Disco de la semana 341: Metallica - Metallica

 

Metallica, Metallica

     En San Francisco, Estados Unidos, establecerá su base y crecerá y forjará su leyenda una banda que lleva hasta la fecha alrededor de unos 120 millones de copias de sus discos, habiéndose ganado a pulso la consideración de una de las grandes bandas del trash metal, sino la mejor. Metallica nos ha deleitado con su gran calidad no sólo con sonidos trash metal, también con otras vertientes del género, como el heavy metal, speed metal o el hard rock.

Para esta semana vamos a recomendar su álbum Metallica (1991), disco que apostó por un cambio de sonido más contundente, perdiendo parte de esas raíces que provenían del trash metal. Con un cuidado extremo en la producción, el disco contó con varas innovaciones técnicas para aportar un sonido que se acercara lo máximo posible al directo. En un principio este disco recibió malas críticas de un sector que no entendió el cambio de estilo de la banda, más cercano al hard rock, pero con el tiempo se ha convertido en un disco que suele figurar en los puestos más altos en todas las listas que circulan por ahí de los mejores trabajos del grupo. Temas como Enter Sandman, Nothing Else Matters o The Unforgiven han pasado a ser parte imprescindible en la historia de la banda e hicieron que una nueva legión de adeptos se fijaran en la banda y pasaran a seguirla de forma incondicional.

Metallica, también conocido omo The Black album, es el quinto disco de estudio de la banda de San francisco. Grabado ente octubre de 1990 y junio de 1991 en los One on One Studios de Los Angeles, fue producido por  los miembros del grupo James Hetfield y Lars Ulrich, y por Bob Rock, y publicado el 12 de agosto de 1991 por el sello discográfico Elektra Records. Las sesiones de grabación no fueron especialmente fáciles, pues el grupo durante los ocho meses que duraron las sesiones, se encontraron frecuentemente con el desacuerdo el productor Bob Rock. El resultado fue un álbum que marcó un cambio en el sonido de la banda, la cual en sus cuatro discos anteriores había apostado por un estilo hacia el trash metal, por un sonido más lento, pesado y refinado. 

De este disco se lanzaron cinco sencillos para promocionarlo: Enter Sandman, The Unforgiven, Nothing Else Matters, Wherever I May Roam y Sad But True. La canción Don't Tread on Me, a pesar de haberse emitido en las cadenas de radio no fue lanzada como sencillo. A pesar de recibir en un principio algunos detractores por el cambio de sonido, en general recibio buenas críticas, convirtiéndose en el álbum más vendido de la banda hasta la fecha. Fue el rpimer disco del grupo en encabezar las listas de éxitos de Estados Unidos, situándose durante cuatro semanas consecutivas en el primer puesto de la lista Billboard Hot 200. Con más de 30 millones de copias vendidas. A día de hoy es uno de los disco más vendidos en todo el mundo.

Las canciones de la banda fueron escritas principalmente por James Hetfield y Lars Ulrich, con Hetfield como letrista. El dúo solía componer juntos en casa de Ulrich en Berkeley, California. A pesar de llevar el gran peso de la composición, otros miembros de la banda contribuyeron ideas y conceptos en algunos temas. El grupo tuvo muchos debates sobre el título del álbum, en un principio ibn a llamarlo Five o usar el título de una de las canciones, pero finalmente eligieron Metallica porque era el nombre del grupo y porque querían algo simple. La portada del disco muestra el logo del grupo en ángulo en una esquina y una serpiente enroscada en la esquina contraria.

Entramos en materia y el disco abre con uno de sus grandes éxitos de siempre, Enter Sandman, escrita por Hetfield y Ulrich. La canción trata sobre pesadillas y cosas que acechan en la noche. Es, con diferencia, la canción más reproducida del grupo en la radio. La letra originalmente trataba sobre el síndrome de la muerte súbita del lactante, cuando un bebé muere inexplicablemente en su cuna. El productor Bob Rock consiguió convencer a Hetfield para que o cambiara e hiciera la letra algo más accesible. El grupo tenía la política de no comentar las contribuciones individuales de los demás, pero el productor no era miembro y se sentía libre de hablar y opinar. Sad But True es una canción que trata sobre la relgión y hasta donde es capaz de llegar la gente para practicar su fe. Hetfield tuvo la idea de la letra al ver la película Magic de Anthony Hopkins de 1978, donde un ventrilocuo es controlado por su títere malvado. El productor Bob Rock llegó a pensar que Holier Tahan Thou trataba sobre él, de hecho aborda la irritación de Hetfield con aquellos que trabajan en la industria musical y se apresuran a señalar con el dedo los errores de los demás. El mismo Hetfield admitiría más tarde en una entrevista en 2001 que esta fue "una de las canciones más tontas que había escrito". The Unforgiven es otro de los grandes temasde siempre de la banda. Acreditada a Hetifel, Ulrich y Kirk Hammett. La banda se sumergió en un nuevo estilo con esta canción, querían probar un tema con un verso pesado y un estribillo suave, algo que rara vez se escucha en el hard rock o el metal. La introducción se basó en una partitura de una película occidental y se invirtió para que no se pudiera identificar. El grupo, obviamente nunca reveló la película para evitar problemas legales, aunque se especula que fue La muerte tenía un precio (1965) interpretada por Clint Eastwood. Kirk Hammett había compuesto dos riffs de guitarra basados en el sonido del gran guitarrista Gary Moore, los cuales acabó utilizándo en esta canción. Wherever I May Roam, lanzado como sencillo, nos habla sobre la vida en la carretera, y todo lo que conlleva, el cansancio y el agotamiento. El instrumento que suena al principio en un sitar eléctrico tocado por kirk Hammett, y el extraño sonido, como un crujido, que se escucha a lo largo del tema proviene de un bajo de 12 cuerdas tocado por el bajista Jason Newsted. Cierra la cara A Don't Tread On Me (No me pises) proviene de un lema muy popular en la América colonial. Dicha frase se combinó con la imagen de una serpiente de cascabel de madera estadounidense y se imprimió en una famosa bandera conocida como "Gadsden Flag" (Bandera de Gadsden). El uso de esta bandera y sus variaciones por parte de de soldados, marineros e infantes de marina creció rápidamente y se generalizó durante la Revolución estadounidense. El riff de guitarra de apertura del tema fue tomado de la canción America del musical de 1957 West Side Story.

Trough The Never se encarga de abrir la cara B. Sobre esta canción el productor Bob Rock llegaría a admitir que le costó bastante tiempo darse cuenta de lo bueno que era este tema. Otro ejemplo de los contínuos encontronazos que surgieron entre el productor y la banda durante las sesiones de grabación del disco. Nothing Else Matters se ha convertido por derecho propio en otro de los grande temas de siempre del grupo. Compuesta entre Hetfield y Ulrich, Hetfield afirmó que escribió la letra de esta canción sobre una novia que tuvo una vez. La orquestación de la canción contó con los arreglos hechos por Michael Kamen, quien también dirigió la Orquesta Sinfónica de San Francisco que tocaría en vivo junto al grupo en su álbum en vivo S&M (1999). También contó como fuente de inspiración de la canción las constantes giras y las innumerables horas de autobús y hotel que el grupo pasaba. Es uno de los únicos temas donde el solo de guitarra es tocado por Hetfield en lugar de Kirk Hammett. A Hetfield al principio le preocupaba escribir una canción de amor, pues luego tendría que tocarla para el resto del grupo. Sobre esto afirmaba: "Al principio ni siquiera quería tocarla para los muchachos. Pensé que Metallica solo podíamos ser nosotros cuatro. Estas son canciones sobre destruir cosas, golpear la cabeza, sangrar para la multitud, lo que sea, siempre y cuando no se tratara de chicas y coches rápidos, aunque eso es lo que nos gustaba. La canción era sobre una novia en ese momento. Resultó ser una canción bastante importante". Le sigue Of Wolf and Man es una canción sobre la que el productor Bob Rock en un principio tenía dudas por la letra que Hetfield había escrito, le parecía una  tontería escribir sobre un lobo. Más adelante se fue dando cuenta de que la canción no era en absoluta tonta, pues tenía más trasfondo del que en principio parecía. The God That Failed nos habla sobre la fe. Durante la adolescencia de James su madre enferma de cáncer, y resulta que la doctrina religiosa a la que pertenece su familia prohibía el uso de medicinas para la curación. Su madre, fiel a los dictámenes de su doctrina, rehúsa tomar medicina alguna confiando únicamente en la fe como remedio para su enfermedad. La madre de James fallece debido a su enfermedad cuando éste tiene 16 años. Este hecho influirá en en el músico, produciéndose en su interior un conflicto entre la perdida de fe y las enseñanzas y doctrinas practicadas por su familia, las cuales le habían enseñado desde pequeño. El conflicto entre la doctrina religiosa y si la gente se apoya demasiado en ésta buscando la solución a sus problemas ha quedado reflejado por James en otras composiciones con Metallica, tales como Dyers Eye (...And Justice For All, 1988), The God That Failed (The black Álbum, 1991), Mama Said y Until It Sleeps (Load,1996). My Friend of Misery es una canción que tiene que ver con el estado de ánimo. El origen de la canción se encuentra en un riff que el bajista Jason Newsted había compuesto. A partir de ahí el productor y la banda se dedicó a desarrollar ese gran riff. The Struggle Within se encarga de cerrar este magnífico álbum. La canción surge en un momento en que Hetfield admitía haberse quedado sin energía, en un momento en el que sentía ira por este hecho, y la lucha interna que tenía, pues estaba lidiando con ello. Pues no se le dio nada mal tanto a él como al resto de la banda ni esta canción ni las otras 11 que componen este brillante "Álbum negro".

Guns N' Roses - Chinese Democracy (Mes Guns N' Roses)

Chinese Democracy, el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense Guns N' Roses, es una obra que ha sido ampliamente debatida y criticada desde su lanzamiento en 2008. Con un proceso de gestación que duró más de una década y un cambio radical en la alineación de la banda, este disco ha generado opiniones encontradas entre los fanáticos y críticos de la música. En esta reseña, exploraremos las canciones que componen Chinese Democracy y analizaremos los aspectos positivos y negativos que definen este trabajo icónico.

1. "Chinese Democracy":

El tema principal y título del álbum se abre con una introducción orquestal épica que establece un tono grandioso y ambicioso. Axl Rose demuestra su habilidad vocal en esta canción, que aborda temas de opresión y represión. La complejidad musical y las capas instrumentales hacen de esta una canción destacada en el disco.

2. "Shackler's Revenge":

Con una fuerte influencia industrial y electrónica, esta canción es energética y poderosa. Los riffs de guitarra y los elementos electrónicos se combinan para crear una atmósfera intensa. Sin embargo, algunos críticos consideran que la producción excesiva puede opacar la esencia de Guns N' Roses.

3. "Better":

Uno de los puntos más destacados de Chinese Democracy, "Better" muestra a la banda en su mejor momento. La guitarra de Robin Finck y el solo de Buckethead son brillantes, mientras que la letra refleja la búsqueda de redención y superación personal. Es un claro ejemplo de la capacidad compositiva de Axl Rose.

4. "Street of Dreams":

Una balada conmovedora, "Street of Dreams" destaca por la emotividad de la voz de Axl Rose. La instrumentación melódica y las letras introspectivas crean una atmósfera melancólica. Sin embargo, algunos críticos consideran que la canción se extiende demasiado, perdiendo parte de su impacto.

5. "If the World":

Esta canción presenta una mezcla de estilos, desde el rock hasta el rap, con un enfoque en la lírica. Aunque tiene un ritmo pegajoso y una producción sólida, algunos oyentes pueden encontrar que no encaja completamente con el estilo característico de Guns N' Roses.

6. "There Was a Time":

Una épica canción que supera los nueve minutos de duración, "There Was a Time" es una muestra de la habilidad compositiva de Axl Rose. Con cambios de tempo, secciones instrumentales complejas y letras profundas, esta canción se convierte en una experiencia auditiva inmersiva. Sin embargo, su extensa duración puede ser desafiante para algunos oyentes.

7. "Catcher in the Rye":

Inspirada en la novela homónima de J.D. Salinger, esta canción es una balada con una instrumentación rica y emotiva. Axl Rose muestra su capacidad para transmitir emociones con su voz única. Sin embargo, la estructura de la canción puede resultar confusa para algunos, ya que mezcla diferentes secciones sin una transición clara.

8. "Scraped":

Con una energía frenética y un enfoque más directo, "Scraped" muestra una faceta más agresiva de Guns N' Roses. La canción cuenta con riffs de guitarra potentes y la voz enérgica de Axl Rose. Sin embargo, algunos críticos consideran que carece de la profundidad lírica y la complejidad musical de otras canciones del álbum.

9. "Sorry":

Una balada cargada de emociones, "Sorry" muestra la vulnerabilidad y el arrepentimiento en la voz de Axl Rose. La instrumentación es suave y complementa la letra introspectiva. Es una de las canciones más accesibles del álbum y destaca por su calidad lírica.

10. "I.R.S.":

Con una influencia marcada del rock industrial, "I.R.S." es una canción llena de energía y actitud. Los riffs de guitarra potentes y los elementos electrónicos se fusionan para crear una atmósfera intensa. Sin embargo, algunos críticos consideran que la canción puede sonar un tanto repetitiva.

11. "Madagascar":

Esta canción es notable por su uso de samples y su mensaje político. Combina fragmentos de discursos famosos y la voz de Martin Luther King Jr. para crear una declaración poderosa. La instrumentación y la producción son sólidas, aunque algunos oyentes pueden encontrarla excesivamente densa.

12. "This I Love":

Una balada emocional y desgarradora, "This I Love" muestra la sensibilidad lírica de Axl Rose. Con una instrumentación melódica y la voz llena de sentimiento, es una de las canciones más conmovedoras del álbum. Sin embargo, algunos críticos consideran que la duración de la canción puede ser excesiva.

Chinese Democracy de Guns N' Roses es un álbum que ha generado opiniones encontradas desde su lanzamiento. Con canciones que abarcan una amplia gama de estilos y emociones, este álbum demuestra la diversidad musical y la capacidad compositiva de Axl Rose. Si bien algunas canciones son destacables por su intensidad, emotividad y calidad lírica, otras pueden resultar excesivamente largas o con una producción excesiva. En general, Chinese Democracy es un disco polarizante que muestra el talento y la evolución de Guns N' Roses, pero no logra alcanzar la misma grandeza que sus álbumes clásicos.

Daniel

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Guns N' Roses - Live Era 87-93 (Mes Guns N' Roses)

Tras el derroche creativo que supuso la creación de Use Your Illusion I & II (1991), los chicos malos de Guns and Roses parecían haber agotado todos sus recursos, con un decepcionante disco de versiones (The Spaghetti Incident, 1993) del que apenas un par de canciones recordaban lo que habían sido capaces de ofrecer en discos anteriores. Para paliar la larga travesía del desierto, y con el grupo ya roto por las rencillas internas y los choques entre los grandes egos de sus integrantes, en 1999 decidieron sacar un disco que lograra atrapar la fuerza de la banda en directo, durante su período de máximo esplendor artístico.

Así surgió la idea para lo que acabó llamándose Live Era '87–'93, un doble álbum en directo que, como su nombre indica, estaba compuesto por grabaciones de conciertos entre los años 1987 (durante la gira del álbum Appetite for destruction) y 1993 (hasta el final de la larga gira mundial de los "Use your Illusion"). La selección de temas corrió a cargo de Del James, un colaborador cercano a la banda, que trabajó con la supervisión directa de Axl Rose, que hacía de filtro y que, a través de sus abogados, compartía los temas seleccionados con Slash y Duff McKagan para que dieran su aprobación, en lo que sirve de claro ejemplo de las frías relaciones que mantuvieron durante la segunda mitad de los noventa. Slash valoró el resultado final del disco, reconociendo que sonaba demasiado rudo y sin pulir, pero mostrándose satisfecho con lo fiel que éste era al sonido de los conciertos que daban por entonces. Para el guitarrista, no tenía que sonar perfecto, tenía que sonar a Guns & Roses, y ese objetivo lo cumplía con creces. En sus propias palabras: "No suena bonito y tiene algunos errores de directo, pero esto es Guns & Roses, no la puñetera Mahavishnu Orchestra".

Pocos datos se incluyeron sobre las fechas y los lugares en los que se grabaron las canciones incluidas en el disco. El único comentario hace referencia a que fueron "grabadas a lo largo del universo entre 1987 y 1993", y solo recurriendo al truco de buscar la presencia de Steve Adler (primer batería de la banda) en las canciones para verificar que, salvo en los tres temas en los que se le acredita, el resto de disco proviene de grabaciones de la gira de "Use your Illusion". Como todo disco de Guns & Roses, no estuvo exento de cierta polémica, y en este caso a nivel interno, porque no fue un plato de buen gusto que miembros de la banda que tocaban en la mayor parte de los temas, como Matt Sorum (que ya era responsable de la batería en los "Illusions") o Gilby Clarke, que sustituyó a Izzy Stradlin nada más publicarse los dos míticos discos, fueran acreditados solamente como "músicos adicionales".

Llama también la atención que dos temas habituales de aquella gira, "Live and Let Die" y "Civil War" fueran descartados para el disco, mientras que temas menos habituales como "Pretty Tied Up" o "Move to the City" fueran de la partida, y no menos curioso es que algunos de los temas incluidos ya hubieran sido publicados en otros formatos por la banda. El caso más llamativo quizá sea "Knockin' on Heaven's Door", porque la interpretación corresponde a la del concierto de homenaje a Freddie Mercury, que había sido ya publicada por Guns & Roses como cara B del single de la versión de estudio. Igual ocurre con la versión en directo de "Yesterdays", que es la misma que ocupó la cara B del single de la canción de Use your Illusion.

La cosa no queda ahí, porque las grabaciones de "Estranged," "Don't Cry," "November Rain," "Pretty Tied Up", "You Could Be Mine" y "Move To The City" son los audios del concierto de la gira de Use your Illusion que fue publicado en vídeo, pero ejercicios de reciclaje aparte, es difícil resistirse a una compilación de interpretaciones en directo que cuente, además de las ya mencionadas, con la plana mayor de Appetite for destruction: "Nightrain", "Mr. Brownstone", "It's So Easy" "My Michelle", "Rocket Queen", y por supuesto "Welcome to the Jungle", "Sweet Child O' Mine" o "Paradise City", o los mejores momentos de Lies (1988), con "Patience", "Used to love her" (más eléctrica que en la versión original), "You're crazy" (más blusera y a medio camino entre la versión eléctrica del "Appetite" y la acústica de "Lies") y la ya mencionada "Move to the City".

Como últimas curiosidades, la banda incluyó una versión del tema "It's Alright" de Black Sabbath y, en la versión japonesa, una versión en directo de "Coma", también procedente de las grabaciones de la gira de Use Your Illusion. Como en toda compilación o concierto, habrá quién eche de menos algunas canciones, y también (como yo) quien no entienda que otras canciones sí que fueran incluidas (en mi caso, Out to get me o Dust and bones me parecen canciones menores) pero lo cierto es que Live Era '87–'93 roza el sobresaliente como documento de la era triunfal de unos Guns & Roses que nunca volvieron al nivel de aquellos conciertos, en los que estuvieron tocados por la varita mágica del talento y la actitud rock.

Disco de la semana 336: Use you Illusion II - Guns & Roses (Mes Guns N' Roses)

La publicación conjunta de los discos Use your Illusion I y Use Your Illusion II (1991) fue un auténtico golpe sobre la mesa de una banda que mostraba orgullosa toda la fuerza y la capacidad creativa que habían moldeado y trabajado en la cocina desde el genial Appetite for destruction (1987) y el deslavazado Lies (publicado en 1988 con una cara en directo y otra de apreciables temas acústicos), pero aunque en realidad ambas "Ilusiones" fueran parte de la misma obra, la distribución de las canciones en uno u otro les dotó (sorprendentemente, porque afirmaron haberlas repartido por sorteo) de una identidad diferencial muy marcada y característica.

Así, dónde en Use your illusion I predomina el rock rotundo y luminoso (Right next door to hell, Double Talkin' Jive) complementado por grandes baladas de heavy épico (November Rain, Don't Cry), en Use your Illusion II las canciones tienen una carga de reflexión y melancolía que no encontramos en ningún otro disco de la banda californiana, haciendo de este disco una curiosa gema de su discografía. Pero hablar del tono de tristeza y oscuridad que transmiten letras como la de la larga e intensa Civil War con la que comienza el disco ("en mis primeros recuerdos dispararon a Kennedy, y me volví insensible cuando aprendí a ver") o la desgarrada mirada al pasado de 14 years ("Han sido catorce años de silencio, catorce años de dolor") no significa que nos encontremos ante un disco lento o musicalmente apagado. Todo lo contrario, estamos ante un mastodóntico disco de rock, en el que la tristeza de las composiciones viene acompañada siempre de una buena dosis de rabia contra lo establecido, y tanto Slash como Stradlin dan buena cuenta de ella con sus afiladas guitarras.

La mirada melancólica al pasado continúa en los primeros versos de Yesterdays, pero la rabia se abre paso y la banda parece rebelarse contra su propia melancolía ("De repente, en este momento, he descubierto que estoy solo y en la calle, y los días de ayer no me aportan nada, son solo viejas fotos que siempre estoy mirando"). Es la rabia del que se sabe deprimido y al borde del abismo, y la diferencia conceptual respecto al primer "Illusion" es todavía más clara si nos fijamos en una curiosa pauta: Cada "Illusion" incluye una versión de una canción de otro artista, pero si en el primero optaron por el luminoso y orquestal Live and let die ("Vive y deja morir") de Wings, en éste optan por una intensa revisión del melancólico Knockin' on heaven's door ("Llamando a las puertas del cielo") de Bob Dylan.

Get in the ring, con efectos de falso directo o de la audiencia de un combate de boxeo, es la pieza más rabiosa del álbum, en la que un presentador radiofónico presenta a los Guns & Roses en un lado del cuadrilátero, mientras en el otro van desfilando, con nombre y apellidos, y a través de la desafiante voz de Axl Rose, un buen puñado de críticos musicales a los que el cantante desafía a subirse al ring. La intensidad no decae en Shotgun blues, tan acelerada que no merece el calificativo de "blues", y que habría encajado más en la dinámica de temas de Use your Illusion I. ¿A cambio de qué canción? A estas alturas del disco, una canción como Dead Horse habría encajado mucho más dentro del disco más introspectivo e inquietante de unos Guns & Roses en estado de gracia.

Cambios deseados aparte, la sensación de bajada de pistón de Shotgun blues dura poco, porque una canción tan oscura y reflexiva como Breakdown, y a la vez tan rotunda y rabiosa, resucitaría cualquier momento valle de cualquier disco. Recuperada de nuevo la "ilusión", llega el momento de la polémica misógina de Pretty tied up, un tema que habría encajado en cualquiera de las dos entregas, y de la brillante Locomotive, un tema largo e intenso que es como una gran locomotora atravesando el disco a gran velocidad. Una pena que todo descarrile en So fine, la aportación compositiva del bajista Duff McKagan, que queda sosa en un conjunto de tanta profundidad lírica y de tanta intensidad sonora.

No puedo evitar rasgarme las vestiduras, al pensar en lo que habría sido terminar el subidón de Locomotive y, casi sin pausa, haber empezado con el piano y la dolorosa voz de Axl Rose en el arranque de Estranged, probablemente la obra maestra del disco, un tema largo, épico y desgarrador en el que toda la banda está a un nivel excelso, pero en el que la voz desgarrada de Axl destacan sobre el conjunto, aderezados por los siempre efectivos solos de Slash. Y en este punto, sí que consiguen mantener la llama en todo lo alto, porque el último redoble de batería de Estranged encaja a la perfección con el rotundo ritmo de batería con el que Matt Sorum comanda el arranque de You could be mine, un éxito mundial que no necesita presentación. Fue el tercer sencillo de mayores ventas de la banda (solo por detrás de Sweet Child o' Mine y November Rain), llegando a vender más de 7 millones de copias. Buena parte de la culpa de su éxito la tuvo, sin duda, que fuera incluida como tema principal de la banda sonora de Terminator 2: El Juicio Final, y que el mismísimo Arnold Schwarzenegger participara en el videoclip promocional de la canción.

Dicen los buenos contadores de historias que hay que saber terminarlas en un punto alto, y en You could be mine debería haber acabado este disco, porque ni la alternativa versión de Don't cry, que no mejora la incluida en el primer disco, ni la anecdótica pseudo canción electrónica de My world, deberían siquiera haber sido parte de ese sorteo con el que aparentemente decidieron las canciones que irían a uno y otro Illusion. Y si el azar les puso en bandeja la creación de dos discos tan acertados y con una personalidad tan propia y diferente, no habría estado de más algún que otro pequeño ajuste para que ambos discos hubieran sido, si cabe, aún más "ilusionantes". No hacía falta tocar mucho, simplemente darse cuenta de que, descartando los temas ya mencionados, una canción tan depresiva y atormentada como Coma habría tenido más sentido y sitio como cierre de este segundo disco. Pero no fue así, y a cambio hizo también más grande a su hermano gemelo, y entre los dos lograron que, en los albores de los noventa, no perdiéramos nunca la ilusión por el rock.

Guns N' Roses - Use Your Illusion I (Mes Guns N' Roses)

 

Use Your Illusion I, Guns N' Roses

1991 sería un año para recordar para el grupo estadounidense Guns N' Roses, pues el 17 de septiembre de ese año aparecen publicados sus determinantes Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. Nos vamos a centrar en el primero, Use Your Illusion I, del cual se han vendido la nada despreciable cifra de alrededor de 17 millones de copias en todo el mundo.

Use Your Illusion I es grabado en varios estudios de California (Estados Unidos) y Ontario (Canadá), bajo la producción de Mike Clink y los propios Guns N' Roses, y publicado bajo el sello discográfico Geffen Records en formatos de vinilo, cassette, CD, descarga digital y streaming. Este disco comenzó arrasando desde su publicación, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos, alzándose 7 veces con el ansiado disco de platino. Fuera de casa también consiguieron cifras demoledoras en todo el mundo, en países como Argentina, Canadá, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, Alemania, Japón, Islandia O Noruega. Todo esto se vería recompensado en 1992 con un premio Grammy. 

Use Your Illusion I representa un punto de inflexión y un cambio en el sonido del grupo, pues a pesar de no dejar de lado sus influencias con el hard rock, se atreven con otros estilos como el blues, la música clásica, el heavy metal, el punk rock o el rock n' roll de la vieja escuela. Para la grabación del álbum, el grupo tuvo que prescindir del batería Steven Adler, que no había superado superar sus problemas con las drogas, y sustituirlo por Matt Sorum. Varios temas habían sido ya escritos en los primeros días de la banda, temas como Back Off, Bitch, Bad Obsession, Don't Cry, November Rain y The Garden, atreviéndose también con una versión de Live and Let Die de Paul y Linda McCartney. 

Otra de las diferencias con sus inicios es que apuestan por un formato de canciones más largas, como por ejemplo November Rain, con una duración de casi 9 minutos, y Coma, que tiene una duración de más de 10 minutos. También apuesta el grupo por temas cantadas por otro de los integrantes de la banda aparte de Axl Rose, así Dust N' Bones, You Ain't the first y Double Talkin' Jive fueron interpretadas por Izzy Stradlin. Para la portada usaron una sección de la pintura "La escuela de atenas" de Rafael, que fue creada por el artista estonio -estadounidense Mark Kostabi. Dicha portada, de color roja y amarilla, fue utilizada también para el Use Your Illusion II, con la particularidad de que se usaron los colores púrpura y azul. 

Entramos a desgranar este apasionante doble álbum, el cual abre la traca con Right Next Door to Hell, la cual trata sobre la discusión que Axl Rose tuvo con su vecina de West Hollywood, Gabriella Kantor, y que denunció a Axl cuando este le arrojó una botella de vino en 1990. Dust N' Bones, escrita por Slash, izzy Stradlin y Duff McKagan. Como hemos comentado anteriormente, es la primera canción en ser interpretada por Izzy Stradlin en vez de Axl. También es la primera donde aparece el tecladista Dizzy Reed al piano y contiene una guitarra con el efecto Talkbox. Live and Let Die es un cover de la banda inglesa Wings, y fue compuesta por Paul y Linda McCartney. Don't Cry es uno de los grandes momentos del disco. Este es un tema anterior a los inicios del grupo, y fue escrita por Axl Rose e Izzy Stradlin después de que ambos se enamoraran de la misma chica. Ella no quiso elegir y le dijo a Axl mientras estaba sentado en un banco en el parque: "Don't Cry Bill", lo que dio origen al título. Intentaron grabar este tema para su Appetite for Destruction (1987), pero tuvieron que dejarlo al no obtener el sonido que buscaban para la canción. Cierra la cara 1 Perfect Crime, tema que fue escrito por Axl rose, mientras que la música corrió a cargo de Slash e Izzy Stradlin. 

La cara 2 comienza con You Ain't the First, uno de los pocos temas del disco que no contiene guitarras eléctricas, en su lugar se usaron guitarras acústicas, siendo una de ellas tocada con la técnica del Slide. Bad Obsession, escrita por Izzy Stradlin y West Arkeen. Una canción que habla de la adicción a las drogas que había perseguido a la banda antes de que se hicieran famosos. En la versión de estudio colabora Michael Monroe, de Hanoi Rocks, quien toca la armónica y el saxofón. Back Off Bitch, otra de las canciones escrita en los comienzos de la banda. Esa canción ya hbia sido interpretada por el grupo en conciertos antes el lanzamiento de Appetite For Destruction (1987). Double Talkin' Jive cierra el lado 2. Es otro de los temas escritos y cantados por Izzy, y el final de la canción contiene un particular solo de guitarra de estilo flamenco, interpretado por Slash. Sin embargo, en vivo la canción solía ser interpretada por Axl incluso cuando todavía estaba Izzy. 

El lado 3 abre con otro de los grandes momentos del disco, la balada November Rain. La letra está basada en una historieta escrita por el músico, escritor, periodista y artista estadounidense Del James, y que forma parte de una colección llamda The Language Of Fear. La versión original de la canción tenía una duración de unos 25 minutos, y finalmente fue acortada hasta los casi 9 minutos de duración. The Garden cuenta con la colaboración de Alice Cooper, quien se marca un interesante duelo con Axl Rose. Comienza Rose cantando sobre la bonanzas de un jardín, pero Cooper se encarga con su voz amenazante, de hablarnos de los inconvenientes de ese jardín. Hay quien interpreta este tema como una referencia a las drogas, de como surge la atracción por ellas, y como los inteligentes, en voz de Cooper, saben arreglárselas sin ellas. Garden of Eden, escrita por Axl y Slash, fue escrita mientras la banda se encontraba ensayando en Chicago. Don't Damn Me se encarga de cerrar el lado 3. La canción fue escrita como respuesta a la polémica que surgió en torno al grupo después del lanzamiento de G N' R Lies (1988), que contenía pistas con contenido explícito, como One in a Million. Esta es la única canción del álbum que nunca ha sido interpretada en vivo. 

El lado 4, y último de este álbum doble, es abierto por Bad Apples, escrita durante la estancia del grupo en Chicago. Esta canción si ha sido tocada en vivo, aunque únicamente un par de veces. Dead Horse fue escrita por Axl rose, quien además toca una guitarra acústica. La canción tiene dos curiosidades más, la primera es que al interpretarla en vivo en algunos conciertos, Axl Rose tocaba la guitarra acústica al comienzo, y la otra es que al comienzo de la canción se escucha un efecto como el rebobinado de un cassette. Llegamos al final del álbum con el tema más largo, Coma, con una duración de más de 10 minutos. La letra corrió a cargo de Axl, mientras que la música fue obra de Slash, aunque Axl siempre la  ha descrito como el "bebé" de Slash. Axl escribió la letra cuando tuvo una sobredosis, la cual fue, según el propio Axl, provocada por el estrés: "Tomé un frasco de pastillas en una discusión y me las tragué... Terminé en un hospital, pero me gustó que ya no estaba luchando. Mis primeros pensamientos reales fueron, 'no has trabajado lo suficiente, el disco va a ser olvidado, tienes trabajo que hacer, vete de esto', y me desperté. Pero al describir esto, la  gente podría malinterpretarlo y pensar que significa ponerse en coma". También comentaba Slash sobre la canción, "Escribí 'Coma' en mi delirio de heroína... Esa es una canción de la que todavía estoy orgulloso, no hay mucha técnica, pero tiene un enfoque bastante directo". también comentaba el genial guitarrista que lo realmente interesante de la canción era la progresión de acordes giratoria que nunca terminaba, la misma progresión de acordes cada vez, pero que seguía cambiando de tono. Todo un descubrimiento musical matemático para Slash, "Me topé con él y es mucho yo haciendo lo mío...pero funcionó". 

Guns N' Roses - Lies (Mes Guns N' Roses)

El primer álbum de Guns N' Roses, Appetite for Destruction (1987), es sin duda uno de los debuts de larga duración más espectaculares de la historia de la música, no solo porque es el álbum debut más vendido de todos los tiempos, sino también considerando que es la razón de la mayor parte del legado de Guns N' Roses como una de las bandas absolutamente más queridas e influyentes que jamás haya existido. Pero la banda tardaría cuatro años en seguir realmente su debut con el grandioso tema de dos partes Use Your Illusion. Mientras tanto, entregaron a los fans un pequeño aperitivo resultado de juntar dos EP de cuatro pistas con sonidos muy diferentes para formar lo que se conocería como su segundo álbum Lies. Que también parece ser un álbum que solo ha sido de interés para los fans acérrimos. Cuando salió Appetite for Destruction yo tenía 15 años y, soy un adolescente que vive en una época en la que se lanza mucha música influyente. Con 16 años sigues como loco por ver lo que te pueden dar ese grupo, lo que no esperas es que, para su segundo álbum, se recluyan en un refugio de montaña y pases años jugando con la cosa hasta que la gente quiera escucharla solo para ver lo mala que es. En su lugar, se espera que regreses al estudio y trabajes en algo, sin importar la calidad, y luego posiblemente continúes haciendo tu obra maestra (si no te separas o mueres primero). A estas alturas, yo no me había dado cuenta de que Guns n' Roses no era precisamente una banda que le preocuparan esas cosas.

Comienza con el EP con "Reckless Life" una melodía punk de ritmo rápido que se trata de vivir el sueño salvaje del rock and roll, mientras que "Move to the City" ralentiza un poco el tempo con el tipo de música rock más funky que Guns dominaría más tarde mejor que nadie ha sido capaz de hacerlo. Y luego están la versión de "Nice Boys" de la banda australiana Rose Tattoo y la versión de "Mama Kin" de Aerosmith, la banda a menudo citada como una de sus mayores inspiraciones. El segundo EP presenta canciones de 1988 grabadas casi en su totalidad con instrumentos acústicos. Y la primera canción es "Patience", que es mi mayor favorita entre las baladas de la banda... 

"Don't Cry" (que saldría tres años después) podría ser más bella en melodía, pero "Patience" es definitivamente la mejor canción: los primeros 50 segundos con solo guitarras y silbidos valen por sí solos todas las escuchas repetidas. La segunda canción, "Used to Love Her", supuestamente se basó en una broma interna dentro de la banda, lo que probablemente explica el contraste absurdo entre los ritmos alegres y el canto, y las letras ligeramente perturbadoras. Este álbum también presenta una versión alternativa de "You're Crazy" de su álbum debut. Y aunque ese fue tocado de una manera rápida y enérgica, es la versión más lenta y relajada que se escucha aquí que se ha dicho que es la forma en que realmente pretendían que sonara desde el principio. 

Y luego está la última canción que es más conocida por su controvertida letra donde Axl ataca a los "maricas" y "niggers" entre otros, lo que resulta en cosas como "One in a Million" siendo la única canción de los primeros cuatro álbumes de Guns que nunca tuvo se ha realizado en vivo, por lo que he oído. Sin embargo, no creo que busquen ofender, saber que Axl es/era un gran admirador de artistas como Freddy Mercury y Elton John, y que su propio compañero de banda, Slash, es mitad afroamericano, hace obvio que era nunca una expresión de sí mismo como homófobo o racista. 

Puedo decir que a la edad de 16 años, estaba contento cuando salió este álbum, y a la mayoría de los que nos gustó G n 'R nos gustó Lies .. Al escucharlo de nuevo después de todos estos años, todavía encuentro que es un lanzamiento que vale la pena. Mostraba una banda abrumada por su repentino estrellato que era mucho más versátil de lo que la gente creía originalmente, amo casi todas las canciones aquí, y las pocas que no AMO, realmente me gustan, al menos. Pero al mismo tiempo, no puedo evitar dejar que mi opinión general se sienta un poco molesta porque se trata de dos EP completamente diferentes que en realidad no están hechos el uno para el otro. 

Y es por eso que no está bien colocar Lies junto a discos coherentes y brillantes, puede que se encuentre para siempre en las sombras tanto de su predecesor como de los dos álbumes posteriores, pero en mis oídos es un documento tan importante como esos otros, de la increíble magia que poseía Guns N' Roses en los seis años transcurridos desde 1986 a 1992.

Disco de la semana 335: The Silent Force - Within Temptation

 

The Silent Force, Within Temptation

     The Silent Force es el tercer álbum de estudio de la banda de metal sinfónico originaria de Países Bajos Within Temptation. Este trabajo fue grabado entre mayo y agosto de 2004 en varios estudios de Países Bajos, Bélgica y Rusia, bajo la producción de Daniel Gibson y Stefan Helleblad, y publicado el 11 de noviembre de 2004. En el Reino Unido fue publicado en agosto de 2005. El sello discográfico GUN Records se encargó de su distribución en Europa, mientras que Roadrunner Records lo hizo para el resto del mundo.

Este disco fue el primero en presentar a Ruud Jolie en la guitarra principal y a Martijn Spierenburg en los teclados, acompañando a Sharon de Adel (voz), Robert Westerholt (guitarra rítmica), Jeroen van Veen (bajo) y Stephen van Haestregt (batería).

The Silent Force fue concebido en un época lleno de acontecimientos que cambiarían el paso de la banda. Después del lanzamiento de Mother Earth (2000), el grupo grupo consigue una gran repercusión y éxito comercial, hecho que hace que el grupo empiece a notar la presión y se sienta vulnerable, ya que hasta entonces tocar música era principalmente un pasatiempo para sus miembros. A esto se suma la firma a un sello más potente, pues abandonan el sello discográfico independiente DSFA, con el que no acaban muy bien, y firman con los alemanes GUN Records.

El grupo ingresa en el estudio en verano de 2004 para la grabación del álbum, la escritura y composición les llevo entre cuatro y cinco meses, y la grabación 2 meses. El hecho de entrar en el estudio a las 9 de la mañana y salir a las 11 de la noche, unido a la propia oscuridad del estudio, hizo que un sentimiento oscuro y sombrío se apoderara de la banda. Para la grabación, el grupo contó con la colaboración de una orquesta de 80 musicos y de un coro ruso, y en cuanto a las letras, el disco se inspiró en la fantasía, la literatura y la vida personal de los miembros de la banda. El título, The Silent Force, se refiere a las fuerzas que a veces llevan  las personas a hacer ciertas cosas, fue tomado de un libro de principios del siglo XX de un escritor de Países Bajos, llamado Louis Couperus, y todas las canciones están de alguna manera conectados con el libro. En el plano comercial, el disco funcionó muy bien, obteniendo críticas en su mayoría favorables, lo que ayudó al grupo a aumentar su popularidad fuera de Países Bajos.

El bajo estado de ánimo de la banda se nota durante el proceso de escritura del disco, y se ve reflejado en el tono oscuro que rodea todo el álbum. El hecho de estar en un sello más potente se nota, más dinero y medios que permitieron al grupo lanzarcuatro vídeos para la promoción del álbum, correspondientes a Jillian (I'd Give My Heart), una hermosa y melódica balada que trata sobre un serie de telenovelas de fantasía llamadas Deverry Cycle, de Katharine Kerr, y que están ambientadas en la tierra ficticia de Deverry. La canción fue usada para promocionar el DVD en vivo The Silent Force Tour, editado en 2005; Stand My Ground, sin duda uno de los grandes momentos del álbum. Esta canción aborda la agitación política que había en los Paíes Bajos después del asesinato de Pim Fortuyn, hecho que afecto a la banda. Pim Fortuyn fue un político holandés que fue asesinado el 6 de mayo de 2002, nueve días antes de las elecciones generales del país. El grupo, a pesar de no estar de acuerdo con las opiniones políticas de Fortuyn, temían por su propio futuro y el futuro del país; Angels, canción que trata sobre el hecho de que las personas en las que uno confía a menudo luego nos sorprenden y realmente no son tan confiables. Aunque está escrita a través de metáforas, está claramente inspirada en las disputas discográficas que la banda tuvo con su sello discográfico anterior; y Memories, tema que fue lanzado como segundo sencillo del disco. 

Estos cuatro temas anteriores, unidos a otro puñado de buenos temas, redondean  un gran disco. Temas como Pale, una emotiva canción donde  la voz de Sharon den Adel crea un maravilloso ambiente atmosférico. Estamos sin duda ante otro de los grandes momentos del álbum; Forsaken, tema con un enfoque oscuro y pesado que nos habla sobre el abandono, la lucha y la redención, y que combina con mucho acierto guitarras pesadas con una combinación de voces melódicas y guturales; y Aquarius, que aborda la relación entre el amor y el miedo que la cantante Sharon tiene con el océano, un miedo que desarrolló después de ver siendo niña la película Tiburón (1975) de Steven Spielberg.

A pesar del difícil momento en el que fue concebido, The Silent Force fue un hito en la carrera de Within Temptation, ayudando al grupo a llegar a un grupo de audiencia más amplio, y ayudando también a posicionarse como una de las bandas líderes del metal sinfónico. 

Disco de la semana 330: Hail To The Heroes - Girish And The Chronicles

 

Hail To The Heroes, GATC

     En un país donde prácticamente toda la industria cinematográfica y musical se encuentra eclipsado por el mundo de Bollywood, es donde por casualidad encontré una banda que con un estilo comletamente diferente, está llamada, si no se tuerce por el camino, a ser una de las próximas dominadoras de la escena musical del heavy rock: Girish and the Chronicles.

Nos vamos a remontar a la juventud de los hermanos Pradhan, Girish y Yogesh. Según Girish, cuando su hermano Yogesh estaba aprendiendo a tocar la guitarra, él también se puso, y en el poceso descubrió que podía cantar y hacerlo mucho mejor cuando tocaba dicho instrumento. Así es como Girish comenzó en sus inicios a imitar a artistas como Bon jovi, Steven Tyler o Bruce Dickinson, estos dos últimos sus mayores influencias. En aquellos años, un amigo de Girish subió al famoso canal Youtube una versión que este había hecho de la canción I Don't Want To Miss a Thing de Aerosmith. A raíz de aquel vídeo empezaron a llegar comentarios y visitas de todas partes, lo que impulsó a Girish en 2008 a crear su  propio canal de youtube, un canal que ahora es un canal reservado para la banda.

Un año después es cuando nace Girish and the Chronicles, también conocidos por sus siglas, GATC, en la localidad india de Gangtok en 2009. A Girish (vocalista y guitarra rítmica) y Yogesh (bajo), se unen Suraz Sun (guitarra principal) y Nagen Mongrati (batería). Ese mismo año, en 2009, la banda lanza su primer sencillo promocional, Angel, al que segurían una serie de demos y lanzamientos entre 2011 y 2013, principalmente a través del canal Youtube. 

En el año 2014 llegará el primer álbum de estudio de la banda, su disco debut, Back On Earth. En un país donde por entonces Spotify todavía no se había lanzado al mercado indio e iTunes era algo a lo que no todos tenían acceso, únicamente les quedaba el canal Youtube, y sumado al hecho de que la banda estaba más enfocada en las giras, hizo que el grupo no tuviera excesivo interés en lanzar un disco. A principios de 2013, y sin estar seguros como iban a lanzarlo, la banda se muda a Bangalore para grabar el material del que ya disponían desde el año 2012, junto con algún que otro tema compuesto para la ocasión. A mediados de ese año se ponen en contacto con Universal Music India y consiguen llegar a un acuerdo para lanzar el disco debut. Back On Earth no llegó a tener un gran impacto. La banda conseguiría filmar el disco completo más tarde con Music Mojo (Kappa TV) y fue lanzado en Youtube, lo que ayudó a llegar a un público más amplio.

Después de algun que otro single la banda publica su segundo álbum de estudio en 2020, Rock the Highway. Este disco supone un punto de inlfexión de una banda que sigue creciendo y asentandose en el panorama muical. La revista Rolling Stone se llega a hacer eco de este álbum, llegando a decir del mismo que es "puro caos para cualquier fanático del rock y el metal de los 80", y la revista especializada Metalsucks incluyó este álbum en la tercera posición de su lista "Los 15 mejores álbumes de metal de 2020 de Vince Neilstein".

A principios de 2021 la banda firma un contrato con la discográfica Frontiers Records, convirtiéndose en la primera banda india en ser firmada por el sello. Así llega Hail to the Heroes, el disco recomendado para la ocasión, publicado el 11 de febrero de 2022. Con este tercer trabajo la banda demuestra una solida madurez, no han inventado nada, se mueven como peces en el agua en el heavy rock que tantas alegrías nos dio en la década de los años 80 y principios de los 90, pero con una producción adecuada al siglo XXI. Y nos lo van a demostrar durane los 12 temas que componen este disco. Temas como Primeval Desire, con un sonido muy norteamericano, temas más cañeros, como Children Of the Night, con una sección rítmica mucho más pesada que el tema anterior y con un rollo muy trash, Love's Damnation, que sigue una línea muy similar al tema anterior;, el melódico Clearing The Blur y el también rock melódico Lovers Train; Hail To The Heroes, que contiene una pequeña intro, y que es una clara muestra de las influencias del grupo en el hard rock de los 80, Shamans Of Time, donde Girish nos regala una interpreción vocal brutal, o Rock N' Roll Fever, donde cuentan con la colaboración del percusionista norteamercano Chris Adler, el guitarrista Rowan Robertson y del músico Myrone.

Hail To The Heroes, como su propio título indica, es todo un homenaje a los héroes del rock y de los que la banda se ha nutrido e influeciado en su carrera, rock de la vieja escuela de finales de los ochenta y principios de los noventa. El grupo ya se ha ganado el reconocmiento de la industria de la música dentro de su país, y ahora se encuentran en plena expansión fuera de sus fronteras, habiendo compartido escenario ya para grupos como Skid Row, Kamelot o Bonfire, y han sido sido anunciados como teloneros ni más ni menos que de Guns 'N Roses en el Etihad Arena de Abu Dhabi para su concierto el día 1 de julio de 2023. Este mismo año, la banda ha regrabado, mejorando la producción y el sonido, su álbum debut, Back On Earth, y además tienen anunciados cuatro conciertos en nuestro país, en Madrid (6 de julio, sala Revi Live), Burgos (7 de julio, festival Zurbarán Rock), Santander (8 de julio, Escenario) y Cangas do Morrazo (9 de julio, Salason), por lo que si puedes no deberías perderte el gran potencial de esta banda en directo.

Scorpions - Hour I (Mes Scorpions)

 

Humanity Hour I, Scorpions

     Mientras el mes de marzo va llegando a su fin, vamos a despedirlo dentro del ciclo que estamos dedicando este mes a Scorpions, con un álbum conceptual basado en la literatura de autores de ficción como Isaac Asimov y Philip K. Dick. A su vez, estas fueron mezcladas con la visión apocalíptica de humanos y androides del director de arte Liam Carl. Así cocinó Scorpions Humanity: Hour I en 2007, el decimosexto álbum de la banda germana, donde a través de todas esa ideas anteriores crean un cóctel y nos cuentan la historia de los supervivientes al final de la humanidad, y como estos, para organizarse nuevamente deben rescatar los valores más significativos de la raza; el amor, el compañerismo o la amistad entre otros. Según Klau Meine, querían hacer un álbum que estuviera actualizado, con un sonido más moderno pero sin perder la esencia del sonido del grupo. También afirmaba que "No era tanto experimentar, todavía queríamos un disco de Scorpions, pero no tanto un álbum de rock clásico como volver a los viejos tiempos, los años 80. Realmente queríamos que el disco sonara como ahora, en 2007".

Humanity: Hour I es grabado entre octubre de 2006 y febrero de 2007 entre varios estudios, los Little Big Guy Studios, Gentelmen's Club, Glenwood Place Studios, Track Record Studios, The Village y los estudios Record Plant. El disco fue lanzado en Europa el 14 de mayo de 2007 por el sello discográfico RCA / Sony BMG, y en Estados Unidos y Canadá el 28 de agosto de 2007 por el sello discográfico New Door / UME. Según Rudolf Schenker, la intención de este disco es que continuara donde su anterior disco, Unbreakable (2004) lo había dejado. El grupo tenía en mente contar para la producción del disco con Dieter Dierks, pero la cosa no cuajó debido a un desacuerdo sobre el contrato. Durante los conciertos del grupo en 2006, el grupo invitó a varios productores a venir a Alemania para una entrevista, pero los miembros de la banda no estaban muy contentos con lo que los productores ofrecían, por lo que al final eligieron al productor y compositor estadounidense Desmond Child y al productor, músico, compositor, cantante, ingeniero de sonido y mezclador estadounidense James Michael.

A finales de 2006, concretamente en octubre, la banda se trasladó a Los Ángeles para comenzar a grabar el material que comprendería este álbum. Estuvieron trabajando durante mes y medio en la grabación de pistas básicas para el disco. El grupo había llegado allí con 30 canciones ya escritas y poco después comenzaron el proceso de composición. Muchas de esas canciones tenían un tono demasiado oscuro desde el punto de vista lírico, por lo que optaron por eliminar muchas de esas canciones más oscuras y trabajar en temas más optimistas. Para que las canciones encajaran en el concepto del disco, los compositores tuvieron que reescribir las letras y los coros de las canciones. En el periodo comprendido entre octubre de 2006 y febrero de 2007 la banda consiguió grabar trece canciones, de la cuales fueron incluidas en el Humanity: Hour I. Una vez terminado el proceso de grabación, la banda comenzó inmediatamente la gira promocional, y dado que en ese periodo el material aún no estaba mezclado, el grupo tuvo que colaborar con Desmond Child a través de Internet en el proceso de mezcla, y para hacerlo tuvieron que descargar todo el álbum, obtener el sistema de altavoces apropiado y luego enviar comentarios a Child a través de la red. 

La portada del disco presenta a un robot humano con el logotipo de Scorpions en la parte posterior de su cuello. El disco recibió en general muy buenas críticas, destacando que el disco mostraba a una banda potente y poderosa como antaño, que su creatividad y musicalidad estaba aún intacta o que las ondas de la radio necesitaban mucho a Scorpions. Hay quien incluso catalogó este álbum como el mejor del grupo germano desde Crazy World (1990). Tampoco se libró de alguna que otra crítica negativa, hay quien afirmó que el disco sonaba más como si hubiera sido escrito para Aerosmith en vez de para Scorpions, o que era un disco plano y sin complicaciones. 

Humanity: Hour I me parece un disco más que interesante, nos encontramos ante un disco conceptual en el que curiosamente las canciones no están conectadas entre sí. Según Klaus Meine: "Es conceptual en el sentido de que 'Humaniti' es como un tema global que ronda y se repite a lo  largo de todas las canciones, pero no es conceptual en el sentido de que cada canciónestá conectada entre sí, como si fuese una historia". En cuanto al sonido, todo está en su sitio y se nota en el equilibrio que logran mantener entre el sonido nu metal y las melodías de los años 80 que tan bien saben manejar. Encontramos colaboraciones como la del multinstrumentista, compositor, cantante y fundador de The Hooters, Eric Bazilian, que toca la  guitarra en Love Will Keep Us Alive, o la de Billy Corgan (The Smashing Pumpkins) colaborando en las voces en The Cross. La banda suena compacta y contundente y Klaus Meine está a la altura, como podemos comprobar en temas como The Game of Life o We Were Born to Fly, temas que nos recuerdaa a esa poderosa banda de los 80 cuando estaban en pleno apogeo. Quizás uno de los momentos más planos del disco sea The Future Never Dies, donde el piano acústico de esta balada no es suficiente para hacerla despegar. Pero no importa, no deja de ser anecdótico, pues las guitarras de Matthias Jabs y Rudolf Schenker en You're Lovin' Me to Death hace que no enganchemos de lleno, en 321, un tema de corte nu metal, las melodías y el estribillo te contagia, o The Cross y Humanity, que se mantienen en una gran línea y hacen de este disco más que recomendable su escucha.

Scorpions - Crazy World (Mes Scorpions)

 

Los años 90 no fueron buenos para el Hard Rock y el Heavy Metal clásicos, pero el comienzo de esta década fue al menos decente para esos géneros, albumes como Painkiller de Judas Priest y el quinto álbum homónimo de Metallica representaban el Metal melódico mientras la escena del Metal extremo se estaba desarrollando. Pero ¿qué pasa con el metal comercial? Ya sabes, ¿todas esas bandas Glam? Bueno, eso es algo interesante porque algunos de ellos estaban desapareciendo debido a la llegada del Grunge y algunas bandas lograron sobrevivir debido al cambio de estilo. Scorpions comenzó esta década bastante bien desde el punto de vista comercial cuando lanzaron un álbum recopilatorio en 1989 y obtuvieron éxito en las listas de éxitos con los sencillos Wind of Change y Send Me an Angel. Crazy World será recordado por sus sencillos principales que mencioné antes y no es algo malo para la banda porque obtuvieron mucho dinero debido a esos éxitos, pero ¿qué pasa con los fans? Seguramente fue una especie de decepción ver a una banda de Metal que alguna vez fue brillante escribir estas pistas de relleno.

 

Comenzando el álbum, “Tease Me Please Me” es un rockero puro al estilo de los ochenta con riffs buenos y profundos y una voz majestuosa del cantante principal Klaus Meine, el coro de la canción tiene un gancho pegadizo con acentos rudimentarios, una apertura divertida con un riff genial, un trabajo de guitarra desagradable, la voz arenosa de Klaus y, en general, pegadizo como el infierno, es puro rock & roll sucio. "Don't Believe Her", sigue en la misma línea que el tema de apertura, de hecho, esta canción es tan similar que podría ser la segunda parte de una suite de varias partes (que no lo es), con los mismos compositores, no es algo para destacar, pero sigue siendo una canción divertida y optimista, aunque el coro es bastante débil. “To Be with You in Heaven” comienza con un simple golpe de batería de Herman Rarebell junto con una creciente retroalimentación de guitarra antes de que los dos instrumentos unan sus fuerzas al unísono, moderada y metódica en todo momento. Pensé que iba a ser una balada, pero es demasiado optimista y demasiado rockera para serlo. Rarebell tiene un ritmo de percusión como base para la canción, el gancho esta en que tiene esas letras románticas que esperarías de una balada y Klaus las ejecuta impecablemente, pero no es una balada con ese trabajo de guitarra dual de Jabs y Schenker. “Wind of Change” fue escrita únicamente por Meine y es el verdadero clásico de este álbum (sin mencionar uno de los clásicos del rock de todos los tiempos), la introducción silbante de la canción está acompañada por una combinación perfecta de una guitarra acústica y dos guitarras eléctricas de Matthias Jabs y Rudolf Schenker. Puede ser la canción por la que todos conocen al grupo, la letra surge a raíz de la caída del Muro de Berlín y pronostica un cambio similar en Rusia (que en realidad sucedió al año siguiente, justo cuando la canción estaba en su apogeo). “Wind of Change” tiene el récord del sencillo más vendido de un artista alemán, encabezando las listas en siete países de todo el mundo (incluida Alemania) y alcanzó el Top 5 tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. Obviamente, después de este punto culminante, el álbum nunca mejora, pero todavía hay algunos momentos interesantes. “Restless Nights” contiene un blues crunch metódico con versos interesantes y melódicos, el bajista Francis Buchholz tiene unos momentos para brillar, pero todo es un poco oscuro y aprensivo. Incluso Klaus la canta con un poco de pesimismo hasta su coro más lucido Jabs establece un gran solo entre los gritos de Meine.

 

La segunda cara original del álbum comienza con un par de pistas estándar de hard rock. el tema bastante académico "Lust or Love" una diversión bastante descabellada con un gran ritmo y un estribillo que persiste mucho después de que se ha ido y te encuentras cantándola en la casa y tu esposa te mira con un mal de ojo sospechosamente extraño. Es un himno de metal entusiasta... bueno, está cerca. Despues viene "Kicks After Six", es más de lo mismo, rock & roll tentadoramente divertido, debo admitir que me gustan los rockeros estridentes, sórdidos y sucios, son divertidos, alegres y ponen un poco animo en mi día a día. En esta ocasión la canción abre con un riff realmente genial, Rarebell golpea el ritmo de conducción y la canción me da una patada en el culo. Ah, y el solo... no olvides el solo. “Hit Between the Eyes” sigue con algunos buenos rudimentos de estilo fire-one y un hiper arreglo en todas partes, que incluye un genial dúo de guitarras dirigido por Jabs y Schenker. Klaus esta brutal cuando ataca los versos con una energía que aún no hemos visto en este álbum. Luego llega "Money and Fame", que presenta un efecto de caja de diálogo genial de Jabs, quien coescribió la canción con Rarebell. La canción principal, “Crazy World”, tiene progresiones de acordes interesantes y una armonía profunda y suave durante el estribillo. Sin embargo, con cinco minutos de duración, esta pista se alarga demasiado. Los "ooohs" de Klaus son un buen toque, especialmente acompañados de algunos riffs geniales. Esta es una pista diferente del resto del álbum, un poco más trabajada, un buen cambio de ritmo y un corte bastante profundo que tal vez debería haberse colocado antes en el set.  Vallance toca algunos teclados malhumorados junto con la acústica elegida por Schenker en “Send Me an Angel”, una balada que es a la vez melancólica y esperanzadora, vemos a Klaus dar su mejor interpretación vocal mientras transmite una sensación melancólica pero donde queda una luz brillante de esperanza. Los teclados se suman a la tristeza y están a cargo de Jim Vallance, quien en realidad también coescribió 7 de las pistas aquí. Hay una desesperación en la letra porque se siente tan perdido, pero la esperanza de que un ángel vendrá y hará que todo sea mejor. Una pista realmente hermosa y que nunca me canso de escuchar.