desfiladero en el que en discos posteriores naufragaron, pero dándolo todo para intentar salvarse en la fiera lucha contra la tempestad dominante.

El disco de la semana 13: Nightwish, Over the hills and far away

Over the Hills and Far Away

     Tuomas holopainen nace en Finlandia en 1976, a los 7 años empieza a tocar el piano, después el clarinete y el saxofón. Todo esto le lleva a estudiar Teoría de la música. Curiosamente su instrumento fuerte es el teclado, sí, estamos hablando del líder, compositor y alma mater del grupo finlandés de Power Metal, Metal sinfónico, Folk Metal, etc, Nightwish.

     La formación del grupo surge allá por el año 1996 cuando Tuomas decide formar la banda junto a unos amigos. En la actualidad esa banda surgida de la loca idea de unos amigos se ha convertido en una de las bandas más importantes e influyentes de Power Metal que hay en el mundo. En las composiciones del grupo se puede apreciar sus influencias en la música de los compositores del cine, la literatura y el folklore nórdico.

     En el año 2000 consiguen el ansiado reconocimiento internacional gracias a su álbum Wishmaster y a la posterior gira que dan por Europa y America del Sur promocionando dicho Lp. Pero nos vamos a centrar en el año siguiente, 2001, año en el que editan un Ep, pues sólo contiene dos temas nuevos de la banda, alguna versión y varios temas anteriores tocados en directo. Me decidí a escoger este disco para la semana 13 porque me parecía un buen trabajo que aunaba tanto trabajos de estudio cómo en directo que nos ayudarían mejor a ir adentrándonos en el mundo Nightwish. La edición elegida es la realizada por Drakkar records, la cuál contiene los últimos seis temas tocados en directo en la localidad finlandesa de Tempere el 29 de diciembre del año 2000.

     El grupo en ese momento lo componen Tuomas Holopainen (Teclado y Vocalista), Tarja Turunen (Vocalista), Sami Vänskä (Bajo), Jukka Nevalainen (Batería) y Emppu Vuorinen (Guitarra).

     El Ep comienza con una versión del famoso tema de Gary Moore, Over the Hills and Far Away, compuesto por él  y editado en el disco Wild Frontier en 1987, canción basada en un tema tradicional irlandés del siglo XVII, que mezcla el Rock con la música Celta con un resultado más que brillante, donde relata los infortunios de un hombre acusado de una delito que no comete, y tiene que ir a prisión pues su única coartada es su amante, la mujer de su mejor amigo que pasó la noche de los hechos con él, y que lógicamente se ve avocada a guardar silencio. Pués si la versión original de Gary Moore es brillante, he de decir que el cover que se marcan nuestros amigos finlandeses es de las mejores versiones que he escuchado. El trabajo de la vocalista Tarja es magnífico, está dotada de una voz espectacular. Muy destacable el trabajo de la batería en este cover, muy bueno.

     10th Man Down, este es uno de los dos temas nuevos  que contiene este EP, el décimo hombre caído, ambientada en la guerra, relata cómo un hombre recuerda las vidas que tuvo que quitar para conservar la suya propia mientras espera su momento.

     Away es el otro tema nuevo que el grupo incluyó, tema lento pero a la vez poderoso con un comienzo de la vocalista que empieza casi susurrando para ir creciendo junto con el grupo para acabar el tema con mucho poderío.

Los días eran más brillantes

Los jardines florecientes

Las noches tenían más esperanza..........

     Astral Romance es un remake del tema original, que vió la luz en el año 1997, en el primer disco del grupo Angels Fall First, que aunque no tuvo apenas repercusión fuera de su país, en Finlandia si tuvo cierto éxito. La voz masculina que comparte protagonismo con la de Tarja Turunen es la de Tuoma Holopainen. Disfrutar de la letra porque es una delicia......

Un concierto nocturno

La luz de la vela me susurra dónde ir........ 

     Y llegamos a la parte del EP dónde aparecen seis de sus temas anteriores, pero interpretados y grabados en riguroso directo. Si en estudio son muy buenos, en directo son igual de buenos o más.
Abre la segunda parte de este EP The Kinslayer, editado en su anterior disco Wishmaster, interpretada a dúo por Tarja e Ike Vil (Miembro del grupo Babylon Whores), habla de la masacre que se produjo en el instituto Columbine, en Colorado (Estados Unidos), cuando dos estudiantes de último curso asesinaron en 1999 a 12 estudiantes y un profesor.

   She Is MY Sin, este tema siempre me ha parecido una joya, y en directo suena impecable. lucimiento absoluto de Tarja Turunen apoyada en la banda con un trabajo increríble también de la batería.

     Sacrament of Wilderness, fué el primer sencillo del grupo de su segundo disco, Oceanborn, y con el que consiguieron el puesto numero uno en las listas de ventas finlandesas. Destacable el videoclip del tema que muestra un concierto en directo en la ciudad natal del grupo, Kitee.

     Walking in the Air, este es un cover del tema original compuesto en 1982 por Howard Blake (Prolífico compositor de música ligera, música clásica y composiciones para el cine) que vió la luz por primera vez en la película animada The Snowman (Nominada al Oscar al mejor corto de dibujos en 1983).

     Y llegamos a Wishmaster, una de las obras maestras del grupo, del disco anterior, es el tema que da nombre a dicho disco. Sólo diré que está inspirada en los libros de Tolkien y en la novelas de Dragonloance (Una serie de novelas y libros de fantasía épica). Pasen y disfruten de esta obra de arte......en directo.

    !Maestro!

!Aprendíz!

Herartborne, el séptimo buscador

!Guerrero!

!Discípulo!

      Cierra éste interesante Ep Deep Silent Complete, editada también en el disco Wishmaster, es un tema de corte lírico dedicado a los oceanos. Tarja Turunen despliega todo su potencial lírico para cerrar este magnífico Ep y dejarnos con ganas de más.


     En definitiva, Nightwish es sinónimo de Power-Metal, de clase, de gusto, de fuerza. Un excelente grupo con un sonido brutal y un directo magnífico.

   

El disco de la semana 12: Arcade Fire - "Neon Bible"

Arcade fire es un grupo indie de Canada, compuesto por el matrimonio Win Butler y Régine Chassagne, que saltó a la fama en 2004 con su primer álbum, Funeral, un autentico pelotazo debido al extraña música y fue altamente aclamado por la critica. El disco que vamos a reseñar es el segundo, Neon Bible, siempre avidos de nuevas fronteras se alejan de ese primer sonido de Funeral. Como curiosidad os diremos que para grabar Neon Bible, Arcade Fire se compraron una iglesia, abandonada. En el sonido no dejan de experimentar y se han utilizado entre otros instrumentos: órgano, zanfonía, trompa militar y toda una orquesta húngara.



Black Mirror

Primera canción del album, que tambien fue el primer single de este Neon Bible. Acompasado mediante fuertes sonidos de percusión que marca el ritmo de la canción, estos se amplifican durante su estribillo, mientras Win Butler va cambiando la intensidad de la voz y su esposa, Régine Chassagne realiza unos magníficos coros. Especial atención a ese final de canción con un gran crescento y que posteriormente la deja caer por un acantilado. Una buena puesta en marcha para este segundo disco de Arcade Fire.

Keep the car Running

Con un comienzo mas Popero, alejándose de la oscuridad del primer tema, nos encontramos ante el segundo single del Album y como podréis comprobar el cambio es absoluto, una muestra mas de la versatilidad que el grupo hace gala. Aquí se nos presentan copiando descaradamente el estilo

Springsteen de los años 80. La canción versa en que nunca se debe tirar la toalla y como dicta el titulo, tenemos que mantener el coche siempre encendido. Buen tema.

Neon Bible

Canción que da titulo al álbum y que se desarrolla durante 2 minutos como una letanía, evoca a algún tipo de culto religioso jugando con el titulo "Biblia de Neon", de nuevo vemos como con cada tema Arcade Fire nos propone algo distinto.

Intervention

Este es para mi el tema estrella del disco. Canción compuesta antes del creación del disco neon bible, es casi un himno, Win y Regine se turnan para ir recitando el mensaje de la canción, combinando sus voces de forma inmejorable, la dureza de él y el casi susurro de ella. Un órgano apocalíptico que domina toda la canción, una letra vomitada con un final que te lleva al paraíso Una verdadera joya.


Ahora no podemos encontrarte
Pero ellos van a recuperar su dinero de algún modo
Cuando finalmente desaparezcas
Diremos que nunca estuviste aquí

Has estado trabajando para la Iglesia
Mientras tu vida se desmorona
Cantando aleluyas con temor en tu corazón
Cada chispa de amistad y amor
Morirá sin un hogar

Oye el gemido del soldado "Iremos allí solos"
Oye el gemido del soldado "Iremos allí solos"


Black Wave / Bad Vibrationes

En esta ocasión toma el control de la canción Regine con su particular tono y cargada de melancolía  en esta primera parte encontramos un ejercicio armónico muy conseguido, para posteriormente en la segunda parte Win deshaga todo esa melodía a golpe de percusión y con su voz. Una curiosidad.

Ocean of Noise

Nos inunda la tristeza con esta canción, perfectamente recitada con una música envolvente que te hace disfrutar con los ojos cerrados, mística, dolor, es imponen con un climax al final de la misma totalmente devastador y con una letra brillante, otra gran demostración de lo que es capaz de hacer el dúo Canadiense, disfrútenla....


Me fuí por la mañana,
mientras dormías profundamente,
hacia un océano de violencia.
Un mundo de calles vacías.

Tenía mis motivos.
Tú tenías los tuyos.
Pero los mías, no eran más
que mentiras para comprar
algo de tiempo.


The Well and the lighthouse

Estamos quizás ante el tema mas luminoso del disco, han dejado la transcendencia para meternos en la canción mas comercial del disco, es por ello que seguramente sera la canción mas digerible del disco, sobre todo con esa parte final que brilla con una percusión que toma protagonismo. Un gran tema aunque quizás no tenga el sello autentico de Arcade Fire


Antichrist Television Blues

Aquí tenemos una canción bastante convencional, si bien el tema esta cargado de una critica hacia la religión brutal, la voz de Win Butler se mueve constantemente por distintos estados y la aceleración que lleva es magnifica. Asombroso final abrupto...

Querido Dios, me enviarías un niño?
Oh Dios, me enviarías un niño?
Porque quiero ponerlo en la pantalla de la TV.
Así el mundo podrá saber lo que tu Palabra significa verdaderamente.
Señor, no me enviaras una señal?, 
porque tengo que saber si estoy malgastando mi tiempo.




Windowstill

Canción pausada después del ritmo que teníamos en los temas anteriores, con un tono que recuerda a su antiguo disco, funeral. No es de las mejores canciones del disco aun así dejan su sello.

No cars go

Una canción valiente que apenas esta acompañada de música y que su parte casi a capella acompañada de un teclado, la hace especial, luego como en tantas ocasiones la canción rompe en altura. Una autentica rareza anticomercial, una apuesta que no salio todo lo bien que ellos esperaban y que tiene por partes iguales a detractores y entusiastas, a mi personalmente de deja un poco frío.

El disco de la semana 11: Jack White - Blunderbuss

Nunca he sido un gran fan de los "White Stripes", lo poco que había oido no estaba mal, al margen de ese himno generacional en el que se convirtió "Seven Nation Army", pero digamos que Jack White no había terminado de romper la muralla defensiva y tirar la puerta abajo para formar parte de mis preferencias musicales.

La muralla a la que me refiero no es todo lo sólida que yo quisiera, de hecho tiene algunas fisuras o puntos débiles por los que se cuelan discos que normalmente no habría escuchado. Una de esas fisuras es que me atrae mucho un disco que tenga una buena portada, y por alguna razón la portada del debut de Jack White me pareció enigmática y llena de significados.

Jack White aparece solo (primer disco en solitario) y delante de lo que parece una central eléctrica (¿guiño a un sonido más eléctrico que el de los Stripes?). Ni rastro de los rojos, blancos y negros que marcaban los discos de su grupo de referencia, solo una foto en blanco y negro degradada hacia tonos azulados.

Por ese hueco en mi muro se coló Jack White, despertó mi curiosidad y atracó mis defensas a punta de trabuco (traducción de "Blunderbuss") hasta derribarlas completamente y hacer que me rindiera a este genio de la música, que bebe de las aguas del rock de los Zeppelin, el country, el blues, el rock y la psicodelia entre otros muchos registros.

El disco comienza con “Missing Pieces”, medio tiempo blues rock a lo Zeppelin, marcado por el ritmo del piano eléctrico y el órgano. Una paranoia o un sueño en el que se despierta y está sangrando por la nariz en la ducha, no puede ver sus manos y sus piernas, porque una mujer se las ha robado junto al corazón que es un órgano en el que son mucho más habituales estas sustracciones entre las parejas que rompen.

“Sixteen Satines” sube el volumen hacia el hard rock de riffs potentes, más cercano a ACDC que a Zeppelin, el tema gira de nuevo en torno a las relaciones de pareja, los celos. Gana en intensidad pero no es tan brillante como el tema de arranque.

“Freedom At 21” es para mí una de las joyas del disco, todas las piezas encajan en este tema en el que nuevo se rinde a los Zeppelin como principal influencia. Percusión pegadiza, riff abrasivo. Vuelta al blues rock a lo grande.

“Love Interruption” es una canción más minimalista a dúo con la cantante Ruby Amanfu. Explora en esta ocasión el terreno de la balada pseudo country o folk de raíces sureñas, aderezada con clarinete y piano eléctrico pero marcada sobre todo por el tono acústico de la guitarra de Jack. Muy popular en sus conciertos, se aleja de mis gustos musicales al acercarse peligrosamente a lo que eran los White Stripes.

“Blunderbuss” es el trabuco que da nombre al disco, moviéndose de nuevo entre los límites del folk y el country. El aderezo aquí se basa en el piano y los violines, para darle sabor a un buen tema.

“Hypocritical Kiss” tiene el tono agrio e irritado del que no soporta los besos hipócritas. Más melódica que las anteriores, de nuevo con un piano clásico y meritorios arreglos que la sitúan entre las mejores piezas del disco.

“Weep Themselves To Sleep” marca el regreso al rock, o incluso a lo que podría considerarse "opera rock" tras un tramo más folk. Vuelven las guitarras rasgadas y se mantiene el piano que da cuerpo y constancia a muchas piezas del album.

"I’m Shakin" es una versión de un viejo tema de Rudolf Toombs que tuvo repercusión en los años 60 de la mano de Little Willie John, un tema de rock and roll que se queda en rareza dentro del disco.

La parte de más influencia de los Rolling Stones comienza con “Trash Tongue Talker”, buen tema rock con solera que recuerda a la guitarra de Richards o de Wood (tanto en los Stones como en los Faces)

“Hip (Eponymous) Poor Boy” podría recibir los mismos calificativos que la anterior, de nuevo  se notan las influencias de los Rolling, con un piano digno del mismisimo Stone en la sombra (Ian Stewart, pianista de sus satánicas majestades) que se mezcla con detalles folk y country.

“I Guess I Should Go To Sleep” es un blues interesante, un alto en el camino entre los temas stonianos y el cierre final del disco.

“On And On And On”, vamos llegando al final y llegamos a otro de los temas lentos del disco, en esta ocasión cerramos el círculo de las influencias reseñadas más arriba, le toca el turno a la psicodelia que esconden las elaboradas atmósferas oscuras de esta canción.

El disco cierra con “Take Me With You When You Go”, llévame contigo cuando te vayas.
Te digo una cosa Jack, si me lo dices con un tema tan brillante como este y a punta de trabuco, da por hecho que incluiré este disco en mi petate en cada viaje. Grandes teclados psicodélicos, toques blues rock, ecos a Hendrix, y el olor a pólvora de un trabuco todavía humeante que deja entrever que el atraco se ha consumado y no hay vuelta atrás. Ya soy un fan.

El disco de la semana 10: Bad Company, Bad Company

Bad Company

     El disco elegido para la semana 10 fue "Bad Company", disco debut del grupo también llamado "Bad Company"

     En 1973, Paul Rodgers (vocalista y pianista) y Simon Kirke (batería) que acababan de dejar el grupo Free se juntan con Mick Ralphs (guitarra) ex miembro de Mott the Hople y con Boz Burrel (bajo) ex miembro de King Crimson y fundan el grupo llamado "Bad Company", llamado así por la obsesión de Paul Rodgers por la película del genero western también llamada así.

     En 1974 debutan con el disco titulado como la formación "Bad Company", que es el disco en el que nos vamos a centrar. Publicado por la compañía propiedad de Led Zeppelin "Swan Song" , nos encontramos con un disco rockero con marcadas influencias bluseras

     Abre el disco "Can't Get Enough", donde entremezclan un refinado hard rock con ese toque blusero imprimido por la genial voz de Paul Rodgers, con unos riffs de guitarras que imprimen mucha fuerza al tema.Tema que tiene la justa medida entre calidad y comercialidad.

Le sigue "Rock Steady",  otro tema basado en un riff de guitarra que sin ser tan poderoso como en el tema anterior te va enganchando a medida que va avanzando el tema. Paul Rodgers vuelve a darle ese toque blusero al tema con esos giros vocales al alcance de muy pocos.

Le llega el turno a "Ready for Love", uno de los temas lentos a medio tiempo del disco. Tema donde el piano corre a cargo de Mick y no Paul. Otra vez vuelven a estar presentes las raíces bluseras de las que tanto habían mamado estos chicos además del Rock.

Cierra la cara A del disco "Don't Let Me Down", con un toque muy soul, donde Rodgers acompañado del piano y de unos coros femeninos espectaculares firma una de las joyas de este disco.

     Abre la cara B " Bad Company", para mí otra de las joyas del disco. Empieza el tema con Paul al piano, para acabar con toda la banda desplegando todo su potencial diciendo " Aquí estamos nosotros y no nos puedes parar". Poderoso tema rockero donde Paul Rodgers demuestra el por qué es una de las mejores voces del panorama rockero que tantos grupos se han rifado.

Turno para"The Way I Choose", un delicioso blues, donde colabora al saxo Mel Collins, otro ex componente de "King Crimson".
Cada vez que escucho este tema siempre me digo lo mismo: Yo de mayor quiero cantar como este tío.  Que bueno es Paul.

Despuésde este pedazo de blues llega "Movin On", un movido tema rockero donde cabe destacar la guitarra de Ralphs que aquí se sale con sus riffs

    Y cierra el disco "Seagull", una balada acústica donde toda la atención la acapara Rodgers para su lucimiento vocal.

     "Bad Company", es un disco hecho por cuatro grandes músicos que se juntaron para crear una de las superbandas de los 70's, donde entremezclan hard rock con toques bluseros con un gusto exquisito, con la comercialidad justa para que no decaiga la calidad del producto, y todo aderezado por una de las mejores voces del Rock, Paul Rodgers. Espero que lo disfrutéis cómo yo lo hago cada vez que lo escucho.